La Capilla Sixtina, construida en el siglo XV, es conocida principalmente por los frescos renacentistas pintados en su techo y paredes laterales por Miguel Ángel y otros artistas entre 1508 y 1541. Originalmente dedicada a ceremonias papales, alberga hoy el cónclave para la elección del Papa. Sus pinturas más famosas son el Juicio Final y las Historias de la Biblia de Miguel Ángel en el techo.
Análisis profundo del Juicio Final de Miguel Ángel, Historia del mural, introducción al texto bíblico... Presentación realizada por Narciso Sancho Aguilar
La presentación que se comparte aquí bajo licencia creative commons reconocimiento - no comercial - compartir igual. Y siempre mencionando al autor como reconocimiento del contenido.
La obra Huida a Egipto de Giotto se encuentra en la Capilla de los Scrovegni en Padua, Italia. Data del siglo XIV y fue realizada al fresco. Representa a la Virgen María, San José y el Niño Jesús huyendo a Egipto, según se narra en los evangelios apócrifos. Giotto introdujo novedades técnicas e iconográficas que supusieron un punto de inflexión en la pintura gótica italiana.
La escuela veneciana de pintura en el RenacimientoHortusHesperidum
El documento describe el Renacimiento en Venecia y su escuela pictórica. Venecia se convirtió en un importante centro artístico rivalizando con Roma debido a su independencia, riqueza y estabilidad política. Artistas como Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Veronese alcanzaron gran éxito internacional y difundieron el estilo veneciano por toda Europa, caracterizado por el uso del color y la perspectiva aérea. La pintura veneciana tuvo un gran desarrollo entre los siglos XV y XVI bajo mecenas
El documento resume la arquitectura del Renacimiento italiano en el siglo XVI, destacando las obras y características de los principales arquitectos de la época como Bramante, Miguel Ángel y Palladio. Bramante introdujo el estilo clásico romano con obras como la basílica de San Pedro y el Palacio Vaticano. Miguel Ángel continuó el estilo florentino y destacó por su cúpula para San Pedro. Palladio revivió la armonía grecorromana en villas y edificios como la Basílica de
El documento resume el arte bizantino entre los siglos IV y XV d.C., destacando sus principales manifestaciones artísticas como la iconografía, íconos, pintura al fresco y mosaicos. También describe la arquitectura bizantina, resaltando obras emblemáticas como Santa Sofía y sus características como las cúpulas y uso de materiales suntuosos.
La obra de Miguel Ángel abarcó más de setenta años entre Florencia y Roma, donde desarrolló su labor artística bajo mecenas como los Médici y diferentes papas. Fue admirado por sus contemporáneos como el mayor exponente del arte renacentista, triunfando en la escultura, pintura y arquitectura. Sus obras más destacadas incluyen la Pietà, los frescos de la Capilla Sixtina y la finalización de la basílica de San Pedro, entre otras. Su legado marcó un punto culminante y conclusión del
Análisis profundo del Juicio Final de Miguel Ángel, Historia del mural, introducción al texto bíblico... Presentación realizada por Narciso Sancho Aguilar
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La obra Huida a Egipto de Giotto se encuentra en la Capilla de los Scrovegni en Padua, Italia. Data del siglo XIV y fue realizada al fresco. Representa a la Virgen María, San José y el Niño Jesús huyendo a Egipto, según se narra en los evangelios apócrifos. Giotto introdujo novedades técnicas e iconográficas que supusieron un punto de inflexión en la pintura gótica italiana.
La escuela veneciana de pintura en el RenacimientoHortusHesperidum
El documento describe el Renacimiento en Venecia y su escuela pictórica. Venecia se convirtió en un importante centro artístico rivalizando con Roma debido a su independencia, riqueza y estabilidad política. Artistas como Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Veronese alcanzaron gran éxito internacional y difundieron el estilo veneciano por toda Europa, caracterizado por el uso del color y la perspectiva aérea. La pintura veneciana tuvo un gran desarrollo entre los siglos XV y XVI bajo mecenas
El documento resume la arquitectura del Renacimiento italiano en el siglo XVI, destacando las obras y características de los principales arquitectos de la época como Bramante, Miguel Ángel y Palladio. Bramante introdujo el estilo clásico romano con obras como la basílica de San Pedro y el Palacio Vaticano. Miguel Ángel continuó el estilo florentino y destacó por su cúpula para San Pedro. Palladio revivió la armonía grecorromana en villas y edificios como la Basílica de
El documento resume el arte bizantino entre los siglos IV y XV d.C., destacando sus principales manifestaciones artísticas como la iconografía, íconos, pintura al fresco y mosaicos. También describe la arquitectura bizantina, resaltando obras emblemáticas como Santa Sofía y sus características como las cúpulas y uso de materiales suntuosos.
La obra de Miguel Ángel abarcó más de setenta años entre Florencia y Roma, donde desarrolló su labor artística bajo mecenas como los Médici y diferentes papas. Fue admirado por sus contemporáneos como el mayor exponente del arte renacentista, triunfando en la escultura, pintura y arquitectura. Sus obras más destacadas incluyen la Pietà, los frescos de la Capilla Sixtina y la finalización de la basílica de San Pedro, entre otras. Su legado marcó un punto culminante y conclusión del
La Pintura Renacentista Alto Renacimiento Y Manierismo.Tomás Pérez Molina
El documento describe la vida y obra del artista renacentista Leonardo da Vinci. Resalta su genialidad como científico y artista, y analiza en detalle algunas de sus obras más famosas como La Gioconda y La Última Cena, destacando su perfeccionismo técnico y su representación innovadora de la luz, el color y la perspectiva.
En las presentes diapositivas se conocerá como fue el desarrollo tanto del Arte Barroco entre los años 1600 y 1750 en el área artística como también del estilo artístico Rococó que más que un estilo fue una moda entre 1730 y 1745 y El Neoclasismo, ambos surgidos en el siglo XVIII pero con diferentes enfoques rescatando los valores estéticos de la antigüedad clásica grecorromana.
Este documento resume la escultura de bronce David de Donatello realizada entre 1444 y 1446. Representa a David desnudo y victorioso sobre la cabeza cortada de Goliat. La obra muestra influencias clásicas y renacentistas en su composición y modelado anatómico, así como detalles que aluden a Florencia. Simboliza el triunfo de la pequeña ciudad sobre Milán, su enemigo.
La escultura del Renacimiento italiano del siglo XV (Quattrocento) se caracterizó por un mayor naturalismo y realismo inspirado en modelos clásicos, con un enfoque en la figura humana y el desnudo anatómicamente preciso. Los dos escultores más destacados de esta época fueron Lorenzo Ghiberti y Donatello, quienes ayudaron a establecer las convenciones del nuevo estilo a través de su atención a la proporción, perspectiva y expresividad del movimiento.
Presentación sobre la obra de Donatello, con una breve biografía, períodos de su carrera artística y obras más representativas.
Varja Jovanovic Trobec,
1ºD Bach.
Adormideras
El siglo XVI fue una época de grandes cambios, La ciudad protagonista es Roma.
Fue un breve período que abarca de 1500 al 1527. Empezó a decaer tras la muerte de Rafael en 1520.
El documento resume las características generales de la pintura durante el Quattrocento en Italia. Se destaca que los artistas buscaban representar la realidad de forma natural utilizando la perspectiva, el volumen y la luz. También se admiraba la belleza clásica. Se mencionan importantes artistas como Masaccio, Piero della Francesca, Fra Angelico y Botticelli, y obras representativas como La Trinidad, La Anunciación y El nacimiento de Venus.
Biografia di Leonardo da Vinci: origini, educazione e lavoro.
Pittore, disegnatore, scrittore, inventore.
2019: celebrazione del cinquecentesimo anniversario della sua morte
Giotto nació cerca de Florencia y se le atribuyen dos series de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís. Su arte fue innovador y marcó la transición entre el arte bizantino y el Renacimiento, adoptando la perspectiva y volumen de la escultura.
El documento describe la escultura del David de Donatello, realizada entre 1444 y 1446. Representa al joven pastor David descansando después de vencer a Goliat, y fue una de las primeras esculturas del Renacimiento en mostrar un desnudo masculino a tamaño natural. La escultura también simbolizaba la victoria de Florencia sobre Milán. Donatello estudió la anatomía humana directamente de modelos vivos, influenciando enormemente a los escultores posteriores del Renacimiento.
Rembrandt fue un pintor holandés del siglo XVII que vivió durante la llamada Edad de Oro Holandesa. Estudió en la universidad de Leiden y trabajó como pintor en Ámsterdam, donde alcanzó gran éxito como retratista. Su estilo barroco se vio influenciado por el claroscuro caravaggista y se caracterizó por el realismo, la composición dramática y el énfasis en la condición humana. Algunas de sus obras más famosas incluyen La lección de anatomía del Dr. Tulp y
El David de Miguel Ángel es una escultura renacentista realizada entre 1501-1504 en mármol que representa a David antes de enfrentarse a Goliat. Originalmente ubicada frente al Palazzo Vecchio en Florencia, rompe con versiones anteriores mostrando a David concentrado pero no victorioso. Su posición muscular expresa tensión y poder a través de un contrapposto innovador.
El documento describe las características de la escultura del Renacimiento. Se enfoca en el naturalismo, el interés por el ser humano, la inspiración en obras clásicas, y el uso de nuevas técnicas como la perspectiva. También resume la evolución de la escultura renacentista en Italia a través de figuras clave como Ghiberti, Donatello, Miguel Ángel, entre otros, y sus obras más representativas.
El documento describe El Renacimiento como un período de renovación cultural en Europa entre los siglos XV y XVI. Se originó en Florencia y se extendió por el continente. Se caracterizó por el estudio de la cultura clásica, el interés por los asuntos humanos y la belleza. Hubo un renacimiento de las artes como la escultura, arquitectura y pintura, con artistas como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y Rafael. También hubo avances científicos gracias a figuras como Galileo, Copérnico y Vesalio.
La Escuela Veneciana del siglo XVI se caracterizó por el uso brillante del color y la luz, influenciada por el clima y la riqueza de Venecia. Pintores como Giorgione, Tiziano, Veronés y Tintoretto revolucionaron la pintura al óleo y desarrollaron técnicas como la perspectiva aérea. Sus obras religiosas y mitológicas destacan por el cromatismo luminoso y las composiciones dinámicas.
El documento resume la escultura renacentista española del siglo XVI. Se mantuvo su carácter religioso y expresivo en lugar de lo pagano italiano, usando técnicas como la talla policromada en madera. Los principales escultores fueron Alonso Berruguete, conocido por su estilo dinámico y dramático, y Juan de Juni, de estilo más minucioso pero igualmente emotivo.
El documento resume las principales características del arte renacentista en Italia y España. En Italia, el Renacimiento temprano se centró en Florencia en el siglo XV, mientras que en el siglo XVI el foco se trasladó a Roma. La arquitectura renacentista se caracterizó por la recuperación de los órdenes clásicos. Artistas como Brunelleschi, Bramante y Miguel Ángel dejaron obras maestras. En España, los estilos isabelino, plateresco, purista y herreriano marcaron la arquitectura
La restauración de los frescos de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina entre 1979-1999 involucró un análisis científico detallado, la eliminación de suciedad y daños de restauraciones previas de manera no destructiva, y la consolidación y protección de las pinturas originales, dejando zonas sin restaurar para preservar el registro histórico. El proceso meticuloso tomó casi 20 años y logró revelar los colores originales de las obras maestras de Miguel Ángel.
La Pintura Renacentista Alto Renacimiento Y Manierismo.Tomás Pérez Molina
El documento describe la vida y obra del artista renacentista Leonardo da Vinci. Resalta su genialidad como científico y artista, y analiza en detalle algunas de sus obras más famosas como La Gioconda y La Última Cena, destacando su perfeccionismo técnico y su representación innovadora de la luz, el color y la perspectiva.
En las presentes diapositivas se conocerá como fue el desarrollo tanto del Arte Barroco entre los años 1600 y 1750 en el área artística como también del estilo artístico Rococó que más que un estilo fue una moda entre 1730 y 1745 y El Neoclasismo, ambos surgidos en el siglo XVIII pero con diferentes enfoques rescatando los valores estéticos de la antigüedad clásica grecorromana.
Este documento resume la escultura de bronce David de Donatello realizada entre 1444 y 1446. Representa a David desnudo y victorioso sobre la cabeza cortada de Goliat. La obra muestra influencias clásicas y renacentistas en su composición y modelado anatómico, así como detalles que aluden a Florencia. Simboliza el triunfo de la pequeña ciudad sobre Milán, su enemigo.
La escultura del Renacimiento italiano del siglo XV (Quattrocento) se caracterizó por un mayor naturalismo y realismo inspirado en modelos clásicos, con un enfoque en la figura humana y el desnudo anatómicamente preciso. Los dos escultores más destacados de esta época fueron Lorenzo Ghiberti y Donatello, quienes ayudaron a establecer las convenciones del nuevo estilo a través de su atención a la proporción, perspectiva y expresividad del movimiento.
Presentación sobre la obra de Donatello, con una breve biografía, períodos de su carrera artística y obras más representativas.
Varja Jovanovic Trobec,
1ºD Bach.
Adormideras
El siglo XVI fue una época de grandes cambios, La ciudad protagonista es Roma.
Fue un breve período que abarca de 1500 al 1527. Empezó a decaer tras la muerte de Rafael en 1520.
El documento resume las características generales de la pintura durante el Quattrocento en Italia. Se destaca que los artistas buscaban representar la realidad de forma natural utilizando la perspectiva, el volumen y la luz. También se admiraba la belleza clásica. Se mencionan importantes artistas como Masaccio, Piero della Francesca, Fra Angelico y Botticelli, y obras representativas como La Trinidad, La Anunciación y El nacimiento de Venus.
Biografia di Leonardo da Vinci: origini, educazione e lavoro.
Pittore, disegnatore, scrittore, inventore.
2019: celebrazione del cinquecentesimo anniversario della sua morte
Giotto nació cerca de Florencia y se le atribuyen dos series de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís. Su arte fue innovador y marcó la transición entre el arte bizantino y el Renacimiento, adoptando la perspectiva y volumen de la escultura.
El documento describe la escultura del David de Donatello, realizada entre 1444 y 1446. Representa al joven pastor David descansando después de vencer a Goliat, y fue una de las primeras esculturas del Renacimiento en mostrar un desnudo masculino a tamaño natural. La escultura también simbolizaba la victoria de Florencia sobre Milán. Donatello estudió la anatomía humana directamente de modelos vivos, influenciando enormemente a los escultores posteriores del Renacimiento.
Rembrandt fue un pintor holandés del siglo XVII que vivió durante la llamada Edad de Oro Holandesa. Estudió en la universidad de Leiden y trabajó como pintor en Ámsterdam, donde alcanzó gran éxito como retratista. Su estilo barroco se vio influenciado por el claroscuro caravaggista y se caracterizó por el realismo, la composición dramática y el énfasis en la condición humana. Algunas de sus obras más famosas incluyen La lección de anatomía del Dr. Tulp y
El David de Miguel Ángel es una escultura renacentista realizada entre 1501-1504 en mármol que representa a David antes de enfrentarse a Goliat. Originalmente ubicada frente al Palazzo Vecchio en Florencia, rompe con versiones anteriores mostrando a David concentrado pero no victorioso. Su posición muscular expresa tensión y poder a través de un contrapposto innovador.
El documento describe las características de la escultura del Renacimiento. Se enfoca en el naturalismo, el interés por el ser humano, la inspiración en obras clásicas, y el uso de nuevas técnicas como la perspectiva. También resume la evolución de la escultura renacentista en Italia a través de figuras clave como Ghiberti, Donatello, Miguel Ángel, entre otros, y sus obras más representativas.
El documento describe El Renacimiento como un período de renovación cultural en Europa entre los siglos XV y XVI. Se originó en Florencia y se extendió por el continente. Se caracterizó por el estudio de la cultura clásica, el interés por los asuntos humanos y la belleza. Hubo un renacimiento de las artes como la escultura, arquitectura y pintura, con artistas como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y Rafael. También hubo avances científicos gracias a figuras como Galileo, Copérnico y Vesalio.
La Escuela Veneciana del siglo XVI se caracterizó por el uso brillante del color y la luz, influenciada por el clima y la riqueza de Venecia. Pintores como Giorgione, Tiziano, Veronés y Tintoretto revolucionaron la pintura al óleo y desarrollaron técnicas como la perspectiva aérea. Sus obras religiosas y mitológicas destacan por el cromatismo luminoso y las composiciones dinámicas.
El documento resume la escultura renacentista española del siglo XVI. Se mantuvo su carácter religioso y expresivo en lugar de lo pagano italiano, usando técnicas como la talla policromada en madera. Los principales escultores fueron Alonso Berruguete, conocido por su estilo dinámico y dramático, y Juan de Juni, de estilo más minucioso pero igualmente emotivo.
El documento resume las principales características del arte renacentista en Italia y España. En Italia, el Renacimiento temprano se centró en Florencia en el siglo XV, mientras que en el siglo XVI el foco se trasladó a Roma. La arquitectura renacentista se caracterizó por la recuperación de los órdenes clásicos. Artistas como Brunelleschi, Bramante y Miguel Ángel dejaron obras maestras. En España, los estilos isabelino, plateresco, purista y herreriano marcaron la arquitectura
La restauración de los frescos de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina entre 1979-1999 involucró un análisis científico detallado, la eliminación de suciedad y daños de restauraciones previas de manera no destructiva, y la consolidación y protección de las pinturas originales, dejando zonas sin restaurar para preservar el registro histórico. El proceso meticuloso tomó casi 20 años y logró revelar los colores originales de las obras maestras de Miguel Ángel.
Miguel Ángel ocultó imágenes del cerebro humano en dos de sus frescos en la Capilla Sixtina - "La creación de Adán" y "La separación de la luz y las tinieblas". En "La creación de Adán", se describe una figura anatómicamente exacta del cerebro detrás de Dios, sugiriendo que lo que Dios le da al hombre es el intelecto más que la vida. En "La separación de la luz y las tinieblas", la figura deformada del cuello de Dios en realidad representa un cerebro y su un
Este documento resume las etimologías y perspectivas filosóficas sobre la religión de varios pensadores como Marco Tulio, San Agustín y Santo Tomás. Marco Tulio propuso que la palabra religión proviene de "relegere" que significa volver a Dios repetidamente. San Agustín integró el cristianismo y el neoplatonismo en su pensamiento. Santo Tomás intentó unir la filosofía de Aristóteles con el cristianismo y propuso cinco vías para probar la existencia de Dios.
Sally está devastada por la muerte de su hijo Jimmy de cáncer. A pesar de sus súplicas a Dios, Jimmy falleció. Más tarde, Sally encuentra una carta supuestamente escrita por Jimmy desde el cielo, explicando que Dios estuvo con él y ya no sufre dolor. La carta pide orar por otros y compartir el mensaje.
Este documento presenta una introducción a la filosofía de la religión, incluyendo definiciones de conceptos clave como teología natural, cosmogonía y teogonía. Luego describe las diferencias entre religiones monoteístas y politeístas, mencionando ejemplos de cada una. Finalmente, enumera algunas características comunes a las principales religiones como la existencia de dioses, sacerdotes, libros sagrados y calendarios religiosos.
La filosofía de la religión implica que los humanos acepten un conjunto de creencias, ritos y normas éticas. Estos elementos incluyen doctrinas, cultos y una comunidad de fe. Algunos filósofos no aceptan la existencia de una divinidad y se basan en posiciones como el ateísmo o el materialismo, aunque esto no invalida necesariamente la religión. El origen de lo religioso en el hombre surge de su búsqueda de respuestas a interrogantes sobre la vida, la muerte y la naturaleza, lo que lo llev
El documento resume las relaciones entre la filosofía y el cristianismo desde sus orígenes. Explica que el cristianismo surgió en el contexto de la filosofía helenística como una respuesta a la desesperación de la época. Inicialmente se sentía superior a la filosofía griega pero luego tuvo que asimilar su vocabulario para defenderse ante los paganos. Esto llevó a fusiones como la de Agustín de Hipona que cristianizó la filosofía platónica y la de Tomás de Aquino que hiz
Este documento presenta un resumen de los temas centrales de la filosofía de la religión. Comienza explicando el surgimiento de esta disciplina a partir de la teología natural y el giro antropológico impulsado por Kant, que puso al ser humano en el centro. Luego describe cómo la filosofía de la religión estudia los fenómenos religiosos desde diversas perspectivas como la historia, las ciencias sociales y la fenomenología. Finalmente, señala que la tarea de esta disciplina es realizar una reflexión crítica
El documento describe las condiciones que dieron origen a la filosofía en Grecia. Estas incluyen factores geográficos, sociales, culturales y económicos como un país montañoso con ciudades-estado democráticas que permitieron el ocio y el intercambio de ideas. También señala que la filosofía surgió como una alternativa al mito, buscando explicaciones racionales del universo basadas en la observación y el método en lugar de relatos imaginativos sobre los dioses. Finalmente, resume las etap
El documento discute varias religiones y cosmogonías antiguas. Explica que en las épocas antiguas no había una separación clara entre filosofía y religión, y que las religiones influían directamente en la filosofía de los pueblos. Luego describe brevemente la cosmogonía maya y algunas de las principales religiones monoteístas como el cristianismo, judaísmo, protestantismo y budismo, destacando algunos de sus orígenes y creencias centrales.
El documento compara y contrasta cuatro conceptos: mito, filosofía, ciencia y religión. Explica que el mito se basa en relatos fantásticos sobre seres sobrenaturales, la filosofía busca una visión totalizadora de la realidad usando la razón, la ciencia usa un método específico para obtener conocimientos objetivos que pueden ser refutados, y la religión se centra en creencias existenciales, morales y sobrenaturales sistematizadas por instituciones. Luego, destaca semejanzas y
Este documento resume las principales diferencias y similitudes entre el mito y la filosofía. Las diferencias incluyen que el mito intenta explicar misterios a través de relatos asociados a creencias religiosas, mientras que la filosofía lo hace a través de la razón y lo natural. También difieren en que el mito se basa en narraciones históricas no comprobadas y lo sobrenatural, mientras que la filosofía se centra en hechos reales y naturales. Sin embargo, comparten orígenes griegos antig
Cuadro comparativo de mito, filosofía, ciencia y religión.pizano5
El documento compara y contrasta los conceptos de mito, filosofía, ciencia y religión. Define cada uno de estos términos, señalando que los mitos involucran historias sobrenaturales, la filosofía busca responder preguntas fundamentales sobre el hombre y el universo, la ciencia implica un método para adquirir conocimiento, y la religión se refiere a creencias sobre entidades divinas. También destaca similitudes y diferencias entre ellos, como que los mitos y la religión no tienen una realidad concreta, mientras que
El documento describe el nacimiento de la ciencia y la filosofía en la antigua Grecia, cuando pasaron del mito al logos o explicación racional. También describe la separación entre ciencia y filosofía en la modernidad debido a la nueva concepción experimental y matemática de la ciencia. Finalmente, explica que la filosofía actual se enfoca en la reflexión sobre la ciencia, el ser humano y conceptos abstractos a través de métodos como la argumentación.
El documento trata sobre las diferencias y similitudes entre los mitos y la filosofía. Explica que los mitos surgieron como una forma primitiva de dar explicaciones sobre el mundo a través de narrativas involucrando dioses y fenómenos naturales. La filosofía surgió luego buscando explicaciones más racionales a través de la lógica y el razonamiento. También presenta ejemplos de mitos griegos como Zeus y egipcios como Osiris.
Este documento resume las características fundamentales de la filosofía, la ciencia, la religión y los mitos. La filosofía se caracteriza por formular preguntas y buscar respuestas a través de la reflexión. La ciencia se basa en el método científico y la búsqueda de datos concretos. La religión atribuye explicaciones divinas y une lo espiritual con lo emotivo. Los mitos se caracterizan por dar explicaciones a través de la magia, el asombro y las divinidades.
El documento describe cómo el Salmo 118 se encuentra en el centro exacto de la Biblia y contiene el versículo central, el cual insta a los lectores a buscar refugio en Dios en lugar de confiar en los poderosos. También incluye una oración para el destinatario y les desea bendiciones de parte de Dios.
Este documento proporciona información sobre el arte del Renacimiento en España e Italia. Brevemente describe los antecedentes geográficos e históricos del Renacimiento español, así como algunos de los acontecimientos más importantes de finales del siglo XV como la toma de Granada y el descubrimiento de América. También presenta a destacados artistas del Renacimiento italiano como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Botticelli y Donatello, y describe algunas de sus obras más representativas.
El documento describe el humanismo y el Renacimiento en 3 oraciones:
1) El humanismo surgió en el siglo XV como una corriente de renovación cultural que puso al ser humano en el centro y se inspiró en la cultura grecolatina a través del racionalismo.
2) Los principales humanistas incluyeron a Erasmo, quien abogó por una religiosidad personal, y a Petrarca, considerado el padre del humanismo basado en la razón y la naturaleza.
3) El Renacimiento trajo cambios en las artes a trav
Este documento describe la vida y obra del escultor, pintor y arquitecto renacentista Miguel Ángel. Trabajó durante más de setenta años en Florencia y Roma, donde creó obras maestras de la escultura como La Piedad, el Tondo Taddei y El David. Miguel Ángel triunfó en las artes de la escultura, pintura y arquitectura, dejando una profunda huella en el arte del Renacimiento.
El documento trata sobre el humanismo y el Renacimiento. Resume que el Renacimiento fue un período en que se revalorizó la antigüedad clásica y la crítica jugó un papel importante. El humanismo surgió en el siglo XIV en Italia y fue un movimiento intelectual ligado al Renacimiento que puso al hombre en el centro. El documento también menciona algunos de los pintores más importantes de este período como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y sus principales obras.
El documento proporciona información sobre importantes artistas del Renacimiento italiano como Filippo Brunelleschi, Masaccio, Donatello, Botticelli, Rafael, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Destaca sus obras más representativas y su influencia en el desarrollo de la pintura y la escultura renacentistas a través de la aplicación de la perspectiva y el naturalismo clásico.
Este documento resume las características de la pintura italiana del siglo XVI, conocido como Cinquecento. Destaca los principales artistas de este periodo como Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel. Leonardo encarnó la transición entre los siglos XV y XVI con su interés por la ciencia y la técnica del esfumato. Rafael representó el clasicismo con su capacidad de síntesis y equilibrio compositivo. Miguel Ángel se centró en el dibujo anatómico y el volumen, creando figuras poderosas como
El Quattrocento fue un período importante del Renacimiento en Europa durante el siglo XV, especialmente en Florencia, Italia. En este tiempo surgió la figura del artista genial, el taller del maestro y la noción de autoría. El arte de esta época se caracterizó por un mayor realismo y calidad en comparación con el Trecento, con avances en técnicas pictóricas y el regreso a las formas clásicas en escultura y arquitectura. Florencia fue el centro de este Renacimiento temprano, impulsado por el me
Miguel Ángel fue un renombrado artista italiano del Renacimiento conocido por sus esculturas, pinturas y arquitectura. Nació en 1475 en Italia y murió en 1564 en Roma. Trabajó principalmente en Florencia y Roma, donde creó obras maestras como el David, la bóveda y los frescos de la Capilla Sixtina, y El juicio final. Fue considerado uno de los mayores genios del arte de todos los tiempos.
Miguel Ángel fue un renombrado artista italiano del Renacimiento conocido por sus esculturas, pinturas y arquitectura. Nació en 1475 en Italia y murió en 1564 en Roma. Trabajó principalmente en Florencia y Roma, donde creó obras maestras como el David, la bóveda y los frescos de la Capilla Sixtina, y El Juicio Final. Fue considerado uno de los mayores genios del arte de todos los tiempos.
Este documento presenta información biográfica y obras representativas de 40 artistas de diferentes disciplinas como la pintura, escultura y fotografía. Entre los pintores destacados se encuentran Jan van Eyck, considerado uno de los mejores pintores del siglo XV en Europa del Norte; El Bosco, conocido por sus obras cargadas de simbolismo y crítica social; Fra Angélico, pintor renacentista que combinó su vocación artística con la religiosa; y Piero della Francesca, pionero en el uso de la perspectiva
El documento describe los cambios entre la Edad Media y el Renacimiento en Italia. Se extiende desde 1453 hasta 1789 e incluye cambios en las clases sociales, el poder político, las concepciones sobre la vida y la cultura. También describe la arquitectura, escultura y pintura del Renacimiento en Italia, con énfasis en Florencia y Roma, así como los principales artistas como Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Miguel Ángel y Rafael.
Este documento presenta resúmenes biográficos de 40 artistas importantes, incluyendo pintores como Jan van Eyck, El Bosco, Botticelli, Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano y Caravaggio. Describe sus obras más destacadas y el estilo y temáticas que exploraron, como el realismo, simbolismo religioso y mitológico, y el desarrollo del Renacimiento y el Barroco en el arte.
El documento resume la arquitectura y las artes visuales en Italia durante el siglo XVI. Algunos de los principales arquitectos fueron Bramante, Palladio y Vignola. Miguel Ángel fue un destacado escultor y pintor que trabajó en obras como la Capilla Sixtina y la basílica de San Pedro. Otras figuras importantes fueron Rafael, Tiziano y Tintoretto. Roma fue el centro del mecenazgo papal que impulsó estas obras del Renacimiento italiano.
Miguel Ángel | Arquitecto, escultor y pintorOmarSolano15
Arquitecto, pintor y escultor del Renacimiento, considerado uno de los mas grandes artistas de la historia por sus inigualables esculturas así como sus pinturas y obras arquitectónicas.
PINTURA ITALIANA DEL CINQUECENTO (SIGLO XVI).pptAlberto Rubio
Este documento resume las características y principales artistas de la pintura italiana del siglo XVI conocido como Cinquecento. Destaca la culminación del Renacimiento y la transición hacia un estilo más intelectualista y manierista. Entre los artistas descritos se encuentran Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Parmigianino, destacando sus principales obras y la evolución de sus estilos.
El manierismo fue un estilo artístico que predominó en Italia entre 1530 y 1600, originado en Venecia y Roma. Se caracterizó por figuras con extremidades graciosas pero alargadas, colores extraños y composiciones complejas. En arquitectura, pintura y escultura buscaba efectos dramáticos a través de perspectivas y formas exageradas, siendo ejemplos la Villa Farnese y obras de Cellini y El Greco.
El documento proporciona información sobre proyectos escolares relacionados con las manifestaciones artísticas desde la antigüedad hasta la Edad Media. Incluye características del arte griego y romano, así como biografías breves de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, y Rafael, destacando algunas de sus obras más importantes.
Leonardo da Vinci fue un polímata del Renacimiento italiano que trabajó como pintor, científico e ingeniero. Fue considerado uno de los pintores más grandes de todos los tiempos y creó obras maestras como La Mona Lisa, La última cena y el Hombre de Vitruvio. Sus pinturas exploraron nuevas técnicas y perspectivas y mostraron una comprensión profunda de la anatomía humana y la naturaleza.
El documento contiene biografías breves de importantes figuras del arte y la literatura como Gian Lorenzo Bernini, Leonardo da Vinci, Tiziano, Donatello, Miguel Ángel, Fernando de Rojas, Miguel de Cervantes, Luis de Góngora y Francisco de Quevedo. Cada biografía resume su lugar y fecha de nacimiento, su formación, obras principales y mecenas importantes.
El documento contiene biografías breves de importantes figuras del arte y la literatura como Gian Lorenzo Bernini, Leonardo da Vinci, Tiziano, Donatello, Miguel Ángel, Fernando de Rojas, Miguel de Cervantes, Luis de Góngora y Francisco de Quevedo. Cada biografía incluye detalles sobre su lugar y fecha de nacimiento, su formación, obras principales y mecenas.
1. 1475 -1564
En su condición
Uno de los de arquitecto,
mayores escultor,
creadores de pintor y poeta
toda la ejerció una
historia del enorme
arte y, junto influencia
con Leonardo tanto en sus
da Vinci, la contemporáne
figura más os como en
destacada del todo el arte
renacimiento occidental
italiano. posterior a su
época.
2. El renacimiento , sin duda alguna, es una época fundamental en la historia de
la humanidad. En este trabajo, intento seguir descubriendo las riquezas
artísticas de los grandes de la época.
En el trabajo anterior contextualicé la época del renacimiento para luego
centrar la atención en uno de los más grandes artistas que a tenido la
humanidad: Leonardo da Vinci. En esta presentación, de manera concreta,
profundizando aun más en las sublimes expresiones artísticas del
Renacimiento, centraré mi atención en la persona de Miguel Ángel.
Para ello, divido esta presentación en tres partes : En un primermomento,
destaco aspectos muy generales y de gran relevancia en la vida de éste
autor. En segundo momento resalto los aspectos generales de la Capilla
Sixtina, dado que es un sitio fundamental en la obra pintoresca de Miguel
Ángel. En un tercer momento, hago la presentación de una de las obras más
famosas de éste autor: El Juicio Final. Todo esto tiene como finalidad hacer
un análisis de la importancia de este autor en la historia como de sus obras,
de modo especial, la que aquí analizaré.
3. 1475 -1564
Es sin duda alguna uno de los mayores
creadores de toda la historia del arte y, junto
con Leonardo da Vinci, la figura más destacada
del renacimiento italiano.
Nació el 6 de marzo de 1475 en el pequeño
pueblo de Caprese, cerca de Arezzo, aunque, en
esencia, fue un florentino que mantuvo a lo
largo de toda su vida unos profundos lazos con
Florencia, su arte y su cultura.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más
de setenta años entre Florencia y Roma, que
era donde vivían sus grandes mecenas, la
familia Médicis de Florencia, y los diferentes
papas romanos. Fue arquitecto, pintor, escultor
y poeta.
4. Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su
perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la
primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una
imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional
que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años,
realizó proyectos arquitectónicos.
El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el
maestro Francesco da Urbino. Ludovico Buonarroti, su
padre, oficial florentino al servicio de la familia
Médicis, colocó a su hijo, con tan sólo 13 años de edad,
en el taller del pintor Domenico Ghirlandaio. Dos años
después se sintió atraído por la escultura en el jardín
de San Marcos, lugar al que acudía con frecuencia para
estudiar las estatuas antiguas de la colección de los
Médicis.
A tan solo 16 años de edad, ya había realizado al menos
dos esculturas en relieve, el Combate de los lapitas y
los centauros y la Virgen de la Escalera (1489-1492).
5. Miguel Ángel en sus años juveniles muestra su profunda admiración hacia
la anatomía, no satisfaciéndose con aprender las leyes de aquella,
únicamente por la escultura antigua, decide investigar por si mismo la
anatomía humana por lo que acudiría casi todas las noches al depósito
municipal de cadáveres para practicar disecciones que le permitirán
conocer mejor la estructura interna del ser humano y dibujaba tomando
modelos de la figura humana que ya no le guardaba ningún secreto.
Los últimos años de Miguel Ángel: en 1534 deja Florencia para no
regresar. Dada la situación política florentina, dominada por el duque
Alessandro que aborrecía profundamente al artista , quien había servido
antes de la última restitución medicea a la república.
En Roma, realizaría el "JUICIO FINAL, el primer encargo del Juicio se
remonta a 1533 por el Papa Clemente VII pero dos años después Pablo
III , quien lo nombra pintor, escultor y arquitecto del Vaticano, hacia
1536, le ratifica el encargo y Miguel Ángel ya en Roma lo realiza en la
Capilla Sixtina.
6. En sus últimos años Miguel Ángel Buonarroti
continúa dedicándose a la escultura, y se
propondría después de concluir la Tumba de
Julio II, idear la propia. El artista realizaría la
"PIEDAD BANDINI", de composición
piramidal, donde Nicodemo, la Magdalena y la
Virgen sostienen el cuerpo de Cristo, utiliza el
principio de lo inacabado como parte
primordial de su creación artística y la
"PIEDAD RONDANINI" que sería su última
obra ocupándose de ella en varias
oportunidades a partir de 1547, esta quedaría
también inacabada a su muerte.
Miguel Ángel también compuso poesías donde
presentaba sus ansiedades, pensamientos ,
frustraciones, ideas estéticas y su relación
con la filosofía neoplatónica. El artista falleció
en Roma el 18 de Febrero de 1564 a la edad de
89 años.
7. Algunos aspectos que caracterizan sus obras de
arte
No podemos entender a Miguel Ángel como la suma de una serie de obras
pictóricas, escultóricas o arquitectónicas sin más, sino como una
unificadora articulación de un proceso elaborativo.
En el concepto creativo de Miguel Ángel existe una clara vinculación con el
pensamiento neoplatónico.
No se limita tan solo a un propósito sino que establece un intento de
demostración de todas las posibles opciones y soluciones, y ello no deja de
ser una respuesta a la crisis planteada en torno al sistema figurativo
clásico y a su constante preocupación teoricista.
No asume la proporción como un elemento eterno e inmutable y sus
criticadas deformaciones — no ya sólo en el esquema sino también en la
aplicación del color — responden al desarrollo de un elemento artístico que
surge de una concepción interior y subjetiva del artista.
8. Sus obras son numerosas, tanto en la escultura, la pintura y la
arquitectura. Algunas de ellas son:
Esculturas:
-Cabeza de fauno (1489-1492)
-Virgen de la escalera c. 1491
-La batalla de los centauro c. 1492
-Crucifijo del Santo Spirito 1492
-Hércules c.1492
-San Petronio del Arca de Santo Domingo 1494-1495
-San Procolo del Arca de Santo Domingo 1494-1495
-Ángel del Arca de Santo Domingo 1494-1495
-Bacus (Miguel Ángel) 1496-1497
-Crucifijo de Montserrat7 1497-1498?
-Piedad del Vaticano 1499-1500
-David de Miguel Ángel 1501-1504
-Madonna de Brujas 1501-1504
-Tumba del papa Julio II 15038
-Moisés c. 1513-1515
-Cristo de la Minerva 1519-1520
-Piedad florentina c. 1550
-Piedad Palestrina c. 1550
9. Pinturas:
-El tormento de San Antonio c. 1487-1489
-La batalla de Cascina 1504
-Madonna de Manchester c. 1497
-Tondo Doni c. 1503-1506
-Santo Entierro c. 1505
-Bóveda de la Capilla Sixtina 1508-1512
-El Juicio Final (Capilla Sixtina) 1534-1541
-Crucifixión de San Pedro1542-1550
-La conversión de San Pablo 1542-1550
-Crucifixión c. 1540
Arquitectura:
-Proyecto para la fachada de la Basílica de San Lorenzo de Florencia
1515–1520, no se llegó a construir.
-La nueva Capilla de los Médici y la Sacristía Nueva de la basílica de
-San Lorenzo de Florencia 1520-1534
-Escalinata y vestíbulo de la Biblioteca Laurenziana, en la basílica de
San Lorenzo de Florencia 1523–1559
-Basílica de San Pedro 1546-1564
10. Quiero concluir la presentación de esta breve biografía de Miguel Angel,
citando a Walter Pater:
―Es indispensable que nos emocionen y sorprendan. Pero también es
indispensable que nos complazcan y conmuevan con su encanto; y esta
extrañeza también debe ser dulce, una extrañeza amable. Y para los
verdaderos admiradores de Miguel Ángel, ese el verdadero prototipo de lo
miguelangelesco: la dulzura y la fuerza, el placer de la sorpresa, la energía
de una concepción que parece estar constantemente al borde de romper
todas las condiciones de la forma adecuada, recuperando, toque a toque, un
encanto que habitualmente sólo se encuentra en las cosas naturales más
sencillas, ex forti dulcedo‖.
http://digicampus.upb.edu.co/moodle/file.php/2237/material_complementario_modulo_3/Miguel_Angel/La_poesia_de_Miguel_Angel_p
or_Walter_Pater.pdf
11. Fue construida entre 1477 y 1480, por
orden del papa Sixto IV, de quien toma su
nombre. Fue erigida en el lugar que se
levantaba la "Capilla Magna" del palacio
construido por Nicolás III.
Desde la época de Sixto IV, la capilla ha
servido como lugar de diversas
actividades papales. Hoy es la sede del
cónclave, la reunión en la que los
cardenales eligen a un nuevo Papa.
Tenía dos funciones: religiosa como Capilla
Palatina y defensiva como puesto
avanzado fortificado del conjunto de
edificios colocados alrededor del patio del
Papagayo que constituían el núcleo más
antiguo de los palacios apostólicos.
12. La Capilla es un edificio alto y rectangular de
Arquitectur ladrillo, y su exterior no tiene adornos
arquitectónicos ni escultóricos, como es común en
a muchas iglesias medievales y renacentistas de
Italia. No tiene fachada exterior ni entradas
exteriores; sólo se puede acceder a través del
interior del Palacio Apostólico, y el exterior sólo es
visible desde las ventanas de alrededor y desde
patios interiores del palacio.
Como en la mayoría de los edificios medidos interiormente, la medida exacta
es difícil de determinar. El techo de la capilla es una bóveda de cañón
rebajada que surge de una serie de lunetas que rodean las paredes donde
surgen los arcos de las ventanas. La bóveda está cortada en sentido
transversal por pequeñas bóvedas formadas sobre cada ventana, que la
dividen en su nivel más bajo en una serie de grandes pechinas elevadas sobre
pilastras poco profundas entre las ventanas
13. La bóveda de cañón fue pintada originalmente de color azul
brillante con estrellas doradas, según el diseño de Piermatteo
d'Amelia.3 El pavimento es de cosmatesco, un estilo decorativo
que usa mármol y piedra coloreada en un diseño que refleja la
proporción previa en la división del interior y también marca el
camino procesional desde la puerta principal.
La mampara o transenna de mármol, obra de Mino da Fiesole,
Andrea Bregno y Giovanni Dalmata divide la capilla en dos
partes.10 Originalmente había el mismo espacio para los miembros
de la Capilla Pontificia, en el lado del altar, y para los peregrinos y
los ciudadanos al otro lado. Sin embargo, al crecer el número de
asistentes del Papa, la mampara fue movida reduciendo la zona de
los fieles.
14. El edificio actual comprende un sótano, un
entresuelo y la capilla, encima de la cual
se extiende una espaciosa buhardilla. La
capilla tiene planta rectangular, sin
ábside, midiendo 40´94 m. de largo por
13´41 m. de ancho siendo su altura de
20´70 m.; está cubierta por una bóveda
de cañón truncada con bovedillas laterales
que corresponden a las ventanas que
iluminan la estancia.
Decoración
En un principio estuvo dedicado a la celebración de ceremonias solemnes
y cónclaves que tuvieron relevancia, aunque su mayor importancia y fama
viene dada por la magnitud de los frescos que posee. La mayoría de las
pinturas son de Miguel Ángel aunque existe la participación de otros
grandes artistas que se encuentran en escenas de los laterales de la
nave.
15. La decoración del s. XV de las paredes incluye: las falsas
cortinas, las Historias de Moisés (paredes sur - entrada) y de
Cristo (paredes norte - entrada) y los retratos de los Pontífices
(paredes norte - sur - entrada). Fue realizada por un equipo de
pintores formado originariamente por Pietro Perugino, Sandro
Botticelli, Domenico Ghirlandaio, Cosimo Rosselli, coadyuvados
por sus respectivos talleres y por algunos de sus colaboradores
más estrechos entre los que destacan Biagio di Antonio,
Bartolomeo della Gatta y Lucas Signorelli. Sobre la bóveda, Pier
Matteo d'Amelia pintó un cielo estrellado. La realización de los
frescos tuvo comienzo en 1481 y se concluyó en 1482.
16. Cuando Julio II accedió al
trono papal en 1503 decidió
enriquecer la decoración de la
bóveda, encargando seis años
más tarde los trabajos a
Miguel Ángel quien empleó
tres años en la realización.
Buonarroti elaboró en tres periodos sus frescos; el primero entre enero y
septiembre de 1509; el segundo entre septiembre de 1509 y septiembre de
1510; y el tercero y último entre enero y agosto de 1511.
Trabajaba sólo, sin ninguna colaboración y sin permitir ningún acceso a la
capilla durante su labor. Parece ser que Julio II había pensado en una serie de
doce Apóstoles como temática de la bóveda pero fue cambiada para
representar diversos asuntos del Antiguo Testamento junto a una serie de
sibilas y profetas que hablaron de la llegada de Cristo.
17. La bóveda fue dividida en nueve compartimentos que narrando una escena
bíblica cada uno, alternando grandes espacios con otros más menudos que
se acompañan de ignudis, jóvenes desnudos en sintonía con la estatuaria
clásica. La Creación de la Luz, la Creación de las plantas y los astros, la
Creación del mundo, la Creación de Adán, la Creación de Eva, el Pecado
Original y la Expulsión del Paraíso, el Sacrificio de Noé, el Diluvio
Universal y la Embriaguez de Noé son las diferentes escenas que van de
pared a pared de la bóveda.
Miguel Ángel siguió de esta manera las
bóvedas de los monumentos romanos,
cubriendo con su pintura todo el espacio,
tratando de engañar al espectador.
Los trabajos se iniciaron desde el muro
situado frente al altar mayor que más
tarde sería decorado con el Juicio,
apreciándose en el sentido inverso al que
aparecen en el Génesis.
18. Conclusión
El programa iconográfico que observamos en la decoración es
probable que haya sido consensuado con el pontífice y asesorado por
alguna autoridad teológica, sometiéndose de nuevo a la aprobación
definitiva del Papa.
Sin embrago, el resultado es una de las obras maestras de la pintura,
recientemente restaurada y limpiada para ofrecer a los
espectadores la maravilla y la fuerza del color en la obra del
renacimiento.
Se destaca Rafael y Miguel Ángel, y en toda la decoración esta
presente la caracterización principal del renacimiento: la admiración
por el cuerpo y la expresión humana en su más alto significado.
Definitivamente es una joya de un valor invaluable para la pintura del
Renacimiento. Tambien podríamos decir con Juan Pablo II:
"Los frescos que aquí contemplamos nos introducen en el mundo de
los contenidos de la Revelación. Las verdades de nuestra fe nos
hablan desde cada lugar. De ellas, el genio humano ha sacado la
inspiración empeñándose en revestirlas de formas de una belleza
inigualable"
19. El Juicio Final o El Juicio
Universal es el mural
realizado al fresco por Miguel
Ángel para decorar el ábside
de la Capilla Sixtina .
El fresco es de enormes
dimensiones -13,70 x 12,20
metros- e incluye casi 400
figuras de las que se han
identificado mas de 50.
20. Contexto
Desde la construcción de la Capilla Sixtina hasta 1536, la pared del altar
donde ahora está el Juicio Final contenía otros murales de la serie de las
historias de Moisés y de Jesús. Estaban la Asunción, la Natividad de Cristo
y el Descubrimiento de Moisés.
Miguel Ángel tuvo que sacrificar estos frescos de Perugino de la zona del
altar para pintar su obra, lo que le valió numerosas críticas.
Anteriormente, Clemente VII le había pedido que pintara La caída de los
ángeles rebeldes, pero, tras su muerte, su sucesor Pablo III le encargó que
pintara la escena del Juicio Final.
El 16 de abril de 1535 se empezó a levantar el andamiaje y en enero de 1537
se iniciaba la decoración pictórica, siendo descubierta de manera oficial el
31 de octubre de 1541.
21. Aspectos generales sobre la
obra
Su temática, como indica su nombre, constituye la última etapa de la
Humanidad, y hace un planteo claramente apocalíptico y escatológico.
En esta obra, Miguel Ángel no utiliza ninguna estructuración explícita sino
semántica, es decir, organiza la obra de acuerdo con los signos, los
contenidos y los lugares que ocupan las figuras dentro de un fondo plano, en
cuanto no tiene perspectiva geométrica sino aérea, visual.
De una simple mirada se infiere que los frescos de la bóveda y del Juicio
Final de la Capilla Sixtina - creaciones del mismo autor - difieren
totalmente.
Esta obra va a suponer la culminación del estilo pictórico del genial artista,
quien tardó en realizarla cinco años.
La composición de las figuras, liberadas de cualquier enmarcamiento
arquitectónico — a diferencia de lo que ocurre con la bóveda de la misma
Capilla Sixtina — y elaborando una recreación rítmica en torno a la atlética
figura de Cristo, a semejanza de un sistema cosmogónico.
22. Cristo aparece como centro y orden del universo según un esquema
compositivo que Miguel Ángel aplicará también en otras obras de
arquitectura, como con la estatua de Marco Aurelio en la remodelación
de la Plaza del Capitolio, situada en el centro y desarrollando
simbólicamente el concepto de eje nuclear del mundo.
En este fresco, Miguel Ángel dispone la figuración en diversos planos,
sin sometimiento a la perspectiva ―oficial‖, y para ello se sirve de
módulos decrecientes para los personajes, de arriba a abajo, para
alterar el carácter estático de los grupos y exaltar cada actitud de
movimiento.
Los modelos clásicos dejan de ser un objeto al que imitar para
convertirse ahora en el instrumento de comprobación de su propio
concepto plástico.
Lleva hasta las últimas consecuencias la integración del paganismo en el
tema religioso, desnudando sin rubor todas las figuras del conjunto.
23. En cuanto al colorido, que la presumible y a
menudo criticada escasa variedad cromática se
ve ponderada por un abrumador dominio del
dibujo, imprescindible para trabajar el fresco,
que dota a las figuras de un sorprendente
carácter volumétrico y permite delatar, con la
exaltación de los desnudos, el talante escultor
del artista.
La utilización de verdes, rosas, azules y
amarillos alteran la función clásica del color y,
en relación a ello, la luz sirve para valorar la
materialidad escultórica de las figuras, dotando
a las mismas de una determinante inestabilidad.
Es una obra cuya contemplación altera el ánimo
de los más descreídos y supone, además, el ideal
pictórico del artista florentino, siempre en
relación con otros vehículos plásticos de
expresión.
24. Las figuras principales
El majestuoso fresco del Juicio Final,
que cubre casi doscientos metros
cuadrados, es una realización que
sintetiza la tragedia griega y la
dramaticidad dantesca.
Para facilitar el análisis de su
composición es necesario buscar una
sistematización de sus personajes, ya
sean individuales como así también
agrupados, los que giran en una
atmósfera de infinitud, de
atemportalidad, impulsados por un
punto de mira, una centralidad dada
por la figura de un Cristo en actitud
de juez supremo.
25. Centro
Como protagonista de la escena está
Cristo, en actitud desafiante y
enfadada, con un brazo en alto para
dividir a los pecadores de los salvados.
A su lado, la Virgen se esconde detrás
de su hijo. Es un Cristo Juez,
presentado totalmente desnudo, con un
brazo en alto, rodeado por una serie de
gigantescas figuras que parecen
aterrorizadas en su presencia.
Junto a Cristo está María. Temerosa, se
esconde junto a su hijo asustada por el
movimiento violento que hace. Detrás de
ellos hay un destello de luz así que
reciben todo el enfoque además porque
se encuentran en el centro.
26. Apóstoles y santos
San Pedro. Tiene en sus manos las llaves del Paraíso.
San Pablo. Se le reconoce por su barba gris y su aspecto ceñudo.
San Andrés. Sostiene una cruz en forma de "X", símbolo de su martirio.
San Sebastián. Tiene sostenidas las flechas de su martirio.
27. Ángeles
Hay una representación de los ángeles del
Juicio Final, que llevaban las trompetas para
anunciar la llegada de Cristo. En las
Escrituras aparecen ocho ángeles, sin
embargo aquí se representan siete. Dos
ángeles llevan el libro de la vida y el de la
muerte.
Otro grupo de ángeles, llevan los
instrumentos de la pasión: la cruz, la
corona de espinas y los clavos.
En el luneto derecho, unos ángeles
llevan la columna donde flagelaron a
Cristo.
28. Santos
Alrededor de Cristo encontramos
varios santos: San Pedro con las
llaves y su barbga característica,
San Lorenzo con la parrilla de su
martirio en las manos.
Otro de los santos es San Bartolomé, (Parte
inferior de la imagen) que lleva su pellejo en la
mano. El rostro del pellejo es un autorretrato de
Miguel Ángel.
Santa Catalina con su rueda de púas,
símbolo de su martirio.
29. Multitud
La multitud se agolpa alrededor de Cristo,
algunos son los salvados y otros los
pecadores. Muchos están en un ambiente de
relativo pánico, no saben que hacer. Entre
el tumulto, muchos están encontrando a sus
familiares y amigos, y están realmente
felices, algunos llegan a conmoverse,
reflejado en sus lágrimas.
Almas salvadas, que
suben al Cielo.
En el lado derecho, en la
parte inferior, están los
caídos, los pecadores,
que llegan al infierno
donde los demonios los
recogen.
30. Minos
El juez del infierno, Minos, mira a los
caídos. A su lado, está la boca de
Leviatán, del Infierno.
Caronte
En el lado del Infierno está Caronte
con su barca, aludiendo a la
mitología griega. Caronte era el
barquero llevaba las almas de los
caídos al otro lado de la laguna
Estigia.
31. En síntesis…
En el Juicio Final se recoge toda la fuerza de la "terribilità" típicamente
miguelangelesca al mostrar la intensidad de un momento de manera
excepcional, produciendo en el espectador cierto "temor religioso" alejado
de la delicadeza de las imágenes de Rafael. Las figuras se retuercen sobre
sí mismas, en acentuados escorzos que anticipan el Manierismo y el
Barroco, creándose una increíble sensación de movimiento unificado a
pesar de la ausencia de perspectiva tradicional y disponiendo las figuras en
diferentes planos pero sin crear el efecto de fuga.
El colorido brillante sintoniza con la bóveda a pesar de que abundan las
carnaciones de los cuerpos desnudos que permiten contemplar sus
músculos en tensión, sin olvidar hacer alusión a la expresividad de los
rostros recogiendo en sus gestos el destino que les ha tocado tras el
último Juicio.
La composición es un remolino caótico que acentúa la angustia y la
fatalidad de la escena. Las figuras se amontonan en un torbellino, todas en
primer plano, sin perspectivas ni paisajes, y todas ellas retorcidas y
desequilibradas, buscan posturas inestables y forzadas, enriqueciendo el
contrapposto clásico.
32. Sus colores se oponen drásticamente a la
armonía cromática del clasicismo
renacentista, son muy vivos y contrastados
(ácidos) y el acabado busca intensos
contrastes de luz y sombra.
Cuando el espectador penetra en la Sixtina y
contempla esta obra maestra siente ante sus
ojos la intensidad emocional del momento
como sólo Miguel Ángel podría interpretarlo.
La influencia del Juicio Final en otros
artistas europeos posteriores fue enorme;
era visita obligada para los que podían
costearse el viaje a Roma, y se difundió
mediante grabados debidos a artistas como
Giorgio Ghisi y Martino Rota.
33. En conclusión Todos los sectores de la
magnífica obra constituyen partes de la
gran escena imaginada por Miguel Ángel:
las expresiones de los rostros, los gestos,
las torsiones de los cuerpos, las posiciones
en vilo de los personajes, los símbolos, los
lugares que ocupan con relación al Centro
identificado por Cristo, los escorzos,
conforman un lenguaje claramente
manierista y actualizan en una sola visión
lo que será para el artista el Juicio Final.