Comentarios láminas del arte gótico

COMENTARIOS DE ARTE GÓTICO. TERESA FERNÁNDEZ DIEZ. DEPARTAMENTO DE GEOGRAFÍA
E HISTORIA DEL I.E.S. ALDONZA LORENZO. LA PUEBLA DE ALMORADIEL (TOLEDO)

GÓTICO
NOTRE DAME DE
PARIS

SANTA
CAPILLA DE
PARIS,
INTERIOR

CATEDRAL DE
BURGOS

CATEDRAL DE
TOLEDO,
PLANTA E
INTERIOR

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CATEDRAL DE
PALMA DE
MALLORCA

INTERIOR
DE SANTA
MARÍA DEL
MAR

INTERIOR DE
LA LONJA DE
VALENCIA

PORTADA DE LA
CATEDRAL DE
AMIENS

PUERTA DEL
SARMENTAL DE
BURGOS

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VIRGEN BLANCA DE
LEÓN

SEPULCRO DEL
DONCEL DE
SIGÜENZA

SAN FRANCISCO DE
GIOTTO

EL CORDERO
MÍSTICO DE VAN
EYCK

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EL MATRIMONIO
ARNOLFINI DE VAN
EYCK

DESCENDIMIENTO
DE VAN DER
WEYDEN

EL JARDÍN DE LAS
DELICIAS. EL BOSCO

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NOTRE DAME DE PARIS
1- ANÁLISIS DE LA OBRA
1.1- TIPOLOGÍA: ARQUITECTURA RELIGIOSA, CATEDRAL
1.2- MATERIALES: Empleo de materiales nobles, como la piedra (granito) labrada en sillares
firmados con marcas de cantero.
1.3- ELEMENTOS ARQUITECTÓNICOS.
Los elementos sostenidos son arcos apuntados bastante abiertos, (aunque no aparezcan en la
imagen) bóvedas sexpartitas en la nave principal y de crucería en las laterales separadas por
fajones. Sobre las naves laterales se encuentra la tribuna y, sobre ella, una serie de ventanales
organizados por dos arcos con un óculo entre ellos y abrazados por otro mayor, con lo que
presenta tres pisos en altura.
Todos los huecos de ventanales y rosetones (que aparecen en las fachadas) aparecen
decorados por vidrieras, con lo que la luz en el interior remite al ideal de espacio místico
perseguido por los arquitectos de la época.
Exterior consigue crear un perfecto equilibrio entre la línea horizontal y la vertical, tanto
porque las torres que flanquean la fachada rematan en terraza, como porque al impulso
ascensional de los portales se opone la horizontal dibujada por la galería de Reyes. Este
equilibrio se rompe en el s. XIII en otros ejemplos góticos, al triunfar decididamente la vertical
sobre la horizontal.
También por fuera se refleja la estructura interna, al observar las diferentes alturas, y poder
contemplar el sistema de contrarrestos a base de arbotantes y contrafuertes alejados del
muro, que forman parte del vocabulario del estilo.
Su fachada es el prototipo de las francesas, con un esquema en “hache”, teniendo el cuerpo
principal dos torres que la flanquean, rematadas en terrazas. Cada una de ellas es una perfecta
obra escultórica y cuentan con sendos rosetones. La fachada principal nos muestra una
distribución en pisos y está dividida en tres puertas por el exterior, con lo que parece que tiene
tres naves en vez de las cinco que presenta. Su ornamentación es riquísima, perfectamente
adaptada al marco arquitectónico Sobre el parteluz se abre un tímpano encajado entre el
dintel, dividido en tres partes. Las arquivoltas apuntadas están llenas de figuras que recogen la
disposición del arco, como es característico del estilo, en vez de disponerse radialmente, como
ocurría en el Románico.
Dos torres de planta cuadrada, mochas a cada lado rematan la construcción. Tienen los cuatro
lados totalmente abiertos como corresponde a los campaniles y son perfectamente iguales.

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Hermosas y variadas gárgolas de desagüe y otra serie de figuras de coronación de aleros
completan la escultura de este templo.
1.4- ELEMENTOS DECORATIVOS: Destaca el rosetón, elemento decorativo y funcional ya que
permite la entrada de luz. Los relieves de los tímpanos, arquivoltas, capiteles, etc.
1.5- SIMBOLISMO: En los templos religiosos góticos se pueden apreciar tres elementos
simbólicos principalmente:
1- La gran altura del edificio y su verticalidad plasman la idea del triunfo de la vida.
2- La iluminación permitida por la reducción del grosos de los muros y la apertura de
grandes ventanales simbolizan la inteligencia, que todo lo ilumina, el triunfo de la
religión que ilumina al hombre; de la política cuya luminosidad tiene que regir la
ciudad, y de la justicia, que debe estar presidida por la claridad.
3- La utilidad práctica de los edificios en torno a las necesidades del hombre hacía del ser
humano el centro del mundo y del arte gótico.
2- CLASIFICACIÓN
2.1 ESTILO: Se trata de una obra perteneciente al gótico clásico francés. Este estilo se
caracteriza por la utilización de arco apuntado y la bóveda de crucería. Otros elementos
arquitectónicos propios de este estilo son: la bóveda estrellada y la de abanico, los pilares
fasciculados con multiplicidad de baquetones, los arbotantes que permiten el traslado al
exterior de los empujes de la bóveda apoyados en contrafuertes desprendidos del muro,
rematados con pináculos, la utilización del triforio y del claristorio en los edificios de mayor
altura, los arcos lancetados y conopiales, y elementos decorativos como los rosetones
cubiertos con vidrieras, los trifolios, cuatrifolios y gabletes entre otros.
A. PERIODO: S. XIII. Cronológicamente el Gótico, nacido en Francia, desde donde se
extiende al resto de Europa, se desarrolla desde finales del siglo XII hasta, según zonas, el siglo
XV, pudiéndose diferenciar las siguientes etapas en su evolución:
b) El Gótico inicial, aún etapa de transición, de gestación del estilo, desde finales del XII en
Francia.
c) El Gótico Clásico durante el siglo XIII.
d) El Gótico Final, desde el siglo XIV, que presta una mayor atención a lo decorativo.
e) Un Gótico Flamígero, que en algunos lugares se prolonga hasta el XV, caracterizado por el
exagerado gusto por la decoración, hasta llegar a ocultar las estructuras arquitectónicas.
B. ESCUELA: Amiens
2.2 AUTOR: Los arquitectos Pierre de Montreuil y Jean de Chilles construyeron las fachadas
norte-sur de la catedral
2.3 TÍTULO: Notre-Dame de Paría.
3- CONTEXTO, HISTÓRICO-SOCIAL
EN ESTE APARTADO SE HAN DE DESARROLLAR LOS SIGUIENTES APARTADOS
- Evolución de las técnicas agrícolas. Incipiente comercio.
- Sociedad estamental y agraria. Desarrollo de la burguesía.
- Poder de las ciudades, instituciones representativas; fueros. Universidades.
- Monarquía: mayor poder, apoyo de las ciudades, derecho romano.
- Órdenes religiosas mendicantes.
- Arte más humanizado.

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SANTA CAPILLA DE PARIS
1.1- TIPOLOGÍA: ARQUITECTURA RELIGIOSA, IGLESIA
1.2- MATERIALES: Piedra y cristal (vidrieras)
1.3- ELEMENTOS ARQUITECTÓNICOS. Construida como relicario, la santa Capilla debía cumplir así
mismo la función de capilla del Palacio real. Levantada en dos alturas, la capilla inferior, destinada
al pueblo llano y dedicada a la Virgen se divide en tres naves cubiertas por bóvedas de crucería
cuatripartitas sostenida por gran cantidad de columnas. Esta capilla sostiene el peso de la superior.
Con 20 metros de altura es la capilla superior, la destinada a la Familia real y a los demás miembros
de la Corte, la más espectacular debido a la supresión de los muros por enormes ventanales de
vidrieras. Las bóvedas de crucería, decoradas en azul intenso con estrellas doradas en alusión al
universo, descansa sus pesos a través de los nervios hacia los baquetones que trasladan el empuje
en sentido vertical liberando a los muros de su función de carga. Las vidrieras que cierran el
conjunto llenándolo de luz reproducen escenas del Antiguo Testamento así como historias de las
reliquias de la Pasión.
Esta obra ejemplifica como pocas las dos grandes obsesiones que persigue el arquitecto gótico
tales como la búsqueda de la luz y la elevación. En la sainte-Chapelle las novedades arquitectónicas
introducidas por el gótico permiten prescindir del muro que es sustituido por grandes vidrieras
confiriendo al conjunto un aspecto de enorme relicario como correspondería a su función de
guardar algunas de las reliquias más importantes de la pasión tales como la Corona de espinas o un
fragmento de la cruz. Así mismo, los finos baquetones que trasladan los empujes verticales de las
bóvedas, contribuyen a acentuar el sentido vertical del edificio.
Es una de las obras más hermosas y espectaculares del gótico. Ejemplifica el nuevo espíritu gótico
marcado por la luz y la elevación.
1.4-ELEMENTOS DECORATIVOS: Destacan las vidrieras, elemento decorativo y funcional ya
que permite la entrada de luz. Los relieves de los capiteles, la pintura de los paños y nervios de
la bóveda, etc.
3- La utilidad práctica de los edificios en torno a las necesidades del hombre hacía del
ser humano el centro del mundo y del arte gótico.

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2- CLASIFICACIÓN.
2.1 ESTILO: Se trata de una obra perteneciente al gótico clásico francés. Este estilo se caracteriza por la
utilización de arco apuntado y la bóveda de crucería. Otros elementos arquitectónicos propios de este
estilo son: la bóveda estrellada y la de abanico, los pilares fasciculados con multiplicidad de baquetones,
los arbotantes que permiten el traslado al exterior de los empujes de la bóveda apoyados en
contrafuertes desprendidos del muro, rematados con pináculos, la utilización del triforio y del claristorio
en los edificios de mayor altura, los arcos lancetados y conopiales, y elementos decorativos como los
rosetones cubiertos con vidrieras, los trifolios, cuatrifolios y gabletes entre otros.
A. PERIODO: S. XIII. Cronológicamente el Gótico, nacido en Francia, desde donde se extiende al
resto de Europa, se desarrolla desde finales del siglo XII hasta, según zonas, el siglo XV, pudiéndose
diferenciar las siguientes etapas en su evolución:
b) El Gótico inicial, aún etapa de transición, de gestación del estilo, desde finales del XII en Francia.
e) Un Gótico Flamígero, que en algunos lugares se prolonga hasta el XV, caracterizado por el exagerado
gusto por la decoración, hasta llegar a ocultar las estructuras arquitectónicas
A. PERIODO: S. XIII B. ESCUELA: Francesa
2.2 AUTOR: Su construcción se atribuye a Pierre de Montreuil.
2.3 TÍTULO: Santa Capilla de París. Mandada construir por el rey San Luis de Francia con la finalidad de
guardar las reliquias de la corona de espinas, obsequio del emperador de Bizancio.
3- CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL:
EN ESTE APARTADO SE HAN DE DESARROLLAR LOS SIGUIENTES APARTADOS
- Evolución de las técnicas agrícolas. Incipiente comercio.
- Sociedad estamental y agraria. Desarrollo de la burguesía.
- Poder de las ciudades, instituciones representativas; fueros. Universidades.
- Monarquía: mayor poder, apoyo de las ciudades, derecho romano.
- Órdenes religiosas mendicantes.
- Arte más humanizado.

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LA CATEDRAL DE BURGOS
1.1- TIPOLOGÍA: ARQUITECTURA RELIGIOSA, Catedral.
1.2- MATERIALES: Empleo de materiales nobles, como la piedra labrada en sillares.
1.3- ELEMENTOS ARQUITECTÓNICOS. La catedral gótica es el edificio más representativo
de la nueva sociedad urbana: es la iglesia de la ciudad. Se caracteriza por su verticalidad y su
luminosidad. Las nuevas técnicas constructivas permiten rasgar los muros y sustituirlos por
vidrieras de colores. El vano prevalece sobre el muro. El gótico es ante todo la arquitectura de
la luz. Desaparece así la pintura mural característica del románico y en su lugar se desarrolla la
pintura sobre tabla y los tapices. El gótico español se caracteriza por por tener unas
dimensiones más pequeñas que nuestros vecinos europeos. La catedral de Burgos, comparada
con las francesas le falta altura.
Es una arquitectura sólida y duradera, incluso son de piedra sus bóvedas.
LA FACHADA se organización en tres cuerpos y tres fajas verticales, que se rematan en agujas
con plementería calada de remate piramidal de influencia germánica. Las agujas que rematan
las torres de la fachada y el cimborrio, están ricamente decoradas y acentúan el verticalismo
de la fachada. No hay que olvidar la falta de altura y el predominio de la horizontalidad del
gótico español en comparación con el francés. La fachada permite adivinar el interior: planta
de cruz latina dividida en tres naves, la central más ancha y alta que las laterales. Las nuevas
técnicas constructivas como el arco apuntado, las bóvedas de crucería y los arbotantes
permiten rasgar el muro y abrir vanos decorados con vidrieras de colores. Estas vidrieras
tamizan la luz, coloreándola y creando una atmósfera irreal.
Hay un predominio del vano sobre el muro. En segundo plano se ve el cimborrio que cubre el
crucero y, más al fondo, otra parte de este mismo edificio también con característicos
pináculos de remate.
En la FACHADA se distingue el rosetón y vanos a ambos lados con una rica decoración en
tracería, así como una galería con estatuas. Toda la fachada predomina la decoración
geométrica. La entrada principal así como a ambos lados del transepto se sigue situando la
Portada como en el arte románico. La Portada simboliza la puerta del cielo y en ella se va a
representar la iconografía más importante Seguimos pues, ante un arte relato caracterizado
por tener una fuerte carga simbólica y una función didáctica.
1.4- ELEMENTOS DECORATIVOS: Destaca el rosetón, elemento decorativo y funcional ya que
permite la entrada de luz. Los relieves de los tímpanos, arquivoltas, capiteles, etc.

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3- La utilidad práctica de los edificios en torno a las necesidades del hombre hacía del
ser humano el centro del mundo y del arte gótico.
2- CLASIFICACIÓN
2.1 ESTILO: Arquitectura gótica española, fase clásica. Se trata de una obra perteneciente al
gótico clásico. Este estilo se caracteriza por la utilización de arco apuntado y la bóveda de
crucería. Otros elementos arquitectónicos propios de este estilo son: la bóveda estrellada y la
de abanico, los pilares fasciculados con multiplicidad de baquetones, los arbotantes que
permiten el traslado al exterior ede los empujes de la bóveda apoyados en contrafuertes
desprendidos del muro, rematados con pináculos, la utilización del triforio y del claristorio en
los edificios de mayor altura, los arcos lancetados y conopiales, y elementos decorativos como
los rosetones cubiertos con vidrieras, los trifolios, cuatrifolios y gabletes entre otros.
A. PERIODO: S. XIII. Cronológicamente el Gótico, nacido en Francia, desde donde se
Francia.
exagerado gusto por la decoración, hasta llegar a ocultar las estructuras arquitectónicas
A. PERIODO: S. XIII La obra actual resulta compleja debido a los constante añadidos que se
hicieron hasta el siglo XIX,
B. ESCUELA: Escuela castellana
2.2 AUTOR: Maestro de las Huelgas.
2.3 TÍTULO: La catedral de Burgos.
3- CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL.
IGUAL QUE EN LAS ANTERIORES. Hay que incluir lo siguiente:
- La situación de la Península Ibérica en los siglos XI y XII era sensiblemente diferente a la del
resto de Europa, la Reconquista frente al Islam, que favoreció una sociedad original en la que
un campesinado libre y propietario contrastaba con los siervos del feudalismo continental y en
la que los monarcas de los distintos reinos cristianos del norte aún detentaban un verdadero
poder. Importantísima fue también la consolidación de Santiago de Compostela como meta de
peregrinación, que favoreció la europeización de los reinos hispanos, aspecto al que también
contribuyó la llegada de importantes contingentes de francos para ayudar a la repoblación de
las tierras recién conquistadas.

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CATEDRAL DE TOLEDO, PLANTA E INTERIOR
1.1- TIPOLOGÍA: ARQUITECTURA RELIGIOSA. Catedral
Características. Descripción general
En la imagen podemos observar la planta y en alzado la fachada.
La planta, de salón, se caracteriza por tener 5 naves, la central más ancha que las laterales,
cubiertas con bóvedas de arista. El crucero no saliente pero de gran anchura. La cabecera
presenta una magnífica doble girola, continuación de las naves laterales.
Esta compleja cabecera es lo más sobresaliente, por lo original de la solución, para abovedar
los tramos irregulares consecuencia de la curva de la girola. Esta solución se basa en la
creación de tramos triangulares y rectangulares. Los tramos exteriores rectangulares se
rematan en muros semicirculares y el resto en muro plano, creando un gran número de
capillas.
También son destacables los arcos polilobulados y entrecruzados del triforio de la girola de
origen musulmán y que a pesar de realizarse en una ciudad de gran tradición musulmana
ponen una nota de exotismo en esta catedral gótica de tradición europea.
En alzado se caracteriza por presentar una sola torre. La fachada principal tiene tres portadas,
denominadas, respectivamente, Puerta del Perdón (en el centro), Puerta del Juicio Final o del
perdón (a la derecha), y Puerta del Infierno (a la izquierda). La puerta del Perdón es del siglo
XV: se comenzó, bajo la dirección de Alvar Martínez, en 1418. Se llama así porque hubo un
tiempo en que se concedían indulgencias a los penitentes que entraban por ella. Esta puerta
en la actualidad está siempre cerrada y se abre en las grandes ocasiones y cuando el nuevo
arzobispo toma posesión de la catedral primada. Tiene un gran arco con seis arquivoltas
góticas. Sigue la iconografía clásica del gótico, con la figura del Salvador en el mainel y un
apostolado en las jambas, y en el tímpano aparece la Virgen imponiendo la casulla a San
Ildefonso, tema muy especial de esta catedral que se repetirá en el interior en capillas y
pinturas. Las hojas de la puerta miden más de 5 m de altura y están chapadas en bronce y muy
trabajadas; son del siglo XIV. La del Juicio Final es la más antigua, y representa, como su
nombre indica, la escena del Juicio Final.
La Puerta del Infierno, en cambio, no presenta motivos iconográficos reseñables, sino solo
decoración de tipo vegetal. Se la conoce también como puerta de la Torre o de las Palmas
porque antiguamente se reservaba para la entrada de la procesión de las palmas en el
Domingo de Ramos.
De las tres portadas, la más antigua es la del Perdón, realizada alrededor del año 1300 e
inspirada en las puertas del crucero de Notre Dame de París.
Poco después, en la primera mitad del siglo XIV se acometieron las portadas de la fachada
principal. En este caso, lo lento de los trabajos de edificación de las naves, ha hecho que sean

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las menos interesantes desde el punto de vista iconográfico. La puerta de los Leones está en el
brazo meridional del crucero.
A pesar de que es la catedral de Toledo es el edifico gótico más grande iniciada en el siglo XIII
en la península y tener precedentes franceses en muchas de sus soluciones, no deja de notarse
cierta horizontalidad más propio de la tradición española. Este hecho se aprecia
perfectamente en la supresión del triforio en la nave principal que le habría prestado mayor
altura y esbeltez.
1.4- ELEMENTOS DECORATIVOS: Destaca el rosetón, elemento decorativo y funcional ya
que permite la entrada de luz. Los relieves de los tímpanos, arquivoltas, capiteles, etc.
1- La gran altura del edificio y su verticalidad plasman la idea del triunfo de la
vida.
2- La iluminación permitida por la reducción del grosos de los muros y la apertura
de grandes ventanales simbolizan la inteligencia, que todo lo ilumina, el
triunfo de la religión que ilumina al hombre; de la política cuya luminosidad
tiene que regir la ciudad, y de la justicia, que debe estar presidida por la
claridad.
3- La utilidad práctica de los edificios en torno a las necesidades del hombre
hacía del ser humano el centro del mundo y del arte gótico.
2- CLASIFICACIÓN
2.1 ESTILO: Arquitectura gótica, clásica, española. Se trata de una obra perteneciente al gótico
clásico. Este estilo se caracteriza por la utilización de arco apuntado y la bóveda de crucería.
Otros elementos arquitectónicos propios de este estilo son: la bóveda estrellada y la de
abanico, los pilares fasciculados con multiplicidad de baquetones, los arbotantes que permiten
el traslado al exterior de los empujes de la bóveda apoyados en contrafuertes desprendidos
del muro, rematados con pináculos, la utilización del triforio y del claristorio en los edificios de
mayor altura, los arcos lancetados y conopiales, y elementos decorativos como los rosetones
cubiertos con vidrieras, los trifolios, cuatrifolios y gabletes entre otros.
A. PERIODO: S. XIII. Cronológicamente el Gótico, nacido en Francia, desde donde se extiende al
resto de Europa, se desarrolla desde finales del siglo XII hasta, según zonas, el siglo XV,
pudiéndose diferenciar las siguientes etapas en su evolución:
Francia.
A. PERIODO: S. XIII La obra actual resulta compleja debido a los constante añadidos que se
hicieron hasta el siglo XIX,
B. ESCUELA: Escuela castellana
2.2 AUTOR: Fue proyectada por el maestro Martín. A su muerte fue continuada por el maestro
Petrus Petri.
2.3 TÍTULO: La catedral de Burgos.
3- CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL. Igual que la anterior

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CATEDRAL DE PALMA DE MALLORCA
Características. Descripción general. En la imagen podemos observar uno de los laterales del
alzado de esta catedral.
La planta, de salón, se caracteriza por tener 3 naves, la central más ancha que las laterales,
cubiertas con bóvedas de arista. No presenta girola. Presenta tres ábsides en la cabecera. Se
abren dieciséis capillas entre los contrafuertes. La cubierta es de bóvedas de ojivas que cubren
la catedral gótica más alta del mundo. Se caracteriza por un gran número de contrafuertes,
arbotantes y pináculos, consecuencia de los tramos anchos y cortos de la nave central. Algunos
de los arbotantes presentan una finalidad decorativa. Contrasta sobremanera el aspecto
externo completamente anguloso debido al rítmico juego de contrafuertes, arbotantes y
pináculos con la diafanidad interior. Por encima de las naves laterales -gracias a la acusada
diferencia de alturas entre nave principal y laterales- se abren ventanales altos y estrechos por
lo que es relacionable más con las catedrales de Manresa y Tortosa que con otras del gótico
catalán. Entre los contrafuertes que se apoyan en las naves laterales se abren las habituales
capillas del románico mediterráneo. Aunque no se vea en la imagen, hay que destacar que las
naves se dividen mediante altísimos pilares octogonales que ascienden hasta recoger los
nervios de la bóveda de crucería.
vida.
2- La iluminación permitida por la reducción del grosos de los muros y la
apertura de grandes ventanales simbolizan la inteligencia, que todo lo
ilumina, el triunfo de la religión que ilumina al hombre; de la política cuya
luminosidad tiene que regir la ciudad, y de la justicia, que debe estar
presidida por la claridad.
2- CLASIFICACIÓN.
2.1 ESTILO: Gótico mediterráneo español, del siglo XIV. Se trata de una obra perteneciente.
Esta etapa se caracteriza por la mayor verticalidad, el uso de arcos apuntados, la multiplicación
de nervios secundarios en las bóvedas y el empleo de triflolios en las tracerías. Está
representado por las grandes catedrales catalanas y levantinas, por lo que ha sido llamado
gótico mediterráneo.

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A. PERIODO: S. XIV, 1346. Cronológicamente el Gótico, nacido en Francia, desde donde se
Francia.
B. ESCUELA: Gótico mediterráneo.
2.2 AUTOR: Sus arquitectos principales son Ponç des Coll, Guillem Forteza y Jaume Fabré; será
terminada por Guillermo Sabrerá que termina la fachada del Mirador en 1401, pero tiene
añadidos hasta el siglo XVII
2.3 TÍTULO: La catedral de Palma de Mallorca.
3- CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL. IGUAL QUE EN LAS ANTERIORES.

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INTERIOR DE SANTA MARÍA DEL MAR
Aunque no se perciba en la imagen, se trata de una iglesia cuya planta se compone de tres
naves sin crucero y con un deambulatorio.
La imagen recoge la parte de cabecera correspondiente a la girola. El conjunto ofrece una
sensación de equilibrio y armonía que deriva tanto de la combinación armoniosa de líneas y
proporciones como de su austeridad.
Interiormente es un edificio de tres naves, con deambulatorio y sin crucero. Las naves están
formadas por cuatro tramos y el presbiterio consta de medio tramo y un polígono de siete
lados, todo cubierto con una bóveda de crucería y coronado con magníficas llaves de bóveda.
Los pilares de la cabecera son lisos, sin molduras, casi sin basa y con capiteles de
ornamentación muy sencilla. Esta austeridad contribuye a la impresión de espacio
desahogado. Aparecen más juntos de lo habitual para poder repartir mejor el peso de la
cubierta, convirtiendo el presbiterio en un singular bosque de palmeras de piedra. Desde el
punto de vista estético, el punto más emocionante lo constituye la luz filtrada por entre estos
soportes de la girola.
La nave central se ilumina mediante óculos abiertos entre las galerías de la nave central y los
laterales. Estos óculos se convierten en ventanales entre las columnas del presbiterio, los
cuales ocupan casi todo el espacio disponible y contribuyen a reforzar el efecto de las
columnas con un semicírculo de luz. Las naves laterales se iluminan con ventanales (uno por
tramo y no muy grandes) que también contribuyen a iluminar la nave central.
Los contrafuertes se aprovechan para instalar entre ellos tres capillas laterales. El muro se lleva
hasta el fin de estos, no sobresaliendo en planta.
vida.
2- La iluminación permitida por la reducción del grosos de los muros y la
apertura de grandes ventanales simbolizan la inteligencia, que todo lo
ilumina, el triunfo de la religión que ilumina al hombre; de la política cuya
luminosidad tiene que regir la ciudad, y de la justicia, que debe estar
presidida por la claridad.

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2- CLASIFICACIÓN
2.1 ESTILO: Gótico español. Se trata de una obra perteneciente al gótico manierista, del siglo
XIV. Esta etapa se caracteriza por la mayor verticalidad, el uso de arcos apuntados, la
multiplicación de nervios secundarios en las bóvedas y el empleo de triflolios en las tracerías.
Está representado por las grandes catedrales catalanas y levantinas, por lo que ha sido llamado
gótico mediterráneo.
A. PERIODO: S. XIV, entre 129 y 1383. Cronológicamente el Gótico, nacido en Francia,
desde donde se extiende al resto de Europa, se desarrolla desde finales del siglo XII hasta,
según zonas, el siglo XV, pudiéndose diferenciar las siguientes etapas en su evolución:
Francia.
2.2 AUTOR: Berenguer de Montagud y Ramón Despuig.
2.3 TÍTULO: Santa María del Mar. La construcción de la "catedral del mar", como
popularmente es conocida duró tan solo sesenta y tantos años, y en ella colaboraron todos los
gremios e instituciones de la ciudad relacionados con el puerto en un momento de máximo
desarrollo de la actividad marítima y comercial de Barcelona.
3- CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL. IGUAL QUE EN LAS ANTERIORES. Hay que incluir lo
siguiente:
- La situación de la Península Ibérica en los siglos XI y XII era sensiblemente diferente a la del
resto de Europa, la Reconquista frente al Islam, que favoreció una sociedad original en la que
un campesinado libre y propietario contrastaba con los siervos del feudalismo continental y en
la que los monarcas de los distintos reinos cristianos del norte aún detentaban un verdadero
poder. Importantísima fue también la consolidación de Santiago de Compostela como meta de
peregrinación, que favoreció la europeización de los reinos hispanos, aspecto al que también
contribuyó la llegada de importantes contingentes de francos para ayudar a la repoblación de
las tierras recién conquistadas.

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INTERIOR DE LA LONJA DE VALENCIA
1.1- TIPOLOGÍA: ARQUITECTURA CIVIL. Lonja.
En la imagen se puede observar el Salón Columnario o Sala de Contratación, una gran estancia
interior, con tres naves longitudinales cuyo techo es un conjunto de bóvedas de crucería
sostenidas sobre esbeltas columnas helicoidales de casi 16 metros. La Lonja fue diseñada como
un templo al comercio y presenta un marcado carácter simbólico, en el que se ha querido ver
la representación del paraíso en el que las columnas sería los troncos de las palmeras y las
cúpulas representarían la cúpula celeste o bien las propias hojas de las palmeras abriéndose en
lo alto. Su construcción se asemeja a los castillos medievales por el aspecto de fortaleza que
adquieren sus gruesos muros y sus almenas. La Lonja está formada por cuatro partes que son:
la Torre, la Sala del Consulado del Mar, el Patio de los Naranjos y el Salón Columnario o Sala de
Contratación. La superficie del monumento supera los 2.000 metros cuadrados entre zonas
edificadas y no edificadas. La Lonja de Valencia representa el poder económico de la ciudad a
finales del siglo XV.
2- CLASIFICACIÓN
2.1 ESTILO: Gótico civil español. Se trata de una obra perteneciente al gótico manierista, del
siglo XIV. Esta etapa se caracteriza por la mayor verticalidad, el uso de arcos apuntados, la
multiplicación de nervios secundarios en las bóvedas y el empleo de triflolios en las tracerías.
Está representado por las grandes catedrales catalanas y levantinas, por lo que ha sido llamado
gótico mediterráneo, así como por edificios civiles, de los cuales uno de los más importantes es
La Lonja de Valencia.
A. PERIODO: S. XIV, entre 1482 y 1498. Cronológicamente el Gótico, nacido en Francia,
desde donde se extiende al resto de Europa, se desarrolla desde finales del siglo XII hasta,
según zonas, el siglo XV, pudiéndose diferenciar las siguientes etapas en su evolución:
Francia.
2.2 AUTOR: Fue construida por los maestros canteros Pere Compte, Johan Yvarra, Johan
Corbera y Domingo Urtiaga
2.3 TÍTULO: La Lonja de Valencia.
3- CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL. IGUAL QUE EN LAS ANTERIORES.

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PORTADA DEL SARMENTAL

1.1 TEMA (RELIGIOSO, MITOLÓGICA, HISTÓRICO, FUNERARIO, RETRATO, MILITAR…). Religioso
2.2 ELEMENTOS FORMALES
a) TIPO (BULTO REDONDO, RELIEVE (altorrelieve, bajorrelieve huecorrelieve): Se trata de
relieve, en concreto medio y alto relieve.
b) ACTITUD (SEDENTE, YACENTE, ORANTE…): Las figuras aparecen de frente, de perfil. De pie
y sentadas.
c) MATERIAL (PIEDRA, BARRO, MADERA, BRONCE, HIERRO…). Piedra.
d) REALISMO-IDEALISMO: Modelado más real de las figuras. Los pliegues de los paños y los
gestos de las figuras dan cierta sensación de movilidad.
e) ANÁLISIS DE LA COMPOSICIÓN Y DEL MOVIMIENTO (HIERATISMO, COMPOSICIÓN
SERPENTINATA, ABIERTA/CERRADA…).
Alrededor de Cristo, que preside el tímpano, se distribuyen el resto de los personajes,
obligados a adaptarse al marco arquitectónico. Así, de la misma manera que el arco apuntado
apuntado del tímpano exige que los escribanos curven sus cuerpos, las arquivoltas obligan a
las figuras superpuestas a seguir la curva de los arcos, de acuerdo con la costumbre gótica y en
contra de la románica que preferentemente obligaba a seguir la orientación de las diferentes
dovelas de las arcadas.
Las figuras, aunque todavía muestran la frontalidad y rigidez románicas, ya presentan una
humanización gótica al relacionarse entre sí y desarrollar actividades concretas. Los rostros
denotan rasgos diferenciados y los ropajes, que acentúan las líneas curvas a partir de los
pliegues, favorecen la corporeidad.
Los evangelistas-escribanos y los apóstoles reciben un tratamiento más naturalista. Estos
últimos, cuyo frontalismo contrasta con el movimiento de sus cabezas, están sentados y
sostienen libros conversan con sus compañeros, otros, con la mirada distraída, parecen
meditar.
La mayor parte de las esculturas son prácticamente exentas y se integran en la arquitectura
mediante elementos arquitectónicos como las peanas -que ejercen de doseles de los sujetos
inmediatamente inferiores-. Entre el tímpano y el dintel destaca un doselete corrido que sirve
de base a la escena central y de remate al friso de los apóstoles; su decoración de castilletes
remite a la muralla de Dios o a la Jerusalén celestial. Dinámicas olas marinas ejercen de
separadoras de los escribanos que coronan el tímpano y contrastan con la inmovilidad de las
figuras.
f) PERSPECTIVA. En el relieve la perspectiva se alcanza con el “juego de alto, medio y relieve”.
En este caso no hay representación de perspectiva porque no hay elementos de encuadre; la
escultura románica se centra en la escena, prescindiendo de cualquier elemento que distraiga
la atención del espectador,
g) OTROS ASPECTOS FORMALES: POLICROMÍA, INCIDENCIA DE LA LUZ, ANATOMÍA, ROPAJES
(PLIEGUES). En este tímpano, comparable a los de Francia, llama la atención el irregular

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volumen de sus relieves, en relación con su tamaño. Han sido encastrados en el soporte. La
pintura complementaba el conjunto.
h) ICONOGRAFÍA: sigue cumpliendo como en el arte románico dos funciones, embellecer y
enseñar. Seguimos pues, ante un arte relato caracterizado por tener una fuerte carga
simbólica. La Portada simboliza la puerta del cielo y en ella se va a representar la iconografía
más importante.
El programa iconográfico de su única portada —en correspondencia con una sola nave
transversal— está dedicado a la Maiestas Domini (su escultor ha sido relacionado con uno de
los que trabajaron en la catedral francesa de Amiens); trasmite un mensaje apocalíptico que
puede parangonarse con el modelo que deriva de la Puerta Real de Chartres. En el centro del
tímpano aparece Cristo en Majestad en actitud de bendecir con la mano derecha, mientras con
la izquierda sujeta el libro de los Evangelios, que apoya en la rodilla. A su izquierda y derecha,
escoltándole, y superpuestos de dos en dos, aparecen los cuatro evangelistas y sus símbolos o
Tetramorfos. Dos de ellos, San Marcos al lado del león, y San Lucas al lado del toro, van
sentados en amplias banquetas, se inclinan sobre sendos pupitres y escriben al dictado del
Redentor el Nuevo Testamento; los otros dos van colocados en un nivel superior, encima de su
símbolo -el águila- San Juan, y encima del ángel –que porta un libro- San Mateo; los dos
también sentados y escribiendo sobre atriles; este iconograma se repetirá después en la
fachada meridional (o de la Revelación) de la catedral de León y está de acuerdo con una
tradición que se puede rastrear en el arte bizantino y en el carolingio. El tamaño de los
evangelistas es inferior al de Jesús, de acuerdo con el precepto de la perspectiva jerárquica y
parecen escribanos afanados con sus plumas entre los dedos y los cuernos de la tinta donde
mojar a su derecha.
Por debajo del tímpano se sitúa el apostolado que va cubierto por un doselete corrido,
formado por arquillos trilobulados.
El tímpano va delimitado dentro del muro por tres arquivoltas. La primera decorada por una
hilera de ángeles y serafines que, portando cirios, adoran al Creador, mientras en las dos
restantes encontramos a los 24 ancianos del Apocalipsis (sólo veintitrés y un serafín) tañendo
instrumentos, reyes bíblicos y santos. Todas estas esculturas se asientan sobre peanas que al
mismo tiempo ejercen la función de pequeños doseles de las inmediatamente inferiores.
Las jambas de la portada se componen de un zócalo y dos galerías superpuestas de arcos
ciegos. La inferior, sin decoración escultórica, lleva dobles columnas adosadas, mientras que
en la superior son simples y la decoran esculturas de Moisés, Aarón, San Pedro, San Pablo y
otros dos personajes no identificados.
En el parteluz, aparece la figura de un obispo con mitra estrellada en la que popularmente se
ha visto la representación del obispo don Mauricio, bajo cuyo pontificado se inició la
construcción de la Catedral, de acuerdo con la costumbre francesa de incorporar a los
personajes relacionados con la construcción en los proyectos iconográficos de sus edificios.
Otros especialistas se inclinan por un obispo santo, cuya reliquia se conservaría en la catedral.
La imagen original se halla ahora en el claustro, sustituida en su emplazamiento primitivo por
una copia. Sobre el doselete que la cobija aparece el Cordero Místico, elemento iconográfico
extraído del Apocalipsis y, por tanto, muy en consonancia con los veinticuatro ancianos y la
exaltación del Verbo o Palabra de Dios.
2- CLASIFICACIÓN
2.1 ESTILO: Fase clásica de la escultura gótica francesa, que presenta, entre otras, las
siguientes características generales:
- Subordinación de la escultura a la arquitectura.
- Temática religiosa y funeraria.
- Naturalismo.
- Humanidad de las figuras.

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- Idealismo cargado de una cierta solemnidad que representa al hombre en su plenitud y
su nobleza..
- Los tímpanos se dividen en tres bandas horizontales.
- Presencia de doseletes y peanas.
A. PERIODO: S.XIII. Se encuadra cronológicamente entre 1230 y 1240.
B. ESCUELA: Camino de Santiago.
2.2 AUTOR:
2.3 TÍTULO: "La portada del Sarmental” de la Catedral de Burgos situada en uno de los
brazos del transepto. Presenta una clara influencia de la catedral de Amiens. Estilo gótico del
siglo XIII.
3- CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL. Igual que en las anteriores.

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PORTADA DE LA CATEDRAL DE AMIENS

1.1 TEMA (RELIGIOSO, MITOLÓGICA, HISTÓRICO, FUNERARIO, RETRATO, MILITAR…). Religioso
a) TIPO (BULTO REDONDO, RELIEVE (altorrelieve, bajorrelieve huecorrelieve): Se trata de
relieve, en concreto medio y alto relieve.
b) ACTITUD (SEDENTE, YACENTE, ORANTE…): Las figuras aparecen de frente, de perfil. De pie
y sentadas.
c) MATERIAL (PIEDRA, BARRO, MADERA, BRONCE, HIERRO…). Piedra.
d) REALISMO-IDEALISMO: Modelado más real de las figuras. Los pliegues de los paños y los
gestos de las figuras dan cierta sensación de movilidad.
e) ANÁLISIS DE LA COMPOSICIÓN Y DEL MOVIMIENTO (HIERATISMO, COMPOSICIÓN
SERPENTINATA, ABIERTA/CERRADA…).
Alrededor de Cristo, que preside el tímpano, se distribuyen el resto de los personajes,
obligados a adaptarse al marco arquitectónico. Así, de la misma manera que el arco apuntado
apuntado del tímpano exige que los escribanos curven sus cuerpos, las arquivoltas obligan a
las figuras superpuestas a seguir la curva de los arcos, de acuerdo con la costumbre gótica y en
contra de la románica que preferentemente obligaba a seguir la orientación de las diferentes
dovelas de las arcadas.
Las figuras, aunque todavía muestran la frontalidad y rigidez románicas, ya presentan una
humanización gótica al relacionarse entre sí y desarrollar actividades concretas. Los rostros
denotan rasgos diferenciados y los ropajes, que acentúan las líneas curvas a partir de los
pliegues, favorecen la corporeidad.
Los evangelistas-escribanos y los apóstoles reciben un tratamiento más naturalista. Estos
últimos, cuyo frontalismo contrasta con el movimiento de sus cabezas, están sentados y
sostienen libros conversan con sus compañeros, otros, con la mirada distraída, parecen
meditar.
La mayor parte de las esculturas son prácticamente exentas y se integran en la arquitectura
mediante elementos arquitectónicos como las peanas -que ejercen de doseles de los sujetos
inmediatamente inferiores-. Entre el tímpano y el dintel destaca un doselete corrido que sirve
de base a la escena central y de remate al friso de los apóstoles; su decoración de castilletes
remite a la muralla de Dios o a la Jeruselén celestial. Dinámicas olas marinas ejercen de
separadoras de los escribanos que coronan el tímpano y contrastan con la inmovilidad de las
figuras.
f) PERSPECTIVA. En el relieve la perspectiva se alcanza con el “juego de alto, medio y relieve”.
En este caso no hay representación de perspectiva porque no hay elementos de encuadre; la
escultura románica se centra en la escena, prescindiendo de cualquier elemento que distraiga
la atención del espectador,

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g) OTROS ASPECTOS FORMALES: POLICROMÍA, INCIDENCIA DE LA LUZ, ANATOMÍA, ROPAJES
(PLIEGUES). En este tímpano, comparable a los de Francia, llama la atención el irregular
volumen de sus relieves, en relación con su tamaño. Han sido encastrados en el soporte. La
pintura complementaba el conjunto.
h) ICONOGRAFÍA: sigue cumpliendo como en el arte románico dos funciones, embellecer y
enseñar. Seguimos pues, ante un arte relato caracterizado por tener una fuerte carga
simbólica. La Portada simboliza la puerta del cielo y en ella se va a representar la iconografía
más importante.
El programa iconográfico de su única portada —en correspondencia con una sola nave
transversal— está dedicado a la Maiestas Domini (su escultor ha sido relacionado con uno de
los que trabajaron en la catedral francesa de Amiens); trasmite un mensaje apocalíptico que
puede parangonarse con el modelo que deriva de la Puerta Real de Chartres. En el centro del
tímpano aparece Cristo en Majestad en actitud de bendecir con la mano derecha, mientras con
la izquierda sujeta el libro de los Evangelios, que apoya en la rodilla. A su izquierda y derecha,
escoltándole, y superpuestos de dos en dos, aparecen los cuatro evangelistas y sus símbolos o
Tetramorfos. Dos de ellos, San Marcos al lado del león, y San Lucas al lado del toro, van
sentados en amplias banquetas, se inclinan sobre sendos pupitres y escriben al dictado del
Redentor el Nuevo Testamento; los otros dos van colocados en un nivel superior, encima de su
símbolo -el águila- San Juan, y encima del ángel –que porta un libro- San Mateo; los dos
también sentados y escribiendo sobre atriles; este iconograma se repetirá después en la
fachada meridional (o de la Revelación) de la catedral de León y está de acuerdo con una
tradición que se puede rastrear en el arte bizantino y en el carolingio. El tamaño de los
evangelistas es inferior al de Jesús, de acuerdo con el precepto de la perspectiva jerárquica y
parecen escribanos afanados con sus plumas entre los dedos y los cuernos de la tinta donde
mojar a su derecha.
Por debajo del tímpano se sitúa el apostolado que va cubierto por un doselete corrido,
formado por arquillos trilobulados.
El tímpano va delimitado dentro del muro por tres arquivoltas. La primera decorada por una
hilera de ángeles y serafines que, portando cirios, adoran al Creador, mientras en las dos
restantes encontramos a los 24 ancianos del Apocalipsis (sólo veintitrés y un serafín) tañendo
instrumentos, reyes bíblicos y santos. Todas estas esculturas se asientan sobre peanas que al
mismo tiempo ejercen la función de pequeños doseles de las inmediatamente inferiores.
Las jambas de la portada se componen de un zócalo y dos galerías superpuestas de arcos
ciegos. La inferior, sin decoración escultórica, lleva dobles columnas adosadas, mientras que
en la superior son simples y la decoran esculturas de Moisés, Aarón, San Pedro, San Pablo y
otros dos personajes no identificados.
En el parteluz, aparece la figura de un obispo con mitra estrellada en la que popularmente se
ha visto la representación del obispo don Mauricio, bajo cuyo pontificado se inició la
construcción de la Catedral, de acuerdo con la costumbre francesa de incorporar a los
personajes relacionados con la construcción en los proyectos iconográficos de sus edificios.
Otros especialistas se inclinan por un obispo santo, cuya reliquia se conservaría en la catedral.
La imagen original se halla ahora en el claustro, sustituida en su emplazamiento primitivo por
una copia. Sobre el doselete que la cobija aparece el Cordero Místico, elemento iconográfico
extraído del Apocalipsis y, por tanto, muy en consonancia con los veinticuatro ancianos y la
exaltación del Verbo o Palabra de Dios.
2- CLASIFICACIÓN
2.1 ESTILO: Fase clásica de la escultura gótica francesa, que presenta, entre otras, las
siguientes características generales:
- Subordinación de la escultura a la arquitectura.
- Temática religiosa y funeraria.
- Naturalismo.

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- Humanidad de las figuras.
- Idealismo cargado de una cierta solemnidad que representa al hombre en su plenitud y
su nobleza..
- Los tímpanos se dividen en tres bandas horizontales.
- Presencia de doseletes y peanas.
A. PERIODO: S.XIII. Se encuadra cronológicamente entre 1230 y 1240.
B. ESCUELA: Camino de Santiago.
2.2 AUTOR:
2.3 TÍTULO: "La portada del Sarmental” de la Catedral de Burgos situada en uno de los
brazos del transepto. Presenta una clara influencia de la catedral de Amiens. Estilo gótico del
siglo XIII.
3- CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL. Igual que en las anteriores.

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SAN FRANCISCO
GIOTTO
1- LOCALIZACIÓN
1.1 TIPO DE OBRA: Pintura mural, al fresco con aplicación de temple. Se realiza a través de
cuatro pasos:
1- La preparación del muro, por medio de una capa de enfoscado (mezcla de cal y
arena) y otra de enlucido (cal, arena y polvo de arena)
2- La imprimación, consistente en el alisamiento de las capas.
3- El estarcido. Las líneas fundamentales del dibujo se trasladan a la pared soplando
con polvo de carbón sobre un dibujo agujereado colocado en el muro.
4- Aplicación del color con la técnica del temple.
1.2 ESTILO
1.2.1. PERIODO: Trecento, estilo ítalo-gótico. Finales del siglo XIV
1.2.2. ESCUELA: Florencia
1.3 AUTOR: Giotto. Fue el gran maestro de la Escuela Florentina, considerado como discípulo
de Cimabúe. Su obra se desarrolló en Padua y Asís. Pinta temas religiosos extraídos de la Biblia,
aunque Giotto va a romper con los convencionalismos heredados de su maestro: Le interesa el
ser humano y la naturaleza que le rodea, en un sentimiento cercano a la nueva religiosidad
franciscana. Ello le permitió abrir el camino del Naturalismo y el Humanismo.
1.4 TÍTULO: Escenas de la vida de San Francisco, en Asís: La expulsión de los diablos de Arezzo
2. ANÁLISIS COMENTARIO
2.1 TEMA: Religioso. Se representa el milagro de san Francisco al llegar a Arezzo donde
mediante la oración consiguió que unos diablos que acechaban esta ciudad se fueran.
a) TÉCNICAS (FRESCO, OLEO...): Temple, técnica pictórica que utiliza el huevo como
aglutinante y cola para la fijación.
b) COMPOSICIÓN: Da forma corpórea a las figuras a través del volumen logrado con el
modelado de los ropajes. Los trazos son robustos y sus volúmenes sólidos. Abierta, con una
disposición oblicua de las líneas de fuga.
c) PERSPECTIVA: Representación espacial en perspectiva, sensación de montaje
escenográfico. Apunta aquí ya su sentido volumétrico de las figuras, interesado en captar la
tridimensionalidad de los cuerpos representados, lo mismo que la importancia que concede a
las miradas como representantes de la carga emotiva que se esconde en sus representaciones.
Representó el espacio tridimensional en una superficie de dos dimensiones: poseía un gran
dominio de la representación espacial rompiendo con la tradición planista anterior.

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d) ANÁLISIS DEL MOVIMIENTO: Amplio repertorio gestual para mostrar los afectos.
e) ANÁLISIS DEL COLOR: Gradación del color en función de la luz para dar volumen. No se
da un claro predominio de ninguna gama cromática en concreto, aunque es cierto que
sobresalen los colores fríos que absorben luz, son entrantes y se alejan del espectador; por ello
suelen crear sensación de profundidad.
f) ANÁLISIS DE LA LUZ: Valora la luz por sus efectos tonales y el Color adquiere mayor
verosimilitud: el sombreado ayuda a presentarnos una escena según la imagen óptica que
poseemos de la realidad. La concepción volumétrica es consecuencia de una utilización precisa
de la luz, que modela las figuras, convirtiéndose en esta y en toda la obra de Giotto en un
elemento compositivo esencial
g) REALISMO-IDEALISMO: La figura del Santo se convierte en un ser humano entre los
demás. Simbólicamente esta humanización responde al nuevo sentimiento religioso por el que
el individuo es digno de redención si practica las virtudes.
3- CONTEXTO HISTÓRICO
Con San Francisco de Asís se transmite una nueva dimensión del hombre: el Humanismo, fruto
de la influencia aristotélica se concibe el cuerpo como una obra de Dios que hay que respetar,
por esto hay atención a la Naturaleza y los animales. Ven en Dios al como centro de Amor.
El siglo XIII va a ser clave en la historia del hombre occidental: nuevas situaciones sociopolíticas
contribuyeron a forjar un cambio en la manera de entender la vida y el mundo.
A) Una Nueva estructura social: Tras la apertura a Oriente que supusieron las Cruzadas se
abren nuevas rutas fomentando aún más si cabe el comercio (cuyos primeros atisbos de
renacimiento ya se dan en el siglo XII). En la sociedad medieval se produce una especialización
laboral y división del trabajo; junto a las tareas agrícolas aparece una incipiente industria
artesanal concentrada en las ciudades.
En estas ciudades se configura un nuevo grupo social: la Burguesía, que se convierte en el
motor económico.
B) Cultura: Seguía siendo cristiana, pues no hay que olvidar que la Iglesia sigue dominando la
vida y el pensamiento. Esta vez, se va a secularizar, ya que dejó de ser dominio exclusivo de los
clérigos. Las monarquías intervienen en este proceso secularizador protegiendo a las
Universidades, ya que el estudio del Derecho Romano, en éstas, les iba a proporcionar
generaciones de técnicos-funcionarios partidarios de la soberanía del monarca frente a la
sociedad feudal románica.
C) Evolución del pensamiento teológico y filosófico: En el siglo XII se traduce a Aristóteles y
sus ideas son adoptadas en toda Europa.
No se ama la abstracción de las cosas, sino que se valora todo lo que se puede recibir a través
de los sentidos. Con ello se tenderá al Naturalismo en la plástica.
D) La Iglesia: Tuvo que adaptarse a la Ciudad y su nuevo entorno y a la mentalidad burguesa.
Esta adaptación se realizará con la fundación de nuevas órdenes religiosas (mendicantes) como
los:
-Franciscanos de San Francisco de Asís
-Dominicos de Santo Domingo de Guzmán
-Benedictinos cistercienses (Orden del Císter) de San Bernardo de Claraval.
Cronología en toda Europa:
Siglos XII-XIII Gótico de transición o protogótico
Siglos XIII-XIV Gótico clásico, momento álgido de las grandes catedrales
Siglos XV-XVI Gótico flamígero que expresa el gusto por la decoración exuberante sin
cambiar nada en los aspectos técnicos.

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LA ADORACIÓN DEL CORDERO MÍSTICO DE SAN BAVÓN DE GANTE
VAN EYCK
1- LOCALIZACIÓN
1.1 TIPO DE OBRA: Pintura sobre tabla, retablo o conjunto de cuadros o tablas pintadas al
óleo por los hermanos Hubert y Jan van Eyck, para el altar mayor de la Catedral de San Bavón
de la ciudad de Gante.
1.2 ESTILO
1.2.1. PERIODO: S. XV; debió comenzarse hacia 1426 y se concluyó en 1432
1.2.2. ESCUELA: Flamenca
1.3 AUTOR: los hermanos Hubert y Jan van Eyck
1.4 TÍTULO: El cordero místico de San Bavón de Gante. Un colosal ciclo que arranca con la
creación de Adán y Eva y nos lleva a los Profetas, a la Anunciación, al propio Dios padre, a los
santos y a la adoración del Cordero.
2.1 TEMA: Religioso. La tabla central, que representa la escena de la Adoración, es una obra
fundamental en la historia de la pintura ya que presentaba un nuevo campo de visión
naturalista, resultado de ampliar sobre una tabla, escenas y representaciones que hasta
entonces solo fueron accesibles a los conocedores de las miniaturas. Representa al Hijo de
Dios y su Eucaristía. La sangre de Jesús es recogida en la copa, lo que se relaciona con el mito
del Santo Grial. En el cielo surge la paloma, símbolo del Espíritu Santo, que ilumina la escena.
El Cordero está rodeado por catorce ángeles, algunos de ellos con los símbolos de la Pasión (la
cruz, la columna, la corona de espinas, la lanza, la esponja). Delante, la fuente de la vida de la
que nace un arroyo, cubierto de joyas.
a) TÉCNICAS (FRESCO, OLEO...): Pintura al óleo, que se utiliza como aglutinante de
colores. Permite crear veladuras, como velos de luz a modo de transparencias, conseguidas a
base de superponer pinceladas, alcanzando un alto virtuosismo especialmente cuando se trata
de pintar objetos minuciosos y brillantes. Con el políptico triunfa el óleo sobre tabla y la
pintura gótica queda desbordada. Su composición, la luz, el manejo de los volúmenes, el color
y la perspectiva anuncian ya el Renacimiento, que vemos también señalado en el interés por la
representación de la naturaleza, incluso en sus más mínimos detalles.
b) COMPOSICIÓN: Tendente a la simetría. Cerrada, armónica y equilibrada. Orden en la
disposición de los personajes. Los cuatro grupos que adoran al Cordero son:

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En la izquierda, un grupo de judíos, sosteniendo el Libro Sagrado. Junto a ellos, los
paganos, representado por sus caras orientalizantes y diversidad de sombreros y
tocados. Dentro de este grupo, destacamos la figura de blanco que pudiera ser
probablemente el poeta romano Virgilio.
En la derecha la iglesia católica, donde vemos a los doce apóstoles en primer término y
detrás a santos y papas. Podemos reconocer entre los santos a San Esteban portando
las rocas con que fue martirizado.
En el fondo a la izquierda, el grupo de mártires masculinos, portando palmas.
En la derecha el grupo de Mártires femeninos, que también portan palmas.
Todos los personajes están estudiadamente colocados coincidiendo el tamaño, las formas e
incluso las posturas, en una composición cerrada que converge hacia el centro superior, la
imagen del cordero.
c) PERSPECTIVA: Perspectiva lineal. La profundidad se crea trazando un haz de líneas que
configuran una pirámide, cuyo vértice es el punto de fuga.
d) ANÁLISIS DEL MOVIMIENTO: Destaca por la ausencia de movimiento. Las figuras
representadas están en actitud de reposo, de rodillas o de pie
e) ANÁLISIS DEL COLOR: Gradación del color en función de la luz. Sobresalen los colores
cálidos. Se utiliza la técnica de la veladura consistente en aplicar pinceladas superpuestas,
dando la sensación de velos de luz a modo de transparencias, otorgando un brillo y una
minuciosidad de gran perfección.
f) ANÁLISIS DE LA LUZ: Valora la luz por sus efectos tonales y el Color adquiere mayor
verosimilitud: Se consigue la captación de la luz que arranca de la parte superior de cuadro;
desde el cielo, desde el sol se ilumina el firmamento y la escena principal, el cordero. Se trata
de una luz cenital. Una ola de luz penetra toda la naturaleza, liga sin brusquedad todos los
ambientes y une armoniosamente todas las materias, desde las telas de los ropajes y los
metales de las hebillas y coronas, hasta la piel de los rostros o las hojas de los árboles y los
edificios del fondo.
g) REALISMO-IDEALISMO: La utilización del óleo aporta a la pintura valores de finura y
especial delicadeza, texturas perfectas en los objetos y calidades brillantes, que los hacen
hiperreales. Es esta apariencia realista la que aleja estas pinturas del arte medieval y lo acerva
a los objetivos que van a ser primordiales en el Renacimiento: la representación naturalista de
la realidad. Esta obra presenta un nuevo campo de visión naturalista, resultado de ampliar
sobre una tabla, escenas y representaciones que hasta entonces solo fueron accesibles a los
conocedores de las miniaturas.
motor económico.

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los:
Las ciudades de Flandes, a cuya cabeza estaba Brujas, alcanzaron desde el siglo XIII un
importante desarrollo económico basado en la artesanía textil y su comercio. Pintores como
Van Eyck (Jan y Hubert), el Maestro de Flemalle, Van der Weyden, Bouts, Memling o El Bosco,
serán los que representen el esplendor económico de la zona y las costumbres y vida de
Flandes: son notarios de su época.
Son pintores donde existe una evolución con respecto al gótico pleno y nos ponen en contacto
con las características pictóricas del Renacimiento.
Prolifera la pintura sobre tabla: retablos, sobre todo trípticos
Técnica del Óleo: gracias a él, pueden utilizar un mayor detallismo en lo pintado, unido a
un brillante colorido.
Son muy realistas, copian la naturaleza sin idealizarla.
Crean amplios y luminosos paisajes: rompen, por tanto, con los maestros góticos y marca
una evolución frente al paisaje de Giotto.
Gustan de representar el interior de las casas de pequeñas dimensiones, con objetos del
mismo. En ellas, pintan retratos de la vida cotidiana, y también aparece el paisaje a través
de las ventanas.
Florece el Retrato planteado con enorme realismo
Plegado de los ropajes natural, pero de modo muy geométrico, como si tuvieran exceso de
almidón.
Gracias al óleo, la atmósfera es transparente y se puede captar el aire y la luz.
En las luces y el paisaje, anticipan valores del Renacimiento
Pero en las formas estáticas, en la escasa relación de las figuras (a veces frontales), y en el
predominio de los detalles y partes sobre el conjunto, todavía se sitúan en la última etapa
del Gótico.

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EL MATRIMONIO ARNOLFINI
VAN EYCK
1- LOCALIZACIÓN
1.1 TIPO DE OBRA: Pintura sobre tabla.
1.2 ESTILO
1.2.1. PERIODO: S. XV; fechado en 1434
1.3 AUTOR: Jan van Eyck
1.4 TÍTULO: Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa
2.1 TEMA: Es uno de los primeros retratos de tema no hagiográfico que se conservan, y a la
vez una informativa escena costumbrista; representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su
esposa Jeanne Cenani. Se considera una de las obras más notables de van Eyck.
de pintar objetos minuciosos y brillantes. Su composición, la luz, el manejo de los volúmenes,
el color y la perspectiva anuncian ya el Renacimiento, que vemos también señalado en el
interés por la representación de sus más mínimos detalles.
b) COMPOSICIÓN: Tendente a la simetría. Cerrada, armónica y equilibrada. Orden en la
disposición de los personajes. Desde el punto de vista compositivo, la luz proviene de la
ventana izquierda, creando así un eje lateral que dinamiza la escena, por lo demás es muy
estática.
c) PERSPECTIVA: Las líneas convergen hacia el fondo, configurando un esquema de
perspectiva lineal, que esta obra se amplía gracias al efecto singular del espejo del fondo y
cuyo efecto es ganar profundidad.. Esta configuración de la perspectiva se complementa en
esta pintura con la acción de la luz.
representadas están en actitud de reposo, de pie. Se trata de un retrato, pero no de un retrato
cualquiera; es un testimonio documental de los esponsales de estos novios, de lo cual da ge

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como si de un notario se tratara, el propio pintor, con su cuadro y con su firma, estampada
encima del espejo convexo del fondo de la habitación, y en la que dice, J. Van Eyck estuvo aquí.
e) ANÁLISIS DEL COLOR: Gradación del color en función de la luz. Se utiliza la técnica de la
veladura consistente en aplicar pinceladas superpuestas, dando la sensación de velos de luz a
modo de transparencias, otorgando un brillo y una minuciosidad de gran perfección. A pesar
de un excepcional uso del color , destaca por el protagonismo que se otorga a la línea.
f) ANÁLISIS DE LA LUZ: Uso de una luz brillante y con veladuras que provoca la técnica al
óleo y que crea una atmósfera en la que parece representado el aire. Hasta el punto, que
pareciera que la luminosidad irradiara de los propios objetos como si fueran esmaltes. La luz,
como se ha dicho anteriormente, proviene de la ventana.
g) REALISMO-IDEALISMO: La utilización del óleo aporta a la pintura valores de finura y
especial delicadeza, texturas perfectas en los objetos y calidades brillantes, que los hacen
hiperreales, en lo que se ha dado en llamar realismo sensorial. Es esta apariencia realista la
que aleja estas pinturas del arte medieval y lo acerca a los objetivos que van a ser primordiales
en el Renacimiento: la representación naturalista de la realidad.
Para que sirviera verdaderamente de testimonio eterno a la unión matrimonial, todo el cuadro
se configura como un repertorio simbólico que atestigua y da fe del hecho representado.
Ningún objeto aparece gratuitamente, todo tiene su valor simbólico: la lámpara, con una sola
vela encendida, alude a la llama sagrada de Cristo, a la luz de la fe, que aparece así bendecir la
unión. El espejo, aparte de su valor compositivo, ya comentado, es además símbolo de pureza
de la mujer que acude virgen al matrimonio. Es el “Speculum sine maculam”, que definió a la
propia Virgen y por extensión a las mujeres vírgenes. En absoluto debe engañarnos el vientre
aparentemente abultado de Juana de Cenani, pues se trata de una imagen habitual en las
pinturas de la época, y que debe de entenderse como una iconografía habitual, que alude en la
mujer a su valoración universal como madre. Los tondos que rodean el espejo ilustran en un
alarde miniaturista del pintor, diversas escenas de la pasión de Cristo, con lo que se vuelve a
insistir en el valor sagrado de la unión. Sobre la cabecera de la cama aparece representada
Santa Magdalena, patrona de los partos. El perrito es símbolo de fidelidad. Las zapatillas
recogen el simbolismo de asistir a un ritual sagrado, razón por la cual los retratados están
descalzos. La fruta, que aparecen en la consola junto a la ventana, es símbolo de la inocencia
frente al pecado. Los propios esposos están posando en un gesto de bendición. Todo ello
completa la simple valoración pictórica de la obra, otorgándole así una dimensión simbólica de
una enorme complejidad intelectual.
motor económico.

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los:
Las ciudades de Flandes, a cuya cabeza estaba Brujas, alcanzaron desde el siglo XIII un
importante desarrollo económico basado en la artesanía textil y su comercio. Pintores como
Van Eyck (Jan y Hubert), el Maestro de Flemalle, Van der Weyden, Bouts, Memling o El Bosco,
serán los que representen el esplendor económico de la zona y las costumbres y vida de
Flandes: son notarios de su época.
Son pintores donde existe una evolución con respecto al gótico pleno y nos ponen en contacto
con las características pictóricas del Renacimiento.
Prolifera la pintura sobre tabla: retablos, sobre todo trípticos
Técnica del Óleo: gracias a él, pueden utilizar un mayor detallismo en lo pintado, unido a
un brillante colorido.
Son muy realistas, copian la naturaleza sin idealizarla.
Crean amplios y luminosos paisajes: rompen, por tanto, con los maestros góticos y marca
una evolución frente al paisaje de Giotto.
Gustan de representar el interior de las casas de pequeñas dimensiones, con objetos del
mismo. En ellas, pintan retratos de la vida cotidiana, y también aparece el paisaje a través
de las ventanas.
Florece el Retrato planteado con enorme realismo
Plegado de los ropajes naturales, pero de modo muy geométrico, como si tuvieran exceso
de almidón.
Gracias al óleo, la atmósfera es transparente y se puede captar el aire y la luz.
En las luces y el paisaje, anticipan valores del Renacimiento
Pero en las formas estáticas, en la escasa relación de las figuras (a veces frontales), y en el
predominio de los detalles y partes sobre el conjunto, todavía se sitúan en la última etapa
del Gótico.

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DESCENDIMIENTO DE VAN DEL WEYDEN
1- LOCALIZACIÓN
1.1 TIPO DE OBRA: Óleo sobre tabla. Este cuadro es la sección central de un tríptico pintado
por encargo de cofradía de los ballesteros de Lovaina, para la capilla que tenían en la iglesia
Onze Lieve Vrouw van Ginderbuiten. Las alas laterales han desaparecido. Se trata de varias
tablas ensambladas, engatilladas, y lijadas, que dan el aspecto de una sola y que únicamente
se aprecia a escasa distancia del cuadro. Las tablas fueron preparadas alisándolas y dándoles
una capa de yeso y cola, que se deja secar. Luego se hace el dibujo preparatorio y se aplican
los pigmentos.
1.2 ESTILO
1.2.1. PERIODO: S. XV. Pintado con anterioridad al año 1443, probablemente hacia 1436.
1.3 AUTOR: Se trata de la obra maestra del pintor flamenco Roger van der Weyden.
1.4 TÍTULO: El descendimiento de la cruz.
2.1 TEMA: El tema es religioso, típico de la pintura gótica: Cristo bajado de la cruz. Los
Evangelios hablan de ello: José de Arimatea pidió a Poncio Pilato que le dejara llevarse el
cuerpo de Jesucristo para enterrarlo. A pesar de que el Nuevo Testamento no lo describe con
detalle, la pintura, y el arte en general lo ha representado una y otra vez.
Se pueden encontrar representaciones tempranas del tema en la pintura sobre madera
medieval. Las clavos ya se han quitado y el cuerpo de Cristo es bajado de la cruz, recibido por
los brazos de José de Arimatea. Dio lugar a composiciones de solo tres figuras: Cristo, José de
Arimatea y Nicodemo. Posteriormente se añadieron personajes «auxiliares» entre ellas, la
Virgen María y el apóstol Juan. El mensaje fundamental de la obra es la Redención de los
hombres a través de la Pasión. Se pretendía conmover al fiel, representando en toda su
crudeza el cuerpo muerto de Cristo, sus heridas, el sufrimiento de su Madre.
de pintar objetos minuciosos y brillantes. Con el políptico triunfa el óleo sobre tabla y la
pintura gótica queda desbordada. Su composición, la luz, el manejo de los volúmenes, el color
y la perspectiva anuncian ya el Renacimiento, que vemos también señalado en el interés por la
representación de la naturaleza, incluso en sus más mínimos detalles.
b) COMPOSICIÓN: Tendente a la simetría. Cerrada, armónica y perfectamente
equilibrada. La obra está muy estudiada. La composición resulta muy teatral: se recrea
frecuentemente en espacios interiores, y prescinde de elementos anecdóticos como el

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paissaje, excepto en el primer término, abajo, hay un pequeño fragmento de paisaje, con
pequeñas plantas, un hueso alargado y una calavera junto a la mano de María desmayada.
Presentar un pequeño matorral vivo junto a la calavera podría aludir a la vida después de la
muerte. El equilibrio se logra marcando un eje central, que lo forma el madero de la cruz, el
joven que lo descuelga y el propio José de Arimatea. Presenta además una estructura cerrada,
delimitada en sus extremos por las dos figuras curvadas a modo de paréntesis, San Juan y una
de las Tres Marías, y la reiteración de actitudes en dos parejas de figuras, las dos de pie, que
flanquean a Cristo, otra de las Tres Marías y Nicodemo, y muy especialmente las dos
protagonistas, Cristo y la Virgen. Es interesante como elemento compositivo esta reiteración
formal entre Cristo y La Virgen: una y otra figura se disponen paralelamente repitiendo la
postura; un está vestida, la otra desnuda; el uno moribundo, la otra desmayada; una en color
frío, el otro cálido; ambos con el brazo yerto. Disposición que en conjunto señala un óvalo
central que termina de cerrar toda la estructura compositiva.
c) PERSPECTIVA: Perspectiva lineal. La profundidad se crea trazando un haz de líneas que
configuran una pirámide, cuyo vértice es el punto de fuga.
representadas están en actitud de reposo, de rodillas o de pie
e) ANÁLISIS DEL COLOR: el autor utilizó varias gamas de colores. Los ropajes y el
claroscuro proporcionan los efectos lumínicos. Los colores fríos caracterizan a los personajes
más patéticos: las mujeres y el joven subido a la escalera; los demás personajes visten colores
cálidos. Todo el fondo está recubierto por riquísimas láminas de pan de oro (influencia gótica),
que además de un símbolo de riqueza, impide que la mirada del espectador profundice en otra
cosa que no sea la escena. La túnica de San Juan, está pintada de color carmesí, la de la Virgen,
de color azul lapislázuli (esto indica que el cuadro costó caro a quienes lo encargaron, puesto
que se utilizaba esta piedra semi-preciosa para conseguir ese color); M. Magdalena y una de
las “Marías” (la más joven) están vestidas en tonos verdes (también a base de machacar
piedras semi-preciosas); Nicodemo, en tonos marrones y ocres; y el ángel, en azul pálido. El
color blanco aparece en varios personajes (en una de las “Marías”, en el tocado de la Virgen,
en la cabeza de M. Magdalena, y en el paño de pureza de Cristo). Se consigue fácilmente,
puesto que únicamente tienen que dar unas pocas pinceladas para que tome brillo, porque la
base ya es blanca debido al yeso y la cal. Además de todo esto, el color acentúa el efecto de
sentimientos exaltados por la pasión y muerte de Cristo, que en definitiva, es el objetivo que el
autor persigue con el cuadro, que los devotos y no devotos sientan la emoción de la escena.
f) ANÁLISIS DE LA LUZ: da la impresión de ser luz artificial por el color dorado del fondo.
Valora la luz por sus efectos tonales y el Color adquiere mayor verosimilitud. Se aprecia mayor
iluminación en la parte superior intensificándose en la figura de Cristo y en los rostros, si bien
el cuadro está iluminado de forma homogénea.
g) REALISMO-IDEALISMO: Es un cuadro cargado de simbolismo religioso. El pintor
desplegó en esta escena toda una gama de exquisitos matices y de doloridas expresiones, con
una profunda emoción religiosa, provocando la emoción del espectador ante las expresiones
de los personajes. En cuanto al dramatismo expresivo surge de los mismos gestos de los
personajes, a veces teatralmente exagerados (la Madalena); de la propia ambientación lúgubre
y escenográfica, y por supuesto del trabajo complementario en los paños, a base de pliegues
duros, aristados, hirientes, que definen un estética muy característica del mundo flamenco.
Igual que en la anterior

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EL JARDÍN DE LAS DELICIAS. EL BOSCO
1- LOCALIZACIÓN
1.1 TIPO DE OBRA: Se trata de un tríptico pintado al óleo, compuesto por una tabla central y
dos laterales (pintadas en sus dos lados) que se pueden cerrar sobre aquella.
1.2 ESTILO
1.2.1. PERIODO: S. XVI; fechado hacia el 1 500
1.3 AUTOR: El Bosco
1.4 TÍTULO: El jardín de las delicias
2.1 TEMA: Obra de gran simbolismo (que aún no ha sido completamente descifrado), como
El carro de heno y el Juicio Final, el Jardín de las delicias se sustrae a cualquier clasificación
iconográfica tradicional. Se considera, no obstante, que la obra obedece a una intención
moralizante que habría sido comprensible para la gente de la época; en este sentido, el propio
rey Felipe II de España, alguien poco sospechoso de herejía, llegó a recibir el cuadro como
consecuencia de su interés por el mismo.
de pintar objetos minuciosos y brillantes. Su composición, la luz, el manejo de los volúmenes,
el color y la perspectiva anuncian ya el Renacimiento, que vemos también señalado en el
interés por la representación de sus más mínimos detalles.
b) COMPOSICIÓN: Abierta y desequilibrada. Desorden en la disposición de los personajes.
Desde el punto de vista compositivo.
c) PERSPECTIVA: Las líneas convergen hacia el fondo, hacia el horizonte configurando un
esquema de perspectiva lineal.
d) ANÁLISIS DEL MOVIMIENTO: Destaca por la presencia de movimiento, con figuras
dispuestas en diferentes actitudes y posturas.
e) ANÁLISIS DEL COLOR: Predominan los colores cálidos, aunque se combinan,
persiguiendo el contraste con otros de gama fría.
f) ANÁLISIS DE LA LUZ: La luz se reparte de forma homogénea por toda la tabla, si bien en
la que simboliza el infierno se puede apreciar un contraste claroscurista.

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g) REALISMO-IDEALISMO: Esta obra es una pintura fantástica, de monstruos imposibles y
figuras locas, que al final nos presentan un mondo al revés. El mismo mundo que nos relata
Erasmo en su Elogio de la Locura, que lo mismo que la obra del Bosco, pretende criticar
irónicamente a la Humanidad exagerando con extravagancia sus debilidades. Por eso toda la
obra de El Bosco resulta tan original y por ello enseguida fue descubierto y valorado como
elemento de estudio del psicoanálisis de la Escuela de Viena. Y por esa misma razón fue
también reconocido como antecedente de la pintura surrealista, fundada en los mismos
componentes temáticos que la pintura del El Bosco, la plasmación del yo oculto, del yo
irracional. Aquéllos a través del subconsciente, el Bosco a través del Yo-animal.
En la tabal derecha (izq. Para el espectador) se representa la Creación. Más concretamente, el
momento de la creación de Eva por el Padre, ante un Adán contemplativo. En el centro
aparece una fantástica fuente presidida por una lechuza. La fuente algunos la han interpretado
como la fuente de la vida, pero en este caso con un sentido maléfico, el de una vida nacida con
el pecado, lo que permite ponerla en relación también con el árbol de la ciencia del bien y del
mal, testimonio del pecado original. En este sentido resultaría significativa la imagen de la
lechuza, símbolo de la sabiduría en la Antigüedad, pero del mal en la Edad Media. Contribuyen
a esta misma idea los animales presentes en el lago que rodea la fuente, habitado por patos
necios, cisnes orgullosos y sabandijas. El mismo sentido tendrían también los animales que en
la parte inferior comienzan a devorarse entre sí, o aquellos otros mitad pez, mitad pato,
tocados con caperuzas de fraile y que simbolizan la estupidez de cierta parte del clero. A la
izquierda el toro salvaje, símbolo de la pasión, acecha al unicornio blanco, símbolo de la
castidad, y el elegante blanco, símbolo de la inocencia es montado en sus lomos por un nono,
símbolo de la lujuria.
La tabla central representa el Mundo. Un mundo de vicios y placeres al que los hombres y
mujeres se dedican en una composición abigarrada de patente horror vacuii. La representación
también es simbólica, y así los mencionados placeres se representan por medio de frutas,
como fresas, cerezas, moras, frambuesas, que aluden a lo efímero del placer sexual. Algunas
figuras aparecen inmersas en pompas o esferas de vidrio, aludiendo también a la eventualidad
del deleite, También aparecen hermafroditas y ratones, símbolos estos últimos de la envidia.
En conjunto, un mundo abarrotado de seres en su mayoría infelices o atrapados en la ansiedad
de una vida orienta exclusivamente al goce, y más concretamente al goce carnal.
La tabla izquierda, derecha del espectador, representa el infierno. Está presidido por una
figura en forma de huevo roto en el que se adivina el autorretrato del autor. De entre todas las
figuras, sobresale por su sentido sarcástico, los clérigos con picos de ave por ser malos
predicadores.
En resumen la obra se define por su enorme complejidad simbólica; critica los desmanes de la
humanidad.

Igual que en el resto

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