El documento describe el período del Manierismo en Italia entre 1520 y 1564, caracterizado por la distorsión de figuras y espacios irreales. Destaca la arquitectura de Bramante, Miguel Ángel, Palladio y la escultura y pintura de Miguel Ángel, conocido por obras como la Piedad y el David. El Manierismo marca la transición entre el Renacimiento y el Barroco.

1. 3- EL CINQUECENTO Y LA CRISIS DEL MANIERISMO EN ITALIA. El centro de la vida política y del Arte se encuentra en Roma. Los Papas Julio II, León X y Sixto V los grandes mecenas de los artistas. Hasta 1520, predomina el sentido de la medida y el equilibrio, es el Alto Renacimiento. A partir de 1520, se inicia el dinamismo protobarroco, es el Manierismo. Este término fue acuñado en el s.XX para diferenciar el período del arte europeo entre el Renacimiento y Barroco. Su origen está en la últimas obras escultóricas de Miguel Ángel. Se caracteriza por la distorsión de las figuras, la creación de espacios irreales, y la utilización de colores o muy claros o muy vivos. Temas fantásticos o esotéricos, también eróticos y cortesanos. Es un arte frívolo, refinado, lujoso, teatral, ampuloso, decadente y sensual.

2. ARQUITECTURA: BRAMANTE(1444-1514): representa la serenidad arquitectónica. Trabaja en Roma, aunque es de Urbino. Defiende la simplicidad arquitectónica, desapareciendo la decoración. La arquitectura es para él, orden, medida, proporción. Claustro de Santa María de la Paz.

3. San Pietro in Montorio : Es la encarnación del ideal renacentista, levantado en 1502 en el lugar que sufrió martirio el apóstol Pedro, es sufragado por los Reyes Católicos. De planta circular ( tholos), se le corona con una cúpula, obsesión de los arquitectos renacentistas, con 16 columnas dórico-toscanas sobre un zócalo, con un friso corrido de triglifos coronados por un balaustrada y un tambor cilíndrico de menor diámetro alternado por nichos circulares y angulares, una cúpula semiesférica lo cubre. Se convertirá en canon de belleza arquitectónica y en símbolo del Renacimiento Clásico, por su desnudez ornamental y por su sencillez.

4. Julio II tras ser nombrado Papa lo nombra arquitecto Pontificio: así amplia el Palacio Vaticano , uniendo la residencia de invierno con la de verano, el Palacio Belvedere . Y lo soluciona con un conjunto suntuoso inspirándose en las villas romanas con patios y jardines a los que se accedía con escaleras monumentales adornadas con las obras clásicas.

5. Julio II quiere demoler la Basílica Paleocristiana y reconstruirla con la grandiosidad de los nuevos templos . Para ello Bramante diseña un edificio de planta central con forma de cruz griega con ábsides terminales en los cuatro brazos y cúpula en el centro. Su peso se contrarrestaría con otras más pequeñas con capillas en los ángulos, pero muere al comenzar las obras. Proyecto de San Pedro

6. MIGUEL ÁNGEL: Es el iniciador del Manierismo. Su genialidad en la arquitectura, escultura y pintura no sólo se debe a dominarla sino en que él anticipa el Barroco en cierta medida. A pesar de ello emplea los elementos del más puro clasicismo, aunque cuida de destacar el sistema constructivo o bien con policromía o bien con el juego de la masa. Sacristía Nueva de San Lorenzo de Florencia : Esta iglesia de Brunelleschi a la que le añade el mismo autor la Sacristía Vieja es completada con una sacristía para según encargo de León X que es Medici, sobrino de Lorenzo el Magnífico, enterrar a 4 miembros de su familia, pero la muerte prematura del Papa hace que solo se entierre a 2: Lorenzo y Giuliano. Es de reducidas dimensiones y juega con la policromía por el uso de distinto mármol jugando también con frontones curvos y ventanas ciegas que le dan un carácter muy particular.

7. Cúpula de San Pedro del Vaticano : Cúpula compuesta por doble casquete: interior y exterior. El interior, más esférico, con pilastras adosada lo dotan de cierta sensación de movimiento rotatorio Airoso, tambor con grandes ventanales verticales coronados de frontones rectos y curvos. Nervios potencian sentido ascensional

8. Proyecto de San Pedro : Tras Bramante, varios arquitectos (Rafael, Peruzzi, Sangallo, etc) asumieron la continuación del proyecto, aunque introduciendo significativas modificaciones. Al final Miguel Ángel es el encargado de concluir la obra, recuperando buena parte del plano original aunque más simplificado (sin torres en esquinas). Vuelve a la planta centralizada fruto de la combinación de planta cuadrada y cruz griega, primando el crucero y la cúpula. Pero ahora en lugar de cuatro fachadas iguales crea una fachada principal, un pórtico de columnas inspirado en el Panteón. Todo el planteamiento del templo giraba en torno a primar la contemplación de la cúpula. La posterior transformación en planta de cruz latina por Maderno aminoró el efecto que debía provocar

9. La Sala de lectura y Vestíbulo de la Biblioteca Laurenciana: En el recibidor las columnas dan la sensación de no sostener el techo, la escalera apenas tiene sitio debido a la estrechez del vano y la diferencia de altura. Miguel Ángel es tan genial que logra amplitud y majestuosidad al alternar las superficies curvas y las rectas.

10. PALLADIO : Su preocupación fue adoptar las formas de la antigüedad a las necesidades modernas, su obra influirá mucho tiempo después y fuera de las fronteras de Italia. Su campo de actividad será Venecia, y más tarde Vicenza, donde construyó palacios y villas. Basílica de Vicenza (Palacio de la Razón): Se trata de un edificio gótico de planta trapezoidal donde establece el ritmo de “vano palladiano”, es decir arco de medio punto con arquitrabe, columnas de dos tamaños, vano y macizo, piso inferior dórico, superior, jónico. Lo cubre una cúpula ovoidal muy característica, tanto como su ritmo. Adquiere un papel importante la columna exenta, utiliza el orden gigante.

11. Villa Capra (La Rotonda ): Se trata de un cuadrado con pórticos en sus cuatro frentes a imitación de los templos romanos y sobre él una cúpula de media naranja de un extraordinario clasicismo. Villa Cornaro .

12. En el siglo XVI debido a la frecuencia con que empiezan a montarse teatros de madera provisionales para las representaciones, la ciudad de Vicenza le encarga la construcción de un fijo. El Teatro Olímpico : Inspirándose en el teatro romano construye una estructura semielíptica cerrada por un escenario con decoración en perspectiva que ofrece permanentemente las calles de Tebas porque fue concebido para la representación de “Edipo Rey”. Hay que observar también la perspectiva y el juego de luz y sombras.

13. Fachada de mármoles blancos, contrasta con ladrillos de los muros exteriores del resto de la iglesia. Único elemento que preanuncia riqueza de mármoles interiores. San Jorge el Mayor (San Giorgio Maggiore): Acumulación de elementos clásicos de forma manierista: Organización en dos planos, uno más bajo coronado por frontón partido y otro de cuerpo elevado con columnas de orden gigante rematado por frontón triangular, división en módulos estrechos, etc

14. ESCULTURA: MIGUEL ÁNGEL :(1475-1564): Arquitecto, urbanista, pintor pero sobre todo se considera escultor. Es unde los artistas más grandes del Renacimiento. Se forma en Florencia, junto a los Medicis, tras una estancia en Bolonia, trabajará en Roma para la corte papal. Búsqueda de la belleza ideal, colosalismo, dinamismo equilibrado, dominio de la anatomía, y obras caracterizadas por una gestualidad, expresiva hasta el dramatismo: terribilitá. Uno de los máximos genios de la escultura de todos los tiempos. Virgen de la Escalera : obra de juventud(15 años), emplea el schiacciato de Donatello, uso de la perspectiva.

15. Piedad del Vaticano : de clara disposición piramidal. Representa a una Virgen joven (puesto que el amor maternal y la virginidad eterna no tienen edad) y sobre sus rodillas se desploma inerte el cuerpo sereno de Cristo sin dolor, de menor tamaño para conservar la estructura piramidal. Es la representación pura de la belleza platónica.

16. David : 4,34 m, en mármol, representa a David, con la honda sobre el hombro. Es la cima del clasicismo, equilibrio. Magistral estudio del cuerpo masculino, cierta tensión en la musculatura, vigor en las manos, actitud de concentración (cierta terribilitá). Agranda la cabeza y mano derecha por razones expresivas. Disposición del cuerpo en zigzag, contraposto clásico (tensión, piernas más abiertas, se va alejando de lo clásico), transición de estilos. Representa el triunfo de La República sobre los Médici.

17. Moisés: Fiero, colosal con la terribilitá, dispuesto a reprender a los israelitas. En plena furia, representa rabia y cólera (poco clásico), fuerza expresiva y grandiosidad, robustez anatómica, ruptura de la armonía renacentista. Perteneciente al mausoleo del papa Julio II en San Pedro in Vincoli. Proyecto inacabado. Tres pisos, la base adornado con victorias y esclavos. Planta intermedia con 4 grandes imágenes: San Pablo, la vida contemplativa y activa y Moisés. En el ático aparece Julio II(no se ejecutó).

18. Esclavo rebelde Esclavo moribundo Esclavo que despierta Esclavos realizados para el proyecto inacabado de la tumba de Julio II.

19. Tumba de los Médicis : Estos diseños son los iniciales, no sufrieron recortes como el de Julio II. Se trata de retablos gemelos con tres figuras, el difunto en el centro en una hornacina y dos desnudos recostados a sus pies. Tumba de Giuliano : gesto de levantarse, alegoría del día y de la noche. Representa la vida activa.

20. Tumba de Lorenzo : actitud pensativa, alegoría de la aurora y el crepúsculo. Representa la vida contemplativa.

21. Piedad Rondamini :última obra, crisis espiritual, inacabada, culminación del manierismo: ingravidez, ligera flotante, composición sin equilibrio. Piedad de Florencia : de formas atormentadas, inconclusa, en ella se autorretrata en el viejo Arimatea.

22. PINTURA: Técnicas: temple, óleo, frescos, y sobre lienzo. Temas religiosos, mitológicos, alegóricos, históricos y retratos. Perspectiva: en el quattrocento, perspectiva lineal, cuanto más lejos más pequeño. En el cinquecento, perspectiva aérea, cuanto más lejos más borroso (sfumato). LEONARDO DA VINCI(1452-1519): Es un científico y aporta a la pintura el espíritu de investigación, arquetipo del hombre renacentista, polifacético, con notable afán de saber. Su fundamental contribución a la pintura será el sfumato o difuminado que consiste en sombrear las figuras y diluirlas mediante claroscuros en el espacio, una oleada de misterio inunda el cuadro.

23. Virgen de las rocas: óleo. Composición piramidal, armonía, uso del sfumato. Interrelación entre los personajes.

24. La última Cena : pintada al fresco, en el refectorio de Santa María de la Gracia en Milán se halla muy mal conservada (usa el temple sobre muro y no el fresco por secarse muy rápido) . El gran éxito de esta obra es la amplitud que le confiere al converger las líneas de fuga en las tres ventanas que convierten la pintura en una estancia más, con una profundidad inaudita (perspectiva lineal). La agrupación de los apóstoles de tres en tres también es nueva, dramatismo e incertidumbre entre los apóstoles ante la inminente traición, destaca sobre la actitud serena de Jesús en el centro. Constituye un ejemplo de simetría y de forma cerrada.

25. Santa Ana, La Virgen y el Niño : composición de tipo piramidal , formada por las tres figuras y el cordero y el fondo con un paisaje imaginario y envuelto en niebla, atiende al sfumato y al estilo inconfundible de Leonardo. La Virgen María aparece sentada sobre el regazo de su madre, Santa Ana (aunque ambas parecen tener similar edad), e intenta amorosamente separar a Jesús del cordero, símbolo de la pasión y el sacrificio al que está destinado. El Niño Jesús, sin embargo, se abraza al corderillo, que vuelve su cabeza para mirarle. El paisaje de fondo, como es habitual, ha sido elaborado con todo detalle. Una obra conmovedora por su intensa dulzura, que no impide la insinuación de negros presagios.

26. Monna Lisa (Gioconda ): Es una obra que produce elogios en todo el mundo, con esta obra el sfumato llega a su punto álgido, el fondo de naturaleza vaporosa. Figura femenina llena de misterio, su expresión es enigmática, es indefinible.

27. Dama del armiño : serie de retratos femeninos, fondo neutro. San Juan Bautista

28. RAFAEL Sanzio(1483-1520): Nos ha legado una producción mucho más copiosa que la de Leonardo y Miguel Ángel, aunque fue ayudado por multitud de discípulos. Incorpora el sfumato de Leonardo que termina abandonando y volviendo a su característica claridad. Su pintura apunta a una finalidad idealizadora, al platonismo. Fue un gran dibujante. Lenguaje sereno, armónico, sus obras provocan una fervorosa devoción. Las características más destacables de su pintura son: la proporción, la medida, la belleza ideal , la elegancia.

29. Los desposorios de la virgen: óleo sobre tabla, obra en un espacio abierto presidido al fondo por una arquitectura muy clásica de un gran equilibrio y una gran elegancia, en primer término aparece José y María, perspectiva lineal. Influencia de Perugino. Etapa de Umbría.

30. La virgen del jilguero : Muy simétrica. Se nos presenta a la virgen como una mujer de su época, joven, llena de amor, de ternura hacia su hijo y San Juan Bautista que desnudos o semidesnudos juegan con un jilguero, mientras que ella sostiene un libro abierto. La anatomía es todavía esa redondez blanda, pero que denota un gran conocimiento de la anatomía humana. Los colores son claros, suaves, transparentes, con dominio de lo cálido. El paisaje de fondo, estético, armonioso. Toda la composición se llena de un notable equilibrio y serenidad.

31. Madonna del gran duque. La bella jardinera Madonna de la silla.

32. La escuela de Atenas: fresco de las estancias vaticanas. Interior de arquitectura clásica. Representa el templo de la ciencia. En el centro Platón y Aristóteles. Aparecen Epicuro, Euclides, Pitágoras, Averroes…

33. León X y sus sobrinos. Julio II El cardenal. RETRATOS

34. Triunfo de Galatea La dama del unicornio Las tres gracias

35. MIGUEL ÁNGEL : aprendiz de Guirlandaio. Plasticidad, dramatismo, dominio de la anatomía, influencia de la escultura, predominio del dibujo, desinterés por el color: relieves coloreados. Tondo donni (sagrada familia): En esta obra la Virgen tiene un violento escorzo para entregar el Niño a San José y al fondo aparecen desnudos que se repetirán en la Batalla de Cascina. En la pintura, detrás del bloque unitario de la Sagrada Familia y separado por un murete divisorio, se extiende un paisaje dominado por la presencia de los llamados desnudos, referencia a la humanidad perfecta del mundo clásico. Cada uno se sitúa en el espacio con la libertad y la naturalidad propias de la estatuaria antigua. Pintada al temple.

36. Capilla sixtina: Es su obra maestra, le ocupa desde 1508 a 1512. Para levantar ópticamente el techo, crea un conjunto articulado por pilastras fingidas y entre ellas acomoda las monumentales figuras de los profetas y las sibilas que vaticinaron la resurrección de Jesucristo. Bajo estos la genealogía de Jesús y de la Casa de David. Después el centro lo compartimenta en 9 tramos separados por desnudos donde narra la Creación y Caída del Hombre. Tras 25 años concluye la decoración de esta capilla con una energía sobrehumana, pues sin esta no sería posible tal hazaña sin ayudantes.

37. Creación de Adán Separación de tierras y mares Expulsión del Paraíso

38. Profeta Jeremías Profeta Ezequiel Embriaguez de Noé

39. El juicio final : Las trompetas del Apocalipsis están sonando, los muertos resucitan y el Juicio Universal ha llegado. En el centro Cristo, en actitud de justo juez divide la composición en dos mitades. A la derecha los elegidos suben al cielo sostenidos por los ángeles, a pesar de que los demonios quieren retenerlos en vano y a la izquierda los réprobos se precipitan al infierno donde los aguarda Caronte con su barca. Los trabajos se escalonaron entre 1534y

40. Cristo Redimidos

41. Condenados Ángeles

42. ESCUELA VENECIANA : Esta escuela se caracteriza por su culto al COLOR, que siempre prevalece sobre el dibujo. Las características singulares de la propia ciudad va a determinar el gusto por el color, la neblina de los canales, desdibuja los contornos. Al ser una república comercial, sus calles llenas de personajes de lejanos países con indumentaria de colores vivos, turbantes, etc. La misma sociedad veneciana muy dada al esplendor en sus procesiones, fiestas y banquetes. Por tanto, podemos encontrar en todos los artistas: Culto al color, preferencia por los tonos cálidos, rojo y amarillo porque expanden la luz. Importancia de los temas secundarios Exaltación de la riqueza, palacios, telas, música, definen los ambientes. Venecia consigue mantener en el XVI su esplendor y produce contemporáneamente al manierismo del resto de Italia, un arte de equilibrada sensualidad y goce inmediato de la realidad. Artistas de esta escuela serán: Giorgione, Tiziano, El Veronés y Tintoretto.

43. TIZIANO: ( 1487-1576): Será el maestro indiscutible de la escuela veneciana. Se forma con Giorgione, creando problemas a los especialistas ya que sus obras se confunden. Pintor de gran longevidad, va variando su técnica que en su vejez llega a convertirse en toques impresionistas. Su arte rebasa los límites de Venecia y se convierte en artista de reconocido prestigio en Europa, protegido por Carlos V y después por su hijo Felipe II. En 1516 es nombrado pintor oficial de la República. Asunción de la virgen : La pinta en esta época de pintor oficial de la República, lo hace para el Convento de Santa María Gloriosa dei Frari. Las figuras poseen un clasicismo colosal. Tres cuerpos, María en el centro envuelta en una nube dorada con la mirada al cielo donde le espera el Padre Eterno

44. Carlos V vencedor en Mühlberg: Nadie como Tiziano sabe dar a parte del parecido físico la gallardía mítica que imprime en el resto de la serie que dedicara posteriormente a Felipe II. Emperatriz Isabel. Es un gran retratista, en sus retratos se hermanan la profundidad psicológica con la importancia concedida al escenario y al traje como elemento que define la categoría del retratado.

45. Amor sacro amor profano: contradicción entre mujer vestida y desnuda. Paulo III y sus sobrinos.

46. Venus de Urbino: Convertida en una gran dama veneciana a la que atienden sus doncellas. Con una belleza sensual tendida sobre una sabana.

47. Danae y la lluvia dorada . La bacanal: Convierte el tema mitológico en un cuadro social, en la fiesta alegre veneciana, en un paisaje luminoso con un desnudo femenino de Ariana en un ángulo, brillos sobre las telas y los vidrios y efectos de luz azulada en el cielo y los bosques.