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FUNDAMENTOS	
  DEL	
  ARTE	
  I.
TEMA	
  12.	
  ARTE	
  DEL	
  SIGLO	
  XVIII	
  (I):	
  EL	
  ROCOCÓ
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
2
TEMA	
  12.	
  ARTE	
  DEL	
  SIGLO	
  XVIII	
  (I):	
  EL	
  ROCOCÓ	
  
	
  
1.Introducción	
   al	
   arte	
   rococó.	
   Contexto	
   histórico-­‐cultural.	
   2.	
   La	
   arquitectura	
   rococó	
   3.	
   La	
   pintura	
   rococó.	
   4	
   La	
   imaginería	
  
española:	
  Salzillo.	
  5.	
  La	
  música	
  rococó.	
  Mozart.	
  6.	
  Mobiliario,	
  indumentaria	
  y	
  artes	
  decorativas	
  rococó.	
  
	
  
1.INTRODUCCIÓN	
  AL	
  ARTE	
  ROCOCÓ.	
  CONTEXTO	
  HISTÓRICO-­‐CULTURAL	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
  	
  	
  	
   	
  
	
  
El	
  siglo	
  XVIII	
  fue	
  una	
  etapa	
  trascendental	
  de	
  la	
  historia.	
  Por	
  su	
  carácter	
  de	
  frontera	
  entre	
  dos	
  épocas,	
  la	
  moderna	
  
y	
  la	
  contemporánea,	
  fue	
  un	
  período	
  confuso,	
  polémico	
  y	
  apasionante.	
  Pensemos	
  que	
  por	
  ejemplo,	
  en	
  Francia	
  se	
  
inicia	
  con	
  Luis	
  XIV	
  y	
  se	
  termina	
  con	
  la	
  Revolución	
  Francesa	
  (1789).	
  
Fue	
  un	
  siglo	
  de	
  expansión	
  en	
  todos	
  los	
  niveles:	
  demográfica,	
  económica	
  (inicios	
  de	
  la	
  revolución	
  industrial	
  en	
  
Inglaterra),	
  cultural	
  (desarrollo	
  de	
  las	
  ciencias,	
  el	
  arte,	
  la	
  literatura).	
  
La	
  máxima	
  potencia	
  europea	
  en	
  esta	
  etapa	
  es	
  Inglaterra,	
  gracias	
  a	
  su	
  agresiva	
  expansión	
  comercial	
  e	
  industrial1
	
  y	
  
a	
  su	
  imperio	
  colonial,	
  uno	
  de	
  los	
  mayores	
  de	
  toda	
  la	
  historia.	
  Además	
  los	
  ingleses	
  consiguieron	
  evitar	
  un	
  proceso	
  
revolucionario	
  como	
  el	
  francés,	
  desarrollando	
  un	
  sistema	
  político	
  liberal	
  y	
  estable.	
  Por	
  otro	
  lado,	
  se	
  desarrolla	
  la	
  
Guerra	
   de	
   la	
   Independencia	
   de	
   Estados	
   Unidos:	
   las	
   colonias	
   norteamericanas	
   que	
   se	
   independizaron	
   de	
  Gran	
  
Bretaña	
  edificaron	
  el	
  primer	
  sistema	
  político	
  liberal	
  y	
  democrático,	
  alumbrando	
  una	
  nueva	
  nación,	
  los	
  Estados	
  
Unidos	
  de	
  América.	
  
El	
  siglo	
  XVIII	
  es	
  llamado	
  el	
  Siglo	
  de	
  las	
  Luces.	
  denomina	
  así	
  a	
  este	
  periodo	
  porque	
  es	
  una	
  etapa	
  donde	
  impera	
  el	
  
Racionalismo,	
   es	
   decir,	
   todo	
   debe	
   ser	
   “iluminado”	
   o	
   sometido	
   al	
   dominio	
   de	
   la	
   razón,	
   dejando	
   de	
   lado	
  
supersticiones,	
  oscurantismos	
  y	
  aspectos	
  irracionales.	
  Es	
  la	
  época	
  de	
  la	
  Ilustración.	
  	
  
La	
  Ilustración	
  es	
  un	
  fenómeno	
  cultural	
  europeo,	
  observable	
  en	
  todos	
  los	
  países	
  del	
  continente	
  desde	
  Portugal	
  a	
  
Rusia.	
   Fue	
   un	
   movimiento	
   intelectual	
   que	
   valiéndose	
   de	
   un	
   utillaje	
   ideológico	
   renovado	
   (razón,	
   naturaleza,	
  
progreso,	
   felicidad),	
   trataba	
   de	
   conseguir	
   la	
   modernización	
   de	
   la	
   cultura	
   y	
   la	
   reforma	
   de	
   la	
   sociedad.	
   Para	
   el	
  
filósofo	
  Kant,	
  la	
  Ilustración	
  supuso	
  “el	
  fin	
  de	
  la	
  minoría	
  de	
  edad	
  del	
  hombre”.	
  	
  
En	
   aquellos	
   tiempos,	
   dominaban	
   por	
   toda	
   Europa	
   monarquías	
   absolutas	
   basadas	
   en	
   el	
   ideal	
   político	
   del	
  
Despotismo	
  ilustrado	
  con	
  su	
  célebre	
  lema	
  “todo	
  para	
  el	
  pueblo	
  pero	
  sin	
  el	
  pueblo”.	
  Pretendían	
  realizar	
  reformas	
  
en	
  la	
  sociedad,	
  que	
  se	
  tradujeran	
  en	
  mejoras	
  económicas,	
  sanitarias,	
  sociales	
  y	
  sobre	
  todo	
  educativas	
  y	
  culturales.	
  
Los	
  déspotas	
  ilustrados	
  querían	
  que	
  estas	
  reformas	
  fueran	
  llevadas	
  a	
  cabo	
  desde	
  “arriba”,	
  desde	
  los	
  sectores	
  
privilegiados	
  y	
  cultos	
  de	
  la	
  sociedad.	
  	
  
Un	
  ejemplo	
  de	
  este	
  intento	
  de	
  sistematizar	
  los	
  conocimientos	
  es	
  la	
  publicación	
  de	
  La	
  Enciclopedia	
  (1751-­‐1765),	
  de	
  
D'Alembert	
  y	
  Diderot2
,	
  obra	
  clave	
  de	
  la	
  Ilustración.	
  Ilustración	
  y	
  enciclopedismo	
  sustituyen	
  a	
  Dios	
  del	
  centro	
  del	
  
universo	
  y	
  ponen	
  en	
  él	
  al	
  hombre,	
  potenciando	
  el	
  progreso	
  industrial	
  y	
  científico	
  y	
  todo	
  aquello	
  que	
  pudiera	
  
1
	
  En	
  Gran	
  Bretaña	
  surgió	
  la	
  Revolución	
  Industrial	
  en	
  el	
  siglo	
  XVIII.	
  
2
	
  Intervinieron	
  más	
  de	
  cien	
  colaboradores	
  en	
  esta	
  obra	
  que	
  consta	
  de	
  28	
  volúmenes.	
  
3
3
contribuir	
  a	
  la	
  mejora	
  de	
  sus	
  condiciones	
  de	
  vida.	
  Otros	
  grandes	
  filósofos	
  de	
  esta	
  época,	
  ligados	
  a	
  la	
  Enciclopedia	
  
fueron	
  Montesquieu,	
  Voltaire	
  y	
  Rousseau.	
  El	
  fruto	
  maduro	
  de	
  la	
  Ilustración	
  fue	
  la	
  Revolución	
  francesa	
  de	
  1789.	
  	
  	
  	
  	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  
	
  
En	
  otro	
  orden	
  de	
  cosas,	
  en	
  el	
  siglo	
  XVIII	
  se	
  ponen	
  de	
  moda	
  los	
  Salones	
  donde	
  los	
  aristócratas	
  y	
  burgueses	
  se	
  
reunían	
  para	
  discutir	
  de	
  literatura,	
  política,	
  arte,	
  filosofía	
  o	
  música	
  y	
  también	
  para	
  bailar	
  y	
  divertirse;	
  son	
  el	
  marco	
  	
  
idóneo	
   para	
   la	
   difusión	
   de	
   los	
   artistas.	
   Algunas	
   mujeres	
   relevantes	
   son	
   las	
   organizadoras	
   animadoras	
   de	
   los	
  
Salones,	
   cosa	
   que	
   ejemplifica	
   su	
   nuevo	
   papel	
   en	
   la	
   sociedad,	
   hasta	
   el	
   punto	
   que	
   dos	
   de	
   estas	
   damas	
   darán	
  
nombre	
  a	
  la	
  época	
  y	
  al	
  estilo:	
  Madame	
  Pompadour	
  y	
  Madame	
  Du	
  Barry.3
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Retrato	
  de	
  Madame	
  de	
  Pompadour	
  por	
  F.	
  Boucher;	
  Retrato	
  de	
  Madame	
  du	
  Barry	
  por	
  Lebrun.	
  
En	
  España	
  el	
  siglo	
  XVIII	
  coincide	
  con	
  la	
  llegada	
  de	
  una	
  nueva	
  dinastía	
  tras	
  la	
  guerra	
  de	
  Sucesión:	
  los	
  Borbones.	
  El	
  
primer	
  Borbón	
  en	
  acceder	
  a	
  la	
  Corona	
  española	
  fue	
  Felipe	
  V,	
  nieto	
  del	
  rey	
  francés	
  Luis	
  XIV.	
  	
  
	
  
Desde	
  el	
  punto	
  de	
  vista	
  artístico,	
  los	
  estilos	
  que	
  encontramos	
  en	
  el	
  siglo	
  XVIII	
  son:	
  	
  
1.	
  Tardobarroco	
  o	
  barroco	
  tardío.	
  Es	
  la	
  etapa	
  final	
  del	
  siglo	
  XVIII	
  y	
  se	
  desarrolla	
  en	
  los	
  inicios	
  de	
  ese	
  siglo4
.	
  
2.	
  Rococó:	
  es	
  una	
  corriente	
  estética	
  de	
  origen	
  francés,	
  que	
  se	
  desarrolla	
  durante	
  la	
  primera	
  mitad	
  del	
  siglo	
  XVIII.	
  
3.	
  El	
  Neoclasicismo:	
  supone	
  una	
  reacción	
  al	
  estilo	
  rococó.	
  Se	
  desarrolla	
  en	
  los	
  siglos	
  XVIII	
  y	
  también	
  XIX.	
  Es	
  un	
  
decidido	
  retorno	
  al	
  ideal	
  de	
  belleza	
  clásica,	
  utilizando	
  un	
  lenguaje	
  frío,	
  severo	
  y	
  solemne,	
  donde	
  lo	
  helénico	
  se	
  
convierte	
  en	
  norma	
  académica.	
  	
  
En	
  el	
  siglo	
  XVIII	
  se	
  pone	
  de	
  manifiesto	
  la	
  llamada	
  “ruptura	
  del	
  paradigma	
  clásico”,	
  es	
  decir,	
  que	
  el	
  modelo	
  clásico	
  
–basado	
  en	
  el	
  ideal	
  de	
  belleza	
  grecorromano-­‐,	
  vigente	
  durante	
  siglos,	
  entra	
  en	
  crisis	
  y	
  se	
  buscan	
  nuevas	
  fuentes	
  
3
	
  Las	
  contradicciones	
  de	
  esta	
  época	
  están	
  muy	
  bien	
  reflejadas	
  en	
  la	
  novela	
  de	
  Pierre-­‐Ambroise	
  Choderlos	
  de	
  Lacios	
  (1741-­‐1803)	
  las	
  amistades	
  peligrosas.	
  	
  
4
	
  Un	
  ejemplo	
  de	
  edificio	
  tardobarroco	
  es	
  la	
  Iglesia	
  de	
  San	
  Carlos	
  Borromeo	
  de	
  Viena	
  (1715)	
  de	
  Fischer	
  Von	
  Erlach.	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
4
de	
  inspiración	
  ajeno	
  a	
  modelos	
  clásicos	
  como	
  el	
  arte	
  egipcio,	
  el	
  oriental	
  –chino,	
  japonés-­‐,	
  etc.	
  Así	
  se	
  sentarán	
  las	
  
bases	
  del	
  arte	
  contemporáneo.	
  
	
  
El	
  primer	
  estilo	
  artístico	
  propiamente	
  dieciochesco	
  es	
  el	
  arte	
  Rococó.	
  Ha	
  sido	
  denominado	
  también	
  como	
  estilo	
  
“rocalla”	
  (que	
  deriva	
  del	
  francés	
  rocaille,	
  piedra	
  y	
  coquille,	
  concha)	
  ya	
  que	
  este	
  elemento	
  decorativo	
  es	
  el	
  más	
  
característico	
  de	
  esta	
  tendencia5
.	
  	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
  	
  	
   	
  
	
  
Podemos	
  definir	
  el	
  complejo	
  concepto	
  de	
  rocalla	
  como	
  la	
  mezcla	
  de	
  conchas	
  marinas	
  irregulares	
  y	
  asimétricas.	
  
Recordemos	
  que	
  las	
  rocallas	
  como	
  motivo	
  decorativos	
  aparecían	
  ya	
  en	
  grutas	
  y	
  jardines	
  desde	
  el	
  manierismo.	
  	
  	
  
	
  
El	
  término	
  rococó	
  surgió	
  con	
  carácter	
  despectivo,	
  siendo	
  una	
  corriente	
  cultural	
  extremadamente	
  compleja	
  que	
  
ha	
  suscitado	
  controvertidos	
  debates	
  entre	
  los	
  historiadores.	
  Podemos	
  definirlo	
  como	
  un	
  estado	
  de	
  ánimo,	
  una	
  
actitud	
  ante	
  la	
  vida,	
  el	
  pensamiento,	
  la	
  sociedad,	
  que	
  se	
  inicia	
  a	
  principios	
  del	
  siglo	
  XVIII.	
  
El	
  arte	
  rococó	
  surgió	
  en	
  círculos	
  aristocráticos	
  de	
  Francia	
  hacia	
  los	
  años	
  1710-­‐15	
  	
  y	
  teóricamente	
  estuvo	
  vigente	
  
hasta	
  mediados	
  del	
  siglo	
  XVIII.	
  En	
  la	
  práctica	
  el	
  rococó	
  no	
  puede	
  considerarse	
  totalmente	
  finiquitado	
  hasta	
  el	
  
periodo	
  1775-­‐80	
  aproximadamente,	
  pues	
  sus	
  representantes	
  ofrecen	
  mucha	
  resistencia	
  a	
  las	
  nuevas	
  ideas.	
  De	
  
Francia	
  se	
  extendió	
  a	
  toda	
  Europa	
  (Alemania,	
  Austria,etc.)	
  
Sobre	
   este	
   apartado	
   véase:	
   http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2012/10/actividad-­‐introductoria-­‐al-­‐siglo-­‐
xviii.html	
  
	
  
2.	
  LA	
  ARQUITECTURA	
  ROCOCÓ	
  	
  
	
  
El	
  estilo	
  rococó	
  busca	
  el	
  arte	
  total	
  o	
  Gesamtkunstwerk, especialmente	
  en	
  la	
  arquitectura	
  y	
  las	
  artes	
  decorativas.	
  
Tiende	
  así	
  a	
  la	
  fusión	
  entre	
  todas	
  las	
  artes	
  dentro	
  de	
  una	
  estética	
  exquisita	
  que	
  concede	
  una	
  enorme	
  importancia	
  
a	
  la	
  exuberancia	
  decorativa	
  (rocallas,	
  motivos	
  vegetales,	
  etc.)	
  Los	
  interiores	
  suntuosos	
  se	
  valoran	
  más	
  que	
  los	
  
exteriores.	
  Utilizan	
  estucos	
  dorados	
  que	
  crean	
  atmósferas	
  esplendorosas	
  dentro	
  de	
  una	
  rica	
  policromía.	
  
En	
   el	
   rococó	
   predominan	
   las	
   formas	
   fantasiosas,	
   dinámicas	
   y	
   curvilíneas	
   trabajadas	
   en	
   entrelazos	
   infinitos.	
  
Sienten	
   predilección	
   por	
   lo	
   exótico	
   y	
   oriental.	
   Esa	
   atracción	
   por	
   Oriente	
   se	
   plasma	
   en	
   motivos	
   decorativos	
  
chinescos	
   –denominadas	
   chinoiseries	
   o	
   chinerías-­‐	
   que	
   estuvieron	
   en	
   boga	
   en	
   los	
   interiores	
   palaciegos	
   y	
   en	
   la	
  
porcelana	
  de	
  la	
  época.	
  
El	
  palacio	
  de	
  Versalles,	
  aunque	
  se	
  inicia	
  en	
  el	
  Barroco	
  –es	
  el	
  retrato	
  en	
  piedra	
  de	
  Luis	
  XIV6
-­‐	
  presenta	
  añadidos	
  
arquitectónicos	
  y	
  decorativos	
  rococó	
  e	
  incluso	
  neoclásicos,	
  ligados	
  a	
  la	
  Reina	
  María	
  Antonieta	
  y	
  al	
  rey	
  Luis	
  XVI,	
  
que	
  finalmente	
  acabarían	
  guillotinados	
  durante	
  la	
  Revolución	
  Francesa	
  (fines	
  del	
  siglo	
  XVIII).	
  
5
	
  Los	
  franceses	
  prefieren	
  utilizar	
  el	
  término	
  “rocalla”	
  antes	
  que	
  “rococó”.	
  
6
	
  El	
  origen	
  de	
  este	
  palacio	
  es	
  un	
  primitivo	
  pabellón	
  de	
  caza	
  de	
  Luis	
  XIII	
  que	
  el	
  Rey	
  Sol	
  amplió	
  hasta	
  convertirlo	
  en	
  un	
  ejemplo	
  emblemático	
  de	
  la	
  poderosa	
  
Francia	
  del	
  siglo	
  XVII.	
  
5
5
Los	
  motivos	
  decorativos	
  rococó	
  se	
  extendieron	
  por	
  toda	
  Europa	
  gracias	
  a	
  los	
  grabados,	
  que	
  proporcionaban	
  los	
  modelos	
  y	
  a	
  la	
  labor	
  
desempeñada	
   por	
   arquitectos	
   que	
   alcanzaron	
   una	
   gran	
   difusión	
   como	
   François	
   Cuvilliés	
   (1695-­‐1768).	
   La	
   decoración	
   rococó	
   la	
  
encontramos	
  sobre	
  todo	
  en	
  palacios	
  aristocráticos	
  y	
  en	
  iglesias.	
  En	
  este	
  estilo	
  abunda	
  la	
  utilización	
  de	
  los	
  espejos,	
  los	
  tonos	
  pastel	
  y	
  los	
  
motivos	
  decorativos	
  dorados.	
  Ejemplos	
  destacados:	
  los	
  salones	
  del	
  hôtel	
  Soubise	
  de	
  Paris	
  ;	
  el	
  palacio	
  Nymphenburg	
  de	
  Munich	
  (de	
  F.	
  
Cuvilliés);	
  el	
  palacio	
  Stupinigi	
  de	
  Turín	
  o	
  la	
  Sacristía	
  de	
  la	
  Cartuja	
  de	
  Granada.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  
Un	
  perfecto	
  ejemplo	
  del	
  arte	
  rococó:	
  el	
  Hôtel	
  Soubise	
  (Palacio	
  Soubise)	
  de	
  Paris.	
  La	
  decoración	
  de	
  interiores	
  fue	
  realizada	
  por	
  Germain	
  
Boffrand	
  a	
  mediados	
  del	
  siglo	
  XVIII	
  y	
  pasa	
  por	
  ser	
  el	
  primer	
  ejemplo	
  de	
  arquitectura	
  rococó.	
  
3.	
  LA	
  PINTURA	
  ROCOCÓ	
  
	
  
La	
  pintura	
   rococó	
  es	
  predominantemente	
  decorativa,	
  frívola,	
  alegre	
  y	
  de	
  carácter	
  profano7
.	
  Es	
  deudora	
  de	
  la	
  
pintura	
  renacentista	
  (especialmente	
  la	
  veneciana)	
  y	
  la	
  barroca	
  (Rubens).	
  Poco	
  tiene	
  de	
  la	
  espiritualidad	
  barroca	
  y	
  
no	
  es	
  una	
  simple	
  derivación	
  de	
  ese	
  estilo.	
  
Los	
   géneros	
   pictóricos	
   que	
   privilegia	
   el	
   arte	
   rococó	
   son	
   desnudos,	
   retratos	
   y	
   escenas	
   galantes	
   (coqueteo	
  
amoroso)	
  de	
  tono	
  amable,	
  en	
  ocasiones	
  ambientadas	
  en	
  jardines	
  frondosos	
  o	
  lujuriosos	
  paisajes.	
  	
  
Los	
  personajes	
  aunque	
  estén	
  insertos	
  en	
  la	
  naturaleza,	
  portan	
  indumentos	
  lujosos,	
  como	
  si	
  de	
  un	
  espectáculo	
  
teatral	
  o	
  baile	
  pastoril	
  se	
  tratase.	
  Asimismo,	
  abundan	
  las	
  escenas	
  inspiradas	
  en	
  la	
  Comedia	
  del	
  Arte	
  italiana,	
  la	
  
música	
   y	
   la	
   danza,	
   que	
   tienen	
   su	
   correlato	
   en	
   las	
   figuritas	
   de	
   porcelana	
   de	
   la	
   época	
   (Meissen	
   o	
   Sèvres	
   por	
  
ejemplo).	
  En	
  la	
  pintura	
  rococó	
  la	
  mujer	
  adquiere	
  un	
  gran	
  protagonismo	
  como	
  sujeto	
  pictórico.	
  Las	
  pinceladas	
  
suelen	
  ser	
  pastosas,	
  sueltas	
  y	
  matéricas.	
  
La	
  pintura	
  rococó	
  refleja	
  el	
  hedonismo,	
  la	
  alegría	
  de	
  vivir,	
  el	
  elegante	
  y	
  refinado	
  dolce	
  far	
  niente	
  de	
  aristócratas	
  
ociosos	
  y	
  burgueses	
  enriquecidos.	
  
En	
   los	
   retratos	
   son	
   habituales	
   los	
   personajes	
   disfrazados	
   (con	
   motivos	
   orientales,	
   mitológicos,	
   etc.).	
   Son	
  
frecuentes	
  también	
  las	
  escenas	
  familiares,	
  en	
  las	
  que	
  se	
  hace	
  especial	
  hincapié	
  en	
  la	
  ternura	
  de	
  los	
  niños.	
  
Los	
   marcos	
   de	
   los	
   cuadros	
   adoptan	
   recargadas	
   ornamentaciones	
   en	
   ocasiones,	
   con	
   formas	
   elípticas	
   o	
   de	
  
medallón.	
  	
  
El	
  origen	
  de	
  la	
  pintura	
  rococó	
  se	
  encuentra	
  en	
  Francia,	
  pero	
  se	
  difundió	
  por	
  todas	
  las	
  cortes	
  europeas.	
  	
  
Los	
  pintores	
  franceses	
  por	
  antonomasia	
  del	
  arte	
  rococó	
  fueron	
  BOUCHER,	
  FRAGONARD	
  y	
  WATTEAU.	
  En	
  ellos	
  
encontramos	
  las	
  características	
  del	
  rococó	
  anteriormente	
  reseñadas.	
  	
  
WATTEAU	
  se	
  inspiró	
  en	
  los	
  espectáculos	
  teatrales	
  y	
  se	
  especializó	
  en	
  escenas	
  galantes	
  y	
  costumbristas.	
  Conoció	
  
la	
   pintura	
   renacentista	
   veneciana	
   que	
   le	
   influyó	
   notablemente.	
   Sus	
   cuadros	
   están	
   ambientados	
   en	
   jardines	
  
aristocráticos,	
  con	
  elegantes	
  personajes	
  que	
  muestran	
  el	
  ambiente	
  social	
  del	
  rococó.	
  La	
  obra	
  cumbre	
  de	
  Jean-­‐	
  
7
	
  Las	
  pinturas	
  de	
  temática	
  religiosa	
  renuncian	
  al	
  tenebrismo,	
  apostando	
  por	
  colores	
  más	
  suaves	
  y	
  personajes	
  idealizados.	
  
	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
6
François	
   WATTEAU	
   es	
   Embarque	
   hacia	
   Citerea,	
   la	
   isla	
   donde	
   según	
   la	
   mitología,	
   nació	
   Afrodita	
   y	
   lugar	
   de	
  
peregrinación	
  a	
  su	
  culto.	
  
	
  
	
  	
   	
   	
  
	
  
François	
  BOUCHER	
  fue	
  el	
  máximo	
  exponente	
  del	
  decorativismo	
  rococó	
  francés.	
  Entre	
  sus	
  principales	
  comitentes	
  
descuella	
  la	
  favorita	
  del	
  rey	
  Luis	
  XV,	
  Madame	
  de	
  Pompadour,	
  a	
  la	
  que	
  retrató	
  en	
  numerosas	
  ocasiones.	
  	
  Vivió	
  en	
  
Italia	
  donde	
  le	
  fascinaron	
  las	
  pinturas	
  decorativas	
  del	
  rococó	
  Tiépolo.	
  Sus	
  mejores	
  obras	
  son	
  retratos	
  y	
  pinturas	
  
de	
  inspiración	
  mitológica.	
  
Jean-­‐Honoré	
  FRAGONARD	
  también	
  se	
  formó	
  en	
  Italia.	
  Su	
  pintura	
  aúna	
  la	
  sensualidad	
  y	
  la	
  elegancia	
  de	
  escenas	
  
galantes	
  -­‐El	
  columpio	
  o	
  El	
  beso	
  robado-­‐	
  llenas	
  de	
  alegría	
  de	
  vivir.	
  Asimismo	
  se	
  interesó	
  por	
  escenas	
  bucólicas	
  y	
  
pastoriles.	
  El	
  advenimiento	
  de	
  la	
  Revolución	
  Francesa	
  terminó	
  con	
  sus	
  mecenas	
  de	
  la	
  nobleza,	
  siendo	
  su	
  estilo	
  
desplazado	
  por	
  el	
  neoclásico	
  David,	
  por	
  lo	
  que	
  Fragonard	
  terminó	
  sus	
  días	
  en	
  la	
  pobreza	
  y	
  en	
  el	
  mayor	
  de	
  los	
  
olvidos.	
  	
  
	
  	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
  	
  	
   	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Tres	
  ejemplos	
  de	
  pintura	
  rococó	
  realizadas	
  por	
  Fragonard:	
  El	
  beso	
  robado;	
  Joven	
  leyendo,	
  El	
  cerrojo.	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
   	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  La	
  toilette	
  de	
  Boucher;	
  El	
  embarque	
  para	
  Citerea	
  de	
  Jean-­‐François	
  Watteau.	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
7
7
En	
  España	
  la	
  pintura	
  rococó	
  tiene	
  en	
  Luis	
  PARET	
   y	
  en	
   Salvador	
   MAELLA	
   con	
  sus	
  pinturas	
  preciosistas,	
  a	
  dos	
  
emblemáticos	
  representantes.	
  También	
  Francisco	
  de	
  GOYA	
  muestra	
  el	
  influjo	
  de	
  estilo,	
  por	
  ejemplo	
  en	
  algunos	
  
cartones	
   realizados	
   para	
   la	
   Real	
   Fábrica	
   de	
   Tapices,	
   con	
   obras	
   costumbristas	
   de	
   gusto	
   aristocrático	
   como	
   La	
  
gallinita	
  ciega	
  o	
  El	
  quitasol.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  El	
  mundo	
  de	
  majos	
  y	
  majas	
  protagoniza	
  buena	
  parte	
  de	
  la	
  obra	
  del	
  genial	
  Goya:	
  La	
  Maja	
  Vestida;	
  La	
  Pradera	
  de	
  San	
  Isidro.	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
  	
  	
   	
  
	
  
En	
   Gran	
   Bretaña,	
   el	
   siglo	
   XVIII	
   y	
   el	
   primer	
   tercio	
   del	
   siglo	
   XIX	
   están	
   considerados	
   como	
   la	
   época	
   de	
   máximo	
  
esplendor	
   de	
   la	
   pintura	
   inglesa.	
   Abundan	
   los	
   retratos	
   en	
   bellos	
   paisajes	
   como	
   apreciamos	
   en	
   los	
   cuadros	
   de	
  
Gainsborough	
  o	
  de	
  sir	
  Joshua	
  Reynolds.	
  Las	
  escenas	
  de	
  costumbres	
  son	
  muy	
  característicos	
  de	
  este	
  período,	
  
muchas	
  veces	
  con	
  una	
  carácter	
  moralizante,	
  como	
  	
  por	
  	
  ejemplo	
  en	
  la	
  serie	
  Matrimonio	
  a	
  la	
  moda	
  de	
  Hogarth.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
8
	
  
La	
  obra	
  de	
  MARIE-­‐LOUISE-­‐ÉLISABETH	
  VIGÉE-­‐LEBRUN	
  (1755-­‐1842)	
  
	
  
La	
  artista	
  italiana	
  Rosalba	
  CARRIERA	
  y	
  en	
  especial,	
  la	
  francesa	
  Mª-­‐Louise	
  VIGÉE-­‐	
  LEBRUN	
  descuellan	
  dentro	
  del	
  
panorama	
  pictórico	
  europeo	
  del	
  siglo	
  XVIII.	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
  	
   	
  
	
  	
  
Procedente	
  de	
  una	
  familia	
  vinculada	
  al	
  arte	
  –su	
  padre	
  fue	
  pintor	
  y	
  su	
  primer	
  maestro-­‐,	
  VIGÉE-­‐LEBRUN	
  fue	
  una	
  
afamada	
   retratista,	
   testigo	
   privilegiado	
   de	
   las	
   transformaciones	
   de	
   finales	
   del	
   siglo	
   XVIII,	
   de	
   la	
   Revolución	
  
Francesa	
  a	
  la	
  Restauración.	
  Tuvo	
  una	
  fulgurante	
  carrera.	
  	
  
Aprendió	
  copiando	
  la	
  obra	
  de	
  los	
  grandes	
  maestros	
  como	
  Rembrandt	
  o	
  Rubens.	
  Su	
  pintura	
  evolucionó	
  desde	
  el	
  
hedonista	
  Rococó	
  hacia	
  el	
  depurado	
  Neoclasicismo8
	
  como	
  podemos	
  comprobar	
  a	
  través	
  de	
  la	
  indumentaria	
  que	
  
aparece	
  en	
  sus	
  cuadros.	
  	
  
A	
   lo	
   largo	
   de	
   su	
   intensa	
   vida	
   –murió	
   con	
   86	
   años-­‐	
   contó	
   con	
   numerosos	
   comitentes	
   de	
   la	
   realeza	
   europea	
  
(francesa,	
  napolitana,	
  austriaca,	
  rusa)	
  y	
  de	
  la	
  aristocracia,	
  retratando	
  a	
  lo	
  más	
  granado	
  de	
  las	
  élites	
  culturales	
  y	
  
políticas	
  de	
  la	
  época	
  (Lord	
  Byron,	
  Hubert	
  Robert,	
  Caroline	
  Murat,	
  etc.).	
  	
  	
  
En	
  su	
  mansión	
  parisina,	
  en	
  su	
  Salón,	
  recibía	
  una	
  vez	
  por	
  semana	
  a	
  la	
  alta	
  sociedad	
  sin	
  reparar	
  en	
  gastos.	
  	
  	
  
En	
   su	
   extensa	
   producción	
   pictórica	
   -­‐900	
   cuadros-­‐	
   predominan	
   abrumadoramente	
   los	
   retratos	
   al	
   natural,	
   de	
  
carácter	
   rococó	
   (colorido	
   suave,	
   tono	
   amable,	
   idealizado	
   y	
   elegante,	
   detallismo	
   en	
   las	
   texturas,	
   captación	
  
psicológica).	
  Entre	
  sus	
  retratos	
  femeninos	
  destacan	
  los	
  que	
  realizó	
  de	
  su	
  mecenas	
  la	
  reina	
  María	
  Antonieta	
  –una	
  
veintena-­‐,	
  	
  la	
  princesa	
  de	
  Lamballe,	
  la	
  condesa	
  de	
  Polignac,	
  etc.	
  En	
  1788	
  pintó	
  una	
  de	
  sus	
  obras	
   maestras:	
   el	
  
retrato	
  del	
  pintor	
  Hubert	
  Robert.	
  Pintaba	
  sobre	
  todo	
  al	
  óleo,	
  y	
  en	
  algún	
  caso	
  al	
  pastel.	
  	
  
Escribió	
   un	
   breve	
   ensayo	
   “Conseils	
   pour	
   la	
   peinture	
   du	
   portrait”9
	
  y	
   su	
   autobiografía	
   a	
   la	
   que	
   denominó	
  
“Souvenirs”.	
  
Huyó	
  despavorida	
  de	
  Francia	
  cuando	
  estalló	
  la	
  Revolución	
  Francesa	
  disfrazada	
  de	
  obrera,	
  perdiendo	
  buena	
  parte	
  
de	
  sus	
  posesiones,	
  refugiándose	
  en	
  Roma.	
  En	
  Italia	
  realizó	
  el	
  Grand	
  Tour.	
  Vivió	
  entre	
  Roma,	
  Florencia,	
  Venecia...	
  
Diversas	
  cortes	
  europeas	
  solicitaron	
  sus	
  trabajos	
  como	
  reputada	
  retratista,	
  por	
  ello	
  se	
  estableció	
  con	
  gran	
  éxito	
  
en	
  San	
  Petersburgo	
  (1795)	
  y	
  a	
  inicios	
  del	
  siglo	
  XIX	
  a	
  caballo	
  entre	
  Londres,	
  París,	
  Ginebra	
  etc.	
  Murió	
  ciega	
  en	
  París.	
  
Su	
  fortuna	
  crítica	
  ha	
  sido	
  oscilante.	
  En	
  vida	
  gozó	
  de	
  gran	
  fama	
  pero	
  su	
  conexión	
  con	
  los	
  reyes	
  Luis	
  XVI	
  y	
  María	
  
Antonieta	
  a	
  la	
  larga	
  la	
  perjudicaron	
  y	
  cayó	
  en	
  el	
  olvido	
  hasta	
  que	
  empezó	
  a	
  ser	
  reivindicada	
  y	
  valorada	
  con	
  justeza	
  
en	
  el	
  siglo	
  XXI.	
  La	
  primera	
  gran	
  retrospectiva	
  de	
  su	
  obra	
  tuvo	
  lugar	
  en	
  París	
  en	
  el	
  año	
  2015.	
  
	
  
4	
  LA	
  IMAGINERÍA	
  ESPAÑOLA:	
  SALZILLO	
  
	
  
Entre	
  los	
  escultores	
  españoles	
  del	
  siglo	
  XVIII,	
  el	
  más	
  extraordinario	
  fue	
  sin	
  duda	
  Francisco	
  SALZILLO	
  (1707-­‐1783).	
  
Nació	
   en	
   Murcia	
   de	
   padre	
   italiano.	
   La	
   temática	
   de	
   sus	
   esculturas	
   es	
   predominantemente	
   religiosa:	
   pasos	
  
8
	
  En	
  mucha	
  menor	
  medida.	
  
9
	
  “Consejos	
  para	
  pintar	
  retratos”.	
  Se	
  lo	
  dedicó	
  a	
  su	
  sobrina.	
  
9
9
procesionales	
  –como	
  la	
  espléndida	
  Oración	
  de	
  Jesús	
  en	
  el	
  Huerto-­‐;	
  esculturas	
  de	
  la	
  Virgen	
  María	
  y	
  santos;	
  un	
  Belén	
  
de	
  tradición	
  napolitana	
  que	
  está	
  considerado	
  como	
  uno	
  de	
  los	
  mejores	
  del	
  mundo.	
  
Era	
  esencialmente	
  imaginero,	
  es	
  decir,	
  se	
  especializó	
  en	
  la	
  realización	
  de	
  la	
  talla	
  en	
  madera	
  que	
  policromaba.	
  
Recoge	
  lo	
  mejor	
  de	
  la	
  herencia	
  barroca	
  escultórica	
  y	
  su	
  producción	
  plástica	
  oscila	
  entre	
  el	
  tardobarroco,	
  rococó	
  e	
  
incluso	
  anticipa	
  el	
  neoclasicismo.	
  
	
  
	
   	
   	
  
	
  
	
   	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  
	
  
Salzillo	
  se	
  especializó	
  en	
  escultura	
  religiosa:	
  el	
  Ángel	
  de	
  la	
  Oración	
  en	
  el	
  Huerto;	
  angelitos;	
  detalle	
  del	
  Belén;	
  Dolorosa;	
  Detalles	
  de	
  Pasos	
  
Procesionales	
  (el	
  Prendimiento);	
  músicos	
  del	
  Belén.	
  
	
  
El	
  estilo	
  personal	
  de	
  Salzillo	
  creó	
  escuela	
  en	
  su	
  tierra	
  natal,	
  la	
  llamada	
  Escuela	
  Murciana	
  de	
  Imaginería.	
  En	
  Murcia	
  
se	
  conserva,	
  además,	
  un	
  extraordinario	
  museo	
  con	
  lo	
  esencial	
  de	
  su	
  producción.	
  
	
  
	
  
	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
10
5.	
  LA	
  MÚSICA	
  ROCOCÓ.	
  MOZART10
	
  
	
  
La	
  música	
  del	
  periodo	
  Rococó	
  se	
  inserta	
  plenamente	
  en	
  el	
  periodo	
  que	
  se	
  conoce	
  como	
  Clasicismo.	
  Se	
  trata	
  de	
  
un	
  periodo	
  en	
  el	
  que	
  hay	
  una	
  dicotomía,	
  ya	
  que	
  mientras	
  algunos	
  músicos	
  seguirán	
  desarrollando	
  las	
  formas	
  y	
  
tendencias	
   del	
   Barroco,	
   aparecerá	
   ahora	
   una	
   nueva	
   	
   generación	
   que	
   intentará	
   poner	
   orden	
   en	
   la	
   explosión	
  
creativa	
   del	
   periodo	
   anterior	
   y	
   que	
   tomará	
   forma	
   en	
   las	
   Academias,	
   que	
   se	
   encargarán	
   de	
   codificar	
   la	
   nueva	
  
visión	
   de	
   la	
   música	
   haciéndola	
   más	
   racional.	
   Por	
   ejemplo,	
   las	
   composiciones	
   tenderán	
   a	
   usar	
   frases	
   con	
   un	
  
número	
  par	
  de	
  compases	
  y	
  divididas	
  en	
  dos	
  periodos	
  iguales,	
  dotando	
  a	
  las	
  piezas	
  de	
  elegancia	
  y	
  regularidad.	
  
Se	
  seguirán	
  perfeccionando	
  los	
  instrumentos	
  del	
  periodo	
  anterior,	
  y	
  aunque	
  la	
  flauta,	
  el	
  violín	
  y	
  el	
  clavecín	
  serán	
  
los	
  instrumentos	
  preferidos,	
  pronto	
  se	
  desarrollarán	
  el	
  clarinete	
  y	
  el	
  piano	
  (inventado	
  a	
  principios	
  del	
  siglo	
  XVIII)	
  
y	
  se	
  perfeccionarán	
  otros	
  ya	
  existentes	
  como	
  	
  el	
  oboe	
  y	
  el	
  fagot.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
Es	
  difícil	
  definir	
  un	
  estilo	
  musical	
  propio	
  del	
  Rococó,	
  ya	
  que	
  en	
  este	
  periodo	
  asistimos	
  
a	
  una	
  dicotomía	
  entre	
  lo	
  frívolo,	
  galante	
  y	
  aristocrático	
  y	
  lo	
  reglado,	
  serio	
  e	
  ilustrado	
  
que	
  desembocará	
  en	
  el	
  Neoclasicismo.	
  	
  Sin	
  embargo,	
  muchos	
  músicos	
  participaron	
  
de	
  ambos	
  espíritus.
El	
  genero	
  típico	
  del	
  Rococó	
  es	
  la	
  sonata,	
  pieza	
  que	
  	
  originalmente	
  surgió	
  huyendo	
  de	
  
corsés	
  y	
  que	
  se	
  estructuraba	
  de	
  manera	
  totalmente	
  libre,	
  explotando	
  el	
  virtuosismo	
  
y	
  la	
  fantasía,	
  en	
  consonancia	
  con	
  el	
  espíritu	
  galante	
  de	
  la	
  aristocracia.	
  Con	
  el	
  tiempo,	
  	
  
las	
  sonatas	
  se	
  fueron	
  estandarizando	
  y	
  pasaron	
  	
  a	
  tener	
  tres	
  o	
  cuatro	
  movimientos	
  
con	
  una	
  estructura	
  fija	
  consistente	
  en	
  un	
  allegro	
  seguido	
  por	
  un	
  adagio	
  y	
  finalizando	
  
por	
   otro	
   allegro,	
   aunque	
   a	
   veces	
   se	
   inserta	
   un	
   tercer	
   movimiento	
   en	
   forma	
   de	
  
minueto	
  antes	
  del	
  último	
  allegro.	
  Además,	
  cada	
  uno	
  de	
  los	
  movimientos	
  tiene	
  tres	
  
tiempos	
  bien	
  diferenciados	
  que	
  se	
  basan	
  en	
  dos	
  temas	
  interpretados	
  en	
  una	
  tonalidad	
  distinta	
  cada	
  uno.	
  En	
  el	
  
primer	
  tiempo	
  de	
  cada	
  movimiento	
  se	
  plantean	
  estos	
  dos	
  temas,	
  en	
  el	
  segundo	
  se	
  juega	
  con	
  ellos,	
  creando	
  en	
  el	
  
público	
   tensión	
   y	
   sorpresa,	
   y	
   en	
   el	
   tercero	
   se	
   hace	
   una	
   especie	
   de	
   síntesis	
   agrupando	
   ambos	
   temas,	
   que	
   se	
  
interpretan	
  con	
  la	
  tonalidad	
  principal	
  y	
  se	
  rematan	
  con	
  un	
  colofón	
  llamado	
  coda.	
  
Las	
   sonatas	
   típicamente	
   rococó	
   (o	
   sea,	
   las	
   que	
   no	
   se	
   adaptan	
   a	
   este	
   esquema	
   general	
   establecido	
   en	
   el	
  
Clasicismo)	
  se	
  suelen	
  llamar	
  divertimentos	
  o	
  serenatas,	
  piezas	
  en	
  las	
  que	
  se	
  huye	
  de	
  la	
  erudición	
  clasicista	
  y	
  de	
  
sus	
  estrechas	
  leyes,	
  poniendo	
  en	
  valor	
  la	
  imaginación,	
  la	
  improvisación	
  y	
  la	
  sutileza.	
  
	
  
WOLFGANG	
  AMADEUS	
  MOZART	
  
	
  
El	
  autor	
  más	
  prolífico	
  de	
  la	
  segunda	
  mitad	
  del	
  siglo	
  XVIII	
  es	
  Wolfgang	
  Amadeus	
  Mozart	
  (1756-­‐1791),	
  intérprete	
  
virtuoso	
  y	
  gran	
  compositor	
  que	
  desarrolló	
  su	
  labor	
  en	
  Austria.	
  Su	
  personalidad	
  es	
  tan	
  interesante	
  como	
  su	
  obra,	
  
porque	
  al	
  igual	
  que	
  muchas	
  personalidades	
  de	
  su	
  época,	
  vivió	
  entre	
  dos	
  mundos,	
  el	
  de	
  la	
  Ilustración,	
  basado	
  en	
  la	
  
Razón,	
  y	
  el	
  de	
  la	
  aristocracia,	
  basado	
  en	
  la	
  frivolidad	
  galante	
  e	
  insulsa.	
  
Mozart	
  fue	
  un	
  niño	
  prodigio	
  que	
  ya	
  a	
  los	
  seis	
  años	
  dominaba	
  el	
  clavicordio	
  y	
  recorrió	
  las	
  cortes	
  de	
  toda	
  Europa	
  
dando	
  conciertos	
  y	
  conociendo	
  a	
  la	
  élite	
  política	
  y	
  cultural.	
  Músico	
   autodidacta,	
  su	
  obra	
  es	
  una	
  síntesis	
  de	
  la	
  
alegría	
  de	
  vivir	
  típica	
  de	
  la	
  nobleza	
  rococó	
  y	
  	
  de	
  las	
  ideas	
  ilustradas	
  que	
  anunciaban	
  una	
  nueva	
  era.	
  También	
  
refleja	
  su	
  ideología	
  masónica	
  como	
  se	
  puede	
  apreciar	
  en	
  su	
  ópera	
  la	
  flauta	
  mágica.	
  
Su	
  amplia	
  producción	
  abarca	
  casi	
  todos	
  los	
  campos:	
  
-­‐Sinfonías:	
  escribió	
  cerca	
  de	
  50,	
  aunque	
  se	
  admite	
  su	
  autoría	
  sin	
  ninguna	
  duda	
  de	
  41,	
  destacando	
  las	
  tres	
  últimas,	
  
sobre	
  todo	
  la	
  41	
  (llamada	
  Júpiter).	
  
-­‐Sonatas:	
  muchas	
  de	
  ellas	
  para	
  piano	
  y	
  violín.	
  
-­‐Serenatas.	
  Destaca	
  su	
  Pequeña	
  serenata	
  nocturna.	
  
-­‐Cuartetos	
  para	
  diversos	
  instrumentos	
  de	
  cuerda,	
  acompañados	
  algunos	
  de	
  flauta,	
  clarinete,	
  etc.	
  
10
	
  El	
  apartado	
  de	
  la	
  música	
  (texto	
  e	
  imágenes)	
  es	
  un	
  extracto	
  del	
  libro	
  de	
  J.V.	
  Patiño	
  http://escueladeartetalavera.blogspot.com.es/2015/09/libro-­‐de-­‐texto-­‐
para-­‐fundamentos-­‐del.html	
  
	
  
11
11
Mozart	
  también	
  escribió	
  grandes	
  obras	
  del	
  género	
  lírico.	
  Podemos	
  dividirlas	
  en	
  dos	
  tipos:	
  
-­‐	
   Óperas	
  con	
  libreto	
  en	
  italiano,	
  como	
  Don	
  Giovanni	
  (que	
  destaca	
  por	
  el	
  sabio	
  uso	
  de	
  grandes	
  recursos	
  
escenográficos),	
  Las	
  bodas	
  de	
  Fígaro	
  	
  (típico	
  ejemplo	
  de	
  ópera	
  bufa	
  o	
  cómica)	
  o	
  Così	
  fan	
  tutte.	
  
-­‐	
   Singspiele,	
  u	
  óperas	
  en	
  alemán.	
  Destacan	
  El	
  rapto	
  del	
  Serrallo	
  y,	
  sobre	
  todo,	
  La	
  flauta	
  mágica,	
  obra	
  con	
  
un	
   fuerte	
   contenido	
   simbólico	
   y	
   difícil	
   interpretación,	
   ya	
   que	
   se	
   cree	
   que	
   Mozart	
   introduce	
   la	
   simbología	
  
masónica	
  en	
  la	
  una	
  trama	
  que	
  es,	
  aparentemente,	
  lúdica.	
  
Mozart	
  alcanzó	
  el	
  culmen	
  de	
  su	
  genio	
  con	
  su	
  Requiem	
  (KV	
  626),	
  su	
  obra	
  póstuma	
  (fue	
  acabada	
  por	
  uno	
  de	
  sus	
  
discípulos,	
  Franz	
  Xaver	
  Süssmayr).	
  Tiene	
  mucha	
  influencia	
  del	
  Réquiem	
  de	
  Haydn	
  de	
  1771.	
  
El	
   Réquiem	
   es	
   en	
   realidad	
   una	
   misa	
   de	
   difuntos.	
   La	
   estructura	
   de	
   la	
   misa	
   quedó	
   ya	
   establecida	
   desde	
   el	
  
Renacimiento,	
  y	
  es	
  la	
  siguiente:	
  1º	
  Kyrie.	
  Del	
  griego	
  kyrie	
  eleison	
  (señor,	
  ten	
  piedad).	
  
2º	
  Gloria.	
  Parte	
  de	
  exaltación	
  de	
  la	
  gloria	
  de	
  Cristo.	
  
3º	
  Credo.	
  Es	
  la	
  parte	
  más	
  extensa	
  de	
  la	
  misa,	
  y	
  en	
  esencia	
  recoge	
  el	
  contenido	
  del	
  Credo	
  de	
  Nicea	
  (la	
  profesión	
  de	
  
fe	
  católica).	
  
4º	
  Sanctus.	
  Repite	
  la	
  letanía	
  Santo,	
  santo,	
  santo	
  es	
  el	
  Señor,	
  rematando	
  con	
  Hosanna	
  en	
  el	
  Cielo.	
  
5º	
  Benedictus.	
  Como	
  en	
  la	
  parte	
  anterior,	
  bendice	
  a	
  quien	
  viene	
  en	
  nombre	
  del	
  Señor,	
  y	
  se	
  repite	
  el	
  Hosanna.	
  
6º	
  Agnus	
  dei.	
  Del	
  latín	
  cordero	
  de	
  Dios.	
  
A	
  veces	
  se	
  añaden	
  otras	
  partes	
  para	
  darle	
  vistosidad.	
  Por	
  ejemplo,	
  se	
  inicia	
  la	
  misa	
  con	
  un	
  introitus,	
  que	
  es	
  una	
  
pieza	
  que	
  acompaña	
  al	
  oficiante	
  al	
  hacer	
  su	
  entrada,	
  se	
  añade	
  una	
  pieza	
  para	
  acompañar	
  la	
  consagración	
  de	
  las	
  
hostias	
   (Offertorium),	
   antes	
   del	
   Sanctus,	
   o	
   la	
   comunión	
   (Communio),	
   que	
   en	
   el	
   caso	
   del	
   Réquiem	
   de	
   Mozart	
  
consiste	
  en	
  la	
  pieza	
  titulada	
  Lux	
  Aeterna,	
  basada	
  en	
  la	
  repetición	
  de	
  fragmentos	
  del	
  Introitus	
  y	
  del	
  Kyrie,	
  con	
  la	
  
que	
  se	
  cierra	
  la	
  misa.	
  El	
  Réquiem	
  de	
  Mozart	
  sustituye	
  también	
  las	
  partes	
  musicadas	
  del	
  Gloria	
  	
  y	
  el	
  Credo	
  por	
  un	
  
desarrollo	
  más	
  amplio	
  compuesto	
  por	
  seis	
  partes,	
  la	
  última	
  de	
  las	
  cuales,	
  la	
  Lacrimosa,	
  es	
  una	
  obra	
  de	
  profundo	
  
lirismo.	
  
	
  
6.	
  MOBILIARIO,	
  INDUMENTARIA	
  Y	
  ARTES	
  DECORATIVAS	
  ROCOCÓ	
  
	
  
El	
  mobiliario	
  ROCOCÓ,	
  ESTILO	
  LUIS	
  XV	
  
	
  
El	
  mobiliario	
  y	
  la	
  decoración	
  de	
  interiores	
  rococó	
  presenta	
  como	
  claro	
  precedente	
  el	
  arte	
  barroco.	
  Ambos	
  buscan	
  
el	
  arte	
  total	
  o	
  Gesamtkunstwerk,	
  la	
  confluencia	
  de	
  todas	
  las	
  artes	
  en	
  un	
  estilo	
  homogéneo,	
  que	
  pretende	
  epatar	
  
al	
  espectador.	
  
Cronológicamente,	
   la	
   etapa	
   de	
   máximo	
   esplendor	
   del	
   mobiliario	
   y	
   la	
   decoración	
   de	
   interiores	
   del	
   rococó	
  
corresponde	
  con	
  los	
  años	
  1725-­‐1775.	
  
Es	
   un	
   estilo	
   ligado	
   a	
   la	
   corte	
   del	
   monarca	
   francés	
   Luis	
   XV,	
   que	
   se	
   caracteriza	
   por	
   refinamiento,	
   elegancia	
   y	
  
exuberancia	
   decorativa,	
   con	
   predominio	
   de	
   tonos	
   pastel	
   –como	
   en	
   la	
   indumentaria-­‐,	
   y	
   la	
   fascinación	
   por	
   la	
  
rocalla,	
   con	
   sus	
   curvas	
   y	
   contracurvas	
   extremas,	
   elemento	
   definitorio	
   de	
   la	
   decoración	
   de	
   interiores	
   de	
   esta	
  
tendencia	
  artística.	
  
Durante	
   el	
   siglo	
   XVIII	
   el	
   arquitecto	
   se	
   convierte	
   en	
   una	
   figura	
   cada	
   vez	
   más	
   importante	
   en	
   el	
   diseño	
   de	
   los	
  
interiores	
  de	
  las	
  casas	
  de	
  los	
  aristocráticas	
  y	
  ricos	
  burgueses.	
  En	
  las	
  residencias	
  importantes	
  se	
  mantiene	
  una	
  
clara	
   separación	
   entre	
   las	
   dependencias	
   “de	
   parada”	
   es	
   decir	
   de	
   representación,	
   colocadas	
   siempre	
   hacia	
   el	
  
exterior,	
   y	
   las	
   privadas	
   que	
   dan	
   al	
   interior.	
   Con	
   el	
   paso	
   del	
   Barroco	
   al	
   Rococó	
   aumenta	
   el	
   número	
   de	
   las	
  
antecámaras	
  que	
  con	
  frecuencia	
  desempeñan	
  la	
  función	
  de	
  salones	
  o	
  comedores.	
  Las	
  habitaciones	
  se	
  hacen	
  más	
  
pequeñas	
   y	
   se	
   difunde	
   el	
   uso	
   de	
   cortinas	
   en	
   las	
   ventanas	
   y	
   de	
   las	
   alfombras,	
   mientras	
   que	
   la	
   búsqueda	
   de	
  
confort	
  conduce	
  a	
  la	
  creación	
  de	
  nuevos	
  muebles.	
  Los	
  cuartos	
  de	
  baño	
  adquieren	
  cada	
  vez	
  más	
  importancia	
  y	
  a	
  
menudo	
  la	
  decoración	
  de	
  los	
  mismos	
  es	
  tan	
  lujosa	
  como	
  la	
  de	
  las	
  demás	
  dependencias.	
  	
  
La	
  decoración	
  tiende	
  a	
  ser	
  más	
  intimista	
  que	
  en	
  el	
  barroco,	
  con	
  espacios	
  de	
  reducidas	
  dimensiones	
  –recordemos	
  
que	
  Luis	
  XV	
  estableció	
  su	
  corte	
  en	
  el	
  Palais	
  Royal	
  de	
  París	
  y	
  no	
  en	
  Versalles-­‐	
  y	
  mobiliario	
  confortable,	
  apto	
  para	
  el	
  
ocio	
  	
  y	
  las	
  tertulias	
  de	
  los	
  Salones	
  en	
  los	
  que	
  las	
  mujeres	
  tenían	
  un	
  papel	
  protagonista	
  (Madame	
  de	
  Pompadour,	
  
Madame	
  de	
  Staël,	
  etc.)	
  	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
12
La	
   pintura	
   decorativa	
   de	
   bóvedas,	
   cúpulas	
   y	
   paneles	
   en	
   las	
   paredes	
   se	
   incardina	
   perfectamente	
   en	
   la	
  
arquitectura.	
  La	
  temática	
  suele	
  ser	
  mitológica,	
  escenas	
  galantes,	
  paisajística,	
  putti,	
  chinoiseries,	
  etc.	
  Las	
  paredes	
  
se	
  decoran	
  con	
  papel	
  pintado	
  o	
  telas	
  o	
  son	
  pintadas	
  con	
  diversos	
  motivos	
  decorativos.	
  
Los	
  espejos,	
  como	
  en	
  el	
  barroco,	
  tienen	
  una	
  gran	
  preeminencia	
  decorativa,	
  así	
  como	
  las	
  mesas-­‐esculturas	
  de	
  
diseño	
  asimétrico,	
  ondulante	
  y	
  recargado	
  (consolas,	
  bureau	
  plat...)	
  
Los	
  elementos	
  decorativos	
  de	
  origen	
  oriental	
  –fundamentalmente	
  chinescos-­‐	
  son	
  denominados	
  como	
  chinerías	
  
o	
  chinoiseries	
  y	
  son	
  muy	
  representativos	
  de	
  la	
  decoración	
  de	
  interiores	
  dieciochesca.	
  La	
  porcelana	
  china	
  también	
  
es	
  omnipresente,	
  tanto	
  en	
  vasos	
  (jarrones)	
  dispuestos	
  en	
  las	
  consolas	
  como	
  en	
  placas	
  cerámicas	
  decorando	
  las	
  
paredes.	
  Los	
  biombos	
  chinos	
  hacen	
  también	
  acto	
  de	
  presencia	
  como	
  podemos	
  comprobar	
  en	
  la	
  pintura	
  rococó	
  
de	
  la	
  época.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
   	
  
	
  
Interiores	
  de	
  palacios	
  rococó: Salón	
  principal	
  (salón	
  de	
  espejos)	
  en	
  el	
  pabellón	
  de	
  caza	
  Amalienburg	
  (Palacio	
  Nimphenburg,	
  Múnich,	
  1740),	
  
obra	
  maestra	
  de	
  François	
  Cuvilliés.	
  El	
  fondo	
  es	
  de	
  tonos	
  gris	
  turquesa;	
  Sala	
  de	
  baile	
  en	
  el	
  Palacio	
  Charlottenburg	
  de	
  Berlín;	
  Salón	
  Gasparini	
  
del	
  Palacio	
  Real	
  de	
  Madrid.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
   	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Salón	
   de	
   Porcelana	
   del	
   Palacio	
   Real	
   de	
   Aranjuez	
   con	
   chinerías	
   de	
   la	
   Manufactura	
   de	
   Buen	
   Retiro,	
   inspiradas	
   en	
   las	
   pinturas	
   de	
  
Boucher	
  para	
  Luis	
  XV.	
  	
  
	
  
Las	
  aplicaciones	
  de	
  bronce	
  dorado	
  así	
  como	
  taraceas	
  e	
  incrustaciones	
  incrementan	
  la	
  riqueza	
  
decorativa	
  caracterizada	
  por	
  el	
  horror	
  vacui.	
  
Asimismo,	
   el	
   auge	
   del	
   vidrio	
   propició	
   la	
   aparición	
   de	
   espectaculares	
   arañas	
   o	
   lámparas	
   de	
  
grandes	
  dimensiones.	
  
Por	
  lo	
  que	
  se	
  refiere	
  al	
  mobiliario,	
  los	
  muebles	
  de	
  asiento	
  reflejan	
  una	
  gran	
  variedad	
  de	
  sillas	
  y	
  
butacas.	
   Las	
   sillas	
   fueron	
   perdiendo	
   importancia	
   en	
   detrimento	
   de	
   los	
   cómodos	
   sillones	
  
(fauteuils)	
  o	
  butacas	
  (bergère).	
  En	
  general,	
  predominan	
  las	
  de	
  patas	
  curvadas	
  como	
  las	
  de	
  una	
  
cabra	
  (en	
  forma	
  de	
  S,	
  en	
  cabriole).	
  La	
  chaise	
  longue	
  se	
  compone	
  de	
  dos	
  bergère	
  y	
  un	
  cuerpo	
  
intermedio.	
  Son	
  muebles	
  acolchadas	
  (asiento,	
  respaldo,	
  apoyabrazos)	
  y	
  confortables.	
  	
  
*Las	
  consolas	
  disminuyen	
  de	
  tamaño	
  y	
  las	
  cómodas	
  –muebles	
  con	
  cajones-­‐	
  muestran	
  formas	
  
abombadas	
  (bombé).	
  
*	
   Parte	
   de	
   los	
   muebles	
   de	
   asiento	
   y	
   las	
   consolas	
   se	
   alineaban	
   a	
   lo	
   largo	
   de	
   las	
   paredes	
   de	
   los	
   salones.	
   El	
  
mobiliario	
  más	
  confortable	
  se	
  situaba	
  en	
  el	
  centro	
  de	
  las	
  estancias.	
  
13
13
*En	
   las	
   esquinas	
   de	
   los	
   salones	
   se	
   disponían	
   grandes	
   candelabros	
   de	
   uno	
   a	
   dos	
   metros	
   de	
   altura	
   llamados	
  
torchères.	
  
*Se	
  concedía	
  una	
  gran	
  importancia	
  al	
  tapizado	
  de	
  los	
  asientos,	
  como	
  el	
  célebre	
  toile	
  de	
  Jouy,	
  desde	
  entonces	
  un	
  
clásico	
  en	
  la	
  tapicería.	
  
*Entre	
   los	
   ebanistas	
   rococó	
   descuellan	
   los	
   franceses	
   Jean-­‐François	
   Oeben	
   y	
   Bernard	
   van	
   Riesenburgh.	
   Este	
  
último	
  realizó	
  muebles	
  para	
  Madame	
  de	
  Pompadour,	
  algunos	
  de	
  ingenioso	
  diseño,	
  como	
  los	
  de	
  higiene	
  íntima.	
  
Fue	
  	
  el	
  primero	
  en	
  incorporar	
  a	
  los	
  muebles	
  la	
  porcelana	
  de	
  Sèvres,	
  que	
  se	
  pondrá	
  de	
  moda.	
  
	
  
	
   	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
Ejemplos	
  de	
  mobiliario	
  Luis	
  XV:	
  una	
  butaca	
  bergère;	
  una	
  cómoda	
  bombé	
  (abombada)	
  de	
  Riesenburgh;	
  un	
  fauteuil	
  (sillón)	
  à	
  la	
  reine	
  con	
  
patas	
  en	
  cabriole	
  (S);	
  Chaise	
  longue	
  con	
  motivos	
  chinescos.	
  	
  	
  
	
  
El	
  mobiliario	
  rococó	
  es	
  el	
  antecedente	
  remoto	
  del	
  Modernista	
  o	
  Art	
  Nouveau	
  de	
  finales	
  del	
  siglo	
  XIX	
  e	
  inicios	
  del	
  
XX.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
  	
   	
   	
  
	
  
Tapizado	
  toile	
  de	
  Jouy,	
  característico	
  del	
  rococó.	
  En	
  este	
  caso	
  aparece	
  una	
  escena	
  galante;	
  Canapés	
  del	
  Museo	
  de	
  Artes	
  Decorativas	
  de	
  
París.	
  Fuente	
  de	
  las	
  imágenes:	
  Blog	
  de	
  Pablo	
  Pena	
  http://historiadelmueble.blogspot.com.es
	
  
La	
  moda	
  ROCOCÓ	
  (1715-­‐1785),	
  una	
  creación	
  esencialmente	
  francesa	
  
	
  
Luis	
  XV,	
  un	
  rey	
  “rococó”:	
  El	
  enorme	
  prestigio	
  que	
  había	
  adquirido	
  la	
  corte	
  de	
  Versalles	
  	
  hizo	
  que	
  se	
  prolongase	
  la	
  
influencia	
  francesa	
  en	
  la	
  cultura	
  del	
  siglo	
  XVIII	
  en	
  toda	
  Europa.	
  Europa	
  se	
  afrancesaba,	
  culturalmente,	
  en	
  todos	
  
los	
  aspectos,	
  por	
  ello	
  en	
  las	
  cortes	
  europeas	
  se	
  impuso	
  como	
  idioma	
  de	
  la	
  diplomacia	
  y	
  signo	
  de	
  distinción	
  y	
  buen	
  
gusto	
   el	
   hablar	
   en	
   francés.	
   Era	
   la	
   época	
   del	
   rey	
   francés	
   Luis	
   XV	
   (1710-­‐1774),	
   biznieto	
   y	
   sucesor	
   de	
   Luis	
   XIV,	
  
coincidente	
  con	
  el	
  arte	
  rococó.	
  	
  
Reinas	
  y	
  favoritas,	
  iconos	
  de	
  estilo:	
  Madame	
  de	
  Pompadour,	
  favorita	
  del	
  rey	
  Luis	
  XV	
  y	
  figura	
  dominante	
  de	
  la	
  
Francia	
  de	
  la	
  época,	
  fue	
  esencial	
  en	
  la	
  difusión	
  del	
  estilo	
  rococó.	
  Desde	
  mediados	
  de	
  la	
  centuria,	
  ella	
  fue	
  la	
  gran	
  
definidora	
  del	
  gusto	
  francés.	
  	
  
La	
  austriaca	
  María	
  Antonieta,	
  esposa	
  del	
  rey	
  Luis	
  XVI,	
  fue	
  un	
  símbolo	
  de	
  la	
  moda	
  francesa	
  del	
  siglo	
  XVIII.	
  Era	
  tal	
  
su	
  pasión	
  por	
  los	
  vestidos	
  y	
  las	
  joyas	
  que	
  recibió	
  el	
  apodo	
  de	
  “Madame	
  Déficit”	
  por	
  los	
  cuantiosos	
  gastos	
  que	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
14
esta	
  afición	
  ocasionaba	
  al	
  erario	
  público.	
  	
  A	
  través	
  de	
  su	
  indumentaria	
  podemos	
  observar	
  las	
  diversas	
  tendencias	
  
en	
  la	
  moda	
  del	
  siglo	
  XVIII	
  que	
  oscilan	
  del	
  rococó	
  al	
  neoclasicismo.
Entre	
  sus	
  diseñadoras	
  favoritas	
  descuella	
  Rose	
  BERTIN,	
  la	
  modista	
  más	
  conocida	
  de	
  París,	
  reclamada	
  por	
  todas	
  
las	
   cortes	
   europeas.	
   Su	
   labor	
   en	
   pro	
   de	
   la	
   difusión	
   de	
   la	
   moda	
   francesa	
   fue	
   tal,	
   que	
   enviaba	
   periódicamente	
  
maniquíes	
  a	
  las	
  principales	
  cortes	
  europeas	
  para	
  mostrar	
  sus	
  nuevos	
  modelos	
  a	
  la	
  moda.	
  Por	
  aquel	
  entonces	
  
surgieron	
  las	
  primeras	
  revistas	
  y	
  periódicos	
  con	
  mensajes	
  publicitarios	
  y	
  noticias	
  de	
  las	
  últimas	
  tendencias	
  en	
  la	
  
moda.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
  
Rose	
  Bertin	
  era	
  considerada	
  como	
  “la	
  ministra	
  de	
  moda”	
  por	
  la	
  propia	
  la	
  reina	
  María	
  Antonieta.	
  En	
  el	
  centro	
  uno	
  de	
  sus	
  extravagantes	
  
diseños,	
  lejos	
  todavía	
  de	
  la	
  estética	
  neoclásica.	
  
La	
  moda	
  femenina	
  rococó	
  
	
  
Francia,	
  árbitro	
  de	
  la	
  moda:	
  La	
  vestimenta	
  estrella	
  del	
  siglo	
  XVIII	
  es	
  la	
  femenina,	
  que	
  se	
  beneficia	
  del	
  nuevo	
  papel	
  
que	
  adquiere	
  la	
  mujer,	
  sobre	
  todo	
  en	
  Francia.	
  En	
  cambio,	
  el	
  atuendo	
  masculino	
  –que	
  en	
  épocas	
  anteriores	
  había	
  
adquirido	
  un	
  gran	
  protagonismo	
  e	
  importancia	
  en	
  el	
  mundo	
  de	
  la	
  moda-­‐	
  se	
  vio	
  relegado	
  a	
  un	
  segundo	
  plano.	
  
	
  
Materiales:	
  en	
  cuanto	
  a	
  los	
  materiales,	
  podemos	
  destacar	
  el	
  predomino	
  de	
  las	
  sedas	
  en	
  los	
  trajes	
  de	
  corte	
  y	
  las	
  
lanas	
  para	
  las	
  vestimentas	
  de	
  uso	
  cotidiano.	
  Poco	
  a	
  poco,	
  el	
  algodón	
  se	
  difunde	
  con	
  fuerza,	
  gracias	
  en	
  gran	
  parte	
  
al	
  papel	
  de	
  Gran	
  Bretaña	
  que	
  comercia	
  con	
  esta	
  materia	
  prima	
  ya	
  que	
  se	
  abastece	
  de	
  ella	
  en	
  las	
  Indias	
  Orientales.	
  
Y	
  es	
  que	
  no	
  sólo	
  Francia,	
  sino	
  Gran	
  Bretaña	
  	
  también	
  se	
  convertirá	
  en	
  conformadora	
  del	
  gusto	
  en	
  la	
  indumentaria	
  
y	
  centro	
  creador	
  de	
  tendencias	
  en	
  la	
  moda.	
  Recordemos,	
  por	
  lo	
  demás,	
  que	
  la	
  revolución	
  industrial	
  surgió	
  en	
  ése	
  
país	
  durante	
  el	
  siglo	
  XVIII	
  y	
  que	
  parte	
  la	
  industria	
  textil	
  será	
  esencial	
  en	
  el	
  proceso	
  industrializador	
  europeo.	
  	
  
Con	
  el	
  rococó	
  la	
  indumentaria	
  fue	
  elevada	
  a	
  la	
  categoría	
  de	
  arte.	
  En	
  contraposición	
  con	
  la	
  solemnidad	
  severa	
  del	
  
vestuario	
  del	
  siglo	
  XVII,	
  los	
  vestidos	
  de	
  la	
  mujer	
  ahora	
  son	
  más	
  ligeros,	
  sofisticados,	
  alegres	
  y	
  muy	
  femeninos.	
  	
  
	
  
Colores:	
  la	
  moda	
  francesa	
  que	
  se	
  impone	
  es	
  muy	
  colorista	
  y	
  alegre.	
  Los	
  tonos	
  que	
  predominan	
  en	
  la	
  vestimenta	
  
femenina	
  son	
  los	
  pastel,	
  como	
  en	
  la	
  decoración	
  de	
  interiores	
  rococó.	
  Las	
  denominaciones	
  de	
  los	
  colores	
  eran	
  
muy	
  fantasiosas:	
  “humo	
  de	
  Londres”,	
  “llama	
  del	
  Vesubio”,	
  “ratón	
  huidizo”,	
  “español	
  enfermo”…	
  
	
  
Fuentes	
  pictóricas:	
  los	
  pintores	
  de	
  la	
  época	
  –como	
  Boucher,	
  Fragonard	
  o	
  Watteau-­‐	
  nos	
  han	
  dejado	
  maravillosos	
  
ejemplos	
  de	
  los	
  atuendos	
  de	
  esta	
  etapa	
  a	
  través	
  de	
  sus	
  pinturas.	
  
	
  
Prendas	
  y	
  tipologías	
  de	
  vestidos.	
  Sintetizando	
  mucho	
  podemos	
  destacar:
*El	
  miriñaque:	
  El	
  miriñaque	
  apareció	
  en	
  la	
  moda	
  cortesana	
  francesa	
  entre	
  los	
  años	
  1715	
  y	
  1718.	
  Consta	
  de	
  una	
  
falda	
  interior	
  guarnecida	
  con	
  aros	
  metálicos	
  cosidos	
  sobre	
  el	
  tejido,	
  siendo	
  el	
  interior	
  especialmente	
  rígido	
  para	
  
conseguir	
   la	
   necesaria	
   tirantez	
   y	
   anchura	
   en	
   el	
   borde	
   del	
   vestido.	
   Con	
   diferentes	
   denominaciones	
   y	
  
características	
  a	
  lo	
  largo	
  del	
  siglo	
  XVIII,	
  el	
  uso	
  del	
  miriñaque	
  –al	
  principio	
  dando	
  forma	
  semicircular	
  a	
  las	
  caderas	
  
en	
  el	
  caso	
  del	
  vestido	
  volante,	
  más	
  adelante	
  con	
  un	
  perfil	
  ovalado-­‐	
  se	
  prolongará	
  hasta	
  la	
  época	
  de	
  Luis	
  XVI	
  y	
  sólo	
  
desaparecerá	
   con	
   el	
   advenimiento	
   de	
   la	
   Revolución	
   francesa,	
   como	
   símbolo	
   del	
   Ancien	
   Régime.	
   En	
   inglés	
   al	
  
miriñaque	
  se	
  le	
  denomina	
  como	
  “pannier”	
  mientras	
  que	
  en	
  España	
  se	
  le	
  conoce	
  como	
  “tontillo”.	
  Sea	
  como	
  fuere,	
  
15
15
será	
  un	
  elemento	
  esencial	
  de	
  la	
  vestimenta	
  rococó	
  femenina.	
  El	
  objetivo	
  del	
  miriñaque	
  era	
  enfatizar	
  la	
  cintura	
  
entre	
  grandes	
  caderas.	
   	
   El	
   miriñaque	
   es	
   heredero	
   del	
   verdugado	
   y	
   el	
   guardainfante	
   y	
   será	
   antecedente	
   de	
   la	
  
crinolina	
  del	
  siglo	
  XIX.	
  
Retrato	
   de	
   la	
   reina	
   consorte	
   de	
   Prusia	
   Elisabeth	
   Christine	
   von	
   Braunschweig-­‐Bevern	
   (1715-­‐1797),	
   Antoine	
   Pesne,	
   c.	
   1739.	
   Porta	
   el	
  
característico	
  miriñaque	
  del	
  siglo	
  XVIII	
  en	
  un	
  vestido	
  “a	
  la	
  francesa”;	
  ejemplos	
  de	
  miriñaques;	
  La	
  reina	
  María	
  Luisa	
  con	
  tontillo	
  pintada	
  por	
  
Goya,	
  1789.	
  	
  
	
  
*El	
  Vestido	
  Volante	
  o	
  Vestido	
  Watteau:	
  
Una	
  de	
  las	
  prendas	
  más	
  características	
  de	
  la	
  vestimenta	
  rococó	
  de	
  la	
  etapa	
  del	
  rey	
  Luis	
  XV	
  fue	
  el	
  vestido	
  con	
  
vuelo	
  o	
  volante,	
  también	
  llamado	
  Vestido	
  Watteau	
  porque	
  aparece	
  con	
  frecuencia	
  en	
  los	
  cuadros	
  de	
  este	
  pintor.	
  
Son	
  vestidos	
  muy	
  sueltos,	
  sin	
  entallar,	
  con	
  pliegues	
  en	
  la	
  espalda.	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  	
   	
   	
  
	
  
*Vestido	
  a	
  la	
  Francesa	
  (Robe	
  à	
  la	
  française)	
  
Andando	
  el	
  tiempo,	
  el	
  vestido	
  volante	
  evolucionaría	
  hacia	
  el	
  denominado	
  Vestido	
  a	
  la	
  Francesa	
  circa	
  1720-­‐50.	
  Es	
  
el	
   modelo	
   de	
   traje	
   rococó	
   por	
   excelencia.	
   La	
   parte	
   delantera,	
   muy	
   ajustada,	
   presenta	
   forma	
   de	
   triángulo	
  
invertido.	
  Son	
  vestidos	
  muy	
  escotados	
  y	
  aparecen	
  adornados	
  con	
  todo	
  tipo	
  de	
  cintas,	
  lazos	
  y	
  encajes.	
  Son	
  trajes	
  
“abiertos”	
  que	
  dejan	
  ver	
  la	
  falda	
  interna,	
  muy	
  decorada	
  con	
  todo	
  tipo	
  de	
  encajes	
  y	
  bordados.	
  Las	
  manga,	
  más	
  o	
  
menos	
   ajustadas,	
   llega	
   hasta	
   el	
   codo.	
   A	
   ese	
   tipo	
   de	
   manga	
   se	
   la	
   denomina	
   “manga	
   francesa”.	
   Pueden	
   estar	
  
rematadas	
  con	
  varios	
  volantes.	
  Se	
  denominan	
  entonces	
  “mangas	
  pagoda”.	
  En	
  español	
  al	
  vestido	
  a	
  la	
  francesa	
  se	
  
lo	
  denominaba	
  “bata”.	
  
	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
16
	
  	
  	
   	
  	
   	
  	
   	
  
	
  
El	
  cuello	
  se	
  adorna	
  con	
  alguna	
  joya	
  como	
  un	
  collar	
  de	
  perlas	
  o	
  una	
  cinta	
  anudada	
  por	
  lo	
  general	
  de	
  la	
  misma	
  tela	
  
que	
  el	
  vestido.	
  	
  
	
  
*Vestido	
  a	
  la	
  Polonesa:	
  vestido	
  recogido	
  en	
  abultados	
  pliegues.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
   	
   	
  
	
  
Ejemplos	
   de	
   la	
   moda	
   rococó:	
   Madame	
   de	
   Pompadour	
   retratada	
   con	
   un	
   precioso	
   vestido	
   a	
   la	
   francesa	
   por	
   Boucher,	
   1759,	
   Wallace	
  
Collection,	
  Londres;	
  Madame	
  Boucher	
  de	
  F.	
  Boucher;	
  Los	
  Campos	
  Elíseos	
  de	
  Watteau.	
  
	
  
Vestido	
   a	
   la	
   Polonesa;	
  Vestido	
   a	
   la	
   Francesa:	
  En	
  este	
  retrato	
  oficial	
  de	
  la	
  Marquesa	
   de	
   Pompadour	
  realizado	
   por	
   Quentin	
   de	
   Latour,	
  
aparece	
  en	
  un	
  entorno	
  rococó,	
  apoyada	
  sobre	
  un	
  cabinet	
  de	
  ese	
  estilo	
  y	
  rodeada	
  de	
  atributos	
  culturales	
  alusivos	
  a	
  la	
  literatura,	
  la	
  música,	
  
la	
  astronomía	
  o	
  el	
  grabado.	
  Entre	
  los	
  libros	
  podemos	
  ver	
  la	
  Enciclopedia,	
  obras	
  de	
  Montesquieu	
  y	
  de	
  Voltaire.	
  	
  
*Vestido	
  a	
  la	
  Inglesa	
  
Junto	
  a	
  esta	
  fascinación	
  por	
  la	
  moda	
  francesa	
  hay	
  que	
  destacar	
  la	
  atracción	
  que	
  hacia	
  la	
  moda	
  inglesa	
  se	
  aprecia	
  
a	
  partir	
  de	
  1750.	
  Es	
  el	
  traje	
  a	
  la	
  inglesa	
  que	
  tendrá	
  gran	
  éxito	
  gracias	
  a	
  su	
  simplicidad	
  y	
  elegancia.	
  La	
  vestimenta	
  
inglesa	
  femenina	
  se	
  caracteriza	
  por	
  vestidos	
  que	
  marcan	
  mucho	
  la	
  cintura,	
  con	
  mangas	
  muy	
  amplias.	
  El	
  corpiño	
  
va	
  abrochado	
  por	
  delante,	
  con	
  escote	
  bajo,	
  relleno	
  con	
  encajes	
  o	
  pañuelos.	
  En	
  la	
  vestimenta	
  femenina	
  inglesa	
  se	
  
prescinde	
   del	
   miriñaque	
   y	
   se	
   apuesta	
   por	
   una	
   por	
   una	
   falda	
   interna	
   de	
   tela	
   bastante	
   rígida	
   y	
   una	
   especie	
   de	
  
cojinete	
   almohadillado	
   dispuesto	
   a	
   la	
   altura	
   de	
   los	
   riñones	
   sobre	
   el	
   que	
   repartir	
   el	
   amplio	
   vuelo	
   de	
   la	
   falda,	
  
acumulado	
  sobre	
  todo	
  en	
  la	
  espalda.	
  	
  
17
17
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  
Ejemplos	
  de	
  “Vestidos	
  a	
  la	
  Inglesa”:	
  no	
  llevan	
  miriñaque	
  sino	
  una	
  especie	
  de	
  almohadilla	
  rellena;	
  Los	
  motivos	
  ornamentales	
  pueden	
  ser	
  de	
  
rayas,	
  florales,	
  fitomorfos	
  (vegetal	
  o	
  plantas),	
  etc.	
  El	
  cuerpo	
  va	
  armado	
  con	
  ballenas	
  y	
  presenta	
  escote	
  redondeado	
  adornado	
  con	
  encaje.	
  	
  
Accesorios	
  
	
  
El	
  sombrero	
  adquiere	
  muchísima	
  importancia,	
  suelen	
  ser	
  muy	
  grandes	
  y	
  con	
  muchos	
  adornos.	
  Los	
  sombreros	
  de	
  
diseño	
  británico	
  influirán	
  en	
  los	
  modelos	
  de	
  tocados	
  franceses.	
  	
  
Por	
  lo	
  que	
  se	
  refiere	
  al	
  peinado,	
  es	
  uno	
  de	
  los	
  aspectos	
  más	
  cuidados	
  por	
  la	
  mujer	
  y	
  aunque	
  comenzó	
  el	
  siglo	
  con	
  
una	
   cierta	
   sobriedad	
   en	
   la	
   realización	
   de	
   un	
   pequeño	
   moño	
   y	
   rizos	
   flotantes	
   sobre	
   las	
   orejas,	
   pronto	
   se	
  
convertiría	
  en	
  el	
  aspecto	
  más	
  frívolo	
  del	
  atuendo	
  femenino	
  con	
  la	
  aparición	
  de	
  infinidad	
  de	
  postizos,	
  encajes,	
  
cintas,	
  flores,	
  plumas,	
  tules	
  y	
  toda	
  clase	
  de	
  aditamentos,	
  que	
  hacen	
  del	
  peinado	
  un	
  andamiaje	
  sobre	
  el	
  que	
  dictan	
  
sus	
  efímeras	
  leyes	
  los	
  peluqueros	
  de	
  moda	
  como	
  Léonard	
  o	
  Legros.	
  Acompañados	
  de	
  cofias	
  o	
  de	
  gorros	
  –cuya	
  
variedad	
  y	
  diversificación	
  de	
  nomenclaturas	
  es	
  similar	
  a	
  la	
  de	
  los	
  peinados-­‐	
  es	
  costumbre	
  empolvar	
  los	
  cabellos	
  
con	
  almidón,	
  para	
  lo	
  cual	
  las	
  damas	
  debían	
  someterse	
  a	
  laboriosas	
  manipulaciones.	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
  
El	
  calzado,	
  en	
  cambio,	
  se	
  muestra	
  más	
  conservador	
  y	
  mantiene	
  la	
  puntera	
  aguda	
  y	
  elevada,	
  el	
  tacón	
  alto	
  y	
  las	
  
hebillas	
  como	
  complemento	
  ornamental,	
  variando	
  sólo	
  el	
  tipo	
  de	
  material	
  utilizado	
  para	
  su	
  confección	
  según	
  el	
  
momento	
  del	
  día	
  o	
  el	
  conjunto	
  con	
  que	
  se	
  utilicen.	
  
Zapatos	
  del	
  siglo	
  XVIII.	
  Museo	
  del	
  Traje,	
  Madrid.	
  Durante	
  el	
  siglo	
  XVIII	
  no	
  había	
  diferenciación	
  en	
  la	
  horma	
  entre	
  el	
  pie	
  izquierdo	
  y	
  el	
  derecho;	
  Evolución	
  de	
  
las	
  pelucas,	
  del	
  rococó	
  al	
  neoclasicismo	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
18
	
  
La	
  moda	
  masculina	
  rococó	
  
	
  
Elegancia	
  y	
  sencillez:	
  el	
  traje	
  masculino	
  del	
  siglo	
  XVIII	
  ligado	
  al	
  rococó	
  se	
  basa	
  en	
  los	
  modelos	
  barrocos	
  aunque	
  
sin	
  cintas	
  ni	
  lazos.	
  Es	
  mucho	
  más	
  sencillo	
  y	
  elegante.	
  Es	
  el	
  antecedente	
  del	
  traje	
  masculino	
  de	
  hoy	
  en	
  día.	
  
	
  
Prendas	
   básicas:	
   predominan	
   como	
   prendas	
   básicas,	
   fundamentalmente	
   tres:	
   casaca,	
   calzones	
   y	
   chaleco,	
   en	
  
ocasiones	
  realizados	
  con	
  telas	
  fastuosas	
  profusamente	
  bordadas.	
  El	
  sombrero	
  de	
  tres	
  picos	
  fue	
  de	
  uso	
  común	
  
durante	
  todo	
  el	
  siglo.	
  	
  
El	
  calzón	
  llegaba	
  hasta	
  debajo	
  de	
  la	
  rodilla	
  –hasta	
  donde	
  alcanzan	
  las	
  medias	
  de	
  seda	
  blanca-­‐	
  y	
  allí	
  se	
  recogía	
  con	
  
cintas	
  anudadas	
  o	
  hebillas.	
  Se	
  abrochaba	
  con	
  botones	
  primero	
  y	
  desde	
  1730,	
  con	
  bragueta	
  y	
  se	
  va	
  haciendo	
  más	
  
alto	
   hasta	
   alcanzar	
   la	
   cintura	
   siguiendo	
   el	
   paralelo	
   acortamiento	
   de	
   la	
   chaqueta.	
   A	
   consecuencia	
   de	
   esta	
  
evolución,	
  cuando	
  el	
  calzón	
  llega	
  a	
  la	
  cintura	
  aparecen	
  los	
  tirantes.	
  
La	
  chaqueta,	
  muy	
  larga	
  en	
  los	
  comienzos	
  del	
  reinado	
  de	
  Luis	
  XV	
  en	
  que	
  se	
  prolonga	
  casi	
  hasta	
  las	
  rodillas,	
  utiliza	
  
tejidos	
  vistosos	
  y	
  ricos	
  sólo	
  en	
  las	
  dos	
  piezas	
  del	
  delantero,	
  pues	
  las	
  mangas	
  –excepto	
  el	
  borde-­‐	
  y	
  la	
  espalda	
  se	
  
confeccionan	
  con	
  forro	
  o	
  tejidos	
  más	
  ordinarios,	
  puesto	
  que	
  no	
  se	
  ven.	
  Las	
  chaquetas	
  evolucionarán	
  hacia	
  los	
  
chalecos	
  o	
  chupas	
  cuando	
  prescindan	
  de	
  las	
  mangas.	
  
La	
  casaca	
  se	
  llevaba	
  sobre	
  la	
  chupa	
  y	
  el	
  calzón.	
  	
  
	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  Ejemplo	
  de	
  casaca,	
  chupa	
  y	
  calzón.	
  Es	
  el	
  antecedente	
  del	
  traje	
  masculino	
  de	
  hoy	
  en	
  día;	
  Casaca	
  de	
  seda	
  verde	
  clara.	
  El	
  calzón	
  está	
  
confeccionado	
  con	
  el	
  mismo	
  tejido	
  que	
  la	
  casaca;	
  Chupa	
  masculina	
  en	
  satén	
  de	
  seda	
  color	
  marfil	
  forrada	
  en	
  lino	
  con	
  bordados	
  de	
  motivos	
  
fitomorfos;	
  Retrato	
  de	
  Henry	
  Dawkins,	
  c.	
  1750	
  por	
  M.	
  Quentin	
  de	
  Latour,	
  National	
  Gallery	
  de	
  Londres.	
  
	
  
La	
  corbata	
  es	
  sustituida	
  durante	
  estos	
  años	
  por	
  una	
  vuelta	
  del	
  cuello	
  de	
  la	
  camisa,	
  cuya	
  pechera	
  asoma	
  por	
  el	
  
borde	
  de	
  la	
  chaqueta.	
  	
  
	
  
Las	
  pelucas:	
  la	
  moda	
  de	
  la	
  peluca	
  pervivió	
  hasta	
  la	
  Revolución	
  Francesa.	
  Con	
  el	
  tiempo	
  se	
  hicieron	
  más	
  simples	
  y	
  
cortas.	
  Solían	
  acabar	
  en	
  un	
  bucle	
  o	
  coleta	
  atada	
  con	
  una	
  cinta	
  negra.	
  En	
  relación	
  con	
  las	
  pelucas	
  hay	
  que	
  destacar	
  
que	
  para	
  evitar	
  que	
  perdieran	
  el	
  almidón,	
  los	
  sombreros	
  de	
  la	
  época,	
  como	
  el	
  característico	
  sombrero	
  de	
  tres	
  
picos	
  –a	
  la	
  suiza-­‐	
  solía	
  llevarse	
  bajo	
  el	
  brazo	
  y	
  nunca	
  puesto.	
  
	
  
Influencia	
  inglesa:	
  La	
  huella	
  de	
  la	
  moda	
  inglesa	
  masculina	
  sobre	
  la	
  francesa	
  va	
  a	
  ser	
  cada	
  vez	
  más	
  evidente.	
  La	
  
moda	
   inglesa	
   se	
   caracterizaba	
   por	
   su	
   elegancia,	
   sentido	
   práctico,	
   sobriedad	
   y	
   ausencia	
   de	
   cintas,	
   encajes	
   y	
  
bordados.	
  Los	
  ingleses	
  tendían	
  cada	
  vez	
  más	
  a	
  prescindir	
  de	
  las	
  pelucas	
  y	
  el	
  peinado	
  característico	
  era	
  con	
  el	
  
cabello	
  echado	
  hacia	
  atrás	
  y	
  trenzado	
  con	
  una	
  cinta.	
  Esencial	
  de	
  todo	
  gentleman	
  que	
  se	
  preciara,	
  era	
  la	
  presencia	
  
de	
  un	
  bastón,	
  que	
  llevaba	
  colgado	
  de	
  los	
  botones	
  del	
  traje	
  mediante	
  una	
  cinta.	
  
19
19
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  En	
  este	
  retrato	
  de	
  caballero	
  pintado	
  por	
  el	
  británico	
  Gainsborough	
  se	
  aprecia	
  la	
  presencia	
  de	
  un	
  tricornio;	
  Evolución	
  de	
  las	
  
pelucas	
  del	
  rococó	
  al	
  neoclasicismo.	
  
Sobre	
  la	
  indumentaria	
  rococó	
  véase:	
  	
  
http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2014/07/exposicion-­‐frivolite-­‐indumentaria-­‐del.html	
  y	
  	
  
http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2015/06/accesorios-­‐de-­‐la-­‐moda-­‐rococo-­‐tocados.html	
  
	
  
Las	
  MANUFACTURAS	
  REALES	
  EUROPEAS.	
  LA	
  PORCELANA.	
  EL	
  VIDRIO	
  
	
  
El	
  auge	
  de	
  las	
  artes	
  decorativas	
  durante	
  el	
  siglo	
  XVIII	
  va	
  vinculado	
  al	
  surgimiento	
  de	
  las	
  Manufacturas	
  Reales	
  
europeas.	
  
Las	
   Manufacturas	
   Reales	
   fueron	
   un	
   tipo	
   de	
   empresa	
   de	
   características	
   muy	
   singulares	
   que	
   vivió	
   su	
   etapa	
   de	
  
esplendor	
  en	
  el	
  siglo	
  XVIII.	
  El	
  modelo	
  había	
  sido	
  creado	
  en	
  Francia	
  por	
  Colbert,	
  el	
  ministro	
  de	
  Finanzas	
  de	
  Luis	
  XIV	
  
(1638-­‐1715)	
  al	
  crear	
  la	
  Manufactura	
  Real	
  de	
  Gobelinos	
  en	
  París.	
  Respondía	
  a	
  razones	
  de	
  orden	
  político,	
  económico	
  
y	
   funcional,	
   orientadas	
   a	
   realzar	
   el	
   prestigio	
   de	
   la	
   monarquía,	
   equilibrar	
   en	
   la	
   balanza	
   de	
   pagos	
   evitando	
  
importaciones	
  de	
  lujo	
  y	
  amueblar	
  y	
  decorar	
  los	
  palacios	
  reales.	
  Desde	
  el	
  punto	
  de	
  vista	
  de	
  la	
  producción,	
  las	
  
Reales	
  Fábricas	
  representan	
  un	
  papel	
  intermedio	
  entre	
  el	
  artesonado	
  y	
  la	
  industrialización.	
  Por	
  un	
  lado,	
  operaban	
  
con	
   un	
   bajo	
   nivel	
   de	
   mecanización	
   y	
   por	
   otro	
   tenían	
   organizado	
   el	
   trabajo	
   por	
   sectores	
   especializados	
   y	
  
proporcionaban	
  empleo	
  a	
  un	
  elevado	
  número	
  de	
  operarios.	
  	
  
Las	
   manufacturas	
   reales	
   europeas	
   abarcaban	
   la	
   producción	
   de	
   artes	
   suntuarias	
   muy	
   diversas.	
   En	
   el	
   caso	
   de	
  
España	
  destacan	
  la	
  Real	
  Fábrica	
  de	
  Tapices	
  de	
  Santa	
  Bárbara	
  (textiles),	
  Porcelana	
  del	
  Buen	
  Retiro	
  (cerámica),	
  
Real	
  Fábrica	
  de	
  Platería	
  Martínez	
  (plata),	
  	
  Real	
  Fábrica	
  de	
  La	
  Granja	
  de	
  San	
  Ildefonso	
  (vidrio),	
  etc.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  
Felipe	
  V,	
  el	
  primer	
  rey	
  Borbón	
  en	
  el	
  trono	
  de	
  España	
  y	
  promotor	
  de	
  las	
  Manufacturas	
  Reales	
  en	
  nuestro	
  país;	
  El	
  alquimista	
  J.	
  F.	
  Böttger	
  fue	
  
el	
  primer	
  europeo	
  en	
  conseguir	
  la	
  elaboración	
  en	
  1709	
  de	
  la	
  porcelana,	
  concretamente	
  en	
  Meissen,	
  Alemania;	
  Porcelana	
  de	
  la	
  manufactura	
  
real	
  de	
  Viena	
  con	
  motivos	
  de	
  inspiración	
  chinesca.	
  
	
  
Por	
  lo	
  que	
  se	
  refiere	
  a	
  la	
  cerámica,	
  el	
  XVIII	
  es	
  el	
  siglo	
  de	
  la	
  porcelana.	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
20
Recordemos	
   que	
   la	
   porcelana	
   fue	
   un	
   invento	
   chino11
	
  cuyo	
   secreto	
   de	
   composición	
   guardaron	
   celosamente	
  
durante	
  siglos	
  a	
  pesar	
  de	
  los	
  infructuosos	
  intentos	
  de	
  los	
  europeos	
  de	
  averiguarlo.	
  Ya	
  desde	
  el	
  siglo	
  XVI,	
  bajo	
  el	
  
mecenazgo	
   de	
   los	
   Medici,	
   se	
   intentó	
   crear	
   la	
   porcelana,	
   consiguiendo	
   en	
   realidad	
   una	
   porcelana	
   artificial	
   o	
  
pseudo	
  porcelana	
  de	
  pasta	
  tierna	
  de	
  calidad	
  muy	
  inferior	
  a	
  la	
  china.	
  	
  
La	
  auténtica	
  porcelana	
  –la	
  china-­‐	
  es	
  la	
  llamada	
   porcelana	
   de	
   pasta	
   dura.	
  Los	
  ingredientes	
  de	
  la	
  porcelana	
  de	
  
pasta	
  dura	
  son	
  el	
  caolín	
  (un	
  tipo	
  de	
  arcilla),	
  el	
  feldespato	
  y	
  el	
  cuarzo	
  que	
  se	
  funden	
  con	
  las	
  altas	
  temperaturas	
  del	
  
horno.	
   El	
   resultado	
   es	
   una	
   pasta	
   blanca,	
   impermeable	
   y	
   resistente.	
   Es	
   el	
   caolín	
   lo	
   que	
   da	
   a	
   la	
   porcelana	
   su	
  
coloración	
  blanca	
  y	
  es	
  lo	
  que	
  mantiene	
  la	
  rigidez	
  y	
  estabilidad	
  en	
  la	
  pasta	
  a	
  alta	
  temperatura.	
  	
  
	
  
	
  	
  	
  	
   	
   	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  
La	
   porcelana	
   europea	
   de	
   buena	
   parte	
   del	
   siglo	
   XVIII	
   ejemplifica	
   a	
   la	
   perfección	
   la	
   estética	
   rococó	
   como	
   en	
   estas	
   piezas	
   de	
   Meissen	
  
(Alemania).	
  	
  
	
  
El	
  descubrimiento	
  de	
  la	
  porcelana	
  de	
  pasta	
  dura	
  en	
  Europa	
  está	
  unido	
  a	
  la	
  figura	
  del	
  alquimista	
  J.	
  F.	
  Böttger12
,	
  
quien	
   al	
   servicio	
   de	
   Augusto	
   II	
   el	
   Fuerte,	
   elector	
   de	
   Sajonia	
   (un	
   cargo	
   político	
   de	
   Alemania),	
   consigue	
   su	
  
elaboración	
  en	
  1709.	
  Ante	
  este	
  maravilloso	
  descubrimiento,	
  Augusto	
  II	
  decide	
  fundar	
  una	
  nueva	
  manufactura	
  en	
  
Alemania	
   llamada	
   Meissen	
   en	
   1710	
   y	
   será	
   Böttger	
   el	
   director	
   y	
   figura	
   esencial	
   de	
   la	
   misma.	
   Durante	
   años	
   el	
  
proceso	
  de	
  fabricación	
  de	
  la	
  porcelana	
  fue	
  mantenido	
  en	
  secreto	
  pero	
  la	
  demanda	
  de	
  la	
  nobleza	
  europea	
  por	
  el	
  
preciado	
   material	
   no	
   tardó	
   en	
   extender	
   el	
   conocimiento	
   del	
   mismo	
   e	
   impulsar	
   el	
   establecimiento	
   de	
   nuevas	
  
fábricas	
   de	
   porcelana.	
   Desde	
   Meissen,	
   la	
   fórmula	
   secreta	
   fue	
   propagada	
   por	
   toda	
   Europa	
   por	
   algunos	
  
trabajadores	
  de	
  la	
  manufactura.	
  Así,	
  hacia	
  1770,	
  existían	
  en	
  Europa	
  alrededor	
  de	
  20	
  centros	
  de	
  fabricación	
  de	
  
porcelana	
  dura,	
  casi	
  en	
  su	
  totalidad	
  protegidas	
  o	
  costeadas	
  por	
  reyes	
  o	
  nobles,	
  	
  pues	
  el	
  carácter	
  de	
  piezas	
  de	
  lujo	
  
de	
   estos	
   objetos	
   y	
   en	
   los	
   casos	
   de	
   elaboración	
   con	
   pasta	
   tierna,	
   el	
   constante	
   peligro	
   de	
   roturas	
   hacía	
  
extraordinariamente	
   difícil	
   el	
   mantenimiento	
   de	
   estos	
   talleres.	
   Sus	
   secciones	
   de	
   laboratorio,	
   al	
   tiempo	
   que	
  
guardaban	
  con	
  leyes	
  severísimas	
  el	
  secreto	
  de	
  composición	
  de	
  la	
  pasta	
  y	
  barnices,	
  trabajaban	
  sin	
  descanso	
  en	
  
mejorar	
  lo	
  ya	
  existente	
  para	
  aventajar	
  a	
  los	
  competidores	
  en	
  atraer	
  clientela	
  que	
  paliase,	
  en	
  lo	
  posible,	
  los	
  graves	
  
desequilibrios	
   económicos.	
   En	
   todos	
   ellos	
   fue	
   común	
   al	
   principio	
   la	
   imitación	
   de	
   las	
   formas	
   y	
   decoración	
  
orientales	
  hasta	
  que	
  ya	
  asentada	
  la	
  producción,	
  fueron	
  derivando	
  hacia	
  caracteres	
  propios	
  de	
  cada	
  país	
  y	
  cada	
  
manufactura.	
  
La	
   porcelana	
   de	
   Meissen	
   vinculada	
   al	
   rococó	
   se	
   especializó	
   en	
   tipologías	
   muy	
   variadas:	
   escenas	
   galantes,	
  
animales,	
   jarrones,	
   candelabros,	
   juegos	
   de	
   café	
   y	
   té,	
   etc.	
   Con	
   el	
   tiempo,	
   como	
   las	
   del	
   resto	
   de	
   Europa,	
   irán	
  
evolucionando	
  hacia	
  un	
  gusto	
  neoclásico.	
  	
  
En	
  Francia,	
  por	
  impulso	
  de	
  Madame	
  Pompadour,	
  se	
  creó	
  la	
  real	
  manufactura	
  	
  de	
  Sèvres.	
  Con	
  Sèvres,	
  Francia	
  se	
  
puso	
  a	
  la	
  cabeza	
  de	
  las	
  manifestaciones	
  europeas	
  de	
  cerámica	
  y	
  porcelana. En	
  Sèvres	
  el	
  control	
  de	
  calidad	
  era	
  
11
	
  Los	
  primeros	
  vestigios	
  de	
  porcelana	
  que	
  se	
  conocen	
  se	
  remontan	
  a	
  la	
  China	
  de	
  hace	
  4000	
  años.	
  Sus	
  orígenes	
  se	
  sitúan	
  en	
  los	
  yacimientos	
  de	
  Kaoling	
  
(yacimientos	
   que	
   han	
   dado	
   nombre	
   a	
   la	
   materia	
   prima	
   básica	
   de	
   la	
   porcelana)	
   situados	
   en	
   la	
   provincia	
   de	
   Kiangsi.	
   Pero	
   la	
   porcelana	
   tal	
   y	
   como	
   la	
  
conocemos	
  hoy	
  alcanzó	
  su	
  máximo	
  esplendor	
  durante	
  la	
  dinastía	
  Sung,	
  dinastía	
  reinante	
  en	
  China	
  durante	
  el	
  siglo	
  XIII	
  d	
  de	
  C.	
  Desde	
  que	
  los	
  viajes	
  de	
  Marco	
  
Polo	
  en	
  el	
  siglo	
  XIII,	
  pusieron	
  en	
  contacto	
  a	
  los	
  europeos	
  con	
  las	
  maravillas	
  del	
  Extremo	
  Oriente,	
  los	
  occidentales	
  se	
  entusiasmaron	
  ante	
  la	
  vista	
  de	
  unos	
  
objetos	
  cerámicos	
  de	
  aspecto	
  más	
  delicado	
  que	
  sus	
  elaboraciones	
  comunes,	
  las	
  piezas	
  de	
  la	
  porcelana	
  Ming,	
  y	
  trataron	
  por	
  todos	
  los	
  medios	
  de	
  encontrar	
  
el	
  secreto	
  de	
  la	
  elaboración	
  china.	
  Venecia	
  y	
  Portugal	
  intentaron	
  descubrir	
  la	
  naturaleza	
  química	
  de	
  tales	
  piezas	
  sin	
  llegar	
  a	
  más	
  resultado	
  positivo	
  que	
  tener	
  
que	
  hacer	
  sus	
  pedidos	
  a	
  China	
  o	
  Japón.	
  Cuando	
  la	
  Compañía	
  de	
  las	
  Indias	
  Orientales	
  desde	
  el	
  siglo	
  XVII	
  inundó	
  a	
  Europa	
  de	
  porcelana,	
  eran	
  ya	
  muchos	
  los	
  
químicos	
  dedicados	
  a	
  la	
  búsqueda	
  de	
  su	
  composición.	
  
12
	
  Sin	
  embargo,	
  esta	
  primera	
  pasta	
  no	
  incluye	
  aún	
  el	
  feldespato	
  y	
  es	
  poco	
  traslúcida,	
  sin	
  que	
  se	
  llegue	
  a	
  la	
  composición	
  realmente	
  porcelánica	
  hasta	
  1725,	
  
después	
  de	
  muerto	
  Böttger.	
  
21
21
más	
  estricto	
  que	
  en	
  cualquier	
  otra	
  manufactura.	
  Las	
  piezas	
  con	
  el	
  más	
  mínimo	
  defecto	
  eran	
  desechadas.	
  Aunque	
  
muchos	
   de	
   estos	
   “rechazos”	
   eran	
   sacados	
   fraudulentamente	
   de	
   la	
   fábrica	
   y	
   decorados	
   en	
   otros	
   talleres,	
   es	
  
improbable	
   que	
   alguno	
   de	
   ellos	
   pueda	
   ser	
   confundido	
   por	
   una	
   pieza	
   original	
   de	
   Sèvres.	
   Para	
   proteger	
   sus	
  
intereses	
  comerciales,	
  el	
  rey	
  Luis	
  XV	
  promulgó	
  unas	
  leyes	
  suntuarias	
  que	
  prohibían	
  la	
  utilización	
  del	
  dorado	
  a	
  
cualquier	
  otra	
  manufactura	
  o	
  taller.	
  Las	
  piezas	
  rococó	
  de	
  Sèvres	
  son	
  muy	
  recargadas	
  y	
  ampulosas.	
  Realizaron	
  
todo	
  tipo	
  de	
  piezas	
  de	
  rico	
  colorido	
  como	
  el	
  Rosa	
  Pompadour	
  o	
  Rosa	
  du	
  Barry	
  (en	
  honor	
  	
  a	
  	
  dos	
  	
  de	
  	
  las	
  	
  amantes	
  	
  
del	
  	
  rey).	
  
Otras	
   manufacturas	
   reales	
   de	
   porcelana	
   europeas	
   son:	
   Viena,	
   Worcester	
   y	
   Chelsea	
   (Inglaterra),	
   Capodimonte	
  
(Italia),	
  Buen	
  Retiro	
  (España),	
  etc.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ejemplos	
  de	
  porcelana	
  de	
  Sèvres	
  (Francia)	
  
	
  
La	
  Real	
  Fábrica	
  de	
  Porcelana	
  del	
  BUEN	
  RETIRO	
  (1760-­‐1808)	
  
	
  
El	
  nacimiento	
  de	
  nuestra	
  porcelana	
  está	
  unido	
  al	
  nombre	
  del	
  rey	
  Carlos	
  III	
  cuando	
  rey	
  de	
  las	
  Dos	
  Sicilias,	
  residía	
  
en	
  Nápoles.	
  Su	
  casamiento	
  en	
  1738	
  con	
  María	
  Amalia	
  de	
  Sajonia,	
  en	
  cuya	
  dote	
  figuraban	
  grandes	
  cantidades	
  de	
  
porcelana	
  de	
  aquella	
  procedencia,	
  despertó	
  en	
  el	
  monarca	
  el	
  deseo	
  de	
  fundar	
  una	
  manufactura	
  para	
  ponerse	
  a	
  la	
  
par	
  de	
  otros	
  reinos	
  europeos.	
  	
  Recordemos	
  que	
  María	
  Amalia	
  era	
  hija	
  de	
  Augusto	
  II	
  de	
  Sajonia,	
  el	
  fundador	
  de	
  la	
  
manufactura	
  de	
  Meissen.	
  A	
  esas	
  alturas	
  de	
  siglo,	
  la	
  porcelana	
  se	
  había	
  convertido	
  en	
  un	
  artículo	
  necesario	
  para	
  el	
  
ornato	
  palaciego	
  de	
  las	
  principales	
  cortes	
  europeas.	
  Y	
  en	
  motivo	
  de	
  orgullo	
  para	
  los	
  monarcas	
  que	
  mantenían	
  a	
  
sus	
  expensas	
  la	
  costosa	
  fabricación	
  de	
  este	
  producto.	
  Y	
  así	
  en	
  1743,	
  comenzaba	
  a	
  funcionar	
  en	
  Nápoles	
  la	
  fábrica	
  
de	
  Capodimonte	
  a	
  instancias	
  de	
  este	
  rey	
  Borbón.	
  Al	
  cabo	
  del	
  tiempo,	
  cuando	
  por	
  fallecimiento	
  de	
  Fernando	
  VI	
  
sin	
  sucesión,	
  Carlos	
  III	
  se	
  convierte	
  en	
  rey	
  de	
  España,	
  se	
  ocupa	
  personalmente	
  del	
  traslado	
  de	
  la	
  fábrica	
  a	
  Madrid,	
  
incluyendo	
  al	
  personal	
  que	
  lo	
  deseara,	
  así	
  como	
  el	
  material	
  y	
  pasta	
  ya	
  preparada,	
  modelos,	
  vaciados	
  y	
  diseños	
  de	
  
todo	
  tipo.	
  Así	
  es	
  como	
  se	
  crea	
  la	
  primera	
  manufactura	
  de	
  porcelana	
  fundada	
  en	
  España,	
  la	
  Real	
  Fábrica	
  del	
  Buen	
  
Retiro.	
  Esta	
  empresa	
  típicamente	
  ilustrada,	
  en	
  la	
  que	
  no	
  se	
  reparó	
  en	
  gastos,	
  estuvo	
  al	
  servicio	
  exclusivo	
  de	
  la	
  
Corona,	
  ya	
  que	
  los	
  intentos	
  que	
  se	
  hicieron	
  para	
  comercializar	
  su	
  producción	
  fracasaron	
  estrepitosamente,	
  tal	
  y	
  
como	
  ocurrió	
  en	
  el	
  caso	
  de	
  otros	
  establecimientos	
  similares.	
  Funcionó	
  siempre	
  con	
  operarios	
  extranjeros,	
  como	
  
también	
  lo	
  fueron	
  sus	
  directores,	
  con	
  la	
  excepción	
  del	
  último,	
  Bartolomé	
  Sureda,	
  al	
  contrario	
  de	
  lo	
  que	
  sucedió	
  
en	
  Alcora,	
  en	
  donde	
  su	
  fundador,	
  el	
  IX	
  Conde	
  de	
  Aranda,	
  estableció	
  que	
  todos	
  los	
  que	
  trabajasen	
  en	
  ella	
  debían	
  
proceder	
  de	
  tierras	
  de	
  su	
  señorío.	
  Pero	
  como	
  la	
  técnica	
  no	
  se	
  improvisa,	
  también	
  tuvo	
  que	
  importar	
  alquimistas	
  y	
  
pintores	
  de	
  Meissen,	
  dispuestos	
  a	
  divulgar	
  los	
  secretos	
  de	
  aquella	
  porcelana	
  y	
  a	
  enseñar	
  a	
  los	
  aprendices	
  de	
  
Alcora	
  su	
  fabricación.	
  Tanto	
  el	
  conde	
  de	
  Aranda	
  como	
  Carlos	
  III,	
  cada	
  uno	
  en	
  su	
  esfera,	
  intentaron	
  adaptarse	
  al	
  
modelo	
  “ilustrado”	
  y	
  combinara	
  sabiamente	
  en	
  sus	
  porcelanas	
  cultura	
  y	
  utilidad.	
  Las	
  piezas	
  que	
  crearon	
  fueron	
  
de	
  gran	
  belleza	
  y	
  calidad	
  excepcional.	
  
Esta	
  manufactura	
  estaba	
  situada	
  en	
  los	
  jardines	
  del	
  madrileño	
  Palacio	
  del	
  Buen	
  Retiro	
  (aproximadamente	
  en	
  la	
  
localización	
  actual	
  de	
  la	
  estatua	
  del	
  Ángel	
  Caído)	
  y	
  comenzó	
  a	
  funcionar	
  a	
  mediados	
  de	
  1760,	
  siendo	
  las	
  piezas	
  
entonces	
   producidas	
   de	
   inspiración	
   napolitana	
   y	
   empleándose	
   en	
   ellas	
   la	
   pasta	
   y	
   los	
   modelos	
   traídos	
   de	
  
Capodimonte.	
  Funcionó	
  hasta	
  la	
  invasión	
  de	
  los	
  franceses	
  en	
  1808.	
  De	
  hecho,	
  los	
  franceses	
  convirtieron	
  la	
  fábrica	
  
en	
  un	
  fortín	
  y	
  finalmente	
  fue	
  destruido	
  en	
  1812	
  en	
  plena	
  guerra	
  de	
  la	
  Independencia.	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
Ana Galván Romarate-Zabala	
  
	
  
Fundamentos del Arte I	
  
	
   	
  
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  Ejemplos	
  de	
  porcelana	
  del	
  Buen	
  Retiro:	
  en	
  una	
  sala	
  chinesca	
  del	
  Palacio	
  Real	
  de	
  	
  Madrid;	
  putti	
  de	
  porcelana,	
  Buen	
  Retiro.	
  
	
  
La	
  Real	
  Fábrica	
  de	
  Vidrio	
  de	
  LA	
  GRANJA	
  DE	
  SAN	
  ILDEFONSO	
  (Segovia)	
  	
  
	
  	
  
El	
   rey	
   Borbón	
   Felipe	
   V,	
   nieto	
   de	
   Luis	
   XIV,	
   decidió	
   construir	
   un	
   palacio,	
   llamado	
   La	
   Granja	
   de	
   San	
   Ildefonso	
  
(Segovia),	
   tomando	
   como	
   referencia	
   Versalles.	
   Andando	
   el	
   tiempo,	
   otro	
   rey	
   Borbón,	
   su	
   hijo,	
   el	
   rey	
   ilustrado	
  
Carlos	
  III	
  instaló	
  en	
  las	
  cercanías	
  de	
  ese	
  palacio	
  la	
  Real	
  Fábrica	
  de	
  Cristales	
  de	
  La	
  Granja,	
  una	
  manufactura	
  real	
  y	
  
prestigiosa	
  industria	
  suntuaria	
  que	
  hoy	
  es	
  sede	
  de	
  la	
  Fundación	
  Centro	
  Nacional	
  del	
  Vidrio.	
  Surgió	
  en	
  los	
  años	
  70	
  
del	
  siglo	
  XVIII.	
  
El	
  que	
  se	
  instalara	
  la	
  Real	
  Fábrica	
  de	
  vidrio	
  en	
  un	
  lugar	
  como	
  La	
  Granja	
  de	
  san	
  Ildefonso	
  obedecía	
  a	
  la	
  cercanía	
  al	
  
Palacio	
  Real	
  y	
  a	
  la	
  abundancia	
  de	
  arena	
  silícea	
  y	
  madera	
  necesaria	
  para	
  los	
  hornos,	
  muy	
  abundante	
  en	
  la	
  zona.	
  
	
  
	
   	
   	
  	
   	
  
Palacio	
   de	
   la	
   Granja	
   de	
   San	
   Ildefonso,	
   Segovia;	
   Lámpara	
   o	
   araña	
   de	
   la	
   manufactura	
   de	
   la	
   Granja;	
   Cristal	
   de	
   la	
   Granja,	
   la	
   imagen	
   de	
   la	
  
derecha	
  es	
  una	
  opalina:	
  vidrio	
  blanco	
  lechoso.	
  Solían	
  estar	
  decoradas	
  con	
  esmaltes	
  polícromos.	
  
	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
   	
   	
  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  Ejemplos	
  de	
  Cristal	
  de	
  la	
  Granja	
  de	
  San	
  Ildefonso	
  (Segovia)	
  y	
  Museo	
  Tecnológico	
  del	
  Vidrio,	
  Real	
  Fábrica	
  de	
  Cristales	
  de	
  la	
  Granja.	
  
	
  
En	
  la	
  fábrica	
  de	
  La	
  Granja	
  se	
  elaboraron	
  	
  todo	
  tipo	
  de	
  piezas	
  de	
  cristal	
  desde	
  ventanales,	
  hasta	
  espejos,	
  piezas	
  de	
  
vajillas	
  como	
  botellas,	
  compoteras,	
  etc.	
  No	
  hay	
  que	
  olvidar	
  que	
  aunque	
  	
  el	
  cristal	
  no	
  era	
  demasiado	
  caro	
  en	
  su	
  
elaboración,	
  la	
  red	
  de	
  transportes	
  hacía	
  que	
  los	
  precios	
  se	
  dispararan,	
  por	
  lo	
  que	
  se	
  hacía	
  necesario	
  dotar	
  de	
  
industrias	
  locales	
  para	
  surtir	
  a	
  la	
  aristocracia	
  de	
  esta	
  demanda.	
  
23
23
Sobre	
   la	
   Real	
   Fábrica	
   de	
   Vidrio	
   de	
   La	
   Granja	
   de	
   San	
   Ildefonso,	
   véase	
  
http://www.realfabricadecristales.es/es/informacion/historia	
  
https://www.youtube.com/watch?v=2qeAROTCsIo	
  
	
  
La	
  JOYERÍA	
  ROCOCÓ	
  
	
  
Este	
  estilo	
  hiperdecorativo,	
  de	
  una	
  exuberancia	
  ornamental	
  rayana	
  en	
  el	
  horror	
  vacui,	
  triunfará	
  en	
  el	
  arte	
  de	
  la	
  
joyería	
  y	
  se	
  caracterizará	
  por:	
  
	
  
*el	
  gusto	
  por	
  las	
  formas	
  asimétricas.	
  
*la	
  pasión	
  por	
  las	
  líneas	
  sinuosas,	
  lazos	
  y	
  follajes.	
  
*la	
  omnipresencia	
  de	
  los	
  motivos	
  florales	
  y	
  los	
  bouquets:	
  ramilletes	
  de	
  flores.	
  
*la	
  presencia	
  frecuente	
  de	
  motivos	
  animalísticos	
  como	
  mariposas	
  y	
  pájaros.	
  
	
  
Las	
  joyas	
  Rococó	
  van	
  a	
  estar	
  en	
  función	
  de	
  la	
  indumentaria.	
  Se	
  pretende	
  que	
  se	
  fundan	
  con	
  ellas	
  y	
  que	
  brillen	
  en	
  
los	
  interiores	
  iluminados	
  a	
  la	
  luz	
  de	
  las	
  velas,	
  reflejados	
  en	
  los	
  numerosos	
  espejos	
  que	
  inundan	
  las	
  estancias.	
  	
  
A	
  partir	
  de	
  esta	
  época,	
  se	
  distingue	
  claramente	
  una	
  joyería	
  de	
   día	
  –más	
  sobria	
  y	
  sencilla-­‐	
  de	
  una	
  de	
  noche	
  o	
  
destinada	
  a	
  ceremonias	
  especiales,	
  de	
  mayor	
  empaque,	
  mucho	
  más	
  suntuosa.	
  	
  
Recordemos	
   además,	
   que	
   las	
   artes	
   plásticas	
   –pintura,	
   escultura-­‐	
   son	
   una	
   fuente	
   documental	
   esencial	
   para	
  
conocer	
  las	
  joyas	
  del	
  siglo	
  XVIII.	
  
Merece	
   la	
   pena	
   destacarse	
   que	
   entre	
   los	
   materiales	
   utilizados	
   encontramos	
   el	
   empleo	
   del	
   oro,	
   la	
   plata,	
  
esmeraldas,	
  lapislázuli,	
  etc.	
  y	
  de	
  gemas	
  como	
  los	
  diamantes	
  (gracias	
  a	
  los	
  yacimientos	
  que	
  se	
  descubrieron	
  en	
  
Brasil)	
  y	
  se	
  desarrollará	
  un	
  tipo	
  de	
  talla	
  de	
  llamante	
  llamada	
  brillante	
  que	
  tendrá	
  una	
  gran	
  difusión.	
  
Por	
  otro	
  lado,	
  no	
  debemos	
  olvidar	
  que	
  en	
  esta	
  etapa	
  se	
  crearon	
  imitaciones	
  de	
  gran	
  calidad	
  de	
  todo	
  tipo	
  de	
  joyas.	
  
	
  
Encontramos	
  una	
  gran	
  variedad	
  de	
  tipologías	
  (muchas	
  de	
  ellas	
  se	
  las	
  conoce	
  con	
  su	
  nombre	
  en	
  francés):	
  	
  
	
   *Broches.	
  
	
   *Pendientes	
  a	
  juego	
  de	
  collares	
  y	
  otros	
  accesorios	
  llamados	
  Aderezo	
  o	
  Parure.	
  
	
   *Joyas	
  para	
  el	
  pelo	
  o	
  los	
  tocados	
  denominados	
  Aigrettes.	
  
	
   *Pendientes	
  en	
  girandole:	
  Estos	
  pendientes	
  consistían	
  en	
  tres	
  piezas	
  o	
  gotas,	
  la	
  central	
  más	
  baja,	
  unidas	
  	
  	
  	
  
	
   mediante	
  un	
  nudo	
  o	
  lazo.	
  Podían	
  estar	
  realizados	
  con	
  diamantes,	
  perlas...	
  
	
   *Relojes.	
  
	
   *Cajitas	
  de	
  rapé	
  (para	
  guardar	
  el	
  tabaco).	
  
	
   *Pulseras	
  y	
  brazaletes.	
  
	
   *Estuches	
  pequeñitos	
  para	
  guardar	
  peines,	
  etc.	
  denominados	
  Étuits.	
  
	
   *joyas	
  con	
  mensajes,	
  etc.	
  
	
   *	
  Los	
  châtelains	
  son	
  una	
  de	
  las	
  tipologías	
  de	
  joyas	
  más	
  características	
  del	
  siglo	
  XVIII.	
  Eran	
  colgantes	
  que	
  
se	
  llevaban	
  en	
  la	
  cintura	
  y	
  de	
  ellos	
  pendían	
  todo	
  tipo	
  de	
  objetos	
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APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 12. ARTE DEL SIGLO XVIII (I): ROCOCÓ

  • 1.                                                 FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  I. TEMA  12.  ARTE  DEL  SIGLO  XVIII  (I):  EL  ROCOCÓ
  • 2. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       2 TEMA  12.  ARTE  DEL  SIGLO  XVIII  (I):  EL  ROCOCÓ     1.Introducción   al   arte   rococó.   Contexto   histórico-­‐cultural.   2.   La   arquitectura   rococó   3.   La   pintura   rococó.   4   La   imaginería   española:  Salzillo.  5.  La  música  rococó.  Mozart.  6.  Mobiliario,  indumentaria  y  artes  decorativas  rococó.     1.INTRODUCCIÓN  AL  ARTE  ROCOCÓ.  CONTEXTO  HISTÓRICO-­‐CULTURAL                               El  siglo  XVIII  fue  una  etapa  trascendental  de  la  historia.  Por  su  carácter  de  frontera  entre  dos  épocas,  la  moderna   y  la  contemporánea,  fue  un  período  confuso,  polémico  y  apasionante.  Pensemos  que  por  ejemplo,  en  Francia  se   inicia  con  Luis  XIV  y  se  termina  con  la  Revolución  Francesa  (1789).   Fue  un  siglo  de  expansión  en  todos  los  niveles:  demográfica,  económica  (inicios  de  la  revolución  industrial  en   Inglaterra),  cultural  (desarrollo  de  las  ciencias,  el  arte,  la  literatura).   La  máxima  potencia  europea  en  esta  etapa  es  Inglaterra,  gracias  a  su  agresiva  expansión  comercial  e  industrial1  y   a  su  imperio  colonial,  uno  de  los  mayores  de  toda  la  historia.  Además  los  ingleses  consiguieron  evitar  un  proceso   revolucionario  como  el  francés,  desarrollando  un  sistema  político  liberal  y  estable.  Por  otro  lado,  se  desarrolla  la   Guerra   de   la   Independencia   de   Estados   Unidos:   las   colonias   norteamericanas   que   se   independizaron   de  Gran   Bretaña  edificaron  el  primer  sistema  político  liberal  y  democrático,  alumbrando  una  nueva  nación,  los  Estados   Unidos  de  América.   El  siglo  XVIII  es  llamado  el  Siglo  de  las  Luces.  denomina  así  a  este  periodo  porque  es  una  etapa  donde  impera  el   Racionalismo,   es   decir,   todo   debe   ser   “iluminado”   o   sometido   al   dominio   de   la   razón,   dejando   de   lado   supersticiones,  oscurantismos  y  aspectos  irracionales.  Es  la  época  de  la  Ilustración.     La  Ilustración  es  un  fenómeno  cultural  europeo,  observable  en  todos  los  países  del  continente  desde  Portugal  a   Rusia.   Fue   un   movimiento   intelectual   que   valiéndose   de   un   utillaje   ideológico   renovado   (razón,   naturaleza,   progreso,   felicidad),   trataba   de   conseguir   la   modernización   de   la   cultura   y   la   reforma   de   la   sociedad.   Para   el   filósofo  Kant,  la  Ilustración  supuso  “el  fin  de  la  minoría  de  edad  del  hombre”.     En   aquellos   tiempos,   dominaban   por   toda   Europa   monarquías   absolutas   basadas   en   el   ideal   político   del   Despotismo  ilustrado  con  su  célebre  lema  “todo  para  el  pueblo  pero  sin  el  pueblo”.  Pretendían  realizar  reformas   en  la  sociedad,  que  se  tradujeran  en  mejoras  económicas,  sanitarias,  sociales  y  sobre  todo  educativas  y  culturales.   Los  déspotas  ilustrados  querían  que  estas  reformas  fueran  llevadas  a  cabo  desde  “arriba”,  desde  los  sectores   privilegiados  y  cultos  de  la  sociedad.     Un  ejemplo  de  este  intento  de  sistematizar  los  conocimientos  es  la  publicación  de  La  Enciclopedia  (1751-­‐1765),  de   D'Alembert  y  Diderot2 ,  obra  clave  de  la  Ilustración.  Ilustración  y  enciclopedismo  sustituyen  a  Dios  del  centro  del   universo  y  ponen  en  él  al  hombre,  potenciando  el  progreso  industrial  y  científico  y  todo  aquello  que  pudiera   1  En  Gran  Bretaña  surgió  la  Revolución  Industrial  en  el  siglo  XVIII.   2  Intervinieron  más  de  cien  colaboradores  en  esta  obra  que  consta  de  28  volúmenes.  
  • 3. 3 3 contribuir  a  la  mejora  de  sus  condiciones  de  vida.  Otros  grandes  filósofos  de  esta  época,  ligados  a  la  Enciclopedia   fueron  Montesquieu,  Voltaire  y  Rousseau.  El  fruto  maduro  de  la  Ilustración  fue  la  Revolución  francesa  de  1789.                                                                       En  otro  orden  de  cosas,  en  el  siglo  XVIII  se  ponen  de  moda  los  Salones  donde  los  aristócratas  y  burgueses  se   reunían  para  discutir  de  literatura,  política,  arte,  filosofía  o  música  y  también  para  bailar  y  divertirse;  son  el  marco     idóneo   para   la   difusión   de   los   artistas.   Algunas   mujeres   relevantes   son   las   organizadoras   animadoras   de   los   Salones,   cosa   que   ejemplifica   su   nuevo   papel   en   la   sociedad,   hasta   el   punto   que   dos   de   estas   damas   darán   nombre  a  la  época  y  al  estilo:  Madame  Pompadour  y  Madame  Du  Barry.3                                                                                                                                                                                                  Retrato  de  Madame  de  Pompadour  por  F.  Boucher;  Retrato  de  Madame  du  Barry  por  Lebrun.   En  España  el  siglo  XVIII  coincide  con  la  llegada  de  una  nueva  dinastía  tras  la  guerra  de  Sucesión:  los  Borbones.  El   primer  Borbón  en  acceder  a  la  Corona  española  fue  Felipe  V,  nieto  del  rey  francés  Luis  XIV.       Desde  el  punto  de  vista  artístico,  los  estilos  que  encontramos  en  el  siglo  XVIII  son:     1.  Tardobarroco  o  barroco  tardío.  Es  la  etapa  final  del  siglo  XVIII  y  se  desarrolla  en  los  inicios  de  ese  siglo4 .   2.  Rococó:  es  una  corriente  estética  de  origen  francés,  que  se  desarrolla  durante  la  primera  mitad  del  siglo  XVIII.   3.  El  Neoclasicismo:  supone  una  reacción  al  estilo  rococó.  Se  desarrolla  en  los  siglos  XVIII  y  también  XIX.  Es  un   decidido  retorno  al  ideal  de  belleza  clásica,  utilizando  un  lenguaje  frío,  severo  y  solemne,  donde  lo  helénico  se   convierte  en  norma  académica.     En  el  siglo  XVIII  se  pone  de  manifiesto  la  llamada  “ruptura  del  paradigma  clásico”,  es  decir,  que  el  modelo  clásico   –basado  en  el  ideal  de  belleza  grecorromano-­‐,  vigente  durante  siglos,  entra  en  crisis  y  se  buscan  nuevas  fuentes   3  Las  contradicciones  de  esta  época  están  muy  bien  reflejadas  en  la  novela  de  Pierre-­‐Ambroise  Choderlos  de  Lacios  (1741-­‐1803)  las  amistades  peligrosas.     4  Un  ejemplo  de  edificio  tardobarroco  es  la  Iglesia  de  San  Carlos  Borromeo  de  Viena  (1715)  de  Fischer  Von  Erlach.  
  • 4. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       4 de  inspiración  ajeno  a  modelos  clásicos  como  el  arte  egipcio,  el  oriental  –chino,  japonés-­‐,  etc.  Así  se  sentarán  las   bases  del  arte  contemporáneo.     El  primer  estilo  artístico  propiamente  dieciochesco  es  el  arte  Rococó.  Ha  sido  denominado  también  como  estilo   “rocalla”  (que  deriva  del  francés  rocaille,  piedra  y  coquille,  concha)  ya  que  este  elemento  decorativo  es  el  más   característico  de  esta  tendencia5 .                                                     Podemos  definir  el  complejo  concepto  de  rocalla  como  la  mezcla  de  conchas  marinas  irregulares  y  asimétricas.   Recordemos  que  las  rocallas  como  motivo  decorativos  aparecían  ya  en  grutas  y  jardines  desde  el  manierismo.         El  término  rococó  surgió  con  carácter  despectivo,  siendo  una  corriente  cultural  extremadamente  compleja  que   ha  suscitado  controvertidos  debates  entre  los  historiadores.  Podemos  definirlo  como  un  estado  de  ánimo,  una   actitud  ante  la  vida,  el  pensamiento,  la  sociedad,  que  se  inicia  a  principios  del  siglo  XVIII.   El  arte  rococó  surgió  en  círculos  aristocráticos  de  Francia  hacia  los  años  1710-­‐15    y  teóricamente  estuvo  vigente   hasta  mediados  del  siglo  XVIII.  En  la  práctica  el  rococó  no  puede  considerarse  totalmente  finiquitado  hasta  el   periodo  1775-­‐80  aproximadamente,  pues  sus  representantes  ofrecen  mucha  resistencia  a  las  nuevas  ideas.  De   Francia  se  extendió  a  toda  Europa  (Alemania,  Austria,etc.)   Sobre   este   apartado   véase:   http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2012/10/actividad-­‐introductoria-­‐al-­‐siglo-­‐ xviii.html     2.  LA  ARQUITECTURA  ROCOCÓ       El  estilo  rococó  busca  el  arte  total  o  Gesamtkunstwerk, especialmente  en  la  arquitectura  y  las  artes  decorativas.   Tiende  así  a  la  fusión  entre  todas  las  artes  dentro  de  una  estética  exquisita  que  concede  una  enorme  importancia   a  la  exuberancia  decorativa  (rocallas,  motivos  vegetales,  etc.)  Los  interiores  suntuosos  se  valoran  más  que  los   exteriores.  Utilizan  estucos  dorados  que  crean  atmósferas  esplendorosas  dentro  de  una  rica  policromía.   En   el   rococó   predominan   las   formas   fantasiosas,   dinámicas   y   curvilíneas   trabajadas   en   entrelazos   infinitos.   Sienten   predilección   por   lo   exótico   y   oriental.   Esa   atracción   por   Oriente   se   plasma   en   motivos   decorativos   chinescos   –denominadas   chinoiseries   o   chinerías-­‐   que   estuvieron   en   boga   en   los   interiores   palaciegos   y   en   la   porcelana  de  la  época.   El  palacio  de  Versalles,  aunque  se  inicia  en  el  Barroco  –es  el  retrato  en  piedra  de  Luis  XIV6 -­‐  presenta  añadidos   arquitectónicos  y  decorativos  rococó  e  incluso  neoclásicos,  ligados  a  la  Reina  María  Antonieta  y  al  rey  Luis  XVI,   que  finalmente  acabarían  guillotinados  durante  la  Revolución  Francesa  (fines  del  siglo  XVIII).   5  Los  franceses  prefieren  utilizar  el  término  “rocalla”  antes  que  “rococó”.   6  El  origen  de  este  palacio  es  un  primitivo  pabellón  de  caza  de  Luis  XIII  que  el  Rey  Sol  amplió  hasta  convertirlo  en  un  ejemplo  emblemático  de  la  poderosa   Francia  del  siglo  XVII.  
  • 5. 5 5 Los  motivos  decorativos  rococó  se  extendieron  por  toda  Europa  gracias  a  los  grabados,  que  proporcionaban  los  modelos  y  a  la  labor   desempeñada   por   arquitectos   que   alcanzaron   una   gran   difusión   como   François   Cuvilliés   (1695-­‐1768).   La   decoración   rococó   la   encontramos  sobre  todo  en  palacios  aristocráticos  y  en  iglesias.  En  este  estilo  abunda  la  utilización  de  los  espejos,  los  tonos  pastel  y  los   motivos  decorativos  dorados.  Ejemplos  destacados:  los  salones  del  hôtel  Soubise  de  Paris  ;  el  palacio  Nymphenburg  de  Munich  (de  F.   Cuvilliés);  el  palacio  Stupinigi  de  Turín  o  la  Sacristía  de  la  Cartuja  de  Granada.                                                           Un  perfecto  ejemplo  del  arte  rococó:  el  Hôtel  Soubise  (Palacio  Soubise)  de  Paris.  La  decoración  de  interiores  fue  realizada  por  Germain   Boffrand  a  mediados  del  siglo  XVIII  y  pasa  por  ser  el  primer  ejemplo  de  arquitectura  rococó.   3.  LA  PINTURA  ROCOCÓ     La  pintura   rococó  es  predominantemente  decorativa,  frívola,  alegre  y  de  carácter  profano7 .  Es  deudora  de  la   pintura  renacentista  (especialmente  la  veneciana)  y  la  barroca  (Rubens).  Poco  tiene  de  la  espiritualidad  barroca  y   no  es  una  simple  derivación  de  ese  estilo.   Los   géneros   pictóricos   que   privilegia   el   arte   rococó   son   desnudos,   retratos   y   escenas   galantes   (coqueteo   amoroso)  de  tono  amable,  en  ocasiones  ambientadas  en  jardines  frondosos  o  lujuriosos  paisajes.     Los  personajes  aunque  estén  insertos  en  la  naturaleza,  portan  indumentos  lujosos,  como  si  de  un  espectáculo   teatral  o  baile  pastoril  se  tratase.  Asimismo,  abundan  las  escenas  inspiradas  en  la  Comedia  del  Arte  italiana,  la   música   y   la   danza,   que   tienen   su   correlato   en   las   figuritas   de   porcelana   de   la   época   (Meissen   o   Sèvres   por   ejemplo).  En  la  pintura  rococó  la  mujer  adquiere  un  gran  protagonismo  como  sujeto  pictórico.  Las  pinceladas   suelen  ser  pastosas,  sueltas  y  matéricas.   La  pintura  rococó  refleja  el  hedonismo,  la  alegría  de  vivir,  el  elegante  y  refinado  dolce  far  niente  de  aristócratas   ociosos  y  burgueses  enriquecidos.   En   los   retratos   son   habituales   los   personajes   disfrazados   (con   motivos   orientales,   mitológicos,   etc.).   Son   frecuentes  también  las  escenas  familiares,  en  las  que  se  hace  especial  hincapié  en  la  ternura  de  los  niños.   Los   marcos   de   los   cuadros   adoptan   recargadas   ornamentaciones   en   ocasiones,   con   formas   elípticas   o   de   medallón.     El  origen  de  la  pintura  rococó  se  encuentra  en  Francia,  pero  se  difundió  por  todas  las  cortes  europeas.     Los  pintores  franceses  por  antonomasia  del  arte  rococó  fueron  BOUCHER,  FRAGONARD  y  WATTEAU.  En  ellos   encontramos  las  características  del  rococó  anteriormente  reseñadas.     WATTEAU  se  inspiró  en  los  espectáculos  teatrales  y  se  especializó  en  escenas  galantes  y  costumbristas.  Conoció   la   pintura   renacentista   veneciana   que   le   influyó   notablemente.   Sus   cuadros   están   ambientados   en   jardines   aristocráticos,  con  elegantes  personajes  que  muestran  el  ambiente  social  del  rococó.  La  obra  cumbre  de  Jean-­‐   7  Las  pinturas  de  temática  religiosa  renuncian  al  tenebrismo,  apostando  por  colores  más  suaves  y  personajes  idealizados.    
  • 6. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       6 François   WATTEAU   es   Embarque   hacia   Citerea,   la   isla   donde   según   la   mitología,   nació   Afrodita   y   lugar   de   peregrinación  a  su  culto.               François  BOUCHER  fue  el  máximo  exponente  del  decorativismo  rococó  francés.  Entre  sus  principales  comitentes   descuella  la  favorita  del  rey  Luis  XV,  Madame  de  Pompadour,  a  la  que  retrató  en  numerosas  ocasiones.    Vivió  en   Italia  donde  le  fascinaron  las  pinturas  decorativas  del  rococó  Tiépolo.  Sus  mejores  obras  son  retratos  y  pinturas   de  inspiración  mitológica.   Jean-­‐Honoré  FRAGONARD  también  se  formó  en  Italia.  Su  pintura  aúna  la  sensualidad  y  la  elegancia  de  escenas   galantes  -­‐El  columpio  o  El  beso  robado-­‐  llenas  de  alegría  de  vivir.  Asimismo  se  interesó  por  escenas  bucólicas  y   pastoriles.  El  advenimiento  de  la  Revolución  Francesa  terminó  con  sus  mecenas  de  la  nobleza,  siendo  su  estilo   desplazado  por  el  neoclásico  David,  por  lo  que  Fragonard  terminó  sus  días  en  la  pobreza  y  en  el  mayor  de  los   olvidos.                                                                                                                              Tres  ejemplos  de  pintura  rococó  realizadas  por  Fragonard:  El  beso  robado;  Joven  leyendo,  El  cerrojo.                                                                                                                                                                        La  toilette  de  Boucher;  El  embarque  para  Citerea  de  Jean-­‐François  Watteau.                                                                
  • 7. 7 7 En  España  la  pintura  rococó  tiene  en  Luis  PARET   y  en   Salvador   MAELLA   con  sus  pinturas  preciosistas,  a  dos   emblemáticos  representantes.  También  Francisco  de  GOYA  muestra  el  influjo  de  estilo,  por  ejemplo  en  algunos   cartones   realizados   para   la   Real   Fábrica   de   Tapices,   con   obras   costumbristas   de   gusto   aristocrático   como   La   gallinita  ciega  o  El  quitasol.                                                                                                El  mundo  de  majos  y  majas  protagoniza  buena  parte  de  la  obra  del  genial  Goya:  La  Maja  Vestida;  La  Pradera  de  San  Isidro.                                                                             En   Gran   Bretaña,   el   siglo   XVIII   y   el   primer   tercio   del   siglo   XIX   están   considerados   como   la   época   de   máximo   esplendor   de   la   pintura   inglesa.   Abundan   los   retratos   en   bellos   paisajes   como   apreciamos   en   los   cuadros   de   Gainsborough  o  de  sir  Joshua  Reynolds.  Las  escenas  de  costumbres  son  muy  característicos  de  este  período,   muchas  veces  con  una  carácter  moralizante,  como    por    ejemplo  en  la  serie  Matrimonio  a  la  moda  de  Hogarth.                                                                                                                                                                                                                                                                    
  • 8. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       8   La  obra  de  MARIE-­‐LOUISE-­‐ÉLISABETH  VIGÉE-­‐LEBRUN  (1755-­‐1842)     La  artista  italiana  Rosalba  CARRIERA  y  en  especial,  la  francesa  Mª-­‐Louise  VIGÉE-­‐  LEBRUN  descuellan  dentro  del   panorama  pictórico  europeo  del  siglo  XVIII.                                                 Procedente  de  una  familia  vinculada  al  arte  –su  padre  fue  pintor  y  su  primer  maestro-­‐,  VIGÉE-­‐LEBRUN  fue  una   afamada   retratista,   testigo   privilegiado   de   las   transformaciones   de   finales   del   siglo   XVIII,   de   la   Revolución   Francesa  a  la  Restauración.  Tuvo  una  fulgurante  carrera.     Aprendió  copiando  la  obra  de  los  grandes  maestros  como  Rembrandt  o  Rubens.  Su  pintura  evolucionó  desde  el   hedonista  Rococó  hacia  el  depurado  Neoclasicismo8  como  podemos  comprobar  a  través  de  la  indumentaria  que   aparece  en  sus  cuadros.     A   lo   largo   de   su   intensa   vida   –murió   con   86   años-­‐   contó   con   numerosos   comitentes   de   la   realeza   europea   (francesa,  napolitana,  austriaca,  rusa)  y  de  la  aristocracia,  retratando  a  lo  más  granado  de  las  élites  culturales  y   políticas  de  la  época  (Lord  Byron,  Hubert  Robert,  Caroline  Murat,  etc.).       En  su  mansión  parisina,  en  su  Salón,  recibía  una  vez  por  semana  a  la  alta  sociedad  sin  reparar  en  gastos.       En   su   extensa   producción   pictórica   -­‐900   cuadros-­‐   predominan   abrumadoramente   los   retratos   al   natural,   de   carácter   rococó   (colorido   suave,   tono   amable,   idealizado   y   elegante,   detallismo   en   las   texturas,   captación   psicológica).  Entre  sus  retratos  femeninos  destacan  los  que  realizó  de  su  mecenas  la  reina  María  Antonieta  –una   veintena-­‐,    la  princesa  de  Lamballe,  la  condesa  de  Polignac,  etc.  En  1788  pintó  una  de  sus  obras   maestras:   el   retrato  del  pintor  Hubert  Robert.  Pintaba  sobre  todo  al  óleo,  y  en  algún  caso  al  pastel.     Escribió   un   breve   ensayo   “Conseils   pour   la   peinture   du   portrait”9  y   su   autobiografía   a   la   que   denominó   “Souvenirs”.   Huyó  despavorida  de  Francia  cuando  estalló  la  Revolución  Francesa  disfrazada  de  obrera,  perdiendo  buena  parte   de  sus  posesiones,  refugiándose  en  Roma.  En  Italia  realizó  el  Grand  Tour.  Vivió  entre  Roma,  Florencia,  Venecia...   Diversas  cortes  europeas  solicitaron  sus  trabajos  como  reputada  retratista,  por  ello  se  estableció  con  gran  éxito   en  San  Petersburgo  (1795)  y  a  inicios  del  siglo  XIX  a  caballo  entre  Londres,  París,  Ginebra  etc.  Murió  ciega  en  París.   Su  fortuna  crítica  ha  sido  oscilante.  En  vida  gozó  de  gran  fama  pero  su  conexión  con  los  reyes  Luis  XVI  y  María   Antonieta  a  la  larga  la  perjudicaron  y  cayó  en  el  olvido  hasta  que  empezó  a  ser  reivindicada  y  valorada  con  justeza   en  el  siglo  XXI.  La  primera  gran  retrospectiva  de  su  obra  tuvo  lugar  en  París  en  el  año  2015.     4  LA  IMAGINERÍA  ESPAÑOLA:  SALZILLO     Entre  los  escultores  españoles  del  siglo  XVIII,  el  más  extraordinario  fue  sin  duda  Francisco  SALZILLO  (1707-­‐1783).   Nació   en   Murcia   de   padre   italiano.   La   temática   de   sus   esculturas   es   predominantemente   religiosa:   pasos   8  En  mucha  menor  medida.   9  “Consejos  para  pintar  retratos”.  Se  lo  dedicó  a  su  sobrina.  
  • 9. 9 9 procesionales  –como  la  espléndida  Oración  de  Jesús  en  el  Huerto-­‐;  esculturas  de  la  Virgen  María  y  santos;  un  Belén   de  tradición  napolitana  que  está  considerado  como  uno  de  los  mejores  del  mundo.   Era  esencialmente  imaginero,  es  decir,  se  especializó  en  la  realización  de  la  talla  en  madera  que  policromaba.   Recoge  lo  mejor  de  la  herencia  barroca  escultórica  y  su  producción  plástica  oscila  entre  el  tardobarroco,  rococó  e   incluso  anticipa  el  neoclasicismo.                                   Salzillo  se  especializó  en  escultura  religiosa:  el  Ángel  de  la  Oración  en  el  Huerto;  angelitos;  detalle  del  Belén;  Dolorosa;  Detalles  de  Pasos   Procesionales  (el  Prendimiento);  músicos  del  Belén.     El  estilo  personal  de  Salzillo  creó  escuela  en  su  tierra  natal,  la  llamada  Escuela  Murciana  de  Imaginería.  En  Murcia   se  conserva,  además,  un  extraordinario  museo  con  lo  esencial  de  su  producción.        
  • 10. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       10 5.  LA  MÚSICA  ROCOCÓ.  MOZART10     La  música  del  periodo  Rococó  se  inserta  plenamente  en  el  periodo  que  se  conoce  como  Clasicismo.  Se  trata  de   un  periodo  en  el  que  hay  una  dicotomía,  ya  que  mientras  algunos  músicos  seguirán  desarrollando  las  formas  y   tendencias   del   Barroco,   aparecerá   ahora   una   nueva     generación   que   intentará   poner   orden   en   la   explosión   creativa   del   periodo   anterior   y   que   tomará   forma   en   las   Academias,   que   se   encargarán   de   codificar   la   nueva   visión   de   la   música   haciéndola   más   racional.   Por   ejemplo,   las   composiciones   tenderán   a   usar   frases   con   un   número  par  de  compases  y  divididas  en  dos  periodos  iguales,  dotando  a  las  piezas  de  elegancia  y  regularidad.   Se  seguirán  perfeccionando  los  instrumentos  del  periodo  anterior,  y  aunque  la  flauta,  el  violín  y  el  clavecín  serán   los  instrumentos  preferidos,  pronto  se  desarrollarán  el  clarinete  y  el  piano  (inventado  a  principios  del  siglo  XVIII)   y  se  perfeccionarán  otros  ya  existentes  como    el  oboe  y  el  fagot.                     Es  difícil  definir  un  estilo  musical  propio  del  Rococó,  ya  que  en  este  periodo  asistimos   a  una  dicotomía  entre  lo  frívolo,  galante  y  aristocrático  y  lo  reglado,  serio  e  ilustrado   que  desembocará  en  el  Neoclasicismo.    Sin  embargo,  muchos  músicos  participaron   de  ambos  espíritus. El  genero  típico  del  Rococó  es  la  sonata,  pieza  que    originalmente  surgió  huyendo  de   corsés  y  que  se  estructuraba  de  manera  totalmente  libre,  explotando  el  virtuosismo   y  la  fantasía,  en  consonancia  con  el  espíritu  galante  de  la  aristocracia.  Con  el  tiempo,     las  sonatas  se  fueron  estandarizando  y  pasaron    a  tener  tres  o  cuatro  movimientos   con  una  estructura  fija  consistente  en  un  allegro  seguido  por  un  adagio  y  finalizando   por   otro   allegro,   aunque   a   veces   se   inserta   un   tercer   movimiento   en   forma   de   minueto  antes  del  último  allegro.  Además,  cada  uno  de  los  movimientos  tiene  tres   tiempos  bien  diferenciados  que  se  basan  en  dos  temas  interpretados  en  una  tonalidad  distinta  cada  uno.  En  el   primer  tiempo  de  cada  movimiento  se  plantean  estos  dos  temas,  en  el  segundo  se  juega  con  ellos,  creando  en  el   público   tensión   y   sorpresa,   y   en   el   tercero   se   hace   una   especie   de   síntesis   agrupando   ambos   temas,   que   se   interpretan  con  la  tonalidad  principal  y  se  rematan  con  un  colofón  llamado  coda.   Las   sonatas   típicamente   rococó   (o   sea,   las   que   no   se   adaptan   a   este   esquema   general   establecido   en   el   Clasicismo)  se  suelen  llamar  divertimentos  o  serenatas,  piezas  en  las  que  se  huye  de  la  erudición  clasicista  y  de   sus  estrechas  leyes,  poniendo  en  valor  la  imaginación,  la  improvisación  y  la  sutileza.     WOLFGANG  AMADEUS  MOZART     El  autor  más  prolífico  de  la  segunda  mitad  del  siglo  XVIII  es  Wolfgang  Amadeus  Mozart  (1756-­‐1791),  intérprete   virtuoso  y  gran  compositor  que  desarrolló  su  labor  en  Austria.  Su  personalidad  es  tan  interesante  como  su  obra,   porque  al  igual  que  muchas  personalidades  de  su  época,  vivió  entre  dos  mundos,  el  de  la  Ilustración,  basado  en  la   Razón,  y  el  de  la  aristocracia,  basado  en  la  frivolidad  galante  e  insulsa.   Mozart  fue  un  niño  prodigio  que  ya  a  los  seis  años  dominaba  el  clavicordio  y  recorrió  las  cortes  de  toda  Europa   dando  conciertos  y  conociendo  a  la  élite  política  y  cultural.  Músico   autodidacta,  su  obra  es  una  síntesis  de  la   alegría  de  vivir  típica  de  la  nobleza  rococó  y    de  las  ideas  ilustradas  que  anunciaban  una  nueva  era.  También   refleja  su  ideología  masónica  como  se  puede  apreciar  en  su  ópera  la  flauta  mágica.   Su  amplia  producción  abarca  casi  todos  los  campos:   -­‐Sinfonías:  escribió  cerca  de  50,  aunque  se  admite  su  autoría  sin  ninguna  duda  de  41,  destacando  las  tres  últimas,   sobre  todo  la  41  (llamada  Júpiter).   -­‐Sonatas:  muchas  de  ellas  para  piano  y  violín.   -­‐Serenatas.  Destaca  su  Pequeña  serenata  nocturna.   -­‐Cuartetos  para  diversos  instrumentos  de  cuerda,  acompañados  algunos  de  flauta,  clarinete,  etc.   10  El  apartado  de  la  música  (texto  e  imágenes)  es  un  extracto  del  libro  de  J.V.  Patiño  http://escueladeartetalavera.blogspot.com.es/2015/09/libro-­‐de-­‐texto-­‐ para-­‐fundamentos-­‐del.html    
  • 11. 11 11 Mozart  también  escribió  grandes  obras  del  género  lírico.  Podemos  dividirlas  en  dos  tipos:   -­‐   Óperas  con  libreto  en  italiano,  como  Don  Giovanni  (que  destaca  por  el  sabio  uso  de  grandes  recursos   escenográficos),  Las  bodas  de  Fígaro    (típico  ejemplo  de  ópera  bufa  o  cómica)  o  Così  fan  tutte.   -­‐   Singspiele,  u  óperas  en  alemán.  Destacan  El  rapto  del  Serrallo  y,  sobre  todo,  La  flauta  mágica,  obra  con   un   fuerte   contenido   simbólico   y   difícil   interpretación,   ya   que   se   cree   que   Mozart   introduce   la   simbología   masónica  en  la  una  trama  que  es,  aparentemente,  lúdica.   Mozart  alcanzó  el  culmen  de  su  genio  con  su  Requiem  (KV  626),  su  obra  póstuma  (fue  acabada  por  uno  de  sus   discípulos,  Franz  Xaver  Süssmayr).  Tiene  mucha  influencia  del  Réquiem  de  Haydn  de  1771.   El   Réquiem   es   en   realidad   una   misa   de   difuntos.   La   estructura   de   la   misa   quedó   ya   establecida   desde   el   Renacimiento,  y  es  la  siguiente:  1º  Kyrie.  Del  griego  kyrie  eleison  (señor,  ten  piedad).   2º  Gloria.  Parte  de  exaltación  de  la  gloria  de  Cristo.   3º  Credo.  Es  la  parte  más  extensa  de  la  misa,  y  en  esencia  recoge  el  contenido  del  Credo  de  Nicea  (la  profesión  de   fe  católica).   4º  Sanctus.  Repite  la  letanía  Santo,  santo,  santo  es  el  Señor,  rematando  con  Hosanna  en  el  Cielo.   5º  Benedictus.  Como  en  la  parte  anterior,  bendice  a  quien  viene  en  nombre  del  Señor,  y  se  repite  el  Hosanna.   6º  Agnus  dei.  Del  latín  cordero  de  Dios.   A  veces  se  añaden  otras  partes  para  darle  vistosidad.  Por  ejemplo,  se  inicia  la  misa  con  un  introitus,  que  es  una   pieza  que  acompaña  al  oficiante  al  hacer  su  entrada,  se  añade  una  pieza  para  acompañar  la  consagración  de  las   hostias   (Offertorium),   antes   del   Sanctus,   o   la   comunión   (Communio),   que   en   el   caso   del   Réquiem   de   Mozart   consiste  en  la  pieza  titulada  Lux  Aeterna,  basada  en  la  repetición  de  fragmentos  del  Introitus  y  del  Kyrie,  con  la   que  se  cierra  la  misa.  El  Réquiem  de  Mozart  sustituye  también  las  partes  musicadas  del  Gloria    y  el  Credo  por  un   desarrollo  más  amplio  compuesto  por  seis  partes,  la  última  de  las  cuales,  la  Lacrimosa,  es  una  obra  de  profundo   lirismo.     6.  MOBILIARIO,  INDUMENTARIA  Y  ARTES  DECORATIVAS  ROCOCÓ     El  mobiliario  ROCOCÓ,  ESTILO  LUIS  XV     El  mobiliario  y  la  decoración  de  interiores  rococó  presenta  como  claro  precedente  el  arte  barroco.  Ambos  buscan   el  arte  total  o  Gesamtkunstwerk,  la  confluencia  de  todas  las  artes  en  un  estilo  homogéneo,  que  pretende  epatar   al  espectador.   Cronológicamente,   la   etapa   de   máximo   esplendor   del   mobiliario   y   la   decoración   de   interiores   del   rococó   corresponde  con  los  años  1725-­‐1775.   Es   un   estilo   ligado   a   la   corte   del   monarca   francés   Luis   XV,   que   se   caracteriza   por   refinamiento,   elegancia   y   exuberancia   decorativa,   con   predominio   de   tonos   pastel   –como   en   la   indumentaria-­‐,   y   la   fascinación   por   la   rocalla,   con   sus   curvas   y   contracurvas   extremas,   elemento   definitorio   de   la   decoración   de   interiores   de   esta   tendencia  artística.   Durante   el   siglo   XVIII   el   arquitecto   se   convierte   en   una   figura   cada   vez   más   importante   en   el   diseño   de   los   interiores  de  las  casas  de  los  aristocráticas  y  ricos  burgueses.  En  las  residencias  importantes  se  mantiene  una   clara   separación   entre   las   dependencias   “de   parada”   es   decir   de   representación,   colocadas   siempre   hacia   el   exterior,   y   las   privadas   que   dan   al   interior.   Con   el   paso   del   Barroco   al   Rococó   aumenta   el   número   de   las   antecámaras  que  con  frecuencia  desempeñan  la  función  de  salones  o  comedores.  Las  habitaciones  se  hacen  más   pequeñas   y   se   difunde   el   uso   de   cortinas   en   las   ventanas   y   de   las   alfombras,   mientras   que   la   búsqueda   de   confort  conduce  a  la  creación  de  nuevos  muebles.  Los  cuartos  de  baño  adquieren  cada  vez  más  importancia  y  a   menudo  la  decoración  de  los  mismos  es  tan  lujosa  como  la  de  las  demás  dependencias.     La  decoración  tiende  a  ser  más  intimista  que  en  el  barroco,  con  espacios  de  reducidas  dimensiones  –recordemos   que  Luis  XV  estableció  su  corte  en  el  Palais  Royal  de  París  y  no  en  Versalles-­‐  y  mobiliario  confortable,  apto  para  el   ocio    y  las  tertulias  de  los  Salones  en  los  que  las  mujeres  tenían  un  papel  protagonista  (Madame  de  Pompadour,   Madame  de  Staël,  etc.)    
  • 12. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       12 La   pintura   decorativa   de   bóvedas,   cúpulas   y   paneles   en   las   paredes   se   incardina   perfectamente   en   la   arquitectura.  La  temática  suele  ser  mitológica,  escenas  galantes,  paisajística,  putti,  chinoiseries,  etc.  Las  paredes   se  decoran  con  papel  pintado  o  telas  o  son  pintadas  con  diversos  motivos  decorativos.   Los  espejos,  como  en  el  barroco,  tienen  una  gran  preeminencia  decorativa,  así  como  las  mesas-­‐esculturas  de   diseño  asimétrico,  ondulante  y  recargado  (consolas,  bureau  plat...)   Los  elementos  decorativos  de  origen  oriental  –fundamentalmente  chinescos-­‐  son  denominados  como  chinerías   o  chinoiseries  y  son  muy  representativos  de  la  decoración  de  interiores  dieciochesca.  La  porcelana  china  también   es  omnipresente,  tanto  en  vasos  (jarrones)  dispuestos  en  las  consolas  como  en  placas  cerámicas  decorando  las   paredes.  Los  biombos  chinos  hacen  también  acto  de  presencia  como  podemos  comprobar  en  la  pintura  rococó   de  la  época.                                               Interiores  de  palacios  rococó: Salón  principal  (salón  de  espejos)  en  el  pabellón  de  caza  Amalienburg  (Palacio  Nimphenburg,  Múnich,  1740),   obra  maestra  de  François  Cuvilliés.  El  fondo  es  de  tonos  gris  turquesa;  Sala  de  baile  en  el  Palacio  Charlottenburg  de  Berlín;  Salón  Gasparini   del  Palacio  Real  de  Madrid.                                                                                Salón   de   Porcelana   del   Palacio   Real   de   Aranjuez   con   chinerías   de   la   Manufactura   de   Buen   Retiro,   inspiradas   en   las   pinturas   de   Boucher  para  Luis  XV.       Las  aplicaciones  de  bronce  dorado  así  como  taraceas  e  incrustaciones  incrementan  la  riqueza   decorativa  caracterizada  por  el  horror  vacui.   Asimismo,   el   auge   del   vidrio   propició   la   aparición   de   espectaculares   arañas   o   lámparas   de   grandes  dimensiones.   Por  lo  que  se  refiere  al  mobiliario,  los  muebles  de  asiento  reflejan  una  gran  variedad  de  sillas  y   butacas.   Las   sillas   fueron   perdiendo   importancia   en   detrimento   de   los   cómodos   sillones   (fauteuils)  o  butacas  (bergère).  En  general,  predominan  las  de  patas  curvadas  como  las  de  una   cabra  (en  forma  de  S,  en  cabriole).  La  chaise  longue  se  compone  de  dos  bergère  y  un  cuerpo   intermedio.  Son  muebles  acolchadas  (asiento,  respaldo,  apoyabrazos)  y  confortables.     *Las  consolas  disminuyen  de  tamaño  y  las  cómodas  –muebles  con  cajones-­‐  muestran  formas   abombadas  (bombé).   *   Parte   de   los   muebles   de   asiento   y   las   consolas   se   alineaban   a   lo   largo   de   las   paredes   de   los   salones.   El   mobiliario  más  confortable  se  situaba  en  el  centro  de  las  estancias.  
  • 13. 13 13 *En   las   esquinas   de   los   salones   se   disponían   grandes   candelabros   de   uno   a   dos   metros   de   altura   llamados   torchères.   *Se  concedía  una  gran  importancia  al  tapizado  de  los  asientos,  como  el  célebre  toile  de  Jouy,  desde  entonces  un   clásico  en  la  tapicería.   *Entre   los   ebanistas   rococó   descuellan   los   franceses   Jean-­‐François   Oeben   y   Bernard   van   Riesenburgh.   Este   último  realizó  muebles  para  Madame  de  Pompadour,  algunos  de  ingenioso  diseño,  como  los  de  higiene  íntima.   Fue    el  primero  en  incorporar  a  los  muebles  la  porcelana  de  Sèvres,  que  se  pondrá  de  moda.                                                                                                                         Ejemplos  de  mobiliario  Luis  XV:  una  butaca  bergère;  una  cómoda  bombé  (abombada)  de  Riesenburgh;  un  fauteuil  (sillón)  à  la  reine  con   patas  en  cabriole  (S);  Chaise  longue  con  motivos  chinescos.         El  mobiliario  rococó  es  el  antecedente  remoto  del  Modernista  o  Art  Nouveau  de  finales  del  siglo  XIX  e  inicios  del   XX.                                         Tapizado  toile  de  Jouy,  característico  del  rococó.  En  este  caso  aparece  una  escena  galante;  Canapés  del  Museo  de  Artes  Decorativas  de   París.  Fuente  de  las  imágenes:  Blog  de  Pablo  Pena  http://historiadelmueble.blogspot.com.es   La  moda  ROCOCÓ  (1715-­‐1785),  una  creación  esencialmente  francesa     Luis  XV,  un  rey  “rococó”:  El  enorme  prestigio  que  había  adquirido  la  corte  de  Versalles    hizo  que  se  prolongase  la   influencia  francesa  en  la  cultura  del  siglo  XVIII  en  toda  Europa.  Europa  se  afrancesaba,  culturalmente,  en  todos   los  aspectos,  por  ello  en  las  cortes  europeas  se  impuso  como  idioma  de  la  diplomacia  y  signo  de  distinción  y  buen   gusto   el   hablar   en   francés.   Era   la   época   del   rey   francés   Luis   XV   (1710-­‐1774),   biznieto   y   sucesor   de   Luis   XIV,   coincidente  con  el  arte  rococó.     Reinas  y  favoritas,  iconos  de  estilo:  Madame  de  Pompadour,  favorita  del  rey  Luis  XV  y  figura  dominante  de  la   Francia  de  la  época,  fue  esencial  en  la  difusión  del  estilo  rococó.  Desde  mediados  de  la  centuria,  ella  fue  la  gran   definidora  del  gusto  francés.     La  austriaca  María  Antonieta,  esposa  del  rey  Luis  XVI,  fue  un  símbolo  de  la  moda  francesa  del  siglo  XVIII.  Era  tal   su  pasión  por  los  vestidos  y  las  joyas  que  recibió  el  apodo  de  “Madame  Déficit”  por  los  cuantiosos  gastos  que  
  • 14. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       14 esta  afición  ocasionaba  al  erario  público.    A  través  de  su  indumentaria  podemos  observar  las  diversas  tendencias   en  la  moda  del  siglo  XVIII  que  oscilan  del  rococó  al  neoclasicismo. Entre  sus  diseñadoras  favoritas  descuella  Rose  BERTIN,  la  modista  más  conocida  de  París,  reclamada  por  todas   las   cortes   europeas.   Su   labor   en   pro   de   la   difusión   de   la   moda   francesa   fue   tal,   que   enviaba   periódicamente   maniquíes  a  las  principales  cortes  europeas  para  mostrar  sus  nuevos  modelos  a  la  moda.  Por  aquel  entonces   surgieron  las  primeras  revistas  y  periódicos  con  mensajes  publicitarios  y  noticias  de  las  últimas  tendencias  en  la   moda.                                                                           Rose  Bertin  era  considerada  como  “la  ministra  de  moda”  por  la  propia  la  reina  María  Antonieta.  En  el  centro  uno  de  sus  extravagantes   diseños,  lejos  todavía  de  la  estética  neoclásica.   La  moda  femenina  rococó     Francia,  árbitro  de  la  moda:  La  vestimenta  estrella  del  siglo  XVIII  es  la  femenina,  que  se  beneficia  del  nuevo  papel   que  adquiere  la  mujer,  sobre  todo  en  Francia.  En  cambio,  el  atuendo  masculino  –que  en  épocas  anteriores  había   adquirido  un  gran  protagonismo  e  importancia  en  el  mundo  de  la  moda-­‐  se  vio  relegado  a  un  segundo  plano.     Materiales:  en  cuanto  a  los  materiales,  podemos  destacar  el  predomino  de  las  sedas  en  los  trajes  de  corte  y  las   lanas  para  las  vestimentas  de  uso  cotidiano.  Poco  a  poco,  el  algodón  se  difunde  con  fuerza,  gracias  en  gran  parte   al  papel  de  Gran  Bretaña  que  comercia  con  esta  materia  prima  ya  que  se  abastece  de  ella  en  las  Indias  Orientales.   Y  es  que  no  sólo  Francia,  sino  Gran  Bretaña    también  se  convertirá  en  conformadora  del  gusto  en  la  indumentaria   y  centro  creador  de  tendencias  en  la  moda.  Recordemos,  por  lo  demás,  que  la  revolución  industrial  surgió  en  ése   país  durante  el  siglo  XVIII  y  que  parte  la  industria  textil  será  esencial  en  el  proceso  industrializador  europeo.     Con  el  rococó  la  indumentaria  fue  elevada  a  la  categoría  de  arte.  En  contraposición  con  la  solemnidad  severa  del   vestuario  del  siglo  XVII,  los  vestidos  de  la  mujer  ahora  son  más  ligeros,  sofisticados,  alegres  y  muy  femeninos.       Colores:  la  moda  francesa  que  se  impone  es  muy  colorista  y  alegre.  Los  tonos  que  predominan  en  la  vestimenta   femenina  son  los  pastel,  como  en  la  decoración  de  interiores  rococó.  Las  denominaciones  de  los  colores  eran   muy  fantasiosas:  “humo  de  Londres”,  “llama  del  Vesubio”,  “ratón  huidizo”,  “español  enfermo”…     Fuentes  pictóricas:  los  pintores  de  la  época  –como  Boucher,  Fragonard  o  Watteau-­‐  nos  han  dejado  maravillosos   ejemplos  de  los  atuendos  de  esta  etapa  a  través  de  sus  pinturas.     Prendas  y  tipologías  de  vestidos.  Sintetizando  mucho  podemos  destacar: *El  miriñaque:  El  miriñaque  apareció  en  la  moda  cortesana  francesa  entre  los  años  1715  y  1718.  Consta  de  una   falda  interior  guarnecida  con  aros  metálicos  cosidos  sobre  el  tejido,  siendo  el  interior  especialmente  rígido  para   conseguir   la   necesaria   tirantez   y   anchura   en   el   borde   del   vestido.   Con   diferentes   denominaciones   y   características  a  lo  largo  del  siglo  XVIII,  el  uso  del  miriñaque  –al  principio  dando  forma  semicircular  a  las  caderas   en  el  caso  del  vestido  volante,  más  adelante  con  un  perfil  ovalado-­‐  se  prolongará  hasta  la  época  de  Luis  XVI  y  sólo   desaparecerá   con   el   advenimiento   de   la   Revolución   francesa,   como   símbolo   del   Ancien   Régime.   En   inglés   al   miriñaque  se  le  denomina  como  “pannier”  mientras  que  en  España  se  le  conoce  como  “tontillo”.  Sea  como  fuere,  
  • 15. 15 15 será  un  elemento  esencial  de  la  vestimenta  rococó  femenina.  El  objetivo  del  miriñaque  era  enfatizar  la  cintura   entre  grandes  caderas.     El   miriñaque   es   heredero   del   verdugado   y   el   guardainfante   y   será   antecedente   de   la   crinolina  del  siglo  XIX.   Retrato   de   la   reina   consorte   de   Prusia   Elisabeth   Christine   von   Braunschweig-­‐Bevern   (1715-­‐1797),   Antoine   Pesne,   c.   1739.   Porta   el   característico  miriñaque  del  siglo  XVIII  en  un  vestido  “a  la  francesa”;  ejemplos  de  miriñaques;  La  reina  María  Luisa  con  tontillo  pintada  por   Goya,  1789.       *El  Vestido  Volante  o  Vestido  Watteau:   Una  de  las  prendas  más  características  de  la  vestimenta  rococó  de  la  etapa  del  rey  Luis  XV  fue  el  vestido  con   vuelo  o  volante,  también  llamado  Vestido  Watteau  porque  aparece  con  frecuencia  en  los  cuadros  de  este  pintor.   Son  vestidos  muy  sueltos,  sin  entallar,  con  pliegues  en  la  espalda.                                                                   *Vestido  a  la  Francesa  (Robe  à  la  française)   Andando  el  tiempo,  el  vestido  volante  evolucionaría  hacia  el  denominado  Vestido  a  la  Francesa  circa  1720-­‐50.  Es   el   modelo   de   traje   rococó   por   excelencia.   La   parte   delantera,   muy   ajustada,   presenta   forma   de   triángulo   invertido.  Son  vestidos  muy  escotados  y  aparecen  adornados  con  todo  tipo  de  cintas,  lazos  y  encajes.  Son  trajes   “abiertos”  que  dejan  ver  la  falda  interna,  muy  decorada  con  todo  tipo  de  encajes  y  bordados.  Las  manga,  más  o   menos   ajustadas,   llega   hasta   el   codo.   A   ese   tipo   de   manga   se   la   denomina   “manga   francesa”.   Pueden   estar   rematadas  con  varios  volantes.  Se  denominan  entonces  “mangas  pagoda”.  En  español  al  vestido  a  la  francesa  se   lo  denominaba  “bata”.    
  • 16. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       16                   El  cuello  se  adorna  con  alguna  joya  como  un  collar  de  perlas  o  una  cinta  anudada  por  lo  general  de  la  misma  tela   que  el  vestido.       *Vestido  a  la  Polonesa:  vestido  recogido  en  abultados  pliegues.                   Ejemplos   de   la   moda   rococó:   Madame   de   Pompadour   retratada   con   un   precioso   vestido   a   la   francesa   por   Boucher,   1759,   Wallace   Collection,  Londres;  Madame  Boucher  de  F.  Boucher;  Los  Campos  Elíseos  de  Watteau.     Vestido   a   la   Polonesa;  Vestido   a   la   Francesa:  En  este  retrato  oficial  de  la  Marquesa   de   Pompadour  realizado   por   Quentin   de   Latour,   aparece  en  un  entorno  rococó,  apoyada  sobre  un  cabinet  de  ese  estilo  y  rodeada  de  atributos  culturales  alusivos  a  la  literatura,  la  música,   la  astronomía  o  el  grabado.  Entre  los  libros  podemos  ver  la  Enciclopedia,  obras  de  Montesquieu  y  de  Voltaire.     *Vestido  a  la  Inglesa   Junto  a  esta  fascinación  por  la  moda  francesa  hay  que  destacar  la  atracción  que  hacia  la  moda  inglesa  se  aprecia   a  partir  de  1750.  Es  el  traje  a  la  inglesa  que  tendrá  gran  éxito  gracias  a  su  simplicidad  y  elegancia.  La  vestimenta   inglesa  femenina  se  caracteriza  por  vestidos  que  marcan  mucho  la  cintura,  con  mangas  muy  amplias.  El  corpiño   va  abrochado  por  delante,  con  escote  bajo,  relleno  con  encajes  o  pañuelos.  En  la  vestimenta  femenina  inglesa  se   prescinde   del   miriñaque   y   se   apuesta   por   una   por   una   falda   interna   de   tela   bastante   rígida   y   una   especie   de   cojinete   almohadillado   dispuesto   a   la   altura   de   los   riñones   sobre   el   que   repartir   el   amplio   vuelo   de   la   falda,   acumulado  sobre  todo  en  la  espalda.    
  • 17. 17 17                                                                                   Ejemplos  de  “Vestidos  a  la  Inglesa”:  no  llevan  miriñaque  sino  una  especie  de  almohadilla  rellena;  Los  motivos  ornamentales  pueden  ser  de   rayas,  florales,  fitomorfos  (vegetal  o  plantas),  etc.  El  cuerpo  va  armado  con  ballenas  y  presenta  escote  redondeado  adornado  con  encaje.     Accesorios     El  sombrero  adquiere  muchísima  importancia,  suelen  ser  muy  grandes  y  con  muchos  adornos.  Los  sombreros  de   diseño  británico  influirán  en  los  modelos  de  tocados  franceses.     Por  lo  que  se  refiere  al  peinado,  es  uno  de  los  aspectos  más  cuidados  por  la  mujer  y  aunque  comenzó  el  siglo  con   una   cierta   sobriedad   en   la   realización   de   un   pequeño   moño   y   rizos   flotantes   sobre   las   orejas,   pronto   se   convertiría  en  el  aspecto  más  frívolo  del  atuendo  femenino  con  la  aparición  de  infinidad  de  postizos,  encajes,   cintas,  flores,  plumas,  tules  y  toda  clase  de  aditamentos,  que  hacen  del  peinado  un  andamiaje  sobre  el  que  dictan   sus  efímeras  leyes  los  peluqueros  de  moda  como  Léonard  o  Legros.  Acompañados  de  cofias  o  de  gorros  –cuya   variedad  y  diversificación  de  nomenclaturas  es  similar  a  la  de  los  peinados-­‐  es  costumbre  empolvar  los  cabellos   con  almidón,  para  lo  cual  las  damas  debían  someterse  a  laboriosas  manipulaciones.                                             El  calzado,  en  cambio,  se  muestra  más  conservador  y  mantiene  la  puntera  aguda  y  elevada,  el  tacón  alto  y  las   hebillas  como  complemento  ornamental,  variando  sólo  el  tipo  de  material  utilizado  para  su  confección  según  el   momento  del  día  o  el  conjunto  con  que  se  utilicen.   Zapatos  del  siglo  XVIII.  Museo  del  Traje,  Madrid.  Durante  el  siglo  XVIII  no  había  diferenciación  en  la  horma  entre  el  pie  izquierdo  y  el  derecho;  Evolución  de   las  pelucas,  del  rococó  al  neoclasicismo  
  • 18. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       18   La  moda  masculina  rococó     Elegancia  y  sencillez:  el  traje  masculino  del  siglo  XVIII  ligado  al  rococó  se  basa  en  los  modelos  barrocos  aunque   sin  cintas  ni  lazos.  Es  mucho  más  sencillo  y  elegante.  Es  el  antecedente  del  traje  masculino  de  hoy  en  día.     Prendas   básicas:   predominan   como   prendas   básicas,   fundamentalmente   tres:   casaca,   calzones   y   chaleco,   en   ocasiones  realizados  con  telas  fastuosas  profusamente  bordadas.  El  sombrero  de  tres  picos  fue  de  uso  común   durante  todo  el  siglo.     El  calzón  llegaba  hasta  debajo  de  la  rodilla  –hasta  donde  alcanzan  las  medias  de  seda  blanca-­‐  y  allí  se  recogía  con   cintas  anudadas  o  hebillas.  Se  abrochaba  con  botones  primero  y  desde  1730,  con  bragueta  y  se  va  haciendo  más   alto   hasta   alcanzar   la   cintura   siguiendo   el   paralelo   acortamiento   de   la   chaqueta.   A   consecuencia   de   esta   evolución,  cuando  el  calzón  llega  a  la  cintura  aparecen  los  tirantes.   La  chaqueta,  muy  larga  en  los  comienzos  del  reinado  de  Luis  XV  en  que  se  prolonga  casi  hasta  las  rodillas,  utiliza   tejidos  vistosos  y  ricos  sólo  en  las  dos  piezas  del  delantero,  pues  las  mangas  –excepto  el  borde-­‐  y  la  espalda  se   confeccionan  con  forro  o  tejidos  más  ordinarios,  puesto  que  no  se  ven.  Las  chaquetas  evolucionarán  hacia  los   chalecos  o  chupas  cuando  prescindan  de  las  mangas.   La  casaca  se  llevaba  sobre  la  chupa  y  el  calzón.                  Ejemplo  de  casaca,  chupa  y  calzón.  Es  el  antecedente  del  traje  masculino  de  hoy  en  día;  Casaca  de  seda  verde  clara.  El  calzón  está   confeccionado  con  el  mismo  tejido  que  la  casaca;  Chupa  masculina  en  satén  de  seda  color  marfil  forrada  en  lino  con  bordados  de  motivos   fitomorfos;  Retrato  de  Henry  Dawkins,  c.  1750  por  M.  Quentin  de  Latour,  National  Gallery  de  Londres.     La  corbata  es  sustituida  durante  estos  años  por  una  vuelta  del  cuello  de  la  camisa,  cuya  pechera  asoma  por  el   borde  de  la  chaqueta.       Las  pelucas:  la  moda  de  la  peluca  pervivió  hasta  la  Revolución  Francesa.  Con  el  tiempo  se  hicieron  más  simples  y   cortas.  Solían  acabar  en  un  bucle  o  coleta  atada  con  una  cinta  negra.  En  relación  con  las  pelucas  hay  que  destacar   que  para  evitar  que  perdieran  el  almidón,  los  sombreros  de  la  época,  como  el  característico  sombrero  de  tres   picos  –a  la  suiza-­‐  solía  llevarse  bajo  el  brazo  y  nunca  puesto.     Influencia  inglesa:  La  huella  de  la  moda  inglesa  masculina  sobre  la  francesa  va  a  ser  cada  vez  más  evidente.  La   moda   inglesa   se   caracterizaba   por   su   elegancia,   sentido   práctico,   sobriedad   y   ausencia   de   cintas,   encajes   y   bordados.  Los  ingleses  tendían  cada  vez  más  a  prescindir  de  las  pelucas  y  el  peinado  característico  era  con  el   cabello  echado  hacia  atrás  y  trenzado  con  una  cinta.  Esencial  de  todo  gentleman  que  se  preciara,  era  la  presencia   de  un  bastón,  que  llevaba  colgado  de  los  botones  del  traje  mediante  una  cinta.  
  • 19. 19 19                                                                                            En  este  retrato  de  caballero  pintado  por  el  británico  Gainsborough  se  aprecia  la  presencia  de  un  tricornio;  Evolución  de  las   pelucas  del  rococó  al  neoclasicismo.   Sobre  la  indumentaria  rococó  véase:     http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2014/07/exposicion-­‐frivolite-­‐indumentaria-­‐del.html  y     http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2015/06/accesorios-­‐de-­‐la-­‐moda-­‐rococo-­‐tocados.html     Las  MANUFACTURAS  REALES  EUROPEAS.  LA  PORCELANA.  EL  VIDRIO     El  auge  de  las  artes  decorativas  durante  el  siglo  XVIII  va  vinculado  al  surgimiento  de  las  Manufacturas  Reales   europeas.   Las   Manufacturas   Reales   fueron   un   tipo   de   empresa   de   características   muy   singulares   que   vivió   su   etapa   de   esplendor  en  el  siglo  XVIII.  El  modelo  había  sido  creado  en  Francia  por  Colbert,  el  ministro  de  Finanzas  de  Luis  XIV   (1638-­‐1715)  al  crear  la  Manufactura  Real  de  Gobelinos  en  París.  Respondía  a  razones  de  orden  político,  económico   y   funcional,   orientadas   a   realzar   el   prestigio   de   la   monarquía,   equilibrar   en   la   balanza   de   pagos   evitando   importaciones  de  lujo  y  amueblar  y  decorar  los  palacios  reales.  Desde  el  punto  de  vista  de  la  producción,  las   Reales  Fábricas  representan  un  papel  intermedio  entre  el  artesonado  y  la  industrialización.  Por  un  lado,  operaban   con   un   bajo   nivel   de   mecanización   y   por   otro   tenían   organizado   el   trabajo   por   sectores   especializados   y   proporcionaban  empleo  a  un  elevado  número  de  operarios.     Las   manufacturas   reales   europeas   abarcaban   la   producción   de   artes   suntuarias   muy   diversas.   En   el   caso   de   España  destacan  la  Real  Fábrica  de  Tapices  de  Santa  Bárbara  (textiles),  Porcelana  del  Buen  Retiro  (cerámica),   Real  Fábrica  de  Platería  Martínez  (plata),    Real  Fábrica  de  La  Granja  de  San  Ildefonso  (vidrio),  etc.                                                                                                   Felipe  V,  el  primer  rey  Borbón  en  el  trono  de  España  y  promotor  de  las  Manufacturas  Reales  en  nuestro  país;  El  alquimista  J.  F.  Böttger  fue   el  primer  europeo  en  conseguir  la  elaboración  en  1709  de  la  porcelana,  concretamente  en  Meissen,  Alemania;  Porcelana  de  la  manufactura   real  de  Viena  con  motivos  de  inspiración  chinesca.     Por  lo  que  se  refiere  a  la  cerámica,  el  XVIII  es  el  siglo  de  la  porcelana.  
  • 20. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       20 Recordemos   que   la   porcelana   fue   un   invento   chino11  cuyo   secreto   de   composición   guardaron   celosamente   durante  siglos  a  pesar  de  los  infructuosos  intentos  de  los  europeos  de  averiguarlo.  Ya  desde  el  siglo  XVI,  bajo  el   mecenazgo   de   los   Medici,   se   intentó   crear   la   porcelana,   consiguiendo   en   realidad   una   porcelana   artificial   o   pseudo  porcelana  de  pasta  tierna  de  calidad  muy  inferior  a  la  china.     La  auténtica  porcelana  –la  china-­‐  es  la  llamada   porcelana   de   pasta   dura.  Los  ingredientes  de  la  porcelana  de   pasta  dura  son  el  caolín  (un  tipo  de  arcilla),  el  feldespato  y  el  cuarzo  que  se  funden  con  las  altas  temperaturas  del   horno.   El   resultado   es   una   pasta   blanca,   impermeable   y   resistente.   Es   el   caolín   lo   que   da   a   la   porcelana   su   coloración  blanca  y  es  lo  que  mantiene  la  rigidez  y  estabilidad  en  la  pasta  a  alta  temperatura.                                                                   La   porcelana   europea   de   buena   parte   del   siglo   XVIII   ejemplifica   a   la   perfección   la   estética   rococó   como   en   estas   piezas   de   Meissen   (Alemania).       El  descubrimiento  de  la  porcelana  de  pasta  dura  en  Europa  está  unido  a  la  figura  del  alquimista  J.  F.  Böttger12 ,   quien   al   servicio   de   Augusto   II   el   Fuerte,   elector   de   Sajonia   (un   cargo   político   de   Alemania),   consigue   su   elaboración  en  1709.  Ante  este  maravilloso  descubrimiento,  Augusto  II  decide  fundar  una  nueva  manufactura  en   Alemania   llamada   Meissen   en   1710   y   será   Böttger   el   director   y   figura   esencial   de   la   misma.   Durante   años   el   proceso  de  fabricación  de  la  porcelana  fue  mantenido  en  secreto  pero  la  demanda  de  la  nobleza  europea  por  el   preciado   material   no   tardó   en   extender   el   conocimiento   del   mismo   e   impulsar   el   establecimiento   de   nuevas   fábricas   de   porcelana.   Desde   Meissen,   la   fórmula   secreta   fue   propagada   por   toda   Europa   por   algunos   trabajadores  de  la  manufactura.  Así,  hacia  1770,  existían  en  Europa  alrededor  de  20  centros  de  fabricación  de   porcelana  dura,  casi  en  su  totalidad  protegidas  o  costeadas  por  reyes  o  nobles,    pues  el  carácter  de  piezas  de  lujo   de   estos   objetos   y   en   los   casos   de   elaboración   con   pasta   tierna,   el   constante   peligro   de   roturas   hacía   extraordinariamente   difícil   el   mantenimiento   de   estos   talleres.   Sus   secciones   de   laboratorio,   al   tiempo   que   guardaban  con  leyes  severísimas  el  secreto  de  composición  de  la  pasta  y  barnices,  trabajaban  sin  descanso  en   mejorar  lo  ya  existente  para  aventajar  a  los  competidores  en  atraer  clientela  que  paliase,  en  lo  posible,  los  graves   desequilibrios   económicos.   En   todos   ellos   fue   común   al   principio   la   imitación   de   las   formas   y   decoración   orientales  hasta  que  ya  asentada  la  producción,  fueron  derivando  hacia  caracteres  propios  de  cada  país  y  cada   manufactura.   La   porcelana   de   Meissen   vinculada   al   rococó   se   especializó   en   tipologías   muy   variadas:   escenas   galantes,   animales,   jarrones,   candelabros,   juegos   de   café   y   té,   etc.   Con   el   tiempo,   como   las   del   resto   de   Europa,   irán   evolucionando  hacia  un  gusto  neoclásico.     En  Francia,  por  impulso  de  Madame  Pompadour,  se  creó  la  real  manufactura    de  Sèvres.  Con  Sèvres,  Francia  se   puso  a  la  cabeza  de  las  manifestaciones  europeas  de  cerámica  y  porcelana. En  Sèvres  el  control  de  calidad  era   11  Los  primeros  vestigios  de  porcelana  que  se  conocen  se  remontan  a  la  China  de  hace  4000  años.  Sus  orígenes  se  sitúan  en  los  yacimientos  de  Kaoling   (yacimientos   que   han   dado   nombre   a   la   materia   prima   básica   de   la   porcelana)   situados   en   la   provincia   de   Kiangsi.   Pero   la   porcelana   tal   y   como   la   conocemos  hoy  alcanzó  su  máximo  esplendor  durante  la  dinastía  Sung,  dinastía  reinante  en  China  durante  el  siglo  XIII  d  de  C.  Desde  que  los  viajes  de  Marco   Polo  en  el  siglo  XIII,  pusieron  en  contacto  a  los  europeos  con  las  maravillas  del  Extremo  Oriente,  los  occidentales  se  entusiasmaron  ante  la  vista  de  unos   objetos  cerámicos  de  aspecto  más  delicado  que  sus  elaboraciones  comunes,  las  piezas  de  la  porcelana  Ming,  y  trataron  por  todos  los  medios  de  encontrar   el  secreto  de  la  elaboración  china.  Venecia  y  Portugal  intentaron  descubrir  la  naturaleza  química  de  tales  piezas  sin  llegar  a  más  resultado  positivo  que  tener   que  hacer  sus  pedidos  a  China  o  Japón.  Cuando  la  Compañía  de  las  Indias  Orientales  desde  el  siglo  XVII  inundó  a  Europa  de  porcelana,  eran  ya  muchos  los   químicos  dedicados  a  la  búsqueda  de  su  composición.   12  Sin  embargo,  esta  primera  pasta  no  incluye  aún  el  feldespato  y  es  poco  traslúcida,  sin  que  se  llegue  a  la  composición  realmente  porcelánica  hasta  1725,   después  de  muerto  Böttger.  
  • 21. 21 21 más  estricto  que  en  cualquier  otra  manufactura.  Las  piezas  con  el  más  mínimo  defecto  eran  desechadas.  Aunque   muchos   de   estos   “rechazos”   eran   sacados   fraudulentamente   de   la   fábrica   y   decorados   en   otros   talleres,   es   improbable   que   alguno   de   ellos   pueda   ser   confundido   por   una   pieza   original   de   Sèvres.   Para   proteger   sus   intereses  comerciales,  el  rey  Luis  XV  promulgó  unas  leyes  suntuarias  que  prohibían  la  utilización  del  dorado  a   cualquier  otra  manufactura  o  taller.  Las  piezas  rococó  de  Sèvres  son  muy  recargadas  y  ampulosas.  Realizaron   todo  tipo  de  piezas  de  rico  colorido  como  el  Rosa  Pompadour  o  Rosa  du  Barry  (en  honor    a    dos    de    las    amantes     del    rey).   Otras   manufacturas   reales   de   porcelana   europeas   son:   Viena,   Worcester   y   Chelsea   (Inglaterra),   Capodimonte   (Italia),  Buen  Retiro  (España),  etc.                                                                                                                                                                                                                    Ejemplos  de  porcelana  de  Sèvres  (Francia)     La  Real  Fábrica  de  Porcelana  del  BUEN  RETIRO  (1760-­‐1808)     El  nacimiento  de  nuestra  porcelana  está  unido  al  nombre  del  rey  Carlos  III  cuando  rey  de  las  Dos  Sicilias,  residía   en  Nápoles.  Su  casamiento  en  1738  con  María  Amalia  de  Sajonia,  en  cuya  dote  figuraban  grandes  cantidades  de   porcelana  de  aquella  procedencia,  despertó  en  el  monarca  el  deseo  de  fundar  una  manufactura  para  ponerse  a  la   par  de  otros  reinos  europeos.    Recordemos  que  María  Amalia  era  hija  de  Augusto  II  de  Sajonia,  el  fundador  de  la   manufactura  de  Meissen.  A  esas  alturas  de  siglo,  la  porcelana  se  había  convertido  en  un  artículo  necesario  para  el   ornato  palaciego  de  las  principales  cortes  europeas.  Y  en  motivo  de  orgullo  para  los  monarcas  que  mantenían  a   sus  expensas  la  costosa  fabricación  de  este  producto.  Y  así  en  1743,  comenzaba  a  funcionar  en  Nápoles  la  fábrica   de  Capodimonte  a  instancias  de  este  rey  Borbón.  Al  cabo  del  tiempo,  cuando  por  fallecimiento  de  Fernando  VI   sin  sucesión,  Carlos  III  se  convierte  en  rey  de  España,  se  ocupa  personalmente  del  traslado  de  la  fábrica  a  Madrid,   incluyendo  al  personal  que  lo  deseara,  así  como  el  material  y  pasta  ya  preparada,  modelos,  vaciados  y  diseños  de   todo  tipo.  Así  es  como  se  crea  la  primera  manufactura  de  porcelana  fundada  en  España,  la  Real  Fábrica  del  Buen   Retiro.  Esta  empresa  típicamente  ilustrada,  en  la  que  no  se  reparó  en  gastos,  estuvo  al  servicio  exclusivo  de  la   Corona,  ya  que  los  intentos  que  se  hicieron  para  comercializar  su  producción  fracasaron  estrepitosamente,  tal  y   como  ocurrió  en  el  caso  de  otros  establecimientos  similares.  Funcionó  siempre  con  operarios  extranjeros,  como   también  lo  fueron  sus  directores,  con  la  excepción  del  último,  Bartolomé  Sureda,  al  contrario  de  lo  que  sucedió   en  Alcora,  en  donde  su  fundador,  el  IX  Conde  de  Aranda,  estableció  que  todos  los  que  trabajasen  en  ella  debían   proceder  de  tierras  de  su  señorío.  Pero  como  la  técnica  no  se  improvisa,  también  tuvo  que  importar  alquimistas  y   pintores  de  Meissen,  dispuestos  a  divulgar  los  secretos  de  aquella  porcelana  y  a  enseñar  a  los  aprendices  de   Alcora  su  fabricación.  Tanto  el  conde  de  Aranda  como  Carlos  III,  cada  uno  en  su  esfera,  intentaron  adaptarse  al   modelo  “ilustrado”  y  combinara  sabiamente  en  sus  porcelanas  cultura  y  utilidad.  Las  piezas  que  crearon  fueron   de  gran  belleza  y  calidad  excepcional.   Esta  manufactura  estaba  situada  en  los  jardines  del  madrileño  Palacio  del  Buen  Retiro  (aproximadamente  en  la   localización  actual  de  la  estatua  del  Ángel  Caído)  y  comenzó  a  funcionar  a  mediados  de  1760,  siendo  las  piezas   entonces   producidas   de   inspiración   napolitana   y   empleándose   en   ellas   la   pasta   y   los   modelos   traídos   de   Capodimonte.  Funcionó  hasta  la  invasión  de  los  franceses  en  1808.  De  hecho,  los  franceses  convirtieron  la  fábrica   en  un  fortín  y  finalmente  fue  destruido  en  1812  en  plena  guerra  de  la  Independencia.                                                                            
  • 22. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       22                                                                                              Ejemplos  de  porcelana  del  Buen  Retiro:  en  una  sala  chinesca  del  Palacio  Real  de    Madrid;  putti  de  porcelana,  Buen  Retiro.     La  Real  Fábrica  de  Vidrio  de  LA  GRANJA  DE  SAN  ILDEFONSO  (Segovia)         El   rey   Borbón   Felipe   V,   nieto   de   Luis   XIV,   decidió   construir   un   palacio,   llamado   La   Granja   de   San   Ildefonso   (Segovia),   tomando   como   referencia   Versalles.   Andando   el   tiempo,   otro   rey   Borbón,   su   hijo,   el   rey   ilustrado   Carlos  III  instaló  en  las  cercanías  de  ese  palacio  la  Real  Fábrica  de  Cristales  de  La  Granja,  una  manufactura  real  y   prestigiosa  industria  suntuaria  que  hoy  es  sede  de  la  Fundación  Centro  Nacional  del  Vidrio.  Surgió  en  los  años  70   del  siglo  XVIII.   El  que  se  instalara  la  Real  Fábrica  de  vidrio  en  un  lugar  como  La  Granja  de  san  Ildefonso  obedecía  a  la  cercanía  al   Palacio  Real  y  a  la  abundancia  de  arena  silícea  y  madera  necesaria  para  los  hornos,  muy  abundante  en  la  zona.               Palacio   de   la   Granja   de   San   Ildefonso,   Segovia;   Lámpara   o   araña   de   la   manufactura   de   la   Granja;   Cristal   de   la   Granja,   la   imagen   de   la   derecha  es  una  opalina:  vidrio  blanco  lechoso.  Solían  estar  decoradas  con  esmaltes  polícromos.                                                      Ejemplos  de  Cristal  de  la  Granja  de  San  Ildefonso  (Segovia)  y  Museo  Tecnológico  del  Vidrio,  Real  Fábrica  de  Cristales  de  la  Granja.     En  la  fábrica  de  La  Granja  se  elaboraron    todo  tipo  de  piezas  de  cristal  desde  ventanales,  hasta  espejos,  piezas  de   vajillas  como  botellas,  compoteras,  etc.  No  hay  que  olvidar  que  aunque    el  cristal  no  era  demasiado  caro  en  su   elaboración,  la  red  de  transportes  hacía  que  los  precios  se  dispararan,  por  lo  que  se  hacía  necesario  dotar  de   industrias  locales  para  surtir  a  la  aristocracia  de  esta  demanda.  
  • 23. 23 23 Sobre   la   Real   Fábrica   de   Vidrio   de   La   Granja   de   San   Ildefonso,   véase   http://www.realfabricadecristales.es/es/informacion/historia   https://www.youtube.com/watch?v=2qeAROTCsIo     La  JOYERÍA  ROCOCÓ     Este  estilo  hiperdecorativo,  de  una  exuberancia  ornamental  rayana  en  el  horror  vacui,  triunfará  en  el  arte  de  la   joyería  y  se  caracterizará  por:     *el  gusto  por  las  formas  asimétricas.   *la  pasión  por  las  líneas  sinuosas,  lazos  y  follajes.   *la  omnipresencia  de  los  motivos  florales  y  los  bouquets:  ramilletes  de  flores.   *la  presencia  frecuente  de  motivos  animalísticos  como  mariposas  y  pájaros.     Las  joyas  Rococó  van  a  estar  en  función  de  la  indumentaria.  Se  pretende  que  se  fundan  con  ellas  y  que  brillen  en   los  interiores  iluminados  a  la  luz  de  las  velas,  reflejados  en  los  numerosos  espejos  que  inundan  las  estancias.     A  partir  de  esta  época,  se  distingue  claramente  una  joyería  de   día  –más  sobria  y  sencilla-­‐  de  una  de  noche  o   destinada  a  ceremonias  especiales,  de  mayor  empaque,  mucho  más  suntuosa.     Recordemos   además,   que   las   artes   plásticas   –pintura,   escultura-­‐   son   una   fuente   documental   esencial   para   conocer  las  joyas  del  siglo  XVIII.   Merece   la   pena   destacarse   que   entre   los   materiales   utilizados   encontramos   el   empleo   del   oro,   la   plata,   esmeraldas,  lapislázuli,  etc.  y  de  gemas  como  los  diamantes  (gracias  a  los  yacimientos  que  se  descubrieron  en   Brasil)  y  se  desarrollará  un  tipo  de  talla  de  llamante  llamada  brillante  que  tendrá  una  gran  difusión.   Por  otro  lado,  no  debemos  olvidar  que  en  esta  etapa  se  crearon  imitaciones  de  gran  calidad  de  todo  tipo  de  joyas.     Encontramos  una  gran  variedad  de  tipologías  (muchas  de  ellas  se  las  conoce  con  su  nombre  en  francés):       *Broches.     *Pendientes  a  juego  de  collares  y  otros  accesorios  llamados  Aderezo  o  Parure.     *Joyas  para  el  pelo  o  los  tocados  denominados  Aigrettes.     *Pendientes  en  girandole:  Estos  pendientes  consistían  en  tres  piezas  o  gotas,  la  central  más  baja,  unidas           mediante  un  nudo  o  lazo.  Podían  estar  realizados  con  diamantes,  perlas...     *Relojes.     *Cajitas  de  rapé  (para  guardar  el  tabaco).     *Pulseras  y  brazaletes.     *Estuches  pequeñitos  para  guardar  peines,  etc.  denominados  Étuits.     *joyas  con  mensajes,  etc.     *  Los  châtelains  son  una  de  las  tipologías  de  joyas  más  características  del  siglo  XVIII.  Eran  colgantes  que   se  llevaban  en  la  cintura  y  de  ellos  pendían  todo  tipo  de  objetos  como  relojes,  peines,  etc.