Este documento describe la introducción del Renacimiento en España. Explica que se difundió principalmente durante el siglo XVI, aunque el estilo gótico perduró debido a su gran influencia. Factores como las relaciones con Italia, la importación de obras italianas, y la llegada de artistas italianos contribuyeron a la adopción del estilo renacentista. También destaca el mecenazgo de familias aristocráticas españolas apasionadas por el arte renacentista italiano como promotores clave de su difusión.

1.
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
I.
TEMA
10.
ARTE
DEL
RENACIMIENTO
EN
ESPAÑA

2. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
2
TEMA
10.
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
I.
ARTE
DEL
RENACIMIENTO
EN
ESPAÑA
1.Introducción
al
arte
del
Renacimiento
en
España.
2.
La
arquitectura
renacentista
en
España
3.
La
pintura
renacentista
en
España
4
La
escultura
renacentista
en
España.
5.
La
música
renacentista:
instrumentos
y
compositores.
6.
Mobiliario
renacentista.
7.
El
traje
“a
la
española”.
La
moda
a
través
del
retrato
cortesano
español:
Alonso
Sánchez
Coello.
1.INTRODUCCIÓN
AL
ARTE
DEL
RENACIMIENTO
EN
ESPAÑA
El
Renacimiento,
surgido
en
Italia,
alcanzó
una
gran
difusión
por
toda
Europa.
En
España
hay
que
tener
en
cuenta
al
estudiar
el
Renacimiento
que:
*El
siglo
XV,
la
época
de
los
Reyes
Católicos,
Isabel
y
Fernando,
es
una
etapa
bisagra,
a
caballo
entre
el
Gótico
y
el
Renacimiento,
entre
la
Edad
Media
y
la
Edad
Moderna.
*El
Renacimiento
se
difunde
en
España
a
lo
largo
del
siglo
XVI.
*
Igual
que
en
otros
países,
el
gran
peso
de
la
tradición
gótica
hizo
que
este
estilo
perdurara
durante
mucho
tiempo.
Lo
mismo
ocurrió
en
otros
países
como
Alemania.
Es
tal
la
trascendencia
del
Gótico
en
España
que
se
ha
llegado
a
decir
que
el
arte
español
del
siglo
XVI
es
“arte
gótico
postmedieval”.
*La
riqueza
cultural
española,
en
la
que
confluyen
elementos
cristianos
con
islámicos
y
judíos,
otorga
una
peculiar
singularidad
a
nuestro
arte
renacentista.
La
implantación
del
Renacimiento
en
España
coincide
en
una
etapa
de
hegemonía
política
española
en
buena
parte
de
la
Europa,
norte
de
África,
América,
e
incluso
Asia
(Filipinas,
etc.).
Ello
es
debido
a
la
creación
del
llamado
Imperio
español
que
se
fragua
con
los
RRCC
en
el
siglo
XV
–al
unificarse
la
corona
de
Castilla
y
la
de
Aragón-­‐
y
se
extiende
en
el
siglo
XVI,
en
la
primera
mitad
con
el
emperador
Carlos
(I
de
España
y
V
de
Alemania)
y
en
la
segunda
mitad
con
su
hijo
Felipe
II,
el
llamado
rey
Prudente,
el
monarca
más
poderoso
de
su
época,
a
la
vez
que
uno
de
los
mayores
mecenas
y
coleccionistas
del
Renacimiento.
Varios
factores
propiciaron
la
implantación
del
Renacimiento
en
España:
*Las
estrechas
relaciones
con
Italia
a
través
de
las
campañas
militares
españolas1
.
Recordemos
que
Italia
durante
el
Renacimiento
fue
bocado
apetecido
por
parte
de
Francia
y
España
que
lucharon
allí
por
conquistar
este
territorio:
el
sur
de
Italia
y
Sicilia
durante
siglos
pertenecieron
a
la
Corona
española.
Gracias
a
estos
contactos
con
Italia
se
conoció
el
arte
italiano.
*Se
importan
obras
italianas,
desde
álbumes
de
dibujos
con
temas
ornamentales
a
monumentos
funerarios
totalmente
acabados,
incluso
palacios
enteros.
*Vinieron
a
España
un
nutrido
grupo
de
artistas
italianos,
formados
generalmente
en
la
tradición
clásica
de
la
Antigüedad,
atraídos
por
el
auge
constructivo
de
la
península
y
el
desarrollo
de
los
mercados
del
Nuevo
1
Italia
era
un
país
dividido
en
diferentes
zonas:
Florencia,
Reino
de
Nápoles,
Estados
pontificios,
la
República
de
Venecia,
el
Ducado
de
Milán…
2
El
impulso
inicial
corresponde
al
mecenazgo
de
los
Mendoza
y,
aunque
se
concreta
en
su
origen
en
obras
del
influyente
gran
cardenal
Mendoza,
todo
señala
a
su
sobrino
Iñigo
López
de
Mendoza,
conde
de
Tendilla,
como
el
auténtico
inductor,
y
se
asocia
a
la
figura
de
Lorenzo
Vázquez
,
su
arquitecto
y

3. 3
3
Mundo.
Por
ejemplo,
muchos
pintores
italianos
decoraron
las
estancias
palaciegas
y
conventuales
del
Monasterio
de
El
Escorial.
*Y
no
es
infrecuente
que
los
artistas
españoles
se
formen
en
Italia.
*Es
fundamental
la
importancia
de
minoritarias
familias
aristocráticas
españolas
apasionadas
por
el
arte
renacentista
italiano.
Ellos,
como
la
poderosa
familia
de
los
Mendoza2
,
tuvieron
una
importancia
esencial
en
la
difusión
del
arte
renacentista,
pues
apuestan
por
el
nuevo
arte
frente
a
la
vigencia
del
gótico.
En
el
fondo
latía
en
ellos
un
deseo
de
notoriedad
y
prestigio.
Pronto
serían
imitados
por
otras
élites
culturales
humanistas
(nobleza,
alto
clero…)
*La
implantación
del
Renacimiento
en
el
arte
español
se
aprecia
ya
desde
las
primeras
décadas
del
siglo
XVI.
Este
cambio
del
gusto
se
plasmó
principalmente
en
la
utilización
de
sus
motivos
ornamentales
renacentistas
en
la
arquitectura,
pero
sobre
estructuras
todavía
góticas.
Es
decir,
fue
una
aplicación
meramente
epidérmica
en
sus
inicios.
El
Arte
en
la
Época
de
los
Reyes
Católicos
(Segunda
Mitad
del
Siglo
XV)
Como
señalamos
anteriormente,
el
arte
de
la
época
de
los
Reyes
Católicos
pertenece
a
una
etapa
bisagra
que
oscila
entre
el
Gótico
y
el
Renacimiento.
Ha
sido
denominado
como
Gótico
ISABELINO
o
“estilo
Reyes
Católicos”.
Presenta
influencia
alemana
y
flamenca.
En
el
arte
de
la
época
de
los
Reyes
Católicos
presenta
una
gran
riqueza
ornamental.
Las
estructuras
arquitectónicas
son
góticas,
pero
algunos
elementos
decorativos
preludian
el
Renacimiento.
Ejemplo
destacado
del
gótico
isabelino
es
el
monasterio
de
San
Juan
de
los
Reyes
de
Toledo
(arquitecto
Juan
Guas).
Reyes
y
Mecenas:
Carlos
V
y
Felipe
II
El
César
Carlos
no
fue
un
gran
apasionado
del
arte
como
sí
lo
sería
su
hijo
Felipe
II,
pero
no
hay
duda
de
que
se
supo
rodear
de
grandes
artistas
a
mayor
gloria
de
él
y
su
imperio.
Así,
se
fomentó
la
pintura,
la
escultura,
la
arquitectura
renacentista,
así
como
las
artes
decorativas
–armaduras,
orfebrería,
etc.-­‐
Ambos
pertenecían
a
la
poderosa
dinastía
de
los
Austrias
también
llamados
Habsburgos,
que
reinaron
en
España
durante
los
siglos
XVI
y
XVII.
Las
pinturas
mitológicas
que
él
y
su
hijo
Felipe
II
encargó
a
Tiziano
las
denominaba
como
“poesías”.
Y
admiraba
muchísimo
el
retrato
que
Tiziano
hizo
de
su
mujer,
la
bella
Isabel
de
Portugal.
Se
cree
que
fue
la
última
imagen
que
vió
antes
de
morir
y
en
su
testamento
dejó
escrito
que
pusieran
ese
cuadro
al
lado
de
su
tumba
en
el
Monasterio
de
Yuste
(Extremadura)
donde
pasó
sus
últimos
años.
Hoy
en
día
sus
restos
descansan
en
el
Panteón
del
Monasterio
de
El
Escorial.
Son
muchos
los
retratos
áulicos3
que
se
conservan
del
César
Carlos.
Suelen
ser
“retratos
de
aparato”,
es
decir,
que
siguen
las
pautas
que
subrayan
los
símbolos
de
la
monarquía,
entre
ellos,
la
serenidad
y
majestuosidad
impertérrita.
Tiziano
vivió
siempre
en
Italia,
fundamentalmente
en
Venecia,
aunque
también
visitaba
diversas
cortes
italianas.
Pero
en
dos
ocasiones,
y
a
requerimiento
de
Carlos
V
viajó
al
extranjero,
concretamente
a
Augsburgo,
en
Alemania,
en
1548
y
en
1551
donde
se
encontró
con
el
César
y
le
realizó
diversos
encargos
(como
su
célebre
retrato
ecuestre
de
Mülberg),
hoy
en
el
Museo
del
Prado.
Carlos
V
nombró
a
Tiziano
como
su
pintor.
Tiziano
también
pintó
a
Fernando,
el
hermano
de
Carlos
V
y
sucesor
en
el
imperio.
Por
su
parte,
Felipe
II
cuenta
con
una
“leyenda
negra”
fraguada
por
los
enemigos
del
Imperio
español
tanto
de
2
El
impulso
inicial
corresponde
al
mecenazgo
de
los
Mendoza
y,
aunque
se
concreta
en
su
origen
en
obras
del
influyente
gran
cardenal
Mendoza,
todo
señala
a
su
sobrino
Iñigo
López
de
Mendoza,
conde
de
Tendilla,
como
el
auténtico
inductor,
y
se
asocia
a
la
figura
de
Lorenzo
Vázquez
,
su
arquitecto
y
constructor
de
las
primeras
edificaciones
de
influencia
quattrocentista
en
España.
3
Aúlico:
relativo
a
la
realeza
o
monarquía.

4. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
4
dentro
como
fuera
de
España.
Al
margen
de
esta
leyenda,
con
visos
de
realidad,
es
indiscutible
su
enorme
importancia
como
mecenas
y
coleccionista
de
ingentes
cantidades
de
obras
de
arte:
pintura,
escultura,
tapices,
armaduras,
cerámica…
y
propició
la
construcción
de
diversos
proyectos
arquitectónicos,
entre
ellos,
el
más
destacado,
el
Monasterio
de
San
Lorenzo
de
El
Escorial.
Era
un
apasionado
de
la
pintura
flamenca
–en
especial
El
Bosco-­‐
y
de
la
italiana,
particularmente
la
veneciana
(Tiziano).
De
hecho,
Tiziano,
el
pintor
más
destacado
del
panorama
pictórico
de
la
Venecia
del
siglo
XVI,
fue
su
artista
favorito
y
le
encargó
tal
cantidad
de
obras,
que
por
eso
hoy,
la
colección
de
Tiziano
más
importantes
se
conserva
en
España,
tanto
en
el
Museo
del
Prado
como
en
el
Monasterio
de
El
Escorial.
Le
encantaba
también
el
Greco,
aunque
un
encargo
que
le
hizo
que
representaba
a
San
Mauricio
lo
desechó
Felipe
II
porque
no
obedecía
a
la
finalidad
religiosa
según
el
“decoro”
necesario.
Los
cuadros
que
atesoró
Felipe
II
eran
tanto
de
devoción
religiosa
como
de
temática
mitológica.
Al
principio,
criticaba
el
aspecto
de
“non-­‐finito”
de
las
pinturas
de
Tiziano,
hasta
que
este
pintor
le
educó
la
mirada,
haciendo
hincapié
que
es
un
pintura
de
mancha
y
de
puro
color
y
no
tan
dibujístico,
de
contornos
fríos
y
apretados
como
se
podía
encontrar
en
la
pintura
flamenca
o
florentina.
En
su
dormitorio
de
El
Escorial
tenía,
específicamente
en
un
pequeño
oratorio,
el
Calvario
de
Cristo
de
El
Bosco.
Hay
que
señalar
que
en
una
de
sus
habitaciones
conservaba
cuadros
mitológicos
con
abundante
presencia
de
desnudos
de
contenido
erótico.
Solían
estar
tapados
con
una
cortinilla
y
cuando
la
ocasión
lo
requería,
por
ejemplo,
si
llegaba
algún
invitado
ilustre,
les
enseñaban
las
obras.
2.
LA
ARQUITECTURA
RENACENTISTA
EN
ESPAÑA
El
Renacimiento
en
España
tarda
en
penetrar
desde
Italia,
especialmente
por
la
fuerza
que
el
gótico
final
–de
época
de
los
Reyes
Católicos-­‐
tenía
en
nuestras
tierras.
De
hecho,
la
primera
manifestación
de
la
arquitectura
renacentista
en
España,
como
es
el
Palacio
de
los
Duques
de
Medinaceli
de
Cogolludo
(Guadalajara)
muestra
una
simbiosis
de
estilos.
Por
un
lado,
imita
con
su
estructura
arquitectónica
los
palacios
del
Quattrocento
italiano,
incluyendo
puerta
y
sillería
almohadillada.
Sin
embargo,
la
crestería
y
sus
ventanales
son
todavía
claramente
tardogótico.
El
autor
es
Lorenzo
Vázquez
y
está
fechada
entre
1492-­‐95.

5. 5
5
En
estilo
renacentista
se
construyeron
en
España
palacios,
ayuntamientos,
hospitales
y
universidades.
Ciudades
renacentistas
españolas
por
antonomasia
fueron
Úbeda
y
Baeza
en
Jaén
(Andalucía).4
Etapas
del
Renacimiento
en
España:
*A
caballo
entre
el
Gótico
y
el
Renacimiento:
el
arte
de
la
época
de
los
Reyes
Católicos.
*Siglo
XVI:
el
Renacimiento.
Una
primera
etapa
es
PLATERESCO
y
la
segunda,
más
ligada
al
Manierismo
es
muy
sobria
y
austera,
es
el
periodo
HERRERIANO
ya
que
va
ligado
al
arquitecto
que
realizó
el
bellísimo
Monasterio
de
El
Escorial.
El
Arte
Plateresco
Podemos
definir
el
plateresco
como
una
modalidad
ornamental
más
que
propiamente
como
un
estilo
artístico.
Esta
denominación,
que
surgió
en
el
siglo
XVIII,
procede
de
la
semejanza
de
sus
motivos
decorativos
con
la
labor
realizada
por
plateros
y
orfebres.
Esta
denominación
alude
a
los
exquisitos
repertorios
decorativos,
plenos
de
horror
vacui
y
detallismo,
que
recuerdan
la
labor
de
los
plateros.
El
término
plateresco
ha
suscitado
numerosos
debates
entre
los
historiadores.
Ha
sido,
por
tanto,
conflictivo
y
polémico. 5
Por
otro
lado,
se
ha
abierto
paso
y
consolidado
la
no
menos
ambigua
expresión
de
protorrenacimiento
para
definirlo.
Sea
como
fuere,
hoy
en
día
se
tiende
a
pensar
que
sólo
se
debe
denominar
con
el
término
de
Plateresco
aquellas
manifestaciones
de
la
arquitectura
española
que
surgen
en
las
tres
primeras
décadas
del
siglo
XVI
y
en
las
que
se
pone
de
manifiesto
la
unión
de
formas
renacentistas
con
estructuras
góticas.
Dicho
con
otras
palabras,
los
motivos
ornamentales
platerescos
son
ya
renacentistas
pero
se
desarrollan
sobre
estructuras
arquitectónicas
todavía
góticas.
Los
motivos
decorativos
del
plateresco
son
muy
variados:
tondos
con
retratos,
formas
a
candelieri,
bucráneos,
putti,
cintas,
delfines,
calaveras,
grutescos,
escudos
heráldicos,
columnas
abalaustradas,
carros
triunfales,
figuras
mitológicas
(tritones…)
y
un
sinfín
de
motivos
ornamentales
que
se
distribuyen
con
verdadero
horror
vacui
por
las
fachadas-­‐telón
(también
llamadas
fachadas-­‐retablo)
de
los
edificios.
No
faltan
tampoco
los
motivos
decorativos
vegetales
y
animales.
La
decoración
se
desarrolla
en
molduras,
arcos,
jambas,
cresterías,
etc.
recubre
por
entero
las
superficies
produciendo
una
sensación
como
de
“bordado”
cuyo
antecedente
habría
que
buscarlo
más
en
el
renacimiento
lombardo6
que
en
el
florentino
y
en
España
en
la
decoración
mudéjar7
.
La
ciudad
castellana
de
Salamanca,
es
por
excelencia
la
ciudad
del
plateresco.
Lo
peculiar
de
este
repertorio
ornamental,
que
aúna
influencias
tan
variadas
como
las
procedentes
del
Renacimiento,
el
Gótico
o
el
Hispano
Mudéjar
ha
propiciado
que
el
plateresco
tenga
una
dimensión
única
y
diferente
a
la
que
podamos
encontrar
en
otros
países,
produciéndose
únicamente
en
España,
en
concreto
en
la
zona
de
Castilla.
Los
ejemplos
más
representativos
de
la
arquitectura
plateresca
son
LA
FACHADA
DE
SAN
GREGORIO
DE
VALLADOLID,
LA
FACHADA
DE
LA
UNIVERSIDAD
DE
ALCALA
DE
HENARES
y
la
FACHADA
DE
LA
UNIVERSIDAD
DE
SALAMANCA.
4
http://www.ubeda.com/
y
http://www.baeza.net/principal.htm
5
El
término,
es
hoy
puesto
en
entredicho
o
calificado
de
inadecuado,
tanto
por
lo
que
tiene
de
restrictivo
-­‐al
presumir
una
singularidad
nacionalista
respecto
del
arte
renacentista
de
otros
puntos
de
Europa
(Rosenthal)-­‐
como
por
ser
supuestamente
peyorativo
(S.
Sebastián)
y,
sobre
todo,
por
definir
un
estilo
arquitectónico
con
paradigmas
no
arquitectónicos
(Marías).
Se
considera
por
tanto,
que
no
es
un
auténtico
estilo,
sino
un
epílogo
del
Gótico
con
rasgos
ya
renacentistas
6
Lombardo:
procedente
de
Lombardía,
región
del
norte
de
Italia.
7
Los
mudéjares
eran
los
musulmanes
que
vivían
en
territorio
cristiano,
por
lo
tanto.
Por
lo
que
se
refiere
al
gótico,
lejos
de
ser
un
sistema
constructivo
agotado,
se
prestaba
a
seguir
siendo
utilizado
de
acuerdo
a
unas
nuevas
exigencias
de
carácter
funcional,
estético
y
representativo

6. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
6
La
fachada
de
la
Universidad
de
Salamanca
La
Fachada
de
la
Universidad
de
Salamanca
fue
realizada
en
1519-­‐25
por
un
autor
desconocido.
Distribuida
en
calles
y
cuerpos
como
un
retablo,
posee
un
complejo
programa
iconográfico.
La
portada
de
esta
universidad
deriva
directamente
de
la
tipología
de
portada-­‐retablo
característica
de
la
arquitectura
gótica
de
época
de
los
RRCC.
Es
como
un
tapiz
de
piedra
minuciosamente
decorado.
Presenta
una
doble
puerta
de
arcos
escarzanos
y
tres
cuerpos
horizontales,
cruzados
por
cinco
calles
verticales.
Todo
en
la
fachada:
medallones,
veneras,
seres
mitológicos,
decoración
floral
presenta
un
profundo
simbolismo.
Se
ha
dicho
que
es
una
alegoría
de
la
ciencia
y
los
vicios,
contraponiéndolas.
Hay
ya
un
concepto
del
orden
espacial,
arcos,
hornacinas,
medallones,
muchos
grutescos,
y
un
cierto
horror
vacui.
Aparecen
a
la
derecha
figuras
clásicas
conocidas
por
sus
virtudes
frente
a
personajes
famosos
por
sus
vicios
representados
aquí
para
escarmiento.
El
primer
tramo
aparece
protagonizado
por
un
medallón
dedicado
a
los
Reyes
Católicos.
En
la
parte
superior
derecha
de
éste
tramo,
casi
a
modo
de
capitel
de
la
columna
ascendente,
se
hallan
tres
calaveras.
La
de
la
izquierda
soporta
sobre
ella
una
diminuta
rana,
símbolo
de
la
lujuria.
En
el
segundo
nivel
se
halla
en
el
centro
el
escudo
de
Carlos
V,
rodeado
por
el
águila
bicéfala
de
los
Austrias
y
el
águila
coronada
de
San
Juan,
símbolo
de
la
unidad
española.
En
el
tramo
superior
hay
una
alusión
a
uno
de
los
Papas
–no
hay
certeza
sobre
cual
de
ellos-­‐
que
apoyaron
el
desarrollo
de
las
instituciones
universitarias
salmantinas.
Tanto
a
la
izquierda
como
a
la
derecha
de
estos
niveles
hay
diversas
escenas
mitológicas,
en
las
que
se
destacan
aspectos
contrapuestos:
el
amor
o
la
virtud
en
la
izquierda,
la
sensualidad
o
los
vicios
en
la
opuesta.
También
hay
decoración
“a
candelieri”.
Los
motivos
decorativos
proceden
de
grabados
italianos.
Esta
fachada-­‐retablo
se
remata
en
altura
con
unas
columnas
abalaustradas.
Las
columnas
abalaustradas
son
bulbosas
y
van
recubiertas
de
grutescos.
El
Palacio
de
Carlos
V
en
Granada
El
Palacio
de
Carlos
V
se
encuentra
dentro
de
la
Alhambra
de
Granada.
Fue
proyectado
como
un
palacio
para
ceremonias
y
actos
oficiales
de
la
corte
del
emperador
y
como
un
símbolo-­‐imagen
de
su
reinado.
El
comitente
fue,
por
tanto,
el
César
Carlos.
Fuente
de
las
imágenes:
profesor
Alfredo
García(Algargos)
https://es.slideshare.net/algargos
Pedro
de
Machuca
fue
su
autor.
Fue
un
arquitecto
manierista
formado
en
Italia.
La
disposición
del
palacio
es
verdaderamente
novedosa:
de
planta
cuadrada,
el
espacio
central
lo
configura
un
patio
circular
donde
se
ha
aplicado
rigurosamente
el
uso
de
los
órdenes
-­‐dórico-­‐toscano
para
el
cuerpo
bajo,
jónico
para
el
superior-­‐
.
La
inserción
de
un
círculo
en
un
cuadrado
es
un
juego
manierista
y
simbólico.
Al
exterior
del
palacio
encontramos
dos
cuerpos
o
pisos
:
en
el
de
abajo,
un
rústico
almohadillado
y
en
el
piso
superior
pilastras
de
orden
jónico.
Encontramos
también
vanos
–unos
rectangulares
y
otros
circulares-­‐
así
como
decoración,
sobria
y
elegante
de
guirnaldas,
putti
y
emblemas
imperiales.
También
hay
relieves
a
mayor
gloria
del
emperador
Carlos
V
(sus
victorias
como
la
conquista
de
Túnez,
su
equiparación
al
héroe
Hércules,
etc.)
que
subrayan
la
importancia
de
este
monarca
en
la
creación
de
un
verdadero
imperio
cristiano.
El
Arte
Herreriano:
el
Monasterio
de
San
Lorenzo
de
El
Escorial
(1563-­‐1584)
La
obra
maestra
de
la
arquitectura
renacentista
en
España
es
un
edificio
polifuncional:
es
monasterio
–de
orden
jerónima-­‐
y
a
la
vez
palacio,
panteón,
colegio,
biblioteca
y
basílica
en
una
sola
y
monumental
pieza.
El
panteón
fue
terminado
en
el
XVII.

7. 7
7
En
el
Escorial
nos
encontramos
ante
una
verdadera
corte
del
Manierismo
y
de
la
Contrarreforma
que
recoge
y
sintetiza
los
problemas
religiosos,
científicos
y
políticos
del
siglo
en
una
verdadera
síntesis
plástica
de
todas
las
artes.
Fue
mandado
construir
por
Felipe
II,
el
monarca
más
poderoso
de
su
tiempo
y
uno
de
los
coleccionistas
más
destacados
de
aquel
entonces.
La
construcción
duró
todo
su
reinado
pero
dada
la
celeridad
de
las
obras
pudo
habitarlo
y
usarlo
ampliamente.
La
construcción
de
esta
obra
obedece
a
varios
motivos:
el
fundamental
es
la
edificación
de
un
panteón
para
cobijar
los
restos
de
su
padre
el
emperador
Carlos
V
y
de
otros
antepasados.
Carlos
V
le
había
realizado
este
encargo
expresamente
a
Felipe
II.
Al
mismo
tiempo
pide
que
en
la
iglesia
se
rece
continuamente
por
la
familia
real.
Pero
también
se
hizo
para
conmemorar
la
victoria
de
la
batalla
de
San
Quintín
(10
de
agosto
de
1557)
contra
los
franceses
que
coincidió
con
la
festividad
del
día
de
San
Lorenzo.
Por
eso,
este
edificio
dedicado
a
este
santo
–
que
por
lo
demás
era
de
origen
español-­‐
tiene
forma
rectangular
de
parrilla
puesto
que
el
martirio
de
San
Lorenzo
fue
el
ser
torturado
hasta
la
muerte
en
una
parilla.
El
emplazamiento8
tuvo
una
gran
importancia:
la
identificación
y
fusión
con
el
paisaje
es
perfecta
y
para
elegir
el
lugar
ideal
consultaron
con
médicos,
filósofos,
astrólogos…
siguiendo
el
ideal
Vitrubiano
(situación
en
altura,
con
aire
puro,
etc.).
Se
encuentra
en
el
centro
geográfico
de
la
Península
Ibérica,
a
1029
metros
de
altura
y
a
49
kilómetros
de
Madrid.
Es
perfectamente
visible
desde
lejos
y
no
es
casualidad
que
se
encuentra
en
la
misma
latitud
que
Roma.
Se
encuentra
rodeado
de
un
espacio
circundante
–la
lonja
de
piedra-­‐
para
que
quede
aislado.
En
los
lados
sur
y
este
hay
jardines
y
huertos
(Felipe
II
fue
un
gran
aficionado
a
la
jardinería).
La
traza
del
edificio
fue
encargada
inicialmente
a
Juan
Bautista
de
Toledo
(h
1515-­‐1567)
que
se
había
formado
en
Italia
–fue
discípulo
de
Miguel
Ángel
en
el
Vaticano-­‐
pero
el
responsable
definitivo
de
su
construcción
fue
Juan
de
Herrera
(1530-­‐1597),
genial
arquitecto
de
gran
cultura
y
en
particular
experto
en
temas
matemáticos.
Inventó
incluso
grúas
y
palancas
que
abarataron
las
obras
de
la
construcción.
Sustituyó
a
Toledo
al
poco
de
iniciarse
la
obra,
y
trabajó
en
ella
hasta
su
conclusión
21
años
después
en
1584.
Herrara
era
un
gran
conocedor
de
la
teoría
arquitectónica
de
Serlio
y
Vignola
y
estaba
imbuido
de
los
ideales
de
la
Contrarreforma.
Gozó
de
la
amistad
y
admiración
del
rey.
Se
produjo
un
gran
grado
de
identificación
entre
este
arquitecto
y
los
gustos
del
rey.
Dotó
al
monasterio
real
de
un
singular
estilo
purista,
de
sobriedad
extrema,
que
revela
su
personalidad
hasta
en
los
detalles
decorativos.
Este
estilo
desornamentado
le
confiere
un
halo
de
perdurabilidad,
que
se
adelanta
al
radicalismo
del
movimiento
moderno.
Enfatiza
tanto
lo
horizontal
y
lo
vertical
y
busca
las
proporciones
perfectas.
En
El
Escorial
prima9
la
arquitectura
por
la
arquitectura,
siendo
de
una
austeridad
pasmosa.
Presenta
chapiteles
empizarrados
–por
influencia
flamenca,
que
vio
Felipe
II
en
sus
viajes
por
Flandes-­‐
y
cuenta
con
bellas
chimeneas.
La
ornamentación
se
reduce
a
lo
esencial,
destacando
las
pirámides
y
las
bolas.
El
Monasterio
de
El
Escorial
cuenta
con
2600
vanos,
1200
puertas,
y
costó
cinco
millones
de
ducados.
Se
construyó
con
rapidez
y
rigor
(veinte
años).
Casi
todos
los
materiales
utilizados
eran
españoles
y
el
principal
fue
el
granito.
Sin
embargo,
intervinieron
muchos
artistas,
sobre
todo
pintores
manieristas
de
origen
italiano.
El
Escorial
sigue
un
eje
de
simetría
este-­‐oeste
donde
se
alinean
la
biblioteca,
con
la
iglesia,
con
las
habitaciones
del
rey.
Responde
a
un
plan
preconcebido
de
antemano.
Simbólicamente
se
ha
interpretado
como
un
nuevo
templo
de
Salomón
(según
la
visión
de
Ezequiel
había
sido
proyecto
por
Dios)
y
por
el
Monasterio
hay
continuas
8
Emplazamiento:
lugar,
ubicación.
9
Prima:
predomina.

8. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
8
referencias
a
esto
(ejemplo:
en
el
patio
de
los
Reyes).10
¿Y
por
qué
ese
afán?
Porque
el
templo
de
Salomón
era
perfecto.
Felipe
II
deseaba
un
edificio
perfecto,
paradigma
de
la
sabiduría.
La
fachada
oeste
que
es
por
la
que
se
accede
a
la
iglesia:
presenta
orden
gigante,
el
escudo
de
Felipe
II
con
el
toisón
de
oro
y
la
parrilla
y
la
estatua
de
San
Lorenzo.
El
rey,
por
lo
tanto,
se
sitúa
a
los
pies
del
santo.
La
idea
que
subyace
es
bien
clara:
la
síntesis
entre
la
monarquía
hispánica
y
la
religión
cristiana.
Presenta
una
magnífica
iglesia
con
cúpula
central
sobre
tambor
es
de
cruz
griega
inscrita
en
un
cuadrado,
pero
se
convierte
en
basilical
al
constar
de
un
vestíbulo
o
nártex
de
cierto
desarrollo
(como
en
San
Pedro
del
Vaticano).
El
interior
de
la
iglesia
cuenta
con
un
complejísimo
programa
iconográfico
que
no
tiene
parangón
y
la
afición
de
Felipe
II
por
las
reliquias
–que
iba
recopilando
por
todo
el
imperio-­‐
hizo
que
llegara
a
reunir
hasta
¡7500!
Consideraba
que
le
transmitía
fuerza
para
superar
las
dificultades.
La
biblioteca
es
espectacular:
cuenta
con
mobiliario
diseñado
por
Juan
de
Herrera,
pinturas
mitológicas
de
artistas
italianos
y
una
colección
ingente
de
libros
atesorados
por
Felipe
II
(manuscritos
hebreos,
griegos,
árabes,
libros
de
contenido
científico,
de
tradición
clásica…)
Como
curiosidad
fue
durante
mucho
tiempo
el
único
lugar
del
imperio
donde
la
Biblia
podía
ser
leída
y
comentada
con
libertad.
Todo
El
Escorial
gira
en
torno
a
la
Iglesia
y
a
la
Biblioteca,
produciéndose
una
perfecta
adecuación
entre
lo
sagrado
y
lo
profano.
Los
contenidos
profanos
no
han
de
ser
desdeñados
ni
marginados
pues
son
fundamentales
en
la
cultura
y
el
gusto
artístico
de
Felipe
II.
Recordemos
el
interés
de
Felipe
II
por
el
coleccionismo
(pinturas,
cerámica,
hasta
un
elefante
y
un
rinoceronte,
este
último
lo
pusieron
en
el
jardín).
Las
habitaciones
de
los
reyes
son
sencillas
y
austeras,
pero
decoradas
con
obras
de
arte
como
pinturas
de
Durero
–en
el
dormitorio
de
Felipe
II-­‐
cerámica,
tapices,
etc.
Las
habitaciones
del
rey
son
las
más
complejas.
Respondían
al
rígido
protocolo
de
la
dinastía
de
los
Austrias:
el
rey
debe
estar
aislado,
venerado,
un
tanto
oculto.
Este
edificio
dará
nombre
al
estilo
herreriano
que
influirá
muchísimo
en
la
arquitectura
española
posterior,
especialmente
el
primer
barroco.
En
conclusión,
El
Escorial
fue
el
gran
sueño
arquitectónico
de
Felipe
II,
su
autorretrato
en
piedra.
Fue
símbolo
de
su
reinado
y
de
la
España
contrarreformista
pero,
al
mismo
tiempo,
fue
un
importante
foco
erasmista
ligado
al
Manierismo.
Sobre
este
edificio
hay
numerosas
crónicas
de
la
época
y
una
bibliografía
extensísima.
La
arquitectura
del
Renacimiento
en
Canarias
La
fachada
del
Ayuntamiento
de
Santa
Cruz
de
La
Palma
es
el
edificio
civil
más
importante
de
la
isla
de
La
Palma
y
el
principal
conjunto
renacentista
de
las
islas.
Fue
construido
en
la
segunda
mitad
del
siglo
XVI
(1559)
durante
el
reinado
de
Felipe
II.
Consta
de
dos
plantas
o
cuerpos,
en
la
baja,
cuatro
armónicos
arcos
de
medio
punto
apoyados
en
columnas
de
fuste
estriado
y
en
la
alta,
vanos
asimétricas.
Las
ventanas
de
la
derecha
son
adinteladas
están
divididas
con
sendos
parteluces
por
pilastras
con
capiteles
en
volutas.
Presenta
una
galería
porticada.
Encontramos
en
la
fachada
un
letrero
que
dice:
El
Lcdo.
Alarcón,
Teniente
del
Lcdo.
Almentero
lo
acabó
en
1563.
También
aparece
el
escudo
del
reino
de
España
–con
el
águila
bicéfala
y
las
columnas
de
Hércules,
alusivas
al
lema
“plus
ultra”-­‐
separa
un
cuerpo
de
ventanas
del
otro,
pero
se
incorpora
además,
el
escudo
de
La
Palma
–con
la
representación
de
San
Miguel
Arcángel-­‐
y
un
tondo
con
el
perfil
del
monarca
Felipe
II.
Presenta
cornisa
con
gárgolas.
En
esta
Casa
Consistorial
se
impartía
justicia.
En
los
siglos
XIX
y
XX
ha
sufrido
varias
reformas.
3.
LA
PINTURA
RENACENTISTA
EN
ESPAÑA
La
preferencia
española
por
la
pintura
flamenca,
personificada
en
la
gran
colección
de
que
hacían
gala
los
Reyes
Católicos
de
dicha
pintura,
retrasó
la
adopción
de
las
formas
renacentistas,
y
cuando
esto
ocurrió
lo
hizo
muy
influida
por
la
pintura
efectista
del
estilo
gótico
flamenco.
De
hecho,
quienes
introdujeron
el
Renacimiento
en
pintura
en
España
fueron
pintores
procedentes
del
Norte
como
Juan
de
Flandes
o
Juan
de
Borgoña.
Entre
los
10
En
el
patio
de
los
Reyes
aparecen
las
esculturas
de
David,
Salomón,
Josías,
etc.
cada
uno
con
su
símbolo.
David
le
encargó
a
Salomón
la
construcción
del
templo
y
Carlos
V
se
lo
encargó
a
su
vez
a
Felipe
II…Otras
similitudes
entre
Felipe
II
y
Salomón:
apoyaron
a
las
ciencias,
gran
religiosidad,
expansión
territorial,…

9. 9
9
españoles
que
se
formaron
en
Italia
destaca
con
letras
de
oro
Pedro
Berruguete.
En
las
décadas
centrales
del
siglo
XVI
penetra
con
fuerza
la
influencia
italiana,
que
se
materializa
en
los
fondos
arquitectónicos,
el
uso
de
recursos
como
la
perspectiva
y,
sobre
todo,
cierta
imitación
de
la
obra
de
los
grandes
artistas
renacentistas
(Leonardo,
Miguel
Ángel
y,
sobre
todo,
Rafael).
11
En
este
periodo
se
desarrolla
el
oficio
de
importantes
pintores
con
gran
habilidad
técnica
pero
que
suelen
seguir
con
demasiado
servilismo
las
modas
italianas
del
Cinquecento.
Entre
estos
destacan
Pedro
Machuca
y
Luis
de
Morales
(el
Divino),
con
su
pintura
devocional
blanda
y
amable,
plenamente
contrarreformista.
El
reinado
de
Felipe
II
será
un
periodo
de
esplendor
también
en
pintura.
Por
una
parte,
El
Escorial
actuará
a
modo
de
imán,
de
manera
que
los
mejores
pintores
de
los
reinos
hispánicos
y
del
continente
europeo
acudirán
a
la
corte.
En
El
Escorial
trabajará,
por
ejemplo,
uno
de
los
mejores
pintores
españoles,
Juan
Fernández
(Navarrete
el
Mudo),
y
grandes
pintores
manieristas
italianos
como
Cambiaso,
Pellegrino
Tibaldi
y
Federico
Zuccaro.
Pedro
Berruguete
Muchos
pintores
españoles
del
Renacimiento
se
formaron
y
vivieron
en
Italia,
aprendiendo
las
nuevas
técnicas
y
entrando
en
contacto
con
los
artistas
renacentistas
italianos.
El
más
importante
de
ellos
fue
Pedro
Berruguete.
Pedro
Berruguete
nació
en
Paredes
de
Nava,
Palencia
c.
1445-­‐50
y
murió
en
1503.
Se
sabe
muy
poco
sobre
su
vida.
Todo
apunta
a
que
su
aprendizaje
transcurrió
en
Castilla
y
que
además
se
formó
y
trabajó
en
Italia.
De
hecho,
Berruguete
fue
el
único
pintor
español
que
podemos
enmarcar
en
el
Quattrocento,
ya
que
trabajó
en
la
corte
de
Urbino
en
tiempos
de
Federico
de
Montefeltro
junto
a
Piero
della
Francesca.
11
El
principal
introductor
de
las
nuevas
formas
será
el
valenciano
Vicent
Maçip,
cuyo
estilo
será
continuado
por
su
hijo,
Juan
de
Juanes.

10. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
10
De
su
época
de
formación
en
su
juventud
se
conservan
pocas
obras,
la
mayoría
de
ellas
en
su
localidad
natal
(Paredes
de
Nava),
y
se
trata
de
obras
que
denotan
un
aprendizaje
de
un
maestro
ducho
en
las
técnicas
flamencas.
De
las
pocas
obras
realizadas
en
su
estancia
en
Italia
destaca
el
Retrato
de
Federico
de
Montefeltro
con
su
hijo
Guidobaldo.
En
esta
obra
queda
patente
que
desde
un
principio
adoptó
los
nuevos
postulados
italianos,
como
la
perspectiva,
el
marco
arquitectónico
de
las
pinturas,
etc.
Este
viaje
a
Italia
es
muy
controvertido,
ya
que
algunos
historiadores
del
arte
lo
ponen
en
duda.
De
vuelta
a
Castilla,
su
estilo
volverá
a
adquirir
un
gran
influjo
gótico,
sin
duda
debido
al
gusto
de
su
clientela
castellana,
en
su
mayor
parte
clérigos.
Su
obra
más
famosa,
la
serie
de
reyes
y
profetas
para
la
Iglesia
de
Paredes
de
Nava,
tiene
mucha
influencia
gótica.
Se
observa
que
sus
pinturas
tienen
una
perspectiva
no
unificada,
al
modo
gótico,
pero
los
marcos
arquitectónicos
y
la
concepción
espacial
son
plenamente
renacentistas,
como
puede
comprobarse
en
su
serie
del
Retablo
de
Santo
Domingo.
Además,
gran
parte
de
su
obra
está
hecha
al
óleo
(generalmente
sobre
tabla),
lo
que
lo
acerca
a
los
flamencos.
Al
final
de
su
vida
incluso
llegó
a
utilizar
fondos
dorados
en
las
pinturas
de
santos
y
profetas,
sobre
todo
en
las
pinturas
para
retablos,
al
gusto
de
la
época,
como
por
ejemplo
en
su
San
Gregorio
para
la
predela
del
retablo
de
la
Catedral
de
Ávila.
EL
BOSCO
(c.
1450-­‐1516)
Aunque
Hieronymus
Bosch,
conocido
en
España
como
El
Bosco,
es
un
pintor
que
desarrolló
su
obra
en
Flandes,
su
influjo
en
la
obra
de
los
pintores
españoles
es
tan
importante
que
debemos
reseñarlo
aquí.
Fue
el
pintor
preferido
de
Felipe
II,
que
compró
todos
los
cuadros
que
pudo
tras
la
muerte
del
artista,
aunque
ya
los
fueron
adquiriendo
para
las
colecciones
reales
tanto
los
Reyes
Católicos
como
Carlos
V,
por
lo
que
en
el
Museo
del
Prado
existe
la
mayor
colección
de
obras
de
El
Bosco
del
mundo
–igual
que
ocurre
con
Tiziano-­‐.
Su
estilo
oscila
entre
el
gótico
–con
un
gusto
extraordinario
por
el
detalle-­‐
y
el
Renacimiento.
Pintada
habitualmente
en
óleo
sobre
tabla.
Su
temática
es
plenamente
humanista,
ya
que
hace
hincapié
en
los
vicios
y
las
virtudes
y
propone
un
camino
de
espiritualidad
para
vencer
las
tentaciones
del
mundo.
Sin
embargo,
lo
que
más
impacta
de
su
obra
es
la
ironía,
con
personajes
casi
caricaturescos
y
santos
patéticos
y
desvalidos
con
los
que
empatiza
el
espectador.
Sus
obras
maestras
se
cuentan
por
docenas,
como
Las
tentaciones
de
san
Antonio,
La
extracción
de
la
piedra
de
la
locura
o
El
carro
de
heno,
aunque
su
obra
más
conocida
es
El
Jardín
de
las
Delicias.

11. 11
11
Fuente
de
este
gráfico:
J.
V.
Patiño. http://escueladeartetalavera.blogspot.com.es/2015/09/libro-­‐de-­‐texto-­‐para-­‐fundamentos-­‐del.html
EL
GRECO
(1541-­‐1614)
Uno
de
los
pintores
más
importantes
de
España
(aunque
nació
en
Creta)
es
Doménico
Theotocopuli,
El
Greco
(1541-­‐1614).
El
Greco
resume
todo
el
siglo
XVI
en
su
pintura:
se
trata
de
un
pintor
de
formación
eminentemente
clásica
que
pasará
por
diversos
periodos
a
lo
largo
de
su
vida:
desde
la
influencia
bizantina
y
su
aprendizaje
veneciano
(con
la
preponderancia
del
color
sobre
la
línea)
hasta
su
interpretación
manierista
de
las
corrientes
contrarreformistas
y
una
etapa
final
personalísima,
con
composiciones
de
cuerpos
flotantes
y
ácidos
colores
envueltos
en
sombras.
El
Greco
se
formó
en
su
Creta
natal
como
pintor
de
iconos
bizantinos,
un
tipo
de
pintura
religiosa
donde
los
personajes
son
totalmente
artificiosos
y
estereotipados,
con
acabado
preciosista
y
fondos
dorados
que
hacen
de
estas
imágenes
un
vehículo
idóneo
para
la
espiritualidad.
De
ello
heredaría
la
concepción
espacial
de
sus
cuadros,
donde
el
fondo
casi
siempre
carece
de
importancia
y
los
colores
son
fuertes
y
contrastados.
Tras
su
época
de
formación
en
Creta,
emigró
a
Venecia
(en
aquellos
tiempos
la
isla
de
Creta
estaba
bajo
soberanía
de
la
República
de
Venecia),
y
allí
aprendió
las
técnicas
de
la
pintura
veneciana,
tanto
el
colorido
como

12. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
12
la
visión
heterodoxa
de
Tintoretto,
que
marcaría
su
forma
de
concebir
los
cuadros.
De
esta
época
se
conservan
varias
obras,
como
La
curación
del
ciego
(realizado
al
temple)
que
recuerda
en
lo
compositivo
a
Tintoretto.
El
Greco
fue
uno
de
los
tantos
artistas
que
marchó
a
España
para
trabajar
en
la
gran
obra
del
momento,
El
Escorial,
pero
fracasó
en
su
intento
en
su
intentó
hasta
cierto
punto,
precisamente
por
lo
moderno
de
su
estilo
y
por
chocar
con
las
corrientes
fuertemente
populistas
en
todo
lo
tocante
a
la
religión.
Por
ello,
su
Martirio
de
san
Mauricio
y
la
legión
tebana
fue
descartado
como
no
adecuado
como
imagen
devocional,
pero,
pese
a
ello,
Felipe
II
se
lo
quedó
para
su
colección
personal
y,
de
hecho,
fue
uno
de
los
cuadros
mejor
pagados
de
los
realizados
para
el
monasterio.
Tras
su
“fracaso”,
se
trasladó
a
Toledo,
ciudad
donde
abundaba
el
mecenazgo
religioso.
Será
en
esta
ciudad
donde
El
Greco
entrará
en
contacto
con
círculos
intelectuales
erasmistas
y
donde
su
pintura
irá
adquiriendo
matices
cada
vez
más
personales,
como
la
ausencia
de
fondo,
destacando
las
figuras
en
primer
plano,
con
fuertes
contrastes
de
luces
y
sombras,
colores
ácidos
y
violentos
cambios
de
escala,
de
manera
que
el
espacio
se
convierte
en
irreal
y
suele
separarse
físicamente
en
los
ámbitos
de
lo
material
(parte
inferior
de
los
cuadros)
y
de
lo
espiritual
(parte
superior).
El
canon
se
alarga
extremadamente,
siendo
ésta
la
característica
más
evidente
de
sus
cuadros:
las
figuras
se
espiritualizan
y
parecen
flotar.
Sin
embargo,
cuando
El
Greco
pinta
retratos
(como
el
de
Fray
Félix
de
Paravicino
o
El
caballero
de
la
mano
en
el
pecho),
su
pintura
adquiere
gran
profundidad
psicológica
y
cierta
espiritualidad
que
matiza
el
realismo
propio
de
este
género
de
pintura.
Sus
principales
obras,
además
de
las
mencionadas,
son
de
temática
religiosa
(con
varias
versiones
en
muchos
casos),
como
el
Expolio,
el
Pentecostés
o
la
Crucifixión,
además
de
algunos
cuadros
singulares
como
los
alucinantes
Laocoonte
o
la
Vista
de
Toledo
o
el
famoso
Entierro
del
señor
de
Orgaz.
La
fortuna
crítica
sobre
El
Greco
ha
sido
oscilante.
Lo
cierto
es
que
aunque
en
vida
tuvo
un
gran
éxito,
habrá
que
esperar
hasta
el
siglo
XX
con
el
auge
de
los
movimientos
de
vanguardia
–especialmente
el
Expresionismo-­‐
para
que
sea
valorado
positivamente
y
con
justeza.

13. 13
13
SOFONISBA
ANGUISSOLA
(c.
1530-­‐1626)
En
este
periodo
histórico
también
trabajaron
algunos
de
los
retratistas
más
importantes
del
siglo
XVI,
en
la
estela
de
Tiziano
y
sus
retratos
para
Carlos
V,
ya
que,
como
hemos
dicho,
a
partir
de
ahora
todas
las
cortes
europeas
tendrán
a
su
disposición
a
los
mejores
pintores,
para
hacer
los
retratos
oficiales.
Entre
los
mejores
encontramos
al
flamenco
Antonio
Moro,
introductor
del
retrato
de
Estado
o
de
aparato
o
al
magnífico
pintor
de
corte
Sánchez
Coello,
que
también
trabajaría
en
El
Escorial.
Entre
los
ayudantes
de
Alonso
Sánchez
Coello
encontramos
a
una
pintora
excepcional,
Sofonisba
Anguissola,
autora
de
un
famoso
retrato
de
Felipe
II
que
hasta
hace
bien
poco
se
adjudicó
a
Sánchez
Coello
por
lo
perfecto
de
su
técnica.
Sofonisba
Anguissola
es
todo
un
ejemplo
vital:
su
familia
fue
amante
de
las
artes
y
las
letras
y
su
padre
se
aseguró
de
dar
a
cada
una
de
sus
hijas
una
educación
igual
que
a
sus
hijos,
derivando
a
cada
uno
de
los
siete
que
tuvo
a
un
maestro
reputado,
según
las
facultades
de
cada
uno.
Sofonisba
estudió
con
los
mejores
maestros
locales
de
su
Cremona
natal,
lo
que
abrió
las
puertas
a
que
otras
mujeres
pudieran
hacer
lo
mismo
sin
ningún
tipo
de
cortapisa.
Más
tarde
se
trasladó
a
Roma,
donde
llegó
a
trabar
amistad
con
Miguel
Ángel,
quien
la
instruyó
de
manera
informal
en
el
dibujo.
Como
a
las
mujeres
de
su
condición
social
no
les
estaba
permitido
dibujar
desnudos
ni
estudiar
anatomía,
se
dedicó
al
retrato,
pero
con
una
visión
propia
que
implicaba
pintar
a
los
personajes
en
poses
informales,
lo
que
dota
a
su
pintura
de
viveza
y
gracia.

14. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
14
Le
interesaba
plasmar
los
sentimientos
a
través
de
los
retratos:
sonrisas,
tristeza,
etc.
En
1558
se
desplazó
a
Milán,
donde
a
través
del
Duque
de
Alba
(a
quien
pintó)
fue
recomendada
para
la
corte
de
Felipe
II,
donde
se
incorporó
como
dama
de
compañía
de
la
reina
Isabel
y
como
pintora
de
corte.
Allí
trabajó
estrechamente
con
Sánchez
Coello,
asimilando
su
estilo,
pintando
varios
retratos
de
los
miembros
de
la
Familia
Real.
Su
importancia
en
la
corte
fue
tal
que,
tras
la
muerte
de
Isabel
de
Valois,
el
propio
rey
Felipe
II
arregló
su
matrimonio
con
el
hijo
del
virrey
de
Nápoles
y
aportó
una
generosa
dote.
Tras
la
temprana
muerte
de
su
marido,
la
pintora
conoció
al
joven
noble
genovés
Orazio
Lomellino,
quien
se
casó
con
ella
y
apoyó
firmemente
su
trabajo
como
pintora,
por
lo
que
hasta
su
muerte
vivió
una
vida
plena
disfrutando
de
su
vocación.
4.
LA
ESCULTURA
RENACENTISTA
EN
ESPAÑA
La
escultura
renacentista
se
implantó
en
España
de
manera
mucho
más
precoz
que
la
arquitectura,
y
llegó
de
la
mano
de
grandes
escultores
italianos
como
Pietro
Torrigiano
(cuyo
San
Jerónimo
será
muy
imitado
en
el
Barroco)
o
Doménico
Fancelli
(autor
del
Sepulcro
de
los
Reyes
Católicos),
que
introdujo
en
España
el
modelo
sepulcral
de
estatua
yacente.
Las
esculturas
son
generalmente
muy
expresivas,
acordes
con
el
gusto
popular,
soliendo
usar
la
madera
policromada
y
el
retablo
como
soporte
esencial,
con
mucha
influencia
gótica,
sobre
todo
en
la
profusión
de
dorados.
Básicamente
se
desarrollan
tres
géneros
escultóricos:
Los
sepulcros:
se
importaron
directamente
de
Italia
o
se
basan
en
modelos
italianos,
como
hemos
visto
con
Fancelli.
Las
sillerías
de
coro:
entre
los
ejemplos
más
destacados
sobresale
la
sillería
de
coro
alta
de
la
Catedral
de
Toledo
realizada
por
Alonso
Berruguete.
Los
retablos:
Los
retablos
solían
estar
integrados
en
una
estructura
arquitectónica
(normalmente
de
madera
policromada,
pero
a
veces
de
alabastro,
mampostería
o
sillería)
en
forma
de
paneles
integrados
que
contenían
relieves,
tallas
o
pinturas
o
incluso
nichos
en
los
que
se
colocaban
pequeñas
esculturas.
Procede
de
la
tradición
gótica
pero
se
renueva
según
la
tendencia
artística
renacentista.
Bajo
la
influencia
italiana
se
desarrolló
en
Castilla
una
generación
de
escultores
muy
marcados
por
el
Renacimiento,
destacando
entre
los
primeros
un
discípulo
de
Fancelli,
Bartolomé
Ordóñez,
autor
del
Sepulcro
de
Juana
la
Loca
y
Felipe
el
Hermoso,
o
el
también
arquitecto
Diego
de
Siloé
(autor
de
las
Estatuas
orantes
de
los
Reyes
Católicos),
aunque
el
más
reconocido
será
Alonso
Berruguete
(hijo
del
gran
pintor
Pedro
Berruguete).
La
obra
de
Alonso
Berruguete
se
caracteriza
por
una
gran
tensión
emotiva,
fuerte
dinamismo
y
rostros
muy
expresivos.
Es
por
tanto,
un
escultor
manierista
que
acusa
una
fuerte
influencia
de
Miguel
Ángel.
El
canon
es
alargado
y
elegante.
Sus
mejores
obras
están
talladas
en
madera,
que
siempre
se
policroman.
Destacan
sus
esculturas
de
San
Sebastián
y
del
Sacrificio
de
Isaac,
donde
la
torsión
nos
recuerda
al
mejor
Miguel
Ángel
o
a
Giambologna.

15. 15
15
Fuente
de
las
imágenes:
profesor
Alfredo
García(Algargos)
https://es.slideshare.net/algargos
También
hizo
algunos
retablos,
pero
entre
sus
obras
más
celebradas
está
la
Sillería
alta
del
Coro
de
la
Catedral
de
Toledo,
junto
a
Bigarny.
En
ella
se
destaca
una
bellísima
Eva
manierista.
Berruguete
realizó
en
mármol
el
Sepulcro
del
Cardenal
Tavera,
en
Toledo,
escultura
en
la
que
se
utilizó
por
primera
vez
la
mascarilla
funeraria
de
cera.
Fuente
de
las
imágenes:
profesor
Alfredo
García(Algargos)
https://es.slideshare.net/algargos
Por
su
influencia
posterior,
hay
que
mencionar
a
los
franceses
Juan
de
Juni
y
Felipe
Bigarny,
autor
del
Retablo
del
altar
mayor
y
de
la
Sillería
de
la
Catedral
de
Toledo.
El
borgoñón
Juan
de
Juni
trabajó
en
Valladolid
(principal
centro
escultórico
de
la
segunda
mitad
del
siglo
XVI).
Su
mejor
obra
es
el
Santo
Entierro,
de
rostros
exaltados
y
naturalistas
y
gran
expresionismo,
con
un
gran
sentido
de
la
composición
y
la
proporción.
En
la
Corona
de
Aragón
destacó
Damián
Forment,
autor
del
Retablo
Mayor
de
la
Basílica
del
Pilar
de
Zaragoza.
Mención
aparte
merece
la
labor
de
los
italianos
León
y
Pompeo
Leoni,
que
trabajarán
para
los
Austrias
Mayores
con
sus
monumentales
y
clasicistas
esculturas
en
bronce,
como
Carlos
Venciendo
al
Furor,
o
las
que
embellecerán
El
Escorial,
como
las
esculturas
orantes
de
Carlos
V
con
su
esposa
y
sus
hermanas,
o
la
de
Felipe
II
con
tres
de
sus
esposas.
5.
LA
MÚSICA
RENACENTISTA:
INSTRUMENTOS
Y
COMPOSITORES
La
música
renacentista
española
está
en
consonancia
con
el
resto
de
las
artes
y
con
el
contexto
sociológico
de
la
época.
Por
ello
va
a
tener
una
gran
importancia
religiosa,
ligada
al
Catolicismo
contrarreformista,
es
decir,
que
se
opone
a
la
Reforma
protestante
de
Martín
Lutero.
Esto
hizo
que
la
música
religiosa
alcanzase
una
gran

16. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
16
expansión,
y
que
las
piezas
religiosas
que
se
interpretaban
en
Europa,
como
la
misa
o
el
motete12
también
gozaran
de
gran
aceptación,
aunque
en
este
caso
entre
la
élite
más
culta.
Una
peculiaridad
de
la
música
renacentista
española
es
su
marcado
desarrollo
de
la
polifonía
–música
cantada
a
varias
voces-­‐
y
el
gran
auge
que
tuvo
el
órgano.
Otros
instrumentos
muy
utilizados
en
esta
época
son
la
vihuela,
el
violín,
el
arpa,
la
flauta,
la
corneta…
Entre
los
compositores
destacamos
a
Antonio
de
Cabezón
(1510-­‐1566),
quien,
a
pesar
de
quedar
ciego
de
niño,
alcanzó
la
maestría
tanto
en
la
ejecución
de
la
música
al
órgano
como
en
su
faceta
de
compositor.
Tuvo
la
fortuna
de
ingresar
en
la
corte
del
emperador
Carlos
I
como
organista
real
y
clavecinista,
y
más
tarde
de
Felipe
II,
por
lo
que
entabló
contactos
con
los
mejores
músicos
de
la
época,
tanto
borgoñones
como
franceses
e
italianos.
Su
obra
está
muy
influida
por
la
del
francés
Josquin
des
Prés,
y
como
él,
compuso
una
gran
cantidad
de
motetes,
y
composiciones
para
misas,
como
magnificats
o
kyries.
Sin
embargo,
entre
sus
obras
más
famosas
y
celebradas
están
las
Diferencias,
que
no
son
otra
cosa
que
variaciones
sobre
piezas
generalmente
profanas
y
de
carácter
popular.
Enlaces
para
escuchar
la
maravillosa
música
de
Antonio
de
Cabezón:
https://www.youtube.com/watch?v=vraK4dfVK1s
https://www.youtube.com/watch?v=m3eMfc0xWb8&index=2&list=PL8lGCh3v-­‐UE59ToF3uH42HDHJ1ud1rjlx
https://www.youtube.com/watch?v=LSuBxwQhok4&index=3&list=PL8lGCh3v-­‐UE59ToF3uH42HDHJ1ud1rjlx
De
una
generación
posterior
fue
el
sacerdote
Tomás
Luis
de
Victoria
(1548-­‐1611),
que
fue
amigo
de
Palestrina,
a
quien
conoció
en
Roma.
Fue
un
auténtico
renovador
de
la
música
polifónica.
Destaca
su
producción
de
música
sacra,
sobre
todo
misas
y
motetes,
de
los
que
compuso
una
gran
cantidad,
tanto
a
cuatro
como
a
cinco,
seis,
ocho
y
doce
voces.
En
estos
enlaces
podéis
escuchar
la
preciosa
música
de
Tomás
Luis
de
Victoria:
https://www.youtube.com/watch?v=aPiX8M12yJ4
https://www.youtube.com/watch?v=_q4zHT5kibA
https://www.youtube.com/watch?v=_q4zHT5kibA
Fuente
del
gráfico:
Blog
de
J.
V.
Patiño
12
El
motete
es
una
composición
polifónica
nacida
en
el
siglo
XIII
que
se
tocaba
en
las
iglesias.
El
texto
es
bíblico
y
se
cantaba
a
capella,
es
decir,
sin
instrumentos.

17. 17
17
6.
MOBILIARIO
RENACENTISTA
Durante
el
Renacimiento
asistimos
a
un
desarrollo
y
difusión
del
mobiliario
europeo,
diferente
según
los
diversos
reinos
que
se
trate.
Existen
tipologías
propias
según
hagamos
referencia
a
Italia,
Francia,
Alemania,
España…
En
general,
el
mobiliario
español
del
Renacimiento
es
sobrio
y
macizo.

18. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
18
La
ornamentación
presente
en
el
mobiliario
español
muestra
influencias
mudéjares,
con
su
gusto
por
el
horror
vacui,
los
motivos
geométricos,
caligráficos,
vegetales,
medallones
o
tondos,
elementos
arquitectónicos,
etc.
Son
fundamentales
las
incrustaciones
de
marfil,
hueso
y
madera
–de
ébano
o
boj-­‐
llamadas
taraceas.
Se
pusieron
de
moda
también
las
incrustaciones
de
plata,
que
afluía
desde
América,
de
modo
que
con
ella
a
veces
se
cubría
el
mueble
por
completo
o
se
fabricaba
en
ella
la
estructura,
hasta
el
punto
de
que
el
propio
Felipe
II
lo
prohibió
a
través
de
varias
Leyes
Suntuarias.
Se
utilizó
con
frecuencia
el
cuero
para
asientos
y
respaldos
de
sillas
y
sillones
y
los
herrajes
siguieron
siendo
corrientes
en
mesas
plegables
y
arcones,
siendo
de
gran
belleza
los
aplicados
en
los
bargueños,
algunos
sobre
terciopelo.
Entre
las
tipologías
españoles
más
destacadas
encontramos:
*El
mueble
característico
del
Renacimiento
español
será
el
bargueño
o
escritorio
que
surgirá
en
esta
época
aunque
se
desarrollará
plenamente
en
el
barroco
(siglo
XVII).
El
bargueño
consiste
en
un
arca
sobre
un
elemento
de
apoyo
(que
puede
ser
un
arcón
o
sólo
un
soporte
a
base
de
patas)
y
que
tiene
una
tapa
abatible
que,
desplegada,
se
apoyaba
en
unas
patas
o
listones
que
se
sacan
por
debajo
y
que
servía
como
mesa
de
escritorio,
mientras
que
en
el
cuerpo
del
arca
se
disponían
numerosos
cajones
para
guardar
documentos,
útiles
de
escritura
y
los
objetos
valiosos.

19. 19
19
*Los
armarios
son
sobrios,
algunos
con
gran
influencia
mudéjar.
Destacan
las
estanterías
de
la
Biblioteca
del
Monasterio
de
El
Escorial
-­‐realizadas
por
Juan
de
Herrera-­‐.
Son
austeros,
bellísimos,
de
líneas
puras
y
geométricas
en
consonancia
con
la
arquitectura
del
edificio.
Recordemos
que
Juan
de
Herrara
era
el
que
supervisaba
también
todas
las
labores
de
decoración
del
edificio,
insistiendo
en
la
aplicación
del
estilo
clasicista
de
la
arquitectura
hasta
en
los
menores
detalles,
para
garantizar
así
la
unidad
y
majestuosidad
del
conjunto.
Están
realizadan
en
una
gran
variedad
de
maderas,
ofreciendo
un
bello
contraste
de
colores.
Las
principales
son:
granadillo,
ácana,
naranjo,
roble
y
caoba.
En
esta
estantería
los
libros
están
colocados
por
temas
y
por
tamaño,
y
dispuestos
de
una
forma
un
tanto
original,
es
decir
con
el
canto
dorado
hacia
el
exterior,
con
lo
que
ofrece
un
aspecto
de
gran
uniformidad13
.
También
destaca
en
la
Biblioteca
del
Monasterio
de
El
Escorial
un
armario
de
maderas
finas
que
hace
las
veces
de
monetario.
*Las
mesas
también
son
variadas,
existiendo
influencias
francesas
e
italianas.
Asimismo
existen
mesitas
con
tablero
de
taracea,
pero
lo
general
es
que
sean
sobrias
y
sólidas,
con
fuerte
chambrana14
a
veces
torneada.
Era
corriente
que
las
mesas
se
cubrieran
completamente
con
ricas
telas,
como
se
aprecia
en
muchas
pinturas
de
El
Greco,
Tiziano,
etc.
*Las
sillas
son
sobrias,
a
veces
con
respaldo
y
asiento
de
cuero
–son
los
llamados
sillones
fraileros-­‐,
con
la
pata
delantera
y
trasera
de
cada
lado
unidas
por
un
travesaño,
y
las
delanteras
unidas
por
una
chambrana
tallada
con
relieves.
Las
patas
delanteras
se
prolongan
hasta
los
brazos,
y
las
traseras
hasta
el
respaldo,
culminando
en
un
copete
o
voluta.
El
asiento
y
respaldo
puede
ser
tanto
de
cuero
como
de
madera
o
acolchado
(con
terciopelo
liso
o
bordado
y
con
flecos
en
los
ejemplares
más
lujosos).
También
se
encuentran
sillas
de
tijera,
parecidas
a
la
Savonarola,
tipología
habitual
en
Italia.
*Arca
y
Arcón:
siguen
siendo
uno
de
los
elementos
más
característicos
del
ajuar
doméstico.
13
El
ensamblador
italiano
Giuseppe
Freccia,
contratado
en
1575
para
hacer
todas
las
obras
en
madera
del
edificio,
fue
el
encargado
de
realizar
la
estantería.
Los
ensambladores
españoles
Gamboa,
Serrano,
Quesada
y
Aguirre
le
ayudaron
a
realizarla,
según
las
datas
de
pago
de
estos
años.
14
“Cada
uno
de
los
travesaños
que
unen
entre
sí
las
partes
de
una
silla,
de
una
mesa
o
de
otro
mueble,
para
darles
mayor
seguridad”.
Definición
del
RAE.
El
travesaño
es
“pieza
de
madera
o
hierro
que
atraviesa
de
una
parte
a
otra”.
Definición
del
RAE.

20. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
20
7.
EL
TRAJE
“A
LA
ESPAÑOLA”.
LA
MODA
A
TRAVÉS
DEL
RETRATO
CORTESANO
ESPAÑOL:
ALONSO
SÁNCHEZ
COELLO
A
lo
largo
del
siglo
XVI
la
moda
española
recibió
influencias
de
la
moda
alemana,
italiana,
británica…
Durante
la
primera
mitad
del
siglo
XVI,
la
indumentaria
española
era
alegre,
atrevida,
rica
en
policromía.
En
la
segunda
mitad
de
la
centuria,
en
cambio,
se
produjo
un
giro
copernicano…
Aparte
de
los
ejemplos
conservados,
las
fuentes
iconográficas
pictóricas
y
escultóricas
son
esenciales.
La
joyería
se
configura
como
un
elemento
esencial
de
la
indumentaria
renacentista
española
y
por
ende,
europea.
Un
elemento
característico
de
la
moda
del
Renacimiento
eran
las
“cuchilladas”,
es
decir,
las
rasgaduras
en
la
tela,
a
través
de
las
cuales
se
sacaba
el
forro.
Se
convirtieron
en
una
práctica
habitual
a
inicios
del
siglo
XVI
y
estuvieron
de
moda
sobre
todo
entre
1520-­‐45
e
incluso
en
años
posteriores.
Detalle
de
cuchillada
y
ejemplo
del
retrato
de
Enrique
de
Sajonia
y
su
esposa,
Lucas
Cranach,
1514.
Las
cuchilladas
del
traje
masculino
iban
a
juego
con
la
rica
ornamentación
del
traje
femenino;
detalle
de
otra
pintura
realizada
por
Lucas
Cranach
donde
aparecen
cuchilladas.
Las
braguetas
prominente:
este
tipo
de
bragueta
fue
una
moda
de
origen
germánico
que
extendieron
por
toda
Europa
los
mecenarios
alemanes.
El
origen
se
encuentra
en
la
indumentaria
militar.
El
tamaño
solía
ser
grande
y
desproporcionado.
Las
braguetas
prominentes
y
exageradas
desaparecieron
a
finales
del
siglo
XVI.
Fueron
objeto
de
todo
tipo
de
burlas
y
escarnios
en
la
literatura
de
la
época.
El
jubón:
era
una
vestidura
que
cubría
desde
los
hombros
hasta
la
cintura.
Era
muy
ceñida
y
ajustada
al
cuerpo.
Es
un
tipo
de
vestimenta
inspirada
en
las
armaduras
militares,
imitando
las
corazas. El
jubón
era
la
prenda
masculina
más
importante.

21. 21
21
Evolución
de
la
bragueta
prominente
hasta
su
desaparición
a
través
de
los
retratos
del
Rey
Felipe
II
tal
y
como
fue
pintado
por
Tiziano
(c.
1551);
Antonio
Moro
(1557)
y
Pantoja
de
la
Cruz
(c.
1590-­‐98)
Era
un
símbolo
de
opulencia
y
masculinidad.
Las
mangas
de
los
jubones
podían
ser
amplias
o
estrechas,
pegadas
al
cuerpo.
Bajo
el
jubón
los
hombres
solían
llevar
camisas
de
seda
blanca
con
bordados
en
el
cuello
y
en
las
muñecas.
El
jubón
femenino
fue
un
“invento”
español
que
se
difundió
por
toda
Europa.
Surgieron
en
el
siglo
XV
y
se
llevaron
hasta
el
siglo
XVII
incluido.
Se
llevaba
sobre
la
camisa.
El
jubón
daba
rigidez
al
cuerpo
ya
que
estaba
realizado
utilizando
como
base
cartón
o
incluso
madera.
Durante
los
siglos
XVI
y
XVII
se
llegó
al
extremo
de
colocar
cartones
para
aplastar
los
senos.
Una
mujer
sin
formas
era
“más
bella”.
Solían
llevar
cuello
de
lechuguilla
que
desaparecerá
cuando
la
prenda
empiece
a
escotarse.
El
jubón
iba
conjuntado
con
la
falda
o
basquiña.
Las
calzas
fueron
otra
de
las
prendas
habituales
en
la
indumentaria
masculina.
Las
calzas
era
una
prenda
de
vestir
que
cubría
las
piernas,
los
muslos
o
una
parte
de
ellos.
Las
calzas,
que
irán
evolucionando
con
el
tiempo,
se
llevaban
con
medias.
En
el
Renacimiento
les
encantaba
poner
de
relieve
las
piernas
musculosas
como
una
verdadera
exhibición
de
vanidad.
Las
calzas
podían
ser
acolchadas
y
muy
amplias,
entonces
se
denominaban
greguescos
y
eran
habituales
en
la
moda
española.
Con
el
avance
del
siglo
XVI,
las
formas
redondas
de
las
calzas
fueron
sustituidas
por
otras
más
planas.
El
verdugado
La
falda
o
saya
característica
del
siglo
XVI
se
llamaba
verdugado.
Era
una
especie
de
enagua
formada
con
un
armazón
de
aros
de
madera
u
otros
materiales
que
le
conferían
su
especial
forma
acampanada,
de
rígido
cono
invertido.
El
origen
del
verdugado
se
encuentra
en
Castilla
y
surgió
en
el
siglo
XV.
Se
extendió
por
toda
Europa

22. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
22
(Francia,
Inglaterra…)
Dado
su
elevado
precio,
sólo
lo
llevaban
las
mujeres
más
acomodadas.
Por
lo
demás,
los
textos
literarios
de
la
época
la
ridiculizaban.
La
gola,
gorguera
o
lechuguilla
Una
prenda
característica
de
esta
etapa
para
ambos
sexos
e
introducida
por
la
España
de
Felipe
II
era
la
gola,
gorguera
o
lechuguilla.
Eran
cuellos
y
puños
de
bordados
y
encajes
de
laboriosísimo
trabajo.
Se
convirtieron
en
uno
de
los
elementos
más
importantes
y
característicos
de
la
indumentaria
española.
Perduraron
como
moda
hasta
el
siglo
XVIII
y
se
empleaban
indistintamente
en
trajes
femeninos
y
masculinos.
A
partir
de
1563
las
golas
eran
cada
vez
más
grandes.
Los
de
mayor
tamaño
se
utilizaron
en
Holanda,
Alemania,
Francia
e
Inglaterra,
hasta
circa
1620.
El
término
lechugilla
alude
a
su
similitud
con
las
hojas
de
lechuga.
Y
gola
en
italiano
es
cuello
y
garganta.
Detalle
de
un
retrato
de
Felipe
II
donde
se
muestra
la
lechuguilla
o
gorguera;
Caricatura
sobre
las
gorgueras,
c.
1595
Zapatos
y
chapines
Los
zapatos
renacentistas
dejaron
de
ser
puntiaguados
para
hacerse
achatados,
como
si
constituyeran
un
eco
del
nuevo
estilo
de
arquitectura,
con
sus
arcos
de
medio
punto.
Los
zapatos
y
las
botas
estaban
decorados.
En
la
primera
mitad
del
siglo
XVI
destacaron
los
zapatos
“pico
de
pato”
y
eran
frecuentes
los
“acuchillados”.
Un
zapato
muy
característico
de
la
moda
renacentista
eran
los
chapines.
Eran
de
origen
morisco
y
se
realizaban
en
cuero
y
otros
materiales.
Presentaban
una
gruesa
suela
de
corcho,
de
unos
cuadro
dedos
de
altura,
a
modo
de
plataforma.
No
estaban
sujetos
por
detrás
y
se
agarraban
con
cintas
sobre
el
empeine.
Su
influencia
pasó
de
España
a
toda
Europa,
alcanzando
sobre
todo
una
gran
aceptación
en
Venecia,
donde
sus
plataformas
podían
alcanzar
una
altura
considerable.
15
15
Obligaban
a
caminar
con
pasos
muy
cortos,
casi
deslizándose.
Se
han
conservado
algunos
ejemplares,
y
además
hay
ilustraciones,
descripciones
y
referencias
literarias.
Permitían
aparentar
mucha
altura
lo
cual
escandalizaba
a
moralistas
y
teólogos.
Fue
un
tipo
de
calzado
muy
satirizado
por
nuestros
del
Siglo
de
Oro,
desde
Cervantes
a
Quevedo
o
Lope
de
Vega.

23. 23
23
Zapatos
con
cuchilladas;
zapatos
“pico
de
pato;
chapines
Sombreros
y
tocados
Los
hombres
solían
ir
barbados,
con
el
cabello
corto
o
largo.
Llevaban
sombreros
de
tercipelo,
decorado
con
broches,
joyas
o
plumas.
Los
llevaban
inclinados
a
la
derecha
–en
España-­‐
o
a
la
izquierda
en
Francia.
Los
sombreros
solían
ser
planos.
En
los
tocados
y
peinados
eran
habituales
las
joyas
(gemas,
perlas…)
EVOLUCIÓN
y
“TRAJE
A
LA
ESPAÑOLA”
La
indumentaria
española
de
la
segunda
mitad
del
siglo
XVI
será
el
paradigma
de
la
moda
de
la
época
y
se
impondrá
en
las
cortes
europeas.
16
Es
el
denominado
“traje
a
la
española”,
summum
de
la
elegancia
durante
los
siglos
XVI
y
XVII.
Es
una
indumentaria
que
se
caracteriza
por
ser
sobria,
formal,
con
predominio
del
color
negro,
muy
incómoda
y
siempre
acompañada
de
exquisitas
joyas,
tanto
en
los
trajes
como
en
los
tocados
e
incluso
en
el
cabellosfemenino.
Configuraba
una
silueta
de
formas
estilizadas,
geométricas
y
hieráticas.
El
“traje
a
la
española”
era
una
especie
de
“lujo
rígido”.17
Paradójicamente,
esta
moda
haría
fortuna
por
toda
Europa,
pero
con
todo
tipo
de
excesos
ornamentales.
18
16
En
donde
más
se
impuso
la
moda
española
fue
en
la
corte
de
Viena.

24. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
24
El
color
negro
cobró
un
gran
protagonismo.
Era
con
mucho,
el
preferido
por
la
sociedad
de
la
época
y
era
reflejo
de
la
influencia
de
la
moda
española.
Su
uso
se
extendió
por
Italia,
Francia
e
Inglaterra.
A
este
respecto,
el
escritor
italiano
Baltasar
di
Castiglione,
que
había
visitado
España
en
1525
opinaba
en
su
obra
“El
Cortesano”
–
publicada
en
1528
y
libro
de
cabecera
para
todo
aquel
que
quisiera
ser
un
perfecto
caballero
conforme
a
los
ideales
de
la
época
–
que
el
negro
(convertido
en
el
símbolo
de
la
monarquía
española)
proporcionaba
más
atractivo
que
cualquier
otro
color
a
las
prendas
de
vestir
y
que
en
su
defecto
se
debía
utilizar,
como
mínimo,
un
color
oscuro.
La
suya
era
una
apología
del
traje
español
al
que
convertía
en
adalid
de
la
moda
al
decir
“yo
quisiera
que
el
traje
atestiguase
esta
seriedad
que
conserva
tan
extraordinariamente
la
nación
española”.
La
importancia
de
la
moda
en
la
España
del
siglo
XVI
era
tal,
que
se
alzaban
voces
contra
ella:
cronistas,
escritores,
prelados...
A
través
de
las
FUENTES
ICONOGRÁFICAS
PICTÓRICAS
de
la
época
podemos
observar
como
era
el
“traje
a
la
española”,
en
especial
las
pinturas
de
Antonio
Moro,
Sofonisba
Anguissola,
y
Alonso
Sánchez
Coello
entre
otros
grandes
pintores.
La
tradición
del
retrato
cortesano
en
España
tiene
su
origen
en
Anthonis
Moor,
llamado
Antonio
Moro
en
nuestro
país,
que
definió
el
estilo
que
pasará
a
su
discípulo
Alonso
Sánchez
Coello
y
de
éste
a
sus
sucesores,
hasta
la
llegada
de
Velázquez.
17
La
pasión
por
vestir
con
riqueza
en
el
Renacimiento
se
apoderó
de
la
realeza
y
la
aristocracia
de
toda
Europa.
En
España
llegó
a
extremos
insuperables.
Se
cuenta
que
hubo
nobles
que
no
dudaron
en
empeñar
sus
fortunas
con
tal
de
eclipsar
a
los
demás
a
través
de
su
indumentaria.
Un
ejemplo
ilustrativo
de
lo
anteriormente
reseñados
fue
la
coronación
de
Carlos
V
como
emperador
en
Bolonia
(Italia)
en
1530:
18
Conviene
recordar
que
durante
aquellos
años
estaba
en
su
apogeo
el
Imperio
español,
iniciado
en
la
época
de
los
RRCC
–siglo
XV-­‐
y
continuado
en
su
máximo
esplendor
con
el
emperador
Carlos
V18
–primera
mitad
del
siglo
XVI-­‐
y
después
por
su
hijo
el
rey
Felipe
II
–segunda
mitad
del
siglo
XVI-­‐.
Por
entonces
España
era
muy
rica
gracias
a
la
conquista
del
Nuevo
Mundo,
que
trajo
ingentes
cantidades
de
metales
preciosos
–cuando
no
eran
saqueados
por
los
piratas
ingleses
y
holandeses
por
el
camino-­‐