2. Es una artista estadounidense
nacida el 7 de Abril de 1976 en
San Francisco, California. Estudió
artes en Pasadena y se hizo
famosa en Nueva York, creando
arte sobre personas y sus
maneras extrañas. Sus personajes
parecen exudir una idealizada
inocencia con un toque de
sabiduría ganada de una forma
muy dura en sus ojos.
Recordando varios problemas de
la niñez y buena vida de adulto,
ella crea imágenes que son
pensadas en provocar y seducir.
Las personas y sus relaciones son
el tema central tratado en su
trabajo.

8. Doma es un grupo de artistas que
comenzó con acciones de arte callejero, a
través de stencils, instalaciones urbanas y
campañas absurdas. Sus integrantes
provienen de la Ilustración, el Diseño
Gráfico y la Imagen y Sonido. Sus trabajos
se sitúan en el límite del diseño y el arte.
Producen arte de instalación, Art-Toys,
Motion Graphics, Vjeing, cortos en video,
y libros. El grupo se autodefine como una
compañía que acepta proyectos
“comerciales” de arte con libertad
artística.

9. Entender a la sociedad
como un gran
laboratorio permite
detectar su reacción
frente a distintos
estímulos. Estamos
viviendo un momento
histórico muy
particular.
Un ciclo de cambio. Un clima que llama a la acción. DOMA intenta intervenir los
distintos canales de información utilizando irónicamente los mismos códigos del
sistema... busca un cambio en el proceso perceptivo ofreciendo nuevos puntos de
vista. El proceso: Cruce de ideas. Acción- reacción.A través de los años DOMA fue
desarrollando distintos universos con personajes que cobraron vida, mas tarde
con la especialización de grupo en producción de animación, Motion Graphics,
filmación, Vjeing y toy design.En los últimos años DOMA a producido importantes
instalaciones de arte, cortos de animacion, libros, muñecos, etc. y a sido invitado a
participar en importantes proyectos internacionales.

11. (24 de octubre de 1907 - 30 de
septiembre de 1998) fue un artista
y diseñador italiano, que
contribuyó en muchos
fundamentos de las artes visuales
(pintura, escultura, cine), artes no
visuales (literatura, poesía y
didáctica con la investigación del
juego del sujeto, la infancia y la
creatividad), del diseño industrial y
gráfico, fue un artista polifacético
que incursionó con éxito en
diferentes áreas del conocimiento,
desde el diseño industrial,
arquitectónico y editorial con el
diseño de prelibros.

12. Nació en Milán pero pasó gran parte de su infancia y adolescencia en Badia Polesine.
En 1925 regresó a Milán donde comenzó a trabajar con su tío que era ingeniero. En
1927 siguió a Marinetti y el movimiento futurista, mostrando su trabajo en muchas
exposiciones. Tres años más tarde se asoció a Riccardo Castegnetti (Ricas), con quien
trabajó como gráfico hasta 1938. Durante un viaje a París, en 1933, encontró a Louis
Aragon y André Breton. A partir de 1939 y hasta 1945 trabajó como diseñador gráfico
en la prensa para la redacción de Mondadori, y como director de arte de la Revista
Tempo. Al mismo tiempo escribía libros para niños, originalmente creados para su
hijo Alberto. En 1948, Munari, Gillo Dorfles, Gianni Monnet y Atanasio Soldati,
fundaron el movimiento Arte Concreta.

13. Uno de sus aportes fundamentales está en el
libro Cómo nacen los objetos, en donde
plantea una metodología para el diseño, para
cualquier tipo de diseño. Los pasos de su
metodología parecen vigentes a veinte años de
ser escritos y es ahí en donde se fundamenta
la base teórica de los futuros trabajos de
esclarecer al proceso de diseño más allá que
una simple forma de inspiración, sino de
trabajo cotidiano de un científico artista o de
un artista científico.
Junto a Gillo Dorfles creó el MAC Movimiento
de Arte Concreto, en donde lo que
aparentemente son similitudes con el arte
abstracto, conceptualmente nos acerca a la
concreción en el arte, que no necesariamente
es la representación de modelos, esto es
imágenes simbólicas antes que icónicas.
Preceptos válidos para todo tipo de diseño,
tanto visual, gráfico, industrial y por supuesto
arquitectónico.

15. Graduada en diseño por el Massachussets College of Art, Donis A. Dondis fue
profesora asociada de Comunicación en la Boston University School of Public
Communication y directora de su Summer Term Public Communication
Institute , la diseñadora y profesora norteamericana Donis A. Dondis, escribió
un texto fundamentalmente metodológico no sólo para los estudiantes de
todas estas disciplinas, sino también para cualquier profesional de las mismas,
a los que, sin duda, les es absolutamente imprescindible el dominio de sus
respectivos lenguajes constitutivos.

16. En consecuencia, el
conocimiento de estos
elementos básicos es
igualmente necesario para
todas aquellas personas
que se interesan por los
sistemas de comunicación
característicos de la
sociedad actual. Es decir, de
la cultura que recibimos,
que en parte asimilamos y
que, en último término, de
una forma u otra,
transmitimos. Sistemas de
comunicación que se
complementan,
enriqueciéndose
mutuamente, con las más
tradicionales
comunicaciones oral y
escrita.

18. intentó hacer la escultura de utilidad en
la vida cotidiana, y sus muebles y
diseños interiores son una parte
importante de este proyecto. Noguchi
más trabajado activamente en este
campo durante la década de 1940, la
creación de muebles e interiores que
muestran las imágenes biomórficas de
su escultura contemporánea. Después
de la Segunda Guerra Mundial, Noguchi
viajó a Japón, donde en 1951 creó el
primer papel de bambú y lámparas
Akari. Noguchi continuó el diseño de
nuevos modelos de Akari para el resto
de su carrera.

21. (22 de julio de 1898, Lawnton,
Pensilvania - 11 de noviembre
de 1976, Nueva York) fue un
escultor estadounidense.
Hijo y nieto de escultores,
siendo su madre pintora.
Estudió ingeniería mecánica y
en 1872, asistió a la Liga de
Estudiantes de Arte de Los
Ángeles, donde fue
influenciado por artistas de la
escuela Harry P.

22. En 1885, contribuyó con
ilustraciones para la
National Police Gazette. En
1926, se trasladó a París y
comenzó a crear figurillas
de animales de madera y
alambre; de aquí fue que
desarrolló sus famosas
miniaturas circenses. En los
años 1930, se hizo célebre
en París y los Estados
Unidos por sus esculturas
de alambre, al igual que
por sus retratos, sus
bosquejos de línea
continua y sus abstractas
construcciones
motorizadas.

23. Es mejor conocido como el inventor del móvil o chupin (juguete móvil
colgante), un precursor de la escultura cinética. También elaboró obras
esculturales inmóviles, conocidas como stabiles. Aunque los primeros chupines
y stabiles de Calder fueron relativamente pequeños, poco a poco fue
dirigiéndose hacia la monumentalidad en sus trabajos posteriores. Su arte fue
reconocido con muchas exhibiciones de gran envergadura. Este gran hombre
del arte contemporáneo tuvo mucho éxito y ganó dinero con sus esculturas

26. BREBE RESUMEN El documental EL ORIGEN DEL HOMBRE nos muestra el origen
del hombre moderno y la diferencia con algunas de las especies que se
pueden considerar parecidas, las características en común de las tres especies
es que son bípedos
Australopitecos (afarensis) sobrevivió 1 millón de años el cerebro de afarensis
era pequeño y por esta razón no evoluciono hacia el hombre moderno, el
Australopitecos afarensis no tenía la capacidad de construir herramientas;
en el experimento al Australopitecos afarencis le dan una definición más de
mono que humano porque no tiene la capacidad de construir herramientas,
y no posee lenguaje, en pocas palabras no es muy listo

27. homo erectus- sobrevivió casi 2 millones de años 17 anos más de lo que hemos vivido
nosotros el volumen de su cavidad craneal es más del doble que el volumen de la
cavidad craneal del Australopitecos afarensis, aunque no evoluciono su cerebro casi
había alcanzado el tamaño del nuestro, tenía la capacidad de construir herramientas y
en el experimento en que construían la herramienta de piedra se mostraron el numero
de decisiones que los homo erectus tenían que tener (las proteínas de la carne ayudaron
a que el cerebro creciera); debido al tamaño del cerebro de los homo erectus tenían la
capacidad de resolver problemas de sobrevivencia como defenderse de los leopardos y
el manejo del fuego para calentarse y asustar a sus enemigos; las proporciones
corporales son más parecidas a las nuestras; el Australopitecos no evoluciono hacia
nosotros
Homo sapiens _ Los primeros homo sapiens aparecieron en África y no eran
evolucionados, pero después hubo una transición en el que un volcán de Indonesia hizo
erupción que hizo que el homo sapiens tuviera que adaptarse a los cambios de
temperatura del planeta que descendió drásticamente y que fuera imaginativo y
creativo, y fue ahí que empezaron a verse los primeros rastros de arte (arte rupestre);
el homo sapiens evoluciono a lo que hoy es el hombre moderno.
Según una investigación que tiene como objetivo rastrear la actual tribu más cercana
genealógicamente del homo sapiens dio como resultado a la tribu Sann del desierto del
Kalahari

28. Hace más de 30.000 años los humanos sufrieron un cambio sustancial en su modo de
vida: fabricaron las primeras herramientas para cazar, crearon los primeros intentos
de lenguaje hablado y desarrollaron las primeras manifestaciones de arte, durante 10
siglos la creatividad y la capacidad de pensar, fue exclusivo de la iglesia pero en el
siglo XV se disparo las invenciones ,las obras artísticas y artistas más reconocidos en
las historia del hombre , siendo este periodo el más importante lapso de tiempo
donde la creatividad se mostraba y se dio a conocer
Desde los primeros rastros del hombre moderno la creatividad ha sido significante
para la supervivencia y cambio radicalmente el desarrollo de lo que hoy es el
hombre moderno, ya que permite que el cerebro trabaje y estimule, la creatividad en
el desarrollo del humano ha cambiado la forma de vida y nos ayuda a resolver los
problemas que nos presenta la naturaleza y la vida diaria.
La creación de nuevos objetos y nuevos conceptos tiene un proceso mental lo cual
como lo muestra el documental tiene que ver con lo grande que sea el cerebro y las
transformaciones que en este suceda, la creatividad representa procesar información
que se adquiere por medio de los sentidos.

29. Esas transformaciones radicales que sufrieron nuestros antepasados han beneficiado
la forma en que construimos y hacemos las cosas y la forma en que nuestro cerebro
ha sido el motor principal en la creatividad.
La creatividad nos ha llevado a construir nuestra vida más cómoda pues la
inteligencia humana se ha utilizado para hacer todo más sencillo; pero las primeras
muestras de creatividad como la construcción de herramientas, la utilización del
fuego, el arte que fue una manera de comunicación, fueron trascendentales en la
vida del ser humano y en el quehacer humano como las artes, el diseño, la
industria…es la unión de imaginación y razón
Es mejor conocido como el inventor del móvil o chupin (juguete móvil colgante), un
precursor de la escultura cinética. También elaboró obras esculturales inmóviles,
conocidas como stabiles. Aunque los primeros chupines y stabiles de Calder fueron
relativamente pequeños, poco a poco fue dirigiéndose hacia la monumentalidad en
sus trabajos posteriores. Su arte fue reconocido con muchas exhibiciones de gran
envergadura. Este gran hombre del arte contemporáneo tuvo mucho éxito y ganó
dinero con sus esculturas

30. Actualmente la animación es un medio de expresión
artístico utilizado por gran número de profesionales que
no solo se dedican a la realización de películas
convencionales para cine o televisión, además, la
animación está siendo utilizada, cada día más, por
infinidad de artistas que gracias a la técnica 3D o al
amplio campo multimedia ven en la animación un
medio óptimo a través del cual plasmar sus ideas
mediante la secuenciación de imágenes fotograma a
fotograma.
Actualmente y gracias a los múltiples medios
tecnológicos de los que disponemos, no resulta
extremadamente difícil llevar a buen fin dichos
proyectos, pero el esfuerzo que durante más de un siglo
se ha realizado para llegar hasta aquí, merece la pena
ser conocido y recordado.

31. La idea es rendir homenaje a los pioneros que hicieron posible el nacimiento
de los dibujos animados mediante una cronología que incluya desde los
primeros y rudimentarios juguetes ópticos hasta las innovaciones que hicieron
posible la realización de dibujos animados tal y como la conocemos hoy en
día.
También cabe destacar que a través de todos los sucesos que ocurrieron a lo
largo de los años, no solo con lo que respecta a los dibujos animados, sino
refiriéndonos al cine en general, hoy en día podemos disfrutar de un cine
extremadamente bueno y, con efectos sumamente impresionantes.

32. La linterna magica (1640)
El primer intento conocido de proyectar
dibujos en movimiento sobre una pantalla no
se llevó a término hasta el año 1640 y de la
mano del alemán ATHANASIUS KIRCHER. El
sistema era muy rudimentario, pero efectivo;
consistía en planchas de cristal dibujadas y con
partes móviles que, manipuladas de forma
mecánica, dotaban de movimiento a los
personajes.
La linterna mágica utilizaba la llama de una
lámpara como fuente de luz y un lente para
enfocar la imagen en la pared. Las imágenes
proyectadas eran dibujadas y coloreadas a
mano sobre vidrios. Fué siempre utilizada
como curiosidad o como un juguete de
entretenimiento.

33. Taumatropo
John Ayrton Paris inventó el
Taumatropo en Inglaterra en 1824
para demostrar la persistencia de la
visión. El aparato consiste en dos
imágenes colocadas sobre una placa
circular oscura, cada una a un lado,
esta placa está sujeta por dos
cordeles situados en ambos
costados. Al hacer girar la placa
rápidamente (torciendo y estirando
los cordeles) se obtiene la ilusión
óptica que muestra ambas imágenes
como una sola. Click aquí para ver
un ejemplo de la animación
generada.

34. Fenantiscopio
El segundo juguete óptico en ser creado fue el Fenantiscopio, la historia de este
juguete es curiosa, puesto que fue inventado por 2 personas casi simultáneamente
El físico belga Joseph Plateau lo llamó Fenantiscopio, mientras que el científico
Austriaco Simon Stampfer lo llamó Estroboscopio, para hacer más curiosa la
historia, ambos inventores lo crearon en 1830. El juguete consiste en varios dibujos
idénticos, en posiciones ligeramente diferentes, distribuidos por una placa circular
lisa. Cuando esa placa se hace girar frente a un espejo, se crea la ilusión de una
imagen en movimiento. Este fue el primer instrumento capaz de crear la ilusión de
movimiento.

35. Zootropo
El Zootropo fue inventado en 1834
por William Horner bajo el nombre
de Daedaleum, este instrumento está
basado en el Fenantiscopio, aunque
su funcionamiento sea diferente. El
Zootropo consiste en varias imágenes
distribuidas sobre tiras de papel en el
interior de un tambor de metal con
unos cortes, al hacer girar el tambor
rápidamente, se crea la ilusión de
movimiento (Para poder ver las
imágenes, el espectador debe ver a
través de una ranura).A partir de
1860 el zootropo fue comercializado
en Francia, Inglaterra y Estados
Unidos, con lo que alcanzó gran
popularidad.

36. Zoopraxiscopio
El Zoopraxiscopio fue otro juguete óptico, desarrollado en 1879 por Eadweard
Muybridge (tras su famoso estudio fotográfico del galope de un caballo), este aparato
era similar a un proyector de cine moderno. Su diseño está basado en el del
Fenantiscopio. Este aparato consiste en un disco de cristal con imágenes pintadas,
Muybridge adaptó un dispositivo de contra-rotación, lo que hace que un disco
metálico dentado (que sirve para separar las imágenes) gire contario al disco de cristal,
esto crea la ilusión de movimiento, Muybridge también adaptó al dispositivo para que
las imágenes fueran proyectadas en una pantalla iluminada con una linterna. Estos
juguetes fueron los primeros artefactos en mostrar imágenes en movimiento, sin
embargo, solo eran imágenes cíclicas que repetían una y otra vez la misma escena,
haría falta el desarrollo del Praxinoscopio por parte de Emile Reynaud, quien es
considerado el padre de los dibujos animados… pero esto lo veremos en la segunda
parte de esta serie.

37. El Praxinoscopio
Praxinoscopio de Proyección: Thomas Edison, en
1876, decidió crear un juguete óptico para el deleite
de los niños, estudiando y mejorando el
Fenantiscopio y el Zootropo, en diciembre de 1877
patentó el Praxinoscopio. Este aparato consistía de
un cilindro con una banda de imágenes a color
colocadas en su interior, un tambor central de
espejos estaba puesto equidistantemente entre el
eje del juguete y el cilindro (en muchos casos el eje
era una lámpara para facilitar la iluminación de las
imágenes). Cuando se hacía girar el cilindro, las
imágenes aparecían reflejadas de manera
estacionaria en el tambor de espejos, creando una
animación más clara y brillante que las de otros
juguetes ópticos, además de ser el primer juguete
óptico que no generaba interrupciones en la
animación. Gracias a estas innovaciones (y a la
comercialización del aparato), Reynaud recibió una
mención honorífica por su trabajo en la exposición
universal de París de 1878.

38. La evolución de Praxinoscopio: Al año siguiente, Reynaud desarrolló nuevos
suplementos para el aparato: Adhirió al Praxinoscopio una caja de madera que
contenía un escenario desmontable y una pequeña abertura cubierta con un vidrio
diseñada para ver la animación., cuando la tapa se levantaba y se hacía girar el
cilindro, las imágenes reflejadas en el tambor de espejos, aparecían moviéndose del
otro lado del escenario, dando una “función teatral en miniatura”, Reynaud llamó a al
nuevo Praxinoscopio perfeccionado “Praxinoscopio-Teatro”. En la década de los 1880,
Reynaud desarrolló el Praxinoscopio de Proyección que consistía en un Praxinoscopio
más grande, el cual que utilizaba una serie de imágenes trasparentes en láminas de
cristal en su tambor, una lámpara de aceite iluminaba las imágenes animadas y un
espejo las reflejaba directo a un lente que apuntaba a una pantalla, proyectando las
imágenes a gran escala.

39. Praxinoscopio Teatro: En 1888, Reynaud patentó el Teatro Óptico, el primer aparato
capaz de mostrar animaciones no cíclicas, gracias a las bandas prolongadas de imágenes,
las cuales eran colocadas en diversos tambores, además de la intrincada red de linternas,
espejos y lentes que permitían que este aparato proyectara en una pantalla las
animaciones. Este praxinoscopio de enorme tamaño, fue diseñado específicamente para
ofrecer funciones públicas, por lo que no se comercializó como los anteriores
praxinoscopios. El 28 de Octubre de1892, gracias a las negociaciones hechas con el
museo de cera Grévin en Paris, Reynaud proyectó sus “Pantomimas Luminosas” (como
bautizó a sus animaciones) ante el público francés. En esa función se proyectaron 3
animaciones: Pauvre Pierrot! (¡Pobre Pierrot!), Clown et ses chiens (El payaso y sus
perros) y Un bon bock (Un buen café), las cuales fueron musicalizadas en vivo por el
pianista y compositor Gaston Paulin. Estas animaciones constaban por lo general de 500
a 700 diapositivas, las cuales eran hechas a mano en cintas transparentes, similares a las
del celuloide moderno. Gracias a su intrincada red de tambores, Reynaud podía
rebobinar y adelantar las secuencias animadas de tal manera que podía prolongar la
función por hasta 15 minutos.
Luego de una breve temporada de descanso en 1894, las Pantomimas Luminosas
volvieron a proyectarse en el Museo Grévin con 2 nuevas animaciones: Autour d’une
cabine (Alrededor de una caseta de baño) y Rêve au coin du feu (Un sueño junto al
fuego). Desde su estreno en 1892 hasta su última función en 1900, las Pantomimas
Luminosas fueron vistas por más de 500 000 personas.

40. 1891- El kinetoscopio (cinetoscopio)
Fue Thomas Alva Edison, el prestigioso
inventor norteamericano quien tomando como
base todos estos inventos anteriores. Creó el
kinetoscopio, aparato que está considerado
como la primera máquina de cine. Constaba de
una caja en el interior de la cual resbalaba un
rollo de fotografias a la velocidad de 46
imágenes por segundo e iluminadas por una
lámpara incandescente; a través de una mirilla
el espectador podía ver el espectáculo. Era ya
utilizada a principios de la década de 1890 y
pronto se hizo popular en fiestas de carnavales
y en atracciones. Las salas de kinetoscopio,
que funcionaban con una moneda, surgieron
en Nueva York a finales de 1890.

41. Modelo inicial

42. Historia: se trata de un tipo que durante su vida se dedico al consumo de alcohol
y al final d su vida muere de una cirrosis, en la animación se muestra en una
forma de metáfora donde las personas que pasan frente a él, representa lo
efímero que fue su vida y como la desperdicio; la gente que pasa y lo miran
tirado y en descomposición representa la sociedad de consumo…
Nº de ecena lugar tiempo descripcion
1 afueradebar mañana Pasan niños y el espera con botella
2 afueradebar Medio dia Pasan jóvenes y el espera con botella
3 afueradebar tarde Pasan señores y el espera con botella
4 afueradebar Fin de la tarde Pasan viejos y el espera con botella
5 afueradebar noche Cae y muere
6 afueradebar Mañanadia2 Pasa el dia y el se la pasa tirado
7 afueradebar Mañanadia3 Se comienza a descomponer
8 afueradebar Mañanadia4 Pasa el dia y el ya es calavera

43. nacido Emmanuel Rudzitsky,
(Filadelfia, Estados Unidos; 27
de agosto de 1890 - París; 18 de
noviembre de 1976) fue un
artista estadounidense impulsor
de los movimientos dadaísta y
surrealista en Estados Unidos.

44. Man Ray empieza a cantar a la edad de cinco años y dos años después se traslada a
Brooklyn con su familia, donde va a la escuela. Recibe una beca para estudiar
Arquitectura y la rechaza al igual que la idea de una educación académica. Fue bailarín
en el Odeón.En Nueva York trabaja como grabador y en una agencia de publicidad, a
la vez que asiste a las clases nocturnas de la National Academy of Design. Sus
primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la
galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg. En 1908 se casa con Adon
Lacroix, una poeta belga. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel
Gallery de Nueva York en 1915. Funda, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el
Dadá neoyorquino.En 1918 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920,
con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual
gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones,
instalaciones, películas, conferencias, etc.).

45. Diez años después se instala en París hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino.
Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía. Sus primeras
obras experimentales son los Rayographs de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin
cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel
sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de hecho se convierte en
fotógrafo retratista de personalidades de la cultura. Cuando el surrealismo se separa
del dadaísmo en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera
exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925. Realiza esculturas
surrealistas siguiendo el modelo del arte encontrado creado por Marcel Duchamp,
como Object to dead be Destroyed (Objeto para ser destruido) de 1923; Man Ray
añadió a un metrónomo normal, de 26 cm de altura, la fotografía de un ojo en la
aguja. Nueve años después Man Ray es abandonado por su pareja, Lee Miller, a
consecuencia de lo cual Man Ray sustituyó el ojo de alguien desconocido por el de su
ex amante, y cambió el título del ready-made por el de Objeto de destrucción. En
1957, un grupo de estudiantes destruyeron, en efecto, el metrónomo, pero Man Ray
lo reconstruyó en 1963, y lo tituló definitivamente Objeto indestructible, dándole a la
obra un giro conceptual. En el Museo Reina Sofía se encuentra una reproducción a
escala gigante de esta obra conservada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse,
hace Le Violon d'Ingres (1924).

47. En los años treinta realiza la serie de las solarizaciones, negativos fotográficos
expuestos a la luz, y sigue pintando en un estilo surrealista; publica varios
volúmenes de fotografías y rayógrafos. Tumba de Man Ray.Hacia finales de los años
veinte comienza a realizar películas de vanguardia, como la Estrella de mar
(1927).En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y
Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1940, escapando de la
ocupación nazi de París, se instala en Hollywood y en Nueva York, regresando a
Francia en el año 1951. Durante su estancia en California se gana la vida enseñando
como profesor.La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su
ágil y humorística sensibilidad. Entre pinturas y fotografías hay que incluir películas,
objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda.Como pionero de
Dadá y Surrealismo su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo
incongruente, provocando erotismo y escándalo. "La búsqueda de la libertad y el
placer; eso ocupa todo mi arte", dirá.
En 1963 publica su Autobiografía; antes de morir, el Metropolitan Museum de
Nueva York le dedica una retrospectiva a su obra fotográfica (1973).Muere el 18 de
noviembre de 1976, en París. Sus restos descansan en el Cementerio de
Montparnasse.

48. (Blainville-Crevon, 28 de julio de 1887 -
Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968)
fue un artista y ajedrecista francés.
Especialmente conocido por su
actividad artística, su obra ejerció una
fuerte influencia en la evolución del
movimiento pop en el siglo XX. Al igual
que este, abominó de la sedimentación
simbólica en las obras artísticas como
consecuencia del paso del tiempo, y
exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz
y lo contemporáneo. Duchamp es uno
de los principales valedores de la
creación artística como resultado de un
puro ejercicio de la voluntad, sin
necesidad estricta de formación,
preparación o talento.

50. Inicios artísticos en París
En 1904, Montmartre llevaba más de cincuenta años albergando a la comunidad
artística de París. Marcel se presentó al examen de la École des Beaux-Arts, que
suspendió. Se matriculó en una escuela privada, la Académie Julian, que abandonó
poco después por la vida en los cafés del barrio, donde, como era habitual en ese
momento, llevaba un cuaderno en el que dibujaba escenas de la vida cotidiana. Tras su
servicio militar en Eu, cerca de Ruán, volvió a París en 1906. Por aquel tiempo realizó
dibujos humorísticos, una actividad que gozaba de prestigio en la época. En 1907 se
seleccionaron cinco de sus dibujos en el primer Salon des Artistes Humoristes

52. . En 1908 se eligieron, hoy en día desaparecidas, para el Salón d'Automne, una
importante exposición anual. Marcel pintó durante los años siguientes con un estilo
fauvista, del que Matisse era el abanderado. Aunque Duchamp, muchas veces
contradictorio en sus afirmaciones, en ocasiones rechazó la influencia de Cézanne, en
otras reconoció haber permanecido una larga temporada bajo su influjo, bajo el que
probablemente pintaría Retrato del padre del artista, un retrato psicológico de su
padre. Pintó más retratos por aquel tiempo, incluyendo uno de su amigo el Doctor
Dumochel en el que exageró algunos rasgos físicos. A este respecto, Duchamp
comentó que fue un primer intento de dotar de humor a su obra.En 1910 pintó La
partida de ajedrez, en la que aparecían sus dos hermanos jugando al ajedrez en un
jardín con sus mujeres abstraídas en sus cavilaciones. Al exponer este cuadro junto a
otros cuatro en el Salón d'Automne pasó a ser societaire, lo que suponía el derecho a
exponer sin ser examinado previamente por un jurado.
Aunque sus primeras pinturas mostraban talento, produjo pocas obras en
comparación a otros artistas. Fue ésta una época de titubeos y experimentación con
varias tendencias.

53. (* 27 de enero de 1957; Olney, Maryland). Dibujante de novelas gráficas y
guionista de cine estadounidense. Casado hasta el año 2005 con la colorista e
ilustradora de historieta Lynn Varley.

54. Su obra más afamada es Batman: The Dark Knight Returns (El Regreso del Caballero
Nocturno, El Regreso del Señor de la Noche o El Regreso del Caballero Oscuro
dependiendo de la traducción), de nuevo en DC Comics, en la que presentaría a un
Batman envejecido y retirado (que acabaría enfrentándose con Superman, el otro
gran icono de la editorial), mostrándonos de paso su visión de un cercano futuro
ultraviolento y dominado por los Mass Media. Posteriormente, y junto a
Mazzucchelli de nuevo, recrearía el primer año de Batman en la saga de cuatro
números Batman: Año Uno, acercándose aquí más que nunca a los registros propios
de la literatura de serie negra.
Hay que mencionar también sus dos colaboraciones con el dibujante Bill Sienkiewicz:
Daredevil: Love and War y, especialmente, Elektra:Assassin, donde definiría de una
forma más detallada a la asesina ninja que creara para las páginas de Daredevil, y su
trágico pasado, inspirado en su homónimo mitológico (mito de Elektra).

55. Realizó su primer trabajo para la editorial Marvel
Comics en 1979 en Spectacular Spiderman, en un
crossover con Daredevil. Pero se dio a conocer como
joven promesa en la serie Daredevil, también para
Marvel Comics, entre finales de los setenta y
principios de los ochenta. Poco después, realizaba
para la editorial DC Comics Ronin, la historia de un
samurái sin amo en un futuro postapocalíptico, obra
donde mostró una evolución gráfica influenciada
tanto por algunos artistas europeos como algunos
clásicos de la historieta japonesa.
En 1986 retornó a la serie Daredevil, guionizando la
saga Born Again, y contando en esta ocasión con el
excelente David Mazzucchelli en la parte gráfica. En
esta saga, Miller usa la iconografía católica como
metáfora para contar la caída y posterior
'resurrección' del personaje. A nivel formal,
condensa toda la experiencia acumulada hasta la
fecha demostrando su pericia narrativa con un
preciso control del ritmo y los tiempos de la historia,
y apoyándose en unos diálogos y una prosa secos,
austeros y certeros.

56. En los 90, Miller abandona DC comics y realiza para Epic Comics una última obra sobre
su creación Elektra, titulada Elektra Lives Again, y en la que Miller, acompañado de uno
de los mejores colores de Linn Varley, quiso dar su particular adiós al mundo de
Daredevil. Volvió, sin embargo, en 1993, a escribir una miniserie del personaje
(acompañado por el dibujo de Jonh Romita Jr) que se tituló Media:Daredevil: Man
Without Fear, basada a priori en un fallido guión cinematográfico.
Su obra más importante durante los noventa es aquélla que concibió en la editorial
independiente Dark Horse, donde Miller se encontró con total libertad creativa para
hacerlo que quisiese. Así, en 1990 colabora con el dibujante Geoff Darrow en Hard
Boiled, una ultraviolenta historia que mezclaba satira, género negro y ciencia ficción.
Esta fue una obra con problemas, debido a que en Dark Horse recibieron protestas por
el contenido de la obra. En el mismo año colabora con el dibujante Dave Gibbons
(famoso por sus dibujos en Watchmen, a los guiones de Alan Moore) y ambos crean la
serie limitada "Martha Washington: Give Me Liberty", donde la sátira política que tan
bien supo llevar siempre Miller (sobre todo en "Dark Knight Returns" y en
"Elektra:Assasin") alcanzaba nuevas cotas en esta historia apocalítica, violenta y
futurista. Miller y Gibbons volvieron a trabajar en el personaje después, en "Marta
Washington Goes to War" (1994), "Happy Birthday, Marha Washington" (1995),
"Martha Washington Stranded in Space" (1995) "Martha Washington Saves the
World"(1997) y "Martha Washington Dies" (2007).

57. es un artista y escultor cinético, vive y trabaja en Holanda. Nacido en 1948 en
Scheveningen, Países Bajos. Hizo estudios de física en la Universidad de Delft a partir
de 1968, los cuales dejó en 1975 y se convierte en pintor.
En 1981 desarrolló una máquina de pintar en Delft.
En 1990 presenta Develops Animari (animales de playa) y se dedica a diseñar una
"nueva naturaleza".
Construye grandes figuras imitando esqueletos de animales que son capaces de
caminar usando la fuerza del viento de las playas holandesas. Sus trabajos son una
fusión de arte e ingeniería. En un anuncio de BMW, Jansen dijo: "Las barreras entre el
arte y la ingeniería existen sólo en nuestra mente".

58. Jansen se dedica a crear vida artificial mediante el uso de algoritmos genéticos. Estos
programas poseen evolución dentro de su código. Los algoritmos genéticos se pueden
modificar para solucionar variedad de problemas incluyendo diseños de circuitos, y en
el caso de las creaciones de Theo Jansen, sistemas muy complejos.

59. Un criterio determinado de aptitud es insertado en el algoritmo; Theo selecciona
como criterio que sobrevivan en la playa moviéndose entre las fronteras de arena
húmeda cerca al mar y arena seca en el límite con las dunas. Aquellos diseños que
tengan el mejor rendimiento en la tarea, dentro de una simulación del entorno, serán
hibridados y probados otra vez. Con el tiempo emergen diseños complejos que
desarrollan y aletean en la brisa presionando órganos que aparentan botellas
plásticas de 2 litros. Brotan también patas articuladas que se desplazan por la arena
como las de los cangrejos. Theo usa tubos plásticos para conductos eléctricos para
construir algunos de los más prometedores diseños de la computadora. Y luego los
suelta en la playa, evalúa sus logros y los mejora.