Características de la Virgen de la Roca de Leonardo da Vinci

Características generales

Empleo del Sfumato, el difuminado de los
contornos, que suaviza las formas. Mediante Representación de los elementos
el claroscuro envuelve las masas de sutiles feos junto a los bellos, para resaltar
sombras. Esa zona intermedia representa más la belleza
el vibrante espacio atmosférico que
envuelve los volúmenes

Composiciones muy estudiadas
y equilibradas: Composición piramidal
(equilibrio, simetría, formas Potenciación de la profundidad
cerradas, etc.) mediante el empleo de la
perspectiva aérea: representar
Paisajes rocosos y brumosos las zonas más lejanas con los
como reflejo de naturaleza indómita, contornos menos nítidos y envueltos
mezcla de realidad y fantasía en tonalidades azuladas, para que
se capte el aire interpuesto
Estudio anatómico
de personajes y preocupación Cotrapposto de cuerpos:
por ropajes sobre los mismos Cabeza en dirección distinta
(pliegues) a cuerpo

Distribución armónica Abundancia de símbolos
de colores (primarios, binarios, y mensajes ocultos
complementarios)

Juego de actitudes
Preciosismo naturalista. y gestos: manos y miradas
Flores y plantas adquieren crean líneas de fuerza
protagonismo propio y y tensión en zig-zag
se interrelacionan
Museo del Louvre National Gallery
de París de Londres
Leonardo da Vinci.
Virgen de la Roca.

El cuadro iba a ir insertado en un ornamentado retablo de
madera de San Francesco Grande en Milán, por lo que
debía plantear una ejecución que atrajera la atención y no
quedase inadvertido

Coloca la escena en una gruta con lo Al fondo aparece un paisaje brumoso
que juega con los efectos de claroscuros de roquedo que la distancia redondea,
envuelto en tonalidades azuladas y que abre
Puntos de fugas muy lejanos

La composición triangular
equilátera cerrada formada por
Escorzo pronunciado
las cuatro figuras presenta en
de la mano de la Virgen
su interior un sutil juego de
líneas de fuerza (brazos) y de
tensión (miradas) en zig-zag

La Virgen con su brazo
extendido cobija con
su manto a San Juan (mundo
terrestre) mientras Jesús lo Pintada en
bendice tabla

Pintada en lienzo
trasladado a madera Museo del Louvre Museo de Londres
(primera versión) (segunda versión)
Leonardo da Vinci.
Virgen de la Roca.

Lunetos con escudos
de armas de los Sforza
Composición muy geométrica,
basada en divisiones verticales, horizontales
y diagonales. Parte del diapasón (relación ½) Crean cuadrados
Jesús en el centro (cuadrado central acotado por dos medios cuadrados, cuadrado más
enmarcado por ventana pequeño inscrito en cuadrado central, etc.)
central de tres
(Trinidad)

Empleo de técnica experimental
óleo-temple provocó su rápido
deterioro. Al menos seis
restauraciones y periodos
de abandono
Foco de luz
frontal y uno
secundario trasero
Perspectiva lineal.
Coincide punto de fuga
4´60 m.

Con punto de vista espectador.
Efecto ilusionista (era
el refectorio de los monjes y
al pintar en el muro del fondo,
la sala parecía agrandarse y
les hacía creer que participaban
de la escena)

8´80 m.

Leonardo da Vinci
Última Cena.
Santa maría delle Grazie
Milán

Organización de personajes

Frente al sistema tradicional de colocar a Judas al otro lado de la mesa,
aquí aparecen los doce apóstoles tras la mesa agrupados de tres en tres,
seis a cada lado con Jesús en medio respetando la simetría

Mediante gestos( sobre todo Jesús en el centro con
disposición de manos y expresión de Características generales: armonía
su actitud relajada contrasta colores, estudio de pliegues, perspectiva aérea
rostros) presenta una gran diversidad con la gestualidad de los discípulos
de actitudes difuminado que redondea contornos etc.

Leonardo ha elegido un
Judas realiza un movimiento momento diferente a la
de apartarse mientras se bendición del pan y el vino.
aferra con la mano a la bolsa Prefiere representar
de monedas y vuelca salero el instante dramático en
(símbolo mala suerte) que anuncia que uno de los
presentes le va a traicionar
Gran cuidado en la
naturaleza muerta
representada sobre
la mesa

Leonardo da Vinci
Última Cena.
Santa maría delle Grazie
Milán

Leonardo da Vinci. Última Cena. Santa maría delle Grazie. Milán

Cabeza en contrapposto con Características generales:
respecto al pecho composición piramidal, sfumato, armonía
colores, paisajes rocoso que reflejen
lo agreste de naturaleza, perspectiva
aérea, diversidad de actitudes, etc.
Rostro de Santa Ana
y de María jóvenes

Dentro de estructura piramidal, establece
un sutil juego de ejes en distintas Desarrolla modelo de rostro
direcciones: Santa Ana sentada hacia la dulcificado, de aire melancólico
derecha gira la cabeza hacia la izquierda. mediante el difuminado: ese juego
Este movimientohacia la izquierda continúa de tenues transparencias brillantes y
en su hija que está sentada encima sombreadas disimula los rasgos básicos,
alargando los brazos hacia su hijo, quién presentando la boca, nariz y cejas sin
con sus brazos prolonga el movimiento zonas de transición, arropadas por
hacia la izquierda, pero con su cabeza nos una vibrante atmósfera. Destaca la
reconduce hacia el rostro de su madre, y disposición ambigua de comisuras de
el cordero cierra el ciclo dirigiéndose hacia labios entre sonrientes y nostálgicos, y sus
la derecha gruesos párpados.

Gusto por dedos
alargados y huesudos
Según Freud, Leonardo buscaba recuperar el
rostro sonriente de su desaparecida madre
Leonardo da Vinci.
Santa Ana, la Virgen y el niño

LEONARDO DA VINCI
Santa Ana, la Virgen y el niño

Óleo sobre
tabla de álamo Tono verdoso y falta de
cejas por mala restauración

53 cm.
Claroscuros suaves, mediante luces intermedias,
con trasparencias y reflejos matizados
Perspectiva aérea:
capta el aire interpuesto entre
el espectador y el fondo, por eso Paisaje rocoso y agreste
el grosor de la atmósfera se capta
con esas tonalidades azuladas y
perdiendo nitidez los contornos, Originalmente el cuadro era el
quedando las montañas redondeadas retrato de una mujer ante un pretil

77 cm.
y con color más oscuro en las bases con columnas. Pero la tabla fue cortada,
quedando la base de dichas columnas
a ambos lados
Horizontes del paisaje a distintas alturas
(más alto el izquierdo) confluyen Sfumato: Desarrolla modelo de rostro
en Monna Lisa, influyendo en la dulcificado, de aire melancólico
percepción de su enigmática sonrisa mediante el difuminado: ese juego
de tenues transparencias brillantes y
Gusto por los detalles sombreadas disimula los rasgos básicos,
(descripción minuciosa de los encajes) presentando la boca, nariz y cejas sin
zonas de transición, arropadas por
una vibrante atmósfera. Destaca la
disposición ambigua de comisuras de
Estudio naturalista de
labios entre sonrientes y nostálgicos, y sus
los pliegues del vestido. Al estar
gruesos párpados.
representado con los contornos
más nítidos, parece que fue fruto
de una etapa inicial Estructura piramidal: Mujer sentada en
escorzo lateraly cabeza levemente
Estudio de manos con dedos alargados girada que contrasta con brazo
y dispuestos con gran expresividad de la silla casi paralelo al plano
del cuadro

Leonardo da Vinci.
La Gioconda

Paisaje brumoso, con rocas y grutas
representan la naturaleza salvaje, con
cierto toque de fantasía en el que
aparecen algunos elementos humanos:
el camino serpenteante a la derecha y
el puente a la izquierda (fusión de
mundo terrenal y mundo espiritual

Parece ser que aunque originalmente
fuese un retrato de encargo, al no querer
desprenderse de él Leonardo, se ha asociado
con que en esta pequeña obra quiso representar
su ideal de belleza

Supo representar a la mujer en
Retrato de Madonna Lisa, segunda
actitud distendida y relajada
esposa de Francesco del Giocondo

Según Freud, Leonardo buscaba recuperar el
rostro sonriente de su desaparecida madre
Leonardo da Vinci.
La Gioconda

Leonardo da Vinci.
La Gioconda
Médidas áureas

Influencia de Leonardo da Vinci
(composición piramidal, difuminado
de contornos, perspectiva aérea, etc.)

Rostros relajados
y entrañables

Paisaje consta de una primera línea
Cuerpo hacia un lado de horizonte tras la que se desarrolla
y cabeza girada hacia el otro un paisaje montañoso azulado bien
encuadrado por las líneas verticales de
Juego armonioso los árboles
de colores

Líneas curvas modulan
sosegadamente el ritmo interno
compositivo con equilibrada Virgen, en el eje de la estructura,
oscilación engloba a los dos niños, creando
Gestos tiernos: una composición cerrada
niño acariciando jilguero,
niño apoyando pie sobre el
de la madre, etc.

Rafael Sanzio.
Virgen del Jilguero

RAFAEL SANZIO
La transfiguración de Cristo
La obra fue un encargo del cardenal Julio de Médici en 1516
para la catedral de San Justo en Narbona, Francia.

Constituye un resumen de toda la evolución artística de Rafael.
La primera idea era representar una teofanía o aparición de
Dios, pero luego decide dividir la escena, adoptando una
composición original: Las dos partes narran episodios sucesivos
del Evangelio de San Mateo.

La parte superior muestra la transfiguración de Jesucristo en el
monte Tabor, con Cristo flotando en medio de nubes
suavemente iluminadas, perdiendo la materialidad para
transformarse en Espíritu Santo entre los profetas Moisés y
Elías, con quienes habla según el relato del evangelista Mateo.
Debajo de él hay tres discípulos, en tierra, asustados.
En la parte inferior, Rafael representa a los apóstoles
intentando, sin éxito, liberar a un niño poseído de los demonios
o epiléptico. Son incapaces de curar al niño enfermo hasta la
llegada de Jesucristo, recientemente transfigurado, quien lleva a
cabo el milagro. la pintura puede interpretarse como una
representación de una dicotomía: arriba, el poder redentor de
Cristo, abajo, las debilidades de los hombres. La zona celestial
de Cristo redentor se caracteriza por la pureza y la simetría, con
figuras menos táctiles y tratadas con colores más claros. En
cambio, la zona inferior es una escena oscura, caótica, en la
que hay fuertes acordes cromáticos. Ambas partes, sin
embargo, mantienen relación gracias a la pared rocosa en
sombras. También hay figuras en la parte inferior que apuntan a
la superior, con claras diagonales que llevan la mirada hacia
arriba.

RAFAEL SANZIO. Retratos

Rostro iluminado destaca sobre
Personaje principal inscrito Cardenal del extremo
fondo oscuro, realzado por los
en triángulo, con equilibrio mira al espectador, Sobre fondo verde destaca Profundidad psicológica
colores cálidos de sus ropajes
de personajes a los lados introduciéndolo en personaje de tres cuartos del retratado (cierto
(ritmo de volúmenes y huecos) el cuadro sentado oblicuamente, abatimiento, con cabeza
levemente inclinada)

Dibujo todavía muy marcado,
aunque ya apunta ciento
Juego de difuminado en el desarrollo
colores (diversidad de las carnaciones del rostro
de tonalidades rojas)

Construida al estilo
de Leonardo, medio cuerpo,
en escorzo, con cabeza girada
Calidades matéricas y brazo apoyado en silla casi
y precisión de los paralelo al plano de la pintura
detalles

León X y sus sobrinos Julio II El cardenal

Bindo Altovitti Baltasar de Castiglione

RAFAEL SANZIO. Retratos

Rafael Sanzio.
Disputa del Sacramento
Organización geométrica y jerarquizada. Sala de la Signatura
Principio de simetría En eje axial: Dios, Jesús,
Espíritu Santo y Santísimo Sacramento

Fresco sobre muro

Composición dividida en tres franjas en altura, que
forman cada una un espacio semicircular
Miradas de personajes hacia
abajo ponen en conexión los
distintos niveles

Composición basada en
el diatesaron (relación de
¾ entre lado mayor y menor)
Desarrollo en el eje decírculos
(perfección) que aumentan de
Medallón del espíritu Santo tamaño en altura (elevación
ocupa el centro geométrico en expansión hacia el infinito)
de la composición
Fondo con paisaje en
perspectiva aérea

7`70 m
A pesar de la diversidad de personajes, Perspectiva lineal marcada
procura aislar unos de otros, aunque sin por solería. Coloca punto de
un gran desarrollo de las peculiaridades fuga en base del ostensorio
fisionómicas de cada uno

Rafael Sanzio.
Disputa del Sacramento
Sala de la Signatura

Segundo círculo: sobre un trono de nubes
aparecen representantes del Antiguo y
Nuevo Testamento, organizados
de dos en dos, con las cabezas enfrentadas.
En el centro el Tema de la Deesis (Jesús, Tercer nivel con ángeles;
la Virgen y San Juan) y la Trinidad (Dios, Jesús tres a cada lado (nueva
y la Paloma del Espíritu Santo presentan referencia a la Trinidad)
estructura piramidal en la que se inscribe
una cruz)

Primer círculo es la iglesia
militante: los próceres discuten
alrededor de la sagrada forma Figuras en semicírculo forman el
(Los dos primeros a ambos lados ábside de un templo: binomio
son San Agustín y San Ambrosio, basílica = Institución eclesiástica
y San Jerónimo y San Gregorio
Magno, considerados los doctores
de la Iglesia que definieron el dogma
de la Eucaristía y que representan Tres escalones
las cuatro actitudes básicas: lectura, (Santísima Trinidad)
meditación, éxtasis y predicación

RAFAEL. Disputa del Sacramento

Claridad compositiva: personajes se
distribuyen a escala en espacio inmenso,
Edificio con elementos pero no de forma anárquica. Ordenados
clásicos ordenados al gusto en torno al eje de simetría central, forman
Apenas hay representación de la naturaleza de Bramante (protector de Rafael): grupos que se equilibran a ambos lados,
(salvo fragmentos del cielo), es un espacio inmenso cúpula sobre pechinas, bóveda de cañón, desarrollando cada uno su propia dinámica
pero delimitado por construcción arquitectónica pilastras dóricas, hornacinas, etc podrían pero dando al conjunto un sentido estático
hacer alusión al proyecto de la basílica Que se ve reforzado con la sucesión de líneas
nueva de San Pedro paralelas al plano del cuadro

Fresco sobre muro
Semicírculos expansivos
concéntricos nos dirigen
Espacio interior delimitado por focos al plano superior
de luz, lo que hace más intensos los
contrastes de claroscuros, ayudando
las sombras a potenciar el efecto Isocefalia de franja central
de profundidad refuerza sentido estático
Equilibrio de colores
cálidos y fríos Personajes principales únicos
enmarcados por el paisaje
(recortados a contraluz en
el cielo del fondo)
Diversidad de actitudes y gestos,
mediante los cuales los personajes
interactuan armoniosamente Perspectiva lineal marcada
en zócalo tiene punto de fuga
en el Timeo de Platón

7`70 m
La ejecución de la obra calculaba que iba a
ser contemplada desde un punto de vista bajo Rafael Sanzio.
(dintel de la puerta de acceso)
La escuela de Atenas

Espacio arquitectónico simboliza
la construcción del conocimiento Representa a algunos artistas y personajes políticos de
su época con el rostro de filosófos. Con ello reivindica el
valor intelectual de las artes

Platón (rostro de Leonardo) Aristóteles con su Ética en
sostiene en mano izquierda el Timeo y la mano izquierda, señala Las estatuas de las hornacinas representan
con la derecha señala el cielo con su brazo derecho el a Apolo (dios de las artes) y a Atenea (diosa de
(perfección del mundo de las mundo terrenal la sabiduría), hermanando de nuevo los dos
ideas) (pensamiento empírico) ámbitos

Alejandro Magno (o Alcibíades)
escucha a Sócrates

Epicuro (filósofo de la felicidad) Diógenes
coronado de pámpanos, está rodeado
de personajes que representan las
distintas edades del hombre Zoroastro con esfera celestial
y Ptolomeo con esfera terrestre, tienen
al lado a Sodoma y el autorretrato de
Pitágoras escribiendo, con Rafael que mira hacia el espectador
Averroes (turbante) detrás y
un niño que sostiene una
pizarra con las normas de Euclides (rostro
las proporciones musicales de Bramante) inclinado
haciendo cálculos
Heráclito (rostro de
Miguel Ángel) apoyado en Los cuatro escalones representan
un cubo) da la espalda a los elementos básicos del Universo:
Parménides aire, agua, tierra y fuego

Rafael Sanzio.
La escuela de Atenas

Antes de Miguel Ángel
Fue mandada construir por
Miguel Ángel Sixto IV a fines del s. XV. Sus

19`5 m.
paredes se decoraron con frescos
Capilla Sixtina (cada lado temas Antiguo y Nuevo
Testamento) mientras que bóveda
cielo azul oscuro con estrellas doradas
39
m .
13 m.

Construcción basada en proporciones aritméticas:
longitud es tres veces la anchura, y la altura es la
En 1508 se le encarga la nueva mitad de la longitud
decoración de la bóveda( en principio
estaba previsto la representación de
los doce apóstoles) pero Miguel Ángel
consiguió imponer su criterio de dedicar
el espacio a un programa iconográfico
más complejo

Veinticinco años después se le encomienda
la decoración del muro del fondo con el Juicio
Final. Aunque la obra comenzó en 1535 Era novedoso que un autor influyese en
(ventanas cegadas del fondo, eliminación de el contenido de la obra a realizar
cornisa, etc.) Miguel Ángel comenzó a pintar
al año siguiente

Con un sentido unitario crea un espacio arquitectónico fingido mediante el cornisas y nervios en trampantojo (parecen reales por ángulo de
proyección que le dan tridimensionalidad y por calidades matéricas. Divide el espacio pintado en tres franjas: a) Espacio de lunetos y pechinas
inmediatamente a continuación de la decoración de los muros, dotándolos de dinamismo ascendente y descendente. Mediante dos falsas
cornisas longitudinales y diez simulados arcos fajones compartimenta el resto del espacio b) la sección descendente de la bóveda y c) la zona
central con escenas transversales rectangulares de dos tamaños que se van alternando. Para fortalecer unidad, pinta
ignudis (desnudos), puttis con tablas, medallones y estatuas de bronce, tronos enmarcados por pilastras con estatuas, etc.

Los nueve rectángulos centrales no presentan
igual perspectiva, escala (aumenta la de las figuras
conforme se acerca al altar) o iluminación pero
sí muestran cierta conexión, representando
secuencias sucesivas de la creación

a

b

c

a

a

Miguel Ángel.
Bóveda.
Capilla Sixtina

Separación de luz y tinieblas, Creación de astros y plantas, Separación de aguas y firmamento, Creación de Adán, Creación de Eva,
la Tentación y la Expulsión del Paraíso, el Sacrificio de Noé, el Diluvio universal y la Ebriedad de Noé

Programa iconográfico:

1 Cinco sibilas, es decir adivinas 4 Nueve escenas sobre la
5 episodios de la 3 Lunetos con antepasados 2 Siete profetas del
del mundo antiguo que anunciaron creación desde separación
salvación de Israel de Jesucristo según evangelio Antiguo Testamento que
la venida de Jesús. Aparecen la cinco de luz y tinieblas hasta
de San Mateo anunciaron o prefiguraron
primeras de un famoso tratado. Sus actitudes, embriaguez de Noé. Van en
la llegada del Mesías
desde la primera ( Délfica) que levanta sentido inverso al cronológico
la mirada del libro hasta la Líbica que desde la entrada hasta el altar.
lo cierra, simbolizan la sustitución del como proceso neoplatónico
saber antiguo por el conocimiento cristiano de ascensión del alma * medallones con escenas
del Antiguo Testamento

Predominio de
3 3 3 3
los colores violeta
5 2 2 5
y verde (colores 2 2 2
litúrgicos de la
misa)
* * * * *
2
2 4 4 4 4 4 4 4 4 4

Alusiones a la * * * * *
familia de Julio II,
mediante aparición 1 1 1
de encina y bellotas 5 1 1 5
3
3 3 3

Diversidad de actitudes de
Más de trescientas Miguel Ángel. personajes que proporcionan gran
figuras con abundancia
de desnudos (hombre
Bóveda. intensidad dramática a la obra
( se va abandonando optimismo
como medida de
todas las cosas)
Capilla Sixtina renacentista)

Características generales de Miguel Ángel: predominio del dibujo, con
contornos bien marcados que potencian relieve, preocupación por desarrollo
de personajes (profundo estudio anatómico de musculaturas y de expresiones
vigorosas) más que por el paisaje, volumetría conseguida mediante claroscuros
y ricas combinaciones cromáticas con tonalidades claras y brillantes
en complicada asociación.

Ignudis sostienen con
lienzos escudos de bronce
Al colocar al creador de frente y En una arremolinada elipse con escenas del Antiguo Testamento.
Fusionó dos espaldas, simboliza la omnipresencia emerge Dios en violento escorzo Son personajes ajenos al mundo que les
días de la creación del Sumo Hacedor con los brazos en expansión rodea y cada uno se contorsiona de modo
diferente a los demás

Creación astros y plantas
Separación de las tierras y mares
Miguel Ángel.
Bóveda.
Capilla Sixtina


Composición basada en la diagonal, Abundancia de líneas curvas en el
deja en el centro, desplazado hacia la izquierda, la unión espacio donde se encuentra Dios marca
de las dos manos (una poderosa y otra lánguida), sin la fuerza generadora. Su proyección mediante
ninguna referencia paisajística que pueda distraer una línea convexa marca la fuerza expansiva,
del trascendental acontecimiento mientras que la curva cóncava que forma el cuerpo Figura de Dios a gran
de Adán marca la actitud pasiva escala y parece no
caber en recuadro de la escena

Armonía de colores: tonos
cálidos de Adán resaltan
sobre fondo verde azulado
del suelo, y rosa violáceo
de Dios sobre contornos
oscuros

Anatomía potente pero
pasiva en actitud
expectante

Creación de Adán
Creación de Eva
Miguel Ángel.
Bóveda.
Capilla Sixtina


No existe la unidad de espacio, son diferentes grupos
Presenta serpiente Aunque pretende reflejar de personajes que resaltan por las tonalidades cálidas
Presentación de dos sucesos
con torso y cabeza paraíso con vegetación y de sus cuerpos y los colores llamativos de sus mantos
cronológicos distintos en
de mujer exilio yermo, al no preocuparle sobre los fondos verdosos (tierra) y grisáceos (mar y cielo)
el mismo rectángulo: tentación
el paisaje apenas se nota el
y expulsión
contraste

Árbol con forma
de encina con
bellotas (en
honor a familia
de Julio II)

Expulsión del Paraíso
El Diluvio
Miguel Ángel.
Bóveda.
Capilla Sixtina


Tras Concilio de Trento se
ordenó cubrir los desnudos
con paños, encargándose
Daniel Volterra, denominándose
desde entonces el “braghetone”

Sacrificio de Noé Embriaguez de Noé
Miguel Ángel.
Bóveda.
Capilla Sixtina


El último en ser realizado. De proporciones
mayores y algunos autores han pretendido Figuras que se contorsionan en
identificar un autorretrato un espacio exiguo

Profeta Jeremías Sabina Eritrea Profeta Ezequiel
Miguel Ángel.
Bóveda.
Capilla Sixtina

Originalmente el proyecto se lo encargó el Papa Clemente VII e incluía un fresco en el muro de los pies de la capilla sobre la caída de
los ángeles rebeldes y otro en el altar sobre la resurrección. Paulo III mantiene el encargo pero será en el paramento del altar y el tema
será el Juicio Final. La pared ya contenía obras de Perugino e incluso de Miguel Ángel ( los lunetos de las ventanas de la época en
que decoró la bóveda). El artista decidió acabar con la cornisa y ventanas y crear un gran mural

En un fondo de azul intenso y de luminosidad uniforme,
donde desaparecen las referencias espaciales ( espacio
Distribución manierista de la composición: zonas
abstractos, sin perspectiva, planos ni escalas) con apelmazamiento de personajes
un masa de más de cuatrocientas figuras ingrávidas, y otras con marcados vacíos.
giran alrededor de Jesucristo

Cuarto nivel: ángeles portando los
instrumentos de la pasión

Cristo destaca por su tamaño
Antes de restauración
y por estar aislada del resto Tercer nivel: santos, profetas
de las figuras mediante y demás bienaventurados
un nimbo de luz azulada alrededor de Jesús

División en
cuatro
Dimensiones de los personajes Segundo nivel : elegidos que se
franjas
crecen con la altura para elevan, ángeles con trompetas,
compensar la lejanía y condenados arrastrados
del punto de contemplación por los demonios

Inframundo (a un lado los
Ascensional
muertos resucitados) y al
Doble
otro las almas condenadas
movimiento Descendente

Miguel Ángel.
Juicio Final.
Capilla Sixtina

Obra condicionada por su crisis religiosa y existencial ( unión
al grupo reformista de Vittoria Colonna). El saqueo de Roma
y la decadencia de la visión optimista de la filosofía humanista
le llevan hacia un angustiado pesimismo

Formación de doble círculo
Ángeles ápteros (sin alas) alrededor de Jesús.
portan símbolos de la pasión:
Columna, cruz, corona de espina, etc.
Otro aspecto iconográfico que resalta
es que no aparece la Santísima Trinidad
como era tradicional, sino sólo el hijo
Jesús aparece como desnudo
atlético, con brazo derecho levantado
amenazadoramente

La Virgen a escala inferior no actúa En piel arrugada aparece
como intercesora, sino que aparece autorretrato del autor, como
como pudorosa o con temor señal de extrema humildad y
reflejo de su abatimiento

De los elegidos destacan
San Lorenzo (con la parrilla) y En esta representación aparece sólo el
San Bartolomé (con cuchillo y piel) pues cielo y el infierno, pero no el purgatorio,
a ellos, junto a la Virgen, estaba dedicada lo que iría en contra de lo que posteriormente
la capilla reafirmó el concilio de Trento

Los muertos que van resucitando
Algunas referencias al mundo clásico a través
lo hacen incorporándose a sus huesos
de la obra de Dante: Caronte en la barca y Minos
la piel, como señalaba el libro de Ezequiel
rodeado de los anillos de una serpiente

Miguel Ángel.
Juicio Final.
Capilla Sixtina

en complicada asociación, escorzos intensos, multiplicidad de actitudes.

San Pedro

En piel arrugada de San
Bartolomé aparece
autorretrato del autor, como
señal de extrema humildad
Zona Central y reflejo de su abatimiento

Miguel Ángel.
Juicio Final.
Capilla Sixtina

Miguel Ángel.
Juicio Final.
Capilla Sixtina

Condenados forcejean y establecen
Personajes parecen flotar a la
Figuras en remolino, se presentan una lucha entre vanos intentos de
Redimidos ascienden vez que parecen avanzar y
de frente, perfil, espalda creando elevarse con tendencia descendente
de forma lenta, como retroceder en ese intemporal
una espiral en su bajada general, aunque no brusca, como si se
si les costara subir azul de uniforme luminosidad
hubiese ralentizado el tiempo

Redimidos Ángeles Condenados

Gusto por las calidades
matéricas ( a veces
Rasgos particulares se diluyen su atención se recrea en Lienzos sobre Paisaje crespuscular (referencia
en la atmósfera luminosa que un brillo o un color al que óleos bíblica al pasaje de Josué que
rodea el rostro da igual intensidad que a los pidió a Dios que retrasara el anochecer
elementos principales de la obra) para poder derrotar a sus enemigos)
Presta más atención a
las posturas, gestos y objetos
definidores del papel social de
la persona que a la Expresión contenida, como reflejo
descripción pormenorizada de autodominio
de los detalles fisonómicos,

Detalles históricos: caballo y armadura que
Trata de enaltecer al personaje realmente llevó el emperador en la batalla
pero sin renunciar a dotar a las
figuras de vida Pinceladas
muy sueltas

Caballo en actitud dinámica, que
realza contraste con actitud
Crea un arquetipo de
contenida del emperador
retrato áulico de cuerpo entero
con cortinajes detrás que
tendrá gran aceptación entre
los monarcas Retrato ecuestre como
referencia a los emperadores
romanos

Carlos V con su perro Carlos V vencedor en Mühlberg
Tiziano.
Retratos áulicos

Características generales: técnica al óleo, preferencia de soporte en lienzo, gusto por el gran formato que le permite extender grandes
áreas de color sobre los que aplica veladuras claras para los brillos y toques secos y saturados para las sombras, predominio
del color, siendo las luces y sombras coloridas los que establezcan los límites entre formas y espacio, relegando al dibujo,
sensualidad de las formas que expresen vitalidad,

Juego de relaciones 4/6/9 (referencias
musicales) con los personajes bailando
pero girando sobre sí mismos sin
Conexión de líneas de tensión salirse del lugar adjudicado
Cielos cambiantes con fondos de miradas, giros opuestos
luminosos de cielos azules con nubes y color de ropajes complementarios

4 6
9

Importancia del paisaje,
con evocaciones poéticas

4

Formas sensuales, gusto
por la alegría de la vida, 6
emoción visual

La Bacanal Baco y Ariadna
Tiziano.
Obras mitológicas

Tiziano.
Modelado suave, mediante
un delicado sombreado va
Obras Mitológicas
configurando las redondas formas

Equilibra la distribución de colores:
Desarrolla muchos
el rojo y blanco de la parte inferior Pincelada se va haciendo
de sus desnudos
derecha del cuadro tiene su contrapunto más suelta y libre (ambas obras
sobre la base de las
en los vestidos de la sirviente que está de fueron ejecutada con una diferencia
relaciones musicales
pie y la que abre el arcón de más de treinta años)
y el círculo (o arcos del
mismo)
Inspirado en la Venus
dormida de Giorgione, Tema mitológico empleado para
pero la traslada a un rico reflejar aspectos morales: aceptación
palacio (juego de telas de del destino y venta de la virtud
tafetán oscuras, almohadas
y sábanas blancas, y
rojo de la cama)

Personaje rezuma sensualidad,
con los ojos abiertos mira Miradas de sirvienta y dama
al espectador mientras se confluyen en lluvia dorada
cubre, indolente,el pubis con
la mano

Formas juveniles, que Contraste entre carnes
en obra posteriores dotará nacaradas de Dánnae
de mayor carnosidad y oscuras de sirvienta, y en
intensidad de la luz dorada
sobre cada cuerpo

Venus de Urbino Dannae recibiendo la lluvia de oro

TINTORETTO. El Lavatorio (1549)

VERONÉS. Las Bodas de Caná (1563)

VERONÉS. Cena en casa de Leví

BRUEGHEL. La Parábola de los Ciegos (1568)

BRUEGUEL. El Triunfo de la Muerte

ALBERTO DURERO
Autorretrato (1498)

HANS HOLBEIN
Los Embajadores
(1553)

HOLBEIN. Los Embajadores (detalle de la calavera distorsionada)

HOLBEIN
Los Embajadores
(detalle de la
calavera sin
distorsionar)

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