Arte

HISTORIA DEL ARTE
Un cuaderno de bitácora para navegar por la historia del arte. Cada entrada está
relacionada con algunos de los estadios de la creación artística a lo largo de la Historia.
Desde la Prehistoria hasta la más rabiosa actualidad. Todo un curso al ritmo pausado del
calendario. Para aquellos que consideran que el arte existe porque la vida no es
suficiente.

2/20/2012
LA PINTURA DEL CINQUECENTO: ACTIVIDADES

Madonna del Prato (Virgen del
prado). Rafael Sanzio. 1505-6.
Temple y óleo sobre madera. 113 cm. x 88 cm.

Detalle de la capilla
Sixtina, San Pedro del Vaticano. Roma. 1511.
La creación de Adán. Fresco. Miguel Ángel. 280 cm. x 570 cm.
(Hay que tener, en todo caso, una visión global del conjunto pictórico de la capilla,
tanto de la bóveda como de la pared del altar en la que se halla pintado "El juicio
Final")

Estimados alumnos: aquí os dejo estas obras de dos de los grandes maestros del
Cinquecento italiano, para que hagáis el correspondiente comentario. Podéis elegir una
de las dos, pero tened en cuenta que ambas formarán parte del "corpus" de obras
comentadas que entran en la evaluación.
Publicado por TOMPEREZ en 8:00 PM 0 comentarios
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Etiquetas: ACTIVIDADES 2011-12
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HISTORIA DE LAS DOS GIOCONDAS

Excelente artículo en el diario EL PAÍS sobre la Gioconda de Leonardo da Vinci y la
copia atribuida a uno de sus discípulos. La reciente restauración de esta última, por
técnicos del Museo del Prado, de cara a una exhibición conjunta en el Louvre en el mes
de marzo, ha reabierto la polémica sobre el estado actual de la obra de Leonardo. El
artículo contiene una fantástica aplicación para explorar las diferencias entre ambas
obras. Si te interesa la noticia y todo lo que hay detrás de esta misteriosa obra, haz clic
en el siguiente enlace:

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/02/19/actualidad/1329682980_425598.html
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Etiquetas: REVISTA DE ARTE
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LA PARTE POR EL TODO 14

Podríamos tocar el cielo...
Pocos son los que al contemplar este fresco permanecen indiferentes. Tus pasos han de
dirigirse hacia el sur, igual que los suyos hace algunos siglos. No te dejes intimidar por
algún jefe vanidoso, pues su gloria pasará... ya ha pasado en realidad, ¡mientras que la
del autor será eterna!
¿Quién pintó esta maravilla? ¿dónde está? ¿Qué rasgos la iluminan?
Publicado por TOMPEREZ en 9:09 AM 0 comentarios
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Etiquetas: LA PARTE POR EL TODO 2011-12
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LA ESCULTURA MANIERISTA: EL RAPTO DE LA SABINA
(GIAMBOLOGNA)

El rapto de la sabina. Giambologna,
1582.
Mármol blanco. 4.10 m. Logia dei Lanci (Florencia). Italia.

IDENTIFICACIÓN Y CLASIFICACIÓN ESTILÍSTICA:

La obra constituye un grupo escultórico exento, que mide 410 cm de altura; está
realizado en un solo bloque de mármol blanco, mediante la técnica de la talla y,
posteriormente, pulido. El grupo lo componen tres personajes desnudos: un
hombre joven (un romano) que levanta por encima de su cabeza a una mujer (la
sabina) que parece querer desprenderse de su secuestrador, mientras, atrapado entre las
piernas del joven, se encuentra un hombre mayor, (el padre de la joven) con
evidentes muestras de desesperación e impotencia. Las tres figuras se hallan
profundamente entrelazadas, tanto por la acción que desarrollan individualmente como
por la escena que componen entre ellas.

En el pedestal sobre el que está situado el grupo está inserta una placa de bronce en
relieve que narra diferentes escenas del rapto. Este bajorrelieve es similar al de que puso
Benvenuto Cellini en el pedestal de su escultura del Perseo con la cabeza de Medusa.
El trabajo está firmado por el autor de la siguiente manera:

OPVS IOANNIS BOLONII FLANDRI MDLXXXII

La obra podemos situarla en la última etapa del Renacimiento italiano, durante el
llamado "Manierismo", en el último tercio del s. XVI. Se trata de un momento de
ruptura y distorsión de los ideales clasicista del primer Renacimiento y un anticipio de
las nuevas formas de expresión del Barroco, estilo que le sucederá en el tiempo.

EL TEMA
La obra narra un episodio de la historia mítica de la ciudad de Roma; cuando
Rómulo fundó Roma, quería que los pueblos se unieran a su ciudad. Para instar a los
sabinos, pueblo muy poderoso de la región, a unirse a ellos, raptaron a todas sus hijas
para que se casaran y se quedaran en Roma. El momento elegido para el grupo
escultórico es el rapto de una de las jóvenes, mientras su padre no puede hacer nada y
mira horrorizado, tapándose la cara en un gesto de impotencia y desesperación. Como
suele ocurrir durante el Renacimiento, los artistas se inspiran en episodios de la
mitología clásica o, como es el caso, en la legendaria historia de Roma.

EL ANÁLISIS FORMAL
La obra, tallada en su sólo bloque de mármol, ha sido concebida para ser contemplada
desde distintos puntos de vista (multifacialidad), por lo que una completa y profunda
contemplación de la misma exige circunvalar el grupo y así tomar conciencia del
"movimiento" ascendente y helicoidal que lo impulsa. (forma serpentinata). Es una
composición dinámica, en la que las tres figuras parecen girar en el espacio para
componer una escena, en apariencia, de gran carga dramática. Sin embargo, los rostros
no acaban de ser coherentes con la tensión y el esfuerzo que los cuerpos (perfectos y
clasicistas desnudos) anuncian. Los rostros de la joven y del padre no expresan, al
menos con convicción, el "phatos" que un episodio como éste demanda. Parece que
estemos, en fin, ante una danza en la que los cuerpos coreografían un episodio de gran
dinamismo pero exento de su significado más dramático. Los cuerpos giran como una
espiral en el espacio, se relacionan entre ellos, tanto en lo físico como en lo psicológico,
se retuercen en un ámbito físico limitado y angustioso. Podría ser, más bien, un drama
de carácter más intelectual que físico; no obstante, la influencia de la escultura
helenística (tal vez el grupo del Laoconte, hallado en 1506 en Roma) es patente en la
escultura italiana ya desde Miguel Ángel, pues éste ya hizo uso de la forma serpentinata
en algunas de sus producciones.
Podemos comprobar al examinar más a fondo la composición, que para equilibrar el
grupo, el artista ha colocado la tercera figura, la del padre, curvada en dirección al
suelo. En este caso los tres cuerpos se combinan en el espacio: el vencido en el suelo
con los miembros encogidos; el romano que dibuja un arco de círculo, encorvado y
fogoso, y la Sabina que intenta zafarse con un gesto de su espalda. La geometría de las
líneas de fuerza, el juego de las miradas, el contraste entre las expresiones, la variedad
de los volúmenes que se contraen en dirección descendente y luego se expanden, todo
ello convierte al Rapto no sólo en un prodigio técnico sino también en un hito de la
reflexión estética acerca de la relación entre las formas en el espacio.

EL ESTILO MANIERISTA
Los rasgos manieristas superficiales son patentes: el alargamiento de las figuras, el
gesto desmedido y poco coherente, el espacio angosto... Pero lo propio de
Giambologna es su capacidad para introducir estas notas -que son generales a todo el
Manierismo- en un movimiento que rompe de forma definitiva con la estatua clásica. El
rapto de las sabinas responde todo él a la forma serpentinata que ya había utilizado
Miguel Ángel, pero Giambologna prescinde del punto de vista único y el grupo incita a
multitud de perspectivas. No existe un delante y un detrás sino una multiplicidad de
puntos de vista, de tal manera que el grupo gira como una espiral. Esta multiplicidad,
insistimos, viene impuesta por la misma escultura: el movimiento de las figuras que se
retuercen y prolongan en su contraposición no atiende ya a la perspectiva frontal

típica del Renacimiento, visión estática y serena sustituida, aquí, por un enérgico
dinamismo.
Giambologna introduce así una creciente intranquilidad en el espectador que, en
relación con las pautas clasicistas, puede resultar -como así fue para los hombres de la
época, de ahí su enorme éxito- enigmática. La imagen constituye un problema casi
imposible de resolver: dónde termina una figura y empieza otra, cuál es el juego de
cortes, paralelismos y contraposiciones, son cosa sobre las que el espectador nunca
tomará una decisión definitiva.

La influencia de esta obra en la escultura y la pintura de épocas posteriores
quedará patente si se observan algunas de la obras escultóricas de Gian Lorenzo Bernini
(máximo exponente del barroco italiano), que irá mucho más lejos en la expresión del
"phatos", o de Girardon (grupos escultóricos de los jardines del Palacio de Versalles), o
algunas de las exuberantes y dinámicas pinturas del flamenco Pedro Pablo Rubens.
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Etiquetas: ARTE DEL RENACIMIENTO
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LA PARTE POR EL TODO 13

Giambologna: El rapto de la Sabina
1582. Grupo escultórico en Mármol. Altura 410 cm.
Loggia dei Lanzi, plaza de la Señoría. Florencia.

Efectivamente queridos viajeros! ¡Qué magnífico ejemplo de escultura
manierista! Y es que, aunque el siglo XVI italiano esté dominado por la figura
de un gigante, no hay que menospreciar el talento y el atrevimiento de algunos
escultores, como este Giambologna que, con toda la fuerza dramática y el
dinamismo de este grupo, anticipa a otro gigante... ya halaremos de él con más
detenimiento.

Volvemos con mucha energía después del parón del examen...
¿Qué obra es ésta? ¿Qué tema representa? ¿Qué novedades presenta su composición? ¿A quién debemos
tan dinámico grupo escultórico?
Después de Donatello y del proteico genio de Miguel Ángel, vinieron otros... aunque la sombra del
gigante florentino era tan alargada y frondosa, que a todos empequeñeció con su descomnal talento. Pero
no te dejes impresionar y busca... lo disfrutarás de veras!
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Etiquetas: LA PARTE POR EL TODO 2011-12
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2/15/2012
LA PIETÀ, DE MIG UEL ÁNGEL

Grupo escultórico de la Pietà

Sus dimensiones son 174 por 195 c m. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano,
en Roma.

La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio, Jean Bilhères de Lagraulas o
de Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante l a Santa Sede, al que el autor
conoció en Roma. El contrato entre el artista y el cliente se firmó el 26 de agosto de 1498, y en
el que se estipulaba, además del pago de 450 ducados de oro, que habría de estar terminada
antes de un año, y en efecto, dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba
terminada, cuando el cardenal había muerto unos días antes, por lo que su primer
emplazamiento fue sobre la propia tumba del prelado en la Capilla de Santa Petronila del
Vaticano. La Piedad fue trasladada en 1749 a su ubicación actual en la Basílica de San Pedro,
la primera capilla a la derecha.

Algunos aspectos a tener en cuenta para analizar esta obra:

· El Material: Miguel Ángel eligió él mismo el bloque de mármol blanco que iba a usar de
las canteras de los Alpes Apuanos de la Toscana. El bloque tenía que ser el correcto,
ya que la escultura está realizada con uno sólo, no varios unidos. El mármol es para el
artista florentino el más noble de los materiales y el más dúctil para extraer de él las
formas humanas.
· La Técnica: Una de las cosas más sobresalientes es la técnica escultórica que Miguel
Ángel usaba. Según él, la propia naturaleza de la escultura estaba en el interior del
bloque de piedra. El artista unicamente la sacaba a la luz, con paciencia y detallismo, la
imagen que estaba atrapada en el bloque de mármol. Esculpir era pues extraer la
figura del bloque, como si saliera de un mar de arena ya entera e intacta, deslumbrante
en su perfección.
· La Armonía: Este es uno de los rasgos típicos de todo el arte renacentista, por lo que
un Miguel Ángel todavia joven deudor de donatello, aparece aquí como un fiel
exponente de este afán. La armonía y el contraste están presentes en esta obra: entre
el brazo caído de Jesús y el brazo derecho de la Virgen; el tratamiento de claroscuros
profundos en los pliegues del vestido de la Virgen con la piel de Jesús, lisa. Otro
poderoso contraste lo hallamos en los ejes vertical y horizontal de las dos figuras, que
se contrarrestan para ofrecer una imagen global armoniosa y coherente, equilibrada.
· La Virgen: El rostro de la Virgen es el de una niña, joven y pura, eternamente virgen.
Miguel Ángel es consciente de que la diferencia de edad entre el Cristo muerto y su
madre es muy evidente. Lo que pret ende hacer no es un retrato realista, sino idealizar
la figura de la Virgen llena de pureza y juventud. La madre ofrec e, a su vez, en un
gesto de generosidad que se plasma en su brazo extendido, el sacrificio de su hijo,
redentor de la humanidad. La serenidad del rostro y su belleza infantil la convierten en
un arquetipo idealizado.
· El Sfumatto: Una técnica escultórica muy usada en el Renacimiento fue el sfumato. En
este caso lo vemos en la forma de representar los músculos, que están como
difuminados en la superficie marmórea; modelados con suavidad y dulzura, a pesar del
detallismo con el que el escultor representa músculos, tendones y piel.
· El Dolor: Miguel Ángel nos presenta un cuerpo muerto, sin rastros de sangre ni de
dolor. Después del Calvario, nos lo muestra con la dignidad del hijo de Dios. Por eso,
se retoma la idea del retrato idealizado, no se pretende un r etrato realista del dolor. No
obstante, una mirada atenta descubrirá la herida en el costado y los estigmas de la
pasión en manos y pies. La imagen es, en consecuencia, un prodigio de serena
aceptación ante la muerte y un poder oso estudio anatómico en reposo.
· La Cinta: Miguel Ángel realizó esta escultura con 24 años. De ahí que los críticos
fueran suspicaces a la hora de su autoría. Miguel Ángel, con gran carácter, discutió con
ellos y grabó con el cincel su nombre en la cinta que atraviesa el pecho de la Virgen.
Por ello, la Piedad es la única escultura firmada por el artista. Genio y vanidad de un
artista que luchó denodadamente por afianzar la condición intelectual, y no meramente
manual, del trabajo del escultor, peor considerado en su época que el del pintor o el
arquitecto.
· La Composición: En el Renacimiento, el arte estaba supeditado en gran medida a las
formas geométricas, como esenciales y puras. Aquí, la composición se engloba en un

triángulo desde la cabeza de la Virgen hasta la base más ancha del conjunto. No hay
que olvidar la relación entre el triángulo y la divinidad. Ni tampoco que esta figura
expresa mejor que cualquier otra la idea de equilibrio y perfección que anima tanto el
arte clásico como el renacentista.
· El Tema: era la primera vez que el artista abordaba este tema iconográfico, luego
repetido a lo largo de su vida con diversos tratamientos, que ponen de manifiesto su
evolución artística y espiritual. La última de esta serie de Piedades sería la denominada
Piedad Rondanini, que dejó inacabada al caer enfermo y morir, y cuyo patetismo, que
anticipa el barroco, nada tiene que ver con la serenidad clásicamente renacentista de
esta obra de juventud. El tema subraya, además, la profunda religiosidad del artista,
que a lo largo de toda su vida se atormentó con la imagen de Cristo muerto sobre el
regazo de su madre.

Vasari dijo de ella «es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadi r nada en dibujo,
ni en gracia, ni, por mucho que se fatigue, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol».

Estimados e improbables lectores, hagan clic sobre el nombre del autor del segundo
comentario de esta entrada y accederán, Oh milagro!, a la biografía que de Miguel Ángel hizo
Vasari. Se agraden siempre tan sutiles sugerencias...
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ANÁLISIS DEL "MOISÉS" DE MIGUEL ÁNGEL

Fuente de la fotografía:
http://www.europaenfotos.com/italia/photo_ro11_9.html

IDENTIFICACIÓN Y CLASIFICACIÓN DE LA OBRA

Es una escultura renacentista del siglo XVI, pertenenciente a la etapa de Cinquecento
en Italia. Es la figura central de la tumba del Papa Julio II, que se encuentra en la
iglesia de San Pedro in Víncoli, en Roma. Fue realizada en 1515 por Miguel Ángel
Buonarotti, escultor florentino.
Está realizada en mármol blanco de Carrara y se trata de una escultura exenta o de
bulto redondo, de cuerpo entero y sedente, auque dada la configuración del sepulcro
(tipo fachada adherido al muro), la obra sólo puede ser contemplada frontalmente.

ANÁLISIS FORMAL

El tema es bíblico (un pasaje del Antiguo Testamento): el profeta Moisés, al regresar
de su estancia de cuarenta días en el monte Sinaí, portando bajo el brazo las Tablas de
la Ley para enseñárselas a los israelitas, contempla horrorizado cómo éstos han
abandonado el culto de Jahvé (Jehová) y están adorando al Becerro de Oro. El tema
representado (el epiodio) hay que situarlo en una narración más extensa que abarcaría
desde la vida de Moisés y el cautiverio del pueblo hebrero en Egipto, hasta que éste los
conduce a la Tierra Prometida (Palestina), después de un largo periplo a través del
desierto. Moisés nunca llegará a ver la tierra prometida por Jahvé, pero conducirá a su
pueblo desde el cautiverio hasta la liberación.

El modelado es perfecto; Miguel Angel ha tratado el mármol, su material predilecto,
como si fuera la más dócil de las materias (arcilla, plastilina, etc.). El estudio
anatómico es de un naturalismo asombroso (los brazos del profeta exhiben la fortaleza
y tensión de un atleta, a pesar de la edad madura del mismo). El mármol blanco pulido
deja resbalar la luz. Las ropas caen en pliegues de gran naturalismo, donde los
contrastes de luces y sombras que provocan las profundas oquedades en el mármol,
otorgan a la figura su rotundo volumen.

La composición, muy estudiada, es cerrada, clásica; se estructura en un eje vertical
desde la cabeza hasta el pliegue formado entre las piernas del profeta, cuya figura queda
enmarcada por dos líneas rectas verticales en los extremos. Existe un ligero
contrapposto ( a pesar de la posición sedente) marcado por el giro de la cabeza y la
simétrica composición entre brazo izquierdo hacia arriba y derecho hacia abajo, así
como pierna izquierda hacia fuera y derecha hacia dentro. Las líneas rectas quedan
dulcificadas y compensadas por dos líneas curvas paralelas: la que forma la larga y
ensortijada barba hasta el brazo izquierdo, y la iniciada en el brazo derecho estirado
hasta la pierna izquierda.
Con esta compleja composición, el artista sugiere el movimiento en potencia; los
músculos están en tensión, pero no hay movimiento en acto. Consigue que este coloso
no resulte pesado, sino grandioso. Capta el instante en que Moisés vuelve la cabeza y
va a levantarse, lleno de furia ante la infidelidad de su pueblo. Esta ira, la "terribilitá",
que le embarga se expresa en su rostro, que se contrae en un gesto ceñudo. y feroz,
anticipio de la cólera que estallará en breve. Miguel Angel abandona los rostros serenos
de su primera época y opta por una expresividad acentuada y dramática, anuncio del
Barroco. Moisés está lleno de vida interior. Posiblemente sea producto no sólo de su
propia evolución personal, sino también de la influencia que sobre él ejerció el
descubrimiento del grupo helenístico del Laocoonte (1506). Es la culminación del
idealismo dramático que caracteriza esta etapa de su producción escultóricay que
tambén observamos en su pintura.

Podemos ver en esta escultura las características del estilo renacentista: búsqueda de
la belleza ideal, acentuado naturalismo, interés por la figura humana y su anatomía (el
cuerpo como expresión del ideal humanista de virtud y fortaleza y no como depósito del
pecado, como era percibido en la Edad Media), tal como corresponde a la cultura
antropocéntrica del periodo humanista; al igual que en la Antigüedad clásica, se crean:
composiciones equilibradas, armoniosas, movimiento en potencia, perfección técnica.
Todas estas características, no obstante, han de ser matizadas según la naturaleza de la
obra y el autor del que se trate, ya que Miguel Ángel es, en sí mismo, un caso
excepcional por la calidad de sus obras y la evolución estilística que ofrece en su larga
vida: desde el idealismo clásico de influjo donatelliano hasta lel dramatismo de sus

obras de madurez o la distorsión (anticlásica) de sus últimas versiones de la Pietá,
antecedentes ya del Barroco.

EL AUTOR
El escultor es Miguel Angel Buonarotti (1475-1564), el más importante del
Cinquecento italiano. Imagen del genio renacentista, ejerce con maestría en todos los
campos (arquitecto, pintor, poeta), aunque se siente escultor. Busca expresar en sus
obras una Idea, en el sentido neoplatónico: una belleza que sea expresión de un orden
intelectual. Toda su vida será un titánico esfuerzo por liberar la forma de la materia que
la aprisiona. Podemos considerarlo, sin duda alguna, como la expresión del artista total.
Su trayectoria atraviesa distintas etapas artísticas (revisad el mapa conceptual): a)
Juvenil (1491-1505), en Florencia, muy clasicista, en la que busca la Belleza ideal,
como en la Piedad del Vaticano o el David. b) Madurez (1505-1534), en Roma,
aparecen tendencias manieristas y empieza a disolverse el ideal estético clasicista, como
en el Moisés y los Esclavos. c) Vejez (1548-1564), en que consuma la ruptura y busca la
expresión de la Idea, como en su Piedad Rondanini.

INTERPRETACIÓN Y SIGNIFICADO DE LA OBRA

La obra, el Moisés, es de su segunda etapa. Pertenece al sepulcro del Papa Julio II, su
mecenas, que se lo encarga en 1505, aunque el artista no lo termina hasta 1545 , de un
modo muy diferente a como lo había proyectado. El proyecto original consistía en una
tumba exenta, a cuatro fachadas, con más de cuarenta grandiosas estatuas, que se
colocaría bajo la cúpula de San Pedro del Vaticano. Este delirante proyecto irá
reduciéndose por motivos económicos y familiares (ya muerto el pontífice) hasta que
Miguel Angel lo diseña como un sepulcro adosado. Esculpe los Esclavos, alusivos a las
ataduras de la vida humana, y la Victoria, pero no se encuentran en el sepulcro
definitivo, emplazado en San Pedro in Víncoli, dónde sólo figuran siete estatuas: Raquel
y Lía, que representan la vida contemplativa y la vida activa, el grandioso Moisés y
algunas otras apenas desbastadas.

Simbolismo: algunos han querido ver en el Moisés un retrato idealizado del propio
escultor o del Papa Julio II, temible guerrero y líder espiritual, al igual que el profeta
bíblico. Otros piensan que puede ser un símbolo de los elementos que componen la
Naturaleza; así, la barba representaría el agua y el cabello, las llamas del fuego. Para
Miguel Angel podría simbolizar la fusión de la vida activa y la contemplativa, según el
ideal neoplatónico.

Este comentario es una reelaboración del realizado por María Dolores Granja, que
imparte clases en el I.E.S. "Margarita Salas". Su página web es:
http://www.selectividad.tv/historia_del_arte.php
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2/14/2012
LA ESCULTURA DE MIGUEL ÁNGEL. PROPUESTA DE TRABAJO.

David. Miguel Ángel. Mármol blanco.
Dimensiones: 4.1 m. Año: 1506-7.

EJERCICIO:

- Realiza el análisis de la escultura "David", de Miguel Ángel.
- Compárala con la escultura realizada por Donatello y señala las diferencias que
observas.

David. Donatello. Bronce.
Dimensiones: 158 cm. realización: 1440
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Etiquetas: ACTIVIDADES 2011-12
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LA ESCULTURA DEL S. XVI. MIGUEL ÁNGEL.

Un video para disfrutar del DAVID de
Miguel Ángel en tres dimensiones y con todo detalle. Vive la glorificación del cuerpo
humano desnudo como nadie antes la había plasmado.

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MIGUEL ÁNGEL, ESCULTOR.

Una aproximación a la
obra escultórica de Miguel Ángel, hace necesario contar con algunas ideas previas sobre
su formación inicial en la "escuela donateliana" y la posterior evolución de su estilo, ya
sea en plena madurez o, en una época de crisis espiritual, en su vejez. El conocimiento
de esta evolución estilística nos facilitará la comprensión de su obra y, lo que es más
importante, el disfrute de uno de los grandes genios de toda la historia del arte.

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Elche, Alicante, Spain
Profesor de Secundaria del IES VICTORIA KENT de Elche. Forma parte del
departamento de Ciencias Sociales, Geografía e Historia. Profesor de Historia
desde el año 1987.
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