Analisis de las obras del Manierismo, escultura, pintura, arquitectura

1. República Bolivariana de Venezuela
Ministerio de Educación y Deporte
Instituto Universitario de Tecnología
“Antonio José de Sucre” Extensión Barquisimeto
Alumno: Moisés Osorio
C.I : 25.145.837

3. El descendimiento de Cristo
Dependiendo del relato histórico, el manierismo se
desarrolló entre 1510 y 1520 en Florencia,2 Roma, o en
ambas ciudades.3Andrea del Sarto, que dominó la
pintura florentina en el primer tercio del siglo XVI, aunque
tiene elementos del Cinquecentocomo la
composición piramidal o el esfumado leonardesco, tiene
ya características manieristas como el cierto misterio de
sus figuras y las difícil actitudes de las figuras
representadas. Sus alumnos Jacobo da
Pontormo y Rosso Fiorentino se encuentran entre los
primeros puramente manieristas de Florencia; destacan
por sus formas alargadas, poses en equilibrio precario,
una perspectiva caída, ambientaciones irracionales y una
iluminación teatral. Pontormo ejemplifica el manierismo
con figuras alargadas y posturas formadas, en un
ambiente misterioso; a él se debe una obra muy
representaba del manierismo, especialmente por sus
colores irracionales y su luz fría y poco natural:
el Descendimiento de Cristo, 1528.

4. Retrato de Bia de`Medici
Los manieristas posteriores enfatizaron los conceptos intelectuales y el
virtuosismo artístico, rasgos que han llevado a críticos posteriores a
acusarlos de trabajar en un (maniera) poco natural y afectada. Los artistas
de maniera consideraban a su contemporáneo de mayor edad, Miguel
Ángel, como su primer ejemplo; el suyo era un arte de imitación al arte,
más que de imitar a la naturaleza. Freedberg considera que el aspecto
intelectualizan te de este arte «amanerado» proviene de que el artista
espera que el público se de cuenta y comprenda sus referencias visuales,
la figura familiar en una ambientación poco familiar rodeada de «comillas
que no se ven, pero que se sienten. El artificio supremo proviene en el
amor de este tipo de pintor de malversar deliberadamente una cita, por
ejemplo Bronzino incluyendo la figura de una mujer detrás de la Venus de
Medici en una imagen religiosa que representa la resurrección de Cristo.
Bronzino era discípulo de Pontormo y muestra también esa luz fría de su
maestro. Los retratos de Bronzino se distinguen por una elegancia estática
y atención meticulosa al detalle. Como resultado, se dice que los modelos
de Bronzino ponían un abismo de incomunicación entre el sujeto y el
espectador, concentrándose en representar el brillo y la textura de las ricas
telas. Un ejemplo de su estilo es el Retrato de Lucrecia Panciatichi (1540).
Vasari, lo mismo que Daniele da Volterra realizaron obras a la manera de
su maestro, Miguel Ángel, distorsionando fuertemente las figuras.
Con base principalmente en los círculos cortesanos e intelectuales de toda
Europa, el manierismo auna una elegancia exagerada con una atención
exquisita a la superficie y el detalle: figuras con piel de porcelana se
reclinan en una luz plana y atenuada, lanzando al espectador una mirada
fría. El sujeto manierista raramente muestra un exceso de emoción, y por
esta razón son a menudo interpretados como fríos o distantes, y a menudo
se les llama estilo o la Maniera.

5. Bautismo del Cristo
En España, pueden ser considerados manieristas,
por el momento en que trabajaron, Juan de Juanes,
Alonso Sánchez Coello y su seguidor Juan Pantoja
de la Cruz, aunque se mantuvieron alejados de las
distorsiones italianas. Distintos son los casos de Luis
de Morales, entre la pintura manierista y la tradición
hispanoflamenca y, sobre todo, El Greco con obras
como el Laoconte(1600) hoy en la National Gallery of
Washington. El Greco intentó expresar la tensión
religiosa con un exagerado manierismo. Tras la
representación realista de la forma humana y la
maestría en la perspectiva lograda en el Clasicismo
del Alto renacimiento, algunos artistas empezaron a
distorsionar deliberadamente las proporciones en un
espacio desarticulado e irracional para lograr un
efecto emocional y artístico. Hay aspectos en este
sentido en la obra del Greco, como los colores ácidos
y discordantes, una anatomía torturada y alargada, la
perspectiva irracional, el tratamiento de la luz en sus
composiciones abarrotadas, que encajan plenamente
en la corriente manierista.

7. El Rapto de la Sabina
El Rapto de las Sabinas o el Rapto de la Sabina es
una escultura realizada en mármol obra
de Giambologna escultor franco-flamenco activo
en Florencia en el siglo XVI. La escultura formaba parte
de la colección ducal de La Loggia en la plaza de la
Señoría de la ciudad.
Juan de Bolonia en 1581 comenzó lo que se considera su
obra maestra, el Rapto de las Sabinas, finalizado
alrededor de 1582. Al parecer, la escultura no fue
producto de un encargo y se llevó a cabo por el autor
como una demostración de virtuosismo.
Cuando Francisco I de Médici vio la obra se entusiasmó y
ordenó su instalación en la Loggia dei Lanzi, cerca
del Palazzo Vecchio. La presencia allí de la obra Perseo
con la cabeza de Medusa de Benvenuto Cellini, que
representaba el triunfo del bien sobre el mal y el símbolo
de la victoria de los Médici en Florencia después de haber
sido expulsados de la ciudad en 1494, hizo al autor pensó
en un tema relacionado con que bautizar su trabajo,
decidiéndose por la historia del Rapto de las sabinas, ya
una vez colocada la pieza en la plaza

8. Perseo con la cabeza de Medusa
también denominada el Perseo de Cellini, es una
escultura realizada en bronce por Benvenuto Cellini,
considerada una de las obras cumbre de la
escultura manierista italiana y una de las estatuas más
famosas de la Piazza della Signoria en Florencia, Italia.
Expuesta en la Loggia dei Lanzi, un histórico pórtico de
Florencia, la escultura representa a Perseo de pie sobre
el cuerpo de Medusa; apenas la acaba de decapitar con
la espada que empuña en la mano derecha, mientras
que con la mano izquierda sostiene triunfante la cabeza
del monstruo tomada por su cabellera.
Erigida sobre un alto pedestal decorado con estatuas de
bronce de fina hechura (actualmente copias de los
originales, conservados en el Museo Bargello), la estatua
fue concebida mirando hacia abajo, de modo que el
espectador situado ante ella pudiese observar su cara
claramente.

9. Fuente de Neptuno
El genio y la grandeza de Miguel Ángel eclipsa a la
mayor parte de los escultores, que intentan seguir sus
pasos sin conseguir alcanzar su fuerza. Se desarrolla
un tipo de escultura que rompe la armonía del período
anterior, como había sucedido en la pintura, con
composiciones abiertas y formas en tensión. Se logra
una gran esbeltez y refinamiento, unida a la elegancia
de líneas que se cruzan y al empleo de ejes
helicoidales. Destacan dos autores principales y otro
menor: Benvenuto Cellini , Jean de Boulogne o
Giambologna y Bartolomeo Ammannnanti.

11. Palacio Massimo alle Colonne
Roma
La fachada del siglo arcadas y se curva, adaptándose a la
de 'Odeón de Domiciano, un teatro cubierto del primer siglo, y es más
amplio de lo que es, de hecho, el edificio, lo que ayuda a que sea más
majestuosa e impresionante. De hecho, la estructura es parte de una
gran cantidad de dimensiones irregulares, a fin de presentar con una
forma de L, construido alrededor de un patio. Novela es también la
forma de las arcadas del patio, que consta de dos casas de
campo arquitrabada superposición, cerró en la parte superior por un
tercer piso ventanas rectangulares abiertos tan amplia como la
columnata subyacente. En la fachada incorpora una técnica adoptada
por Bramante en Palazzo Caprini (1508-10 posteriormente destruidas),
que a su vez se había recuperado de antiguas técnicas de construcción,
lo que implica la construcción de falso almohadillado estuco, o más bien
por el chorro mortero en forma de cajas de madera, lo que le da la
consistencia visual de piedra almohadillada.
Todas estas soluciones hacen Palazzo Massimo uno de los más
interesantes cultura fábricas manierista.
El interior no está abierto al público, consta de habitaciones y ambientes
suntuosos. Notable es el techo pintado al fresco por Daniele da
Volterra y representan la vida de Fabio Máximo, el comandante romano
alegó antepasado de la familia noble que vive allí. El contiguo Palacio
de Pirro está hoy unido al Palazzo Massimo y su fachada decorada
con encáustica de Polidoro da Caravaggio, el mejor conservado en
Roma, en la opinión de muchos

12. Fachada de la Iglesia del Gesù
Roma
La fachada del Gesú es obra del arquitecto Giacomo della Porta,
responsable de introducir en ella una serie de elementos poco clásicos que
muestran el inicio del barroco. En su disposición general la fachada
conserva la tradición del siglo anterior, con un cuerpo bajo con pilastras
pareadas de orden corintio (que, a ambos lados de la puerta principal se
convierten en columnas adosadas) y un cuerpo superior que remata en
frontón. El cuerpo bajo es más ancho, ya que tiene la amplitud de la nave
central más las capillas, mientras que en superior solo tiene la anchura de
la nave central. Los dos pisos salvan su diferencia de tamaño, al unirse por
una moldura curva con dos volutas que logra casar perfectamente los dos
cuerpos. Esta solución arquitectónica se va a popularizar en los tratados de
arquitectura y gozará de gran predicamento posterior, constituyendo las
volutas laterales uno de los motivos más frecuentes en la estética barroca.
En la planta baja empleó el orden corintio tanto en las pilastras como en las
columnas y en la superior, empleará el jónico en las pilastras (lo que
provoca una disimetría con respecto a la manera romana de superponer
los órdenes). Sobre la puerta principal coloca una ventana grande
enmarcada por pequeñas semicolumnas elevadas sobre podio, que
sostienen un frontón triangular, colocando entre ellas una balaustrada. A
ambos lados aparecen hornacinas terminadas en arcos de medio punto
recubiertas de frontones triangulares. Las puertas de acceso también
tienen frontones, siendo el de la central curvo, bajo el que hace guirnaldas
(más complicadas y retorcidas que las de Miguel Ángel). Sobre esta puerta
sitúa el escudo con el emblema de los jesuitas. Sobre cada una de las
puertas laterales coloca hornacinas con esculturas de santos. Este modelo
de fachada va a ser el modelo de todas las iglesias de los jesuitas en
Europa e Hispanoamérica.