El documento resume las características principales del estilo gótico, que se desarrolló entre los siglos XIII y XV. Se destaca que afectó a la arquitectura religiosa y civil, así como a otras artes como la pintura y escultura. La arquitectura gótica se caracterizó por el uso de elementos como arcos apuntados, bóvedas de crucería, contrafuertes y vitrales. La catedral gótica se convirtió en el símbolo de las ciudades medievales y reflejó los avances técnicos y

1. EL GÓTICO

3. Nacido en Francia, se instalará como estilo dominante a
partir del siglo XIII y perdurará hasta el siglo XV (o el XVI,
según las zonas). Afectará a la arquitectura civil y
religiosa, la pintura y la escultura y otras artes
complementarias denominadas decorativas.
El desarrollo del comercio en el
siglo XIII, junto con el inicio del
ascenso de la burguesía, trajo
aparejado un resurgimiento de
las ciudades, que recuperan su
centralidad en lo económico y
también en lo cultural. La
catedral se constituye en el
símbolo de la ciudad medieval,
perdiendo protagonismo el
monasterio y la abadía.
La ciudad medieval:
-Amurallada
- Dividida en zonas especializadas
según la producción
- En el centro se ubica el mercado,
la iglesia y el ayuntamiento
-Resurgieron los principios
romanos de organización,
desarrollándose en plantas
urbanas cuatripartitas

4. Ayuntamiento de Saint-Quentin, Francia. Siglo XV

5. Ayuntamiento de Siena, Italia. Siglo XIV

7. Los edificios incorporan puntas, calados, líneas que
se interseccionan, formas asimétricas.
Los templos desafiarán las alturas y se llenarán de luz.
Las nuevas técnicas arquitectónicas permitieron adaptar
las construcciones a los nuevos rumbos que tomaba
el pensamiento medieval.
Es un arte simbólico. Las líneas ascendentes de los edificios
son el símbolo del pensamiento cristiano, el de la elevación
de las almas al cielo.
Las iglesias renuevan sus elementos constructivos: utilizan
frecuentemente el arco apuntado, los arcos arbotantes por encima
de las cubiertas de las naves laterales, bóvedas de crucería
y rosetones, elementos todos que se convertirán en señas de
identidad del estilo gótico.

8. Dormitorio colectivo del Monasterio cisterciense de Alcobaça, en
Portugal. Siglo XII.

9. Iglesia de la Abadía de Saint-Denis en París. Siglo XII

10. Arcos apuntados
u ojivales y
bóvedas de
crucería
sustituyeron al
arco de medio
punto y a las
bóvedas de
cañón y de
aristas
La arquitectura siguió siendo el
lenguaje artístico más importante .
La escultura y la pintura
se subordinaron a ella.
LA ARQUITECTURA
GÓTICA
Los edificios religiosos, y dentro de
estos la catedral, primaron sobre
otras tipologías, si bien,
paulatinamente se abre paso una
arquitectura civil, representada en
casas de ayuntamiento, palacios,
lonjas de comercio, hospitales,
universidades.
El principal elemento
sustentante ya no es el
muro, como en el
Románico, sino que
ahora el protagonismo
lo tienen el pilar con
columnas adosadas en
el interior, que enlaza
con los arcos y los
nervios de las bóvedas,
y los arbotantes, o
arcos de descarga del
peso, y contrafuertes
en el exterior

11. Cabecera de la Catedral de Notre Dame de París, siglos XII a XIV

12. Catedral de
Reims, Francia. Siglo XIII.
La catedral se distingue,
por su monumentalidad.
Obra de varias generaciones,
refleja los progresos técnicos y
económicos de la época.
La catedral era centro de la
vida social, reunía la población
en las celebraciones religiosas,
se transformaba en teatro cuando
llegaba la ocasión, era lugar de
encuentro de los hombres de
negocios para realizar sus
transacciones y los peregrinos
encontraban allí un lugar donde
alojarse.

13. Catedral de Amiens, Francia.
Siglo XIII.
Es uno de los ejemplos
más completos de catedral gótica
francesa, resumiendo en ella
los avances constructivos y el afán
de iluminación y elevación que
caracteriza al nuevo estilo.
La fachada principal presenta
triple portada que se corresponde
con tres naves longitudinales,
las profundas arquivoltas se
rematan con gabletes y la nave
central se decora con un rosetón
sobre un friso de esculturas.
La disposición tripartita de la
fachada además de vertical,
es también horizontal,
señalando tres niveles de altura.

14. Vista interior de la fachada
principal de la Catedral de
Reims, Francia. Siglo XIII.
En este templo es bien
considerable el espacio reservado
a los vitrales, destacando los del
enorme rosetón central en el que
se representa a la Virgen rodeada
de apóstoles y ángeles.
Los rayos del sol, filtrados y
convertidos en múltiples colores
al atravesar los cristales,
brinda un gran efecto
escenográfico, transportando
al fiel a un ambiente que se
pretende celestial y no terrenal.

15. Catedral de León,
España
Siglo XIII

16. Planta de la catedral de Amiens

17. Alzado de una catedral
gótica

18. BÓVEDA de
CRUCERÍA
ARCO
APUNTADO u
OJIVAL

19. Plementos
Nervios
Baquetones

20. ¿CÓMO SE SOSTIENE LA
BÓVEDA DE CRUCERÍA?
Las tensiones de la bóveda de crucería, que se resuelven en el exterior con
contrafuertes y arbotantes, en el interior descansan sobre pilares. Los nervios de la
bóveda acostumbran a prolongarse en baquetones o columnillas adosadas a lo largo
del fuste de los pilares, hasta el suelo.

21. Catedral de Bourges, Francia, siglos XII a XIII

22. Catedral de Burgos, detalle, España, siglos XIII y XV

23. Catedral de Milán, Italia, siglo XIV

24. Burgos

25. Catedral de León,
España
Siglo XIII

28. Rosetón de la Catedral de Notre Dame de París.

29. Rosetón de la Catedral de Notre Dame de París. Estos
vanos circulares, ya utilizados en el Románico, adquieren
en el Gótico un lugar central en la decoración de la
fachada principal de las Catedrales, encerrando para el
cristiano de la época un doble contenido simbólico:
remiten al sol, símbolo de Cristo, y a la rosa, símbolo de
María. Constaban de tracerías cerradas con vitrales,
generalmente en disposición radial. En el vitral confluyen
la habilidad del artesano y el talento del pintor. Tras un
esbozo previo se realiza un dibujo sobre cartón que
reproduce exactamente la forma y las dimensiones
definitivas, luego se cortan las piezas de vidrio, por lo
general muy grueso, atendiendo al dibujo y a las
exigencias de color. Éste puede ser dado con anterioridad
o pintando el propio vidrio. Luego, las piezas se montan
en tiras de plomo que forman la red sustentadora de toda
la composición, para, finalmente, unirse con armazones
de hierro que configuran el vitral, sostenido en el vano de
la ventana por medio de grandes barrotes.

30. Sainte-Chapelle,
París. Siglo XIII.
Esta capilla fue edificada por
encargo del rey francés Luis IX,
para contener las reliquias
procedentes de Tierra Santa,
la corona de espinas que llevó
Jesús en su calvario y un trozo
del madero de su crucifixión.
Es un templo de dos plantas,
la inferior se concibió para el
acceso público mientras que la
superior quedó reservada a
contener las reliquias y de
exclusivo acceso real.
Es tal vez el ejemplo más
notorio de desmaterialización
del muro, las paredes son
prácticamente de vidrio y
la piedra se limita a la fina
estructura de nervios
que soportan la cubierta

31. CATEDRAL DE CHARTRES
Francia, siglo XIII

32. La altura de la torre izquierda
es el doble de la fachada,
su flecha es un tercio de la altura
total de la torre. Como se terminaron
en épocas distintas, ofrecen un toque
asimétrico que brinda gran
originalidad a la catedral.
La del sur, situada a nuestra derecha,
es la más antigua y fue elaborada en
un estilo de transición entre románico
y gótico. La otra torre, la del norte,
se corresponde con el gótico flamígero,
ya que se terminó de construir a
comienzos del siglo XVI.
La fachada también registra la
división horizontal en tres pisos:
en la base los tres pórticos muy
decorados escultóricamente,
en el centro tres grandes ventanales,
y en el piso superior el rosetón.

33. Planta de la catedral de Chartres

36. Pórtico norte de la
Catedral de Chartres

37. Arquitectura civil
Lonja de Palma de Mallorca, siglo XV

38. Palazzo Vecchio.
Florencia. Siglo XIII

39. Palacio de Jacques Coeur. Bourges. Siglo XV

40. Los ornamentos góticos: el vitral y la
escultura

41. Chartres

42. Chartres

43. Vitrales de Marc
Chagall en Reims
Siglo XX

44. Escultura y pintura gótica
• Mayor cantidad de temas
• Mayor cantidad de soportes: fresco,
retablo, vidriera, piedra
• Naturalidad en la representación:
proceso de humanización
• Aparecen retratos por primera vez
desde la época romana
• Mayor interés en la narración

45. REIMS

46. Esculturas Catedral de Reims
Jamba derecha de la portada
occidental

47. La Anunciación
La Visitación

48. Análisis
Destaca el naturalismo del grupo porque:
• Las figuras se separan del marco
arquitectónico.
• Se interrelacionan psicológicamente.
• También mediante el movimiento de brazos.
• Las túnicas se mueven de forma natural.
• Aparecen individualizadas.

50. Virgen Blanca
Parteluz de la catedral de
León
La Virgen, que ahora adquiere
mayor centralidad que durante
el Románico , en su representación
sufre un proceso de gran
humanización. Y se la representa
ya no como la Virgen-Trono,
sino como madre amorosa,
estableciendo con el niño
una relación afectiva.

51. Recordemos el Románico

52. Los temas también variaron. Aún cuando siguieron
Teniendo una fuerte intención didáctica, se liberaron de los aspectos
amenazantes y los miedos apocalípticos.
Un Dios justiciero deja paso a un Dios misericordioso y lleno
de grandeza.
Sin duda está pesando aquí una mentalidad urbana y burguesa,
que aspira a una relación con Dios donde el pecado pueda
ser abarcado por el perdón divino.
Todo esto enmarcado en la prédica que dominicos y franciscanos
han hecho en la ciudad, trasladando el monasterio a un contacto
más directo y permanente con el mundo laico.

53. Pintura
• Tendencia creciente al realismo y a la
humanización
• En Francia se prefirió la tabla (retablos)
mientras que en Italia primó el fresco
• Destacaron las miniaturas, que ahora salen
de los monasterios y abarcan temas
profanos. La obra más conocida: Las muy
ricas horas del Duque de Berry de los
hermanos Limbourg (holandeses)

55. El siglo XIV, un siglo bisagra
• A nivel de la pintura se inicia un estilo
naturalista, de líneas redondeadas, que será el
referente fundamental de la forma de
representación que consolida el Renacimiento
artístico del siglo XV.
• Paralelamente se produjo un florecimiento
literario destacando Francesco Petrarca, Dante
Alighieri y Giovanni Bocaccio, precursores
todos del Humanismo renacentista.

56. Francesco Petrarca

57. El Gótico flamígero
• Última etapa del Gótico, en algunas regiones
coexiste en el siglo XV con el Renacimiento
italiano
• Predominan los elementos decorativos sobre los
estructurales: tracerías, arcos conopiales y
carpaneles, líneas curvas en forma de “S”,
multiplicación de nervios en las bóvedas, torres
saturadas de chapiteles y puntas
• Avanza la arquitectura civil y militar sobre la
religiosa

58. Iglesia de la Trinidad. Vendôme
Francia. Fachada del siglo XV

59. Catedral de Burgos, España
Las puntas y el cimborrio se
Agregaron en el siglo XV

61. La escultura del siglo XIV
• Más estilizada y alargada
• Naturalismo más expresivo
• Se representa en mayor número a reyes,
nobles y burgueses
• Abundan lo sepulcros donde se representa al
fallecido en posición orante o yacente
• Destaca Claus Sluter, artista holandés que
trabajó para el Duque de Borgoña

62. Sepulcro exento de Felipe “El Audaz”. Claus Sluter. 1390-1406.
Alabastro, 243 centímetros de altura

64. La pintura italiana del Trecento
• Los cambios se introducen en la Toscana, en
torno a las ciudades de Siena y Florencia
• En la “escuela de Siena” destacan Duccio y
Simone Martini, preocupados por la construcción
de un “espacio pictórico”
• Se caracterizó esta escuela por un gusto por la
línea y una tendencia hacia el realismo por medio
del detalle y la representación de lo anecdótico.
Respondió al gusto refinado de una clientela
compuesta por la nueva aristocracia urbana

65. Maestá. Duccio di Buoninsegna. Retablo para la Catedral de Siena. 1308-1311. Se trata de una
tabla de 4,2 por 2,1 metros, pintada al temple. En su parte delantera encontramos una gran
representación de la Virgen con el Niño, sentada en un trono de mármol, acompañados por
ángeles, santos y apóstoles, dispuestos sobre un fondo dorado en series paralelas, horizontales
y simétricas. El estudio individual de los rostros de cada personaje, el gusto refinado expresado
en la vestimenta ribeteada por una línea dorada, los volúmenes de los ropajes, constituyen los
elementos destacables de esta obra.

66. Anunciación . Simone Martini.
Retablo para la capilla de Sant’Ansano
en la Catedral de Siena, hoy en Galleria
degli Uffizi, Florencia. 1333.
Tabla de 3,05 por 2,65 metros. Temple

68. Escuela florentina
• El gran maestro es Giotto di Bondone, con obras
pintadas al fresco
• Introduce el paisaje (natural o urbano),
composición de escenas, acentuación del
movimiento y el volumen, interés por los
problemas de la perspectiva, búsqueda de
transmitir profundidad psicológica y emotividad
• Su obra abrió las puertas a la pintura del
Renacimiento

69. El llanto sobre el Cristo muerto.
Giotto di Bondone. 1302-1305.
Pintura al fresco, 2 por 1,85
metros. Capilla de los Scrovegni.
Padua, Italia

70. Capilla Scrovegni
Padua, Italia

75. Los primitivos flamencos: la conquista
de la realidad
• Mientras en Italia está en curso el Renacimiento,
en Flandes, artistas como los hermanos Jan y
Hubert Van Eyck, Robert Camping, Roger Van der
Weyden, Hans Memling, Petrus Christus, entre
otros, a los que se conoce genéricamente como
“los primitivos flamencos”, crearon una obra de
fuerte personalidad y refinamiento exquisito,
promotora de una ruptura con la estética de la
Edad Media y pilar fundamental de la
“Modernidad” de las artes plásticas

76. El interés por la perspectiva, el paisaje y el
retrato, además de los asuntos religiosos, el
gusto por los detalles y la mirada descriptiva
de la realidad, la utilización de brillantes
colores, luz de gran limpieza, y la fineza y
minuciosidad de las terminaciones, así como
el empleo de la nueva técnica del óleo, son
algunos de los grandes rasgos que
caracterizaron la escuela flamenca del siglo
XV

77. Descendimiento. Roger Van der
Weyden. Hacia 1435. Óleo sobre
tabla. 1,20 por 2,62 metros.
Museo del Prado. Madrid

79. El matrimonio Arnolfini
Jan Van Eyck-1434 –
Óleo sobre tabla de roble
82 x 60 cms. National Gallery
Londres

88. • El advenimiento del siglo XV encuentra al artista
mucho más interesado en el hombre; inmerso
en una búsqueda constante de formas plásticas
que favorecieran una representación más
naturalista e individualizada, experimentando
con el retrato y observando la naturaleza.
• Este cambio de rumbo muestra que el arte
medieval estaba llegando a su fin y que estas
búsquedas terminarían instalando un nuevo
estilo en el horizonte europeo: el renacentista.