Este documento resume los principales estilos arquitectónicos desde el Renacimiento hasta el Manierismo. Comienza describiendo la arquitectura renacentista en Italia y su extensión por Europa, caracterizada por el uso de proporciones modulares y cúpulas inspiradas en el Panteón. Luego describe la arquitectura renacentista española y sus tres fases: plateresco, purista y herreriano/escurialense. Finalmente, define el Manierismo como una reacción al clasicismo que enfatiza el contraste y la transgresión de norm

1. Historia de la
Arquitectura 2
Alumna: Luisana Ruiz
C.I. 24.395.668
VALENCIA, 08 DE FEBRERO DEL 2015

2. CONTENIDO
Estilo Renacentista
Estilo Manierista
Estilo Barroco
Estilo Neoclásico
Pag. 3
Pag.11
Pag.14
Pag.18
2

3. 3
RENACIMIENTO
Pero el desarrollo normal de la
cultura renacentista se ve afectada
por el hecho simultaneo de las
luchas religiosas derivadas de la
revolución protestante. Así, en
Alemania, se corto el brote
renacentista, al igual que en Francia
con las guerras civiles de la segunda
mitad de quinientos. Además en los
países adheridos a las confesiones
protestantes, el credo iconoclasta de
los nuevos evangelios suprimió la
ocasión de ejercitar el mecenazgo
eclesiástico y, al menos en la pintura
y la escultura, suprimió la temática
abundante de los motivos
iconográficos, con la rara salvedad
de los temas bíblicos
El renacimiento tuvo su origen en
Italia en los siglos XIV y XV, llegando
a su apogeo al iniciarse el siglo XVI.
De Italia se extiende lentamente
por Europa excepto Rusia. A lo largo
de los cincuenta años que van
desde 1520 a 1570, discurre la
madura plenitud del Renacimiento
y también se percibe su ocaso. Toda
la Europa de Occidente toma parte
ahora en el movimiento de las artes
y de las letras. La recepción de los
gustos italianos se generaliza, los
grandes maestros surgen ya no solo
en Italia, sino en todo el ámbito de
las monarquías occidentales.

4. 4
RENACIMIENTO
Se denomina Renacimiento al
movimiento cultural que surge en
Europa el siglo XIV, y que se
muestra como característica
esencial su admiración por la
antigüedad grecorromana. Este
entusiasmo, que considera las
culturas clásicas como la realización
suprema de un ideal de perfección,
se propone la limitación en todos
los ordenes, lo que explica el
calificativo de Renacimiento, pues
en verdad, se trataba de un renacer,
de un volver a dar vida a los ideales
que habían inspirado aquellos
pueblos.
El Renacimiento, desde luego no
fue una simple exhumación de las
artes antiguas. El interés por el arte
grecorromano fue una
consecuencia. En principio, se
aspiro a una renovación en todas
las parcelas de la cultura humana,
filosofía, ética, moral, ciencia, etc...
encaminada a la hechura de un
hombre que fuera comprendido y
resumen de todas las perfecciones
físicas e intelectuales.
El hombre integral, el genio múltiple,
en el que se concilian todas las ramas
del saber en una actitud fecunda, fue
la gran creación del Renacimiento
que cristalizo en figuras que
mantienen viva la admiración atreves
de los tiempos, como un Leonardo
da Vinci, un Miguel Ángel, un Rafael.
La Mona Lisa
por Leonardo da Vinci

5. 5
ARQUITECTURA
RENACENTISTA
una adecuada y completa teorización.
Otra de las notas que caracteriza este
movimiento es la nueva actitud de los
arquitectos, que pasaron del
anonimato del artesano a una nueva
concepción de la profesionalidad,
marcando en cada obra su estilo
personal: se consideraban a sí
mismos, y acabaron por conseguir esa
consideración social, como artistas
interdisciplinares y humanistas, como
correspondía a la concepción integral
del humanismo renacentista.; no sólo
las grandes obras, sino muchos
pequeños edificios o incluso meros
proyectos, fueron cuidadosamente
documentados desde sus orígenes, y
objeto del estudio de tratadistas
contemporáneos.
Es aquella diseñada y construida
durante el período artístico del
Renacimiento europeo, que abarcó
los siglos XV y XVI. Se caracteriza por
ser un momento de ruptura en la
Historia de la Arquitectura, en
especial con respecto al estilo
arquitectónico previo: el Gótico;
mientras que, por el contrario, busca
su inspiración en una interpretación
propia del Arte clásico, en particular
en su vertiente arquitectónica, que
se consideraba modelo perfecto de
las Bellas Artes.
Produjo innovaciones en diferentes
esferas: tanto en los medios de
producción (técnicas de construcción
y materiales constructivos) como en
el lenguaje arquitectónico, que se
plasmaron en

6. ARQUITECTURA
RENACENTISTA
La Arquitectura del Renacimiento
se caracterizó por el empleo de
proporciones modulares, de
cúpulas colosales, hechas de
conchas con aristas, con tambores
de ventanas redondas, y linternas
que cubren la apertura del domo
inspirado del panteón romano.
Reaparece el arco de medio punto,
las bóvedas de canon y de aristas.
Aparecen las columnas adosadas
con capiteles clásicos, los fustes
lisos, los pilares cuadrados
decorados, los techos artesonados.
En exterior, los edificios están
frecuentemente coronados por
una balaustrada y sobre ésta se
colocan estatuas.
Las fachadas, inicialmente son
austeras, mas se puede observar el
dibujo de las piedras que subraya
las dovelas y les da continuidad .
Las ventanas están divididas por un
parteluz de piedra, terminadas por
un frontón encerrado en un arco
ciego decorativo. Se usa piedra
blanca (mármol) o gris claro. Hay
armonía y buen uso de elementos.
La línea ascendente, expresiva de la
espiritualidad medieval es sustituida
por el equilibrio de verticales y
horizontales.
Cúpulacolosal
San GiorgioMaggiore
Arq.Andrea Palladio
6

7. 7
ARQUITECTURA
RENACENTISTA EN ESPAÑA
La arquitectura renacentista española
pasó por tres fases. La primera es la del
estilo plateresco y se puede considerar
como una combinación de elementos
del mudéjar y del gótico. El plateresco se
caracteriza por edificios cuyas fachadas
están ricamente decoradas con adornos
almohadillados, medallones, escudos,
columnas con capiteles corintios y
pilastras decoradas con insectos, hojas,
entre otros.
elementos concretos, inspirados en la
antigüedad -- como los arcos de medio
punto y las columnas lisas -- , los
almohadillados en los muros y por una
austera decoración que se limita a las
puertas y las ventanas, lo que da a estos
edificios un aspecto más armónico y
equilibrado.
La“Casa de las Conchas”
La segunda fase de la arquitectura
renacentista española pertenece al
Renacimiento pleno y se inició en la
segunda mitad del siglo XVI. Al contrario
del plateresco, el estilo "purista" de este
segundo periodo se caracteriza por el uso
de algunos
La tercera fase de la arquitectura
renacentista se conoce como el estilo
herreriano -- por su mayor exponente,
Juan de Herrera -- o escurialense -- por
el edificio emblemático de este
periodo: El monasterio de El Escorial. El
estilo se caracteriza por la simetría y la
repetición de formas y motivos.
También predominan los elementos
constructivos, líneas rectas, volúmenes
cúbicos, formas geométricas simples y
la ausencia de decoración.

8. 8
PINTURA RENACENTISTA
El Cinquecento (siglo XVI) fue la etapa
culminante de la pintura renacentista, y
denominada por ello a veces como
Clasicismo. Los pintores asimilan las
novedades y la experimentación
cuatrocentistas y las llevan a nuevas cimas
creativas. En este momento aparecen
grandes maestros, cuyo trabajo servirá de
modelo a los artistas durante siglos.
El primero de ellos fue Leonardo da Vinci
(1452-1519), uno de los grandes genios de
todos los tiempos. Fue el ejemplo más
acabado de artista multidisciplinar,
intelectual y obsesionado con la
perfección, que le llevó a dejar muchas
obras inconclusas o en proyecto. Poco
prolífico en su faceta pictórica, aportó sin
embargo muchas innovaciones que
condujeron a la historia de la pintura hacia
nuevos rumbos. Quizá su principal
aportación fue el sfumato o claroscuro,
delicada gradación de la luz que otorga a
sus pinturas una gran naturalidad, a la vez
que ayuda a crear espacio.
En pintura, las novedades del
Renacimiento se introducirán de forma
paulatina pero irreversible a partir del
siglo XV. Un antecedente de las mismas
fue Giotto (1267-1337), pintor aún
dentro de la órbita del Gótico, pero que
desarrolló en sus pinturas conceptos
como volumen tridimensional,
perspectiva, naturalismo, que alejan su
obra de los rígidos modos de la
tradición bizantina y gótica y preludian
el Renacimiento pictórico.
En el Quattrocento (siglo XV), se
recogen todas estas novedades y se
adaptan a la nueva mentalidad
humanista y burguesa que se expandía
por las ciudades-estado italianas. Los
pintores, aun tratando temas religiosos
la mayoría de ellos, introducen también
en sus obras la mitología, la alegoría y el
retrato, que se desarrollará a partir de
ahora enormemente.
.
Elnacimientode Venus obra de
Botticelli
La Virgen,
el Niño
Jesús y
santa Ana,
por
Leonardo
da Vinci

9. 9
ESCULTURA RENACENTISTA
Aparece un inusitado interés por la
perspectiva, derivado de las
investigaciones arquitectónicas
coetáneas, y el mismo se plasma en
relieves, retablos, sepulcros y grupos
escultóricos. Durante el Renacimiento
decae en cierta manera la tradicional talla
en madera policromada en favor de la
escultura en piedad del Virgen, el Niño
Jesús y santa Ana, por Leonardo da
Vincira (mármol preferentemente) y se
recupera la escultura monumental en
bronce, caída en desuso durante la Edad
Media. Los talleres de Florencia serán los
más reputados de Europa en esta técnica,
y surtirán a toda Europa de estatuas de
este material.
Como en las demás manifestaciones
artísticas, los ideales de vuelta a la
Antigüedad, inspiración en la naturaleza,
humanismo antropocéntrico e idealismo
fueron los que caracterizaron la escultura
de este período.
Aunque se seguirán haciendo obras
religiosas, en las mismas se advierte un
claro aire profano; se reintroduce el
desnudo y el interés por la anatomía con
fuerza, y aparecen nuevas tipologías
técnicas y formales, como el relieve en
stiacciato (altorrelieve con muy poco
resalte, casi plano) y el tondo, o
composición en forma de disco; también
la iconografía se renueva con temas
mitológicos, alegóricos y heroicos.
David de Miguel
Ángel.
La Piedad del Vaticano,
de Miguel Ángel

10. 10
MANIERISMO
Manierismo es la denominación
historiográfica del periodo y estilo
artístico que se sitúa convencionalmente
en las décadas centrales y finales del
siglo XVI (Cinquecento en italiano), como
parte última del Renacimiento (es decir,
un Bajo Renacimiento). Su
caracterización es problemática, pues
aunque inicialmente se definió como la
imitación de la maniera de los grandes
maestros del Alto Renacimiento (por
ejemplo, el propio Tintoretto pretendía
dibujar como Miguel Ángel y colorear
como Tiziano), posteriormente se
entendió como una reacción contra el
ideal de belleza clasicista y una
complicación laberíntica tanto en lo
formal (línea serpentinata, anamorfosis,
exageración de los movimientos, los
escorzos, las texturas, los
almohadillados, alteración del orden en
los elementos arquitectónicos) como en
lo conceptual
(forzando el decorum y el equilibrio alto-
renacentistas, una "violación de la
figura"), que prefigura el "exceso"
característico del Barroco. Por otro lado,
también se identifica el Manierismo con
un arte intelectualizado y elitista,
opuesto al Barroco, que será un arte
sensorial y popular. Considerado como
una mera prolongación del genio creativo
de los grandes genios del Alto
Renacimiento (Leonardo, Rafael, Miguel
Ángel, Tiziano) por sus epígonos (como
los leonardeschi), el Manierismo fue
generalmente minusvalorado por la
crítica y la historiografía del arte como un
estilo extravagante, decadente y
degenerativo; un refinamiento erótico y
una "afectación artificiosa" cuya
elegancia y grazia no fue apreciada
plenamente hasta su revalorización en el
siglo XX, que comenzó a ver de forma
positiva incluso su condición de auto-
referencia del arte en sí mismo.

11. 11
ARQUITECTURA MANIERISTA
La arquitectura manierista es aquella
fase de la arquitectura renacentista que
se extiende entre el final de la
arquitectura renacentista y el comienzo
de la arquitectura barroca.
El término maniera, usado en el siglo XV
para indicar el estilo de cada artista fue
empleado por Giorgio Vasari en el siglo
posterior para describir uno de los cuatro
requisitos de las artes (orden, medida,
estilo y maniera), refiriéndose
especialmente a las obras de Miguel
Ángel, también fue utilizado de manera
peyorativa para definir el arte italiano
entre el Renacimiento y el Barroco.
.
El manierismo rechazó el equilibrio y la
armonía de la arquitectura clásica,
concentrándose en el contraste entre
norma y transgresión, naturaleza y
artificio, signo y subsigno.
Si la arquitectura del Renacimiento la
fábrica de los edificios a menudo
denuncia su propia conformación interna,
las obras manieristas generalmente se
alejan de esta tendencia, escondiendo su
propia estructura de base. Desde el
punto de vista decorativo, asume gran
importancia el tema grotesco, un tema
pictórico en tiempos del imperio romano,
redescubierto a finales del siglo XV,
durante algunas excavaciones
arqueológicas.
Villa Rotonda
de Andrea Palladio
Galería Ufizzi
de Giorgio Vasari

12. 12
PINTURA MANIERISTA
Se caracteriza por la arbitrariedad en el uso del
color y las proporciones.
Las proporciones anatómicas se alteran a su
voluntad. El alargamiento de las figuras es
constante.
Se prefiere el trazado serpentiforme,
los abundantes y tensos escorzos, la
distorsión como forma de expresar
una dramática escisión en la
conciencia y en el
mundo.
Las figuras está constreñidas en
marcos estrechos, lo que acentúa las
expresiones angustiadas.
La utilización de fondos negros, en
los que se representan las figuras
como auténticos objetos-luz, nos
anuncian en Barroco.
Virgen de Cuello Largo
De Parmigianino
Venus y Cupido
De Lambert Sustris

13. 13
ESCULTURA MANIERISTA
La meta de los artistas manieristas
fue la ruptura de la unidad espacial
y del equilibrio: el espacio lo
entendieron como diverso y por
tanto con diferentes visiones. La
escultura presenta un contenido
dramático, formas mucho más
elegantes, rebuscadas y artificiosas.
• Lo que caracteriza a todas las esculturas
manieristas es el empleo de la línea
serpenteada, que consiste en el movimiento
giratorio de un cuerpo sobre un imaginario eje
interior; el resultado produce un
contrabalanceo de la figura y una sensación
de inestabilidad y movimiento permanente.
• Esto da como resulta do que exista una
multiplicidad de puntos de vista, no se halla
un delante ni un detrás, esto hace que la obra
gire como un espiral, las figuras se retuercen y
prolongan, dándole un dinamismo a las obras.
• Sensación de movimiento en la figura
resultante al ya no estar regida por los
principios
• Se prefería la escala monumental.
• Hay una reverencia por los temas
mitológicos. Los personajes en las esculturas
están desnudos.
• Se continua con el arte religioso o alusivo a
escenas bíblicas
Rapto de las
Sabinas
De Franco-
Flamenco.Perseo y Medusa
De Benvenuto Cellini

14. 14
BARROCO
Tradicionalmente se denomina
"Barroco" al período de transcurre desde
el siglo XVII al XVIII. La especial actitud
estilista que caracteriza al arte barroco
alcanzó su momento de madures en
Italia hacia 1630 y se desarrolló en los
cuarenta años siguientes. A partir de ese
momento se difundió por todas las
naciones de Europa.
El arte barroco jugó un papel
importante en los conflictos religiosos de
este periodo. Frente a la tendencia
protestante a construir los edificios para
el culto de una manera sobria y sin
decoración, la iglesia católica usó para
sus fines litúrgicos la grandiosidad y la
complejidad barrocas. El papado
reaccionó contra la división que provocó
la reforma iniciada por Lutero generando
el movimiento que se conoció como la
Contrarreforma. La arquitectura, la
escultura y la pintura fueron utilizadas
para el prestigio de la autoridad
papal e ilustrar las verdades de la fe. En
este sentido se puede afirmar que el
barroco es la expresión estética de la
Contrarreforma.
La monarquía utilizó la magnificencia de
este arte para poder hacer propagandas
que los beneficiasen, ya sea en el arte o en
la sociedad.
La burguesía de la época, que había
logrado obtener un papel muy notable,
utilizó el Barroco para expresar sus ideas y
trascender más allá de su época.
La arquitectura, la escultura y la pintura,
fueron utilizadas para el prestigio de la
autoridad papal e ilustrar las verdades de
la fe. En este sentido se puede afirmar que
el barroco es la expresión estética de la
Contrarreforma.
La monarquía utilizó la magnificencia de
este arte para poder hacer propagandas
que los beneficiasen, ya sea en el arte o en
la sociedad.
La burguesía de la época, que había
logrado obtener un papel muy notable,
utilizó el Barroco para expresar sus ideas y
trascender más allá de su época.

15. 15
ARQUITECTURA BARROCA
La arquitectura barroca es resumen y
paradigma del espíritu de la "civilización
del barroco".
En ella se adoptan las líneas curvas
frente a las rectas por generar aquéllas
mayor dinamismo y expresividad.
Las fachadas adquieren la máxima
importancia pues en ella se suelen volcar
los mayores empeños decorativos
mediante numerosas cornisas y
columnas griegas, romanas y
salomónicas. Por el predominio de los
elementos decorativos sobre los
constructivos, se puede afirmar que el
estilo barroco más que un estilo de
arquitectura es una forma de decoración
arquitectural.
Las plantas de los templos también
tienden a alejarse de las formas clásicas
basadas en la línea recta, el cuadrado y la
cruz y en muchas ocasiones se adoptan
plantas circulares, elípticas o mixtilíneas.
Esta libertad en las plantas
arquitectónicas permite una mejor
adaptación al lugar en que se va a erigir
el edificio.
Una de las preocupaciones del Barroco
son los grandes recintos públicos
urbanos. Es frecuente que en las
ciudades más importantes se lleven a
cabo plazas mayores de enorme
superficie y suntuosidad. En España
tenemos los ejemplos señeros de la Plaza
Mayor de Salamanca y de la de Madrid.
Palacio de
San Telmo

16. 16
PINTURA BARROCA
La expresividad de las figuras
representadas y el intenso claroscuro
son unas de las características más
importantes de este período en la
pintura.
El Barroco se caracteriza por la
acumulación de formas y excesos de
superposición de elementos
ornamentales en el que aparecen
columnas retorcidas y pilastras que no
sostienen nada, arquitrabes y muros que
se doblan y retuercen, figuras en los
cuadros iluminados de forma antinatural
y esculturas que buscan efectos
ilusionistas.
Este arte responde a una mentalidad cada
vez más homogénea, que adoptó sin
embrago en los diferentes países formas
variadas.
Podemos decir que el barroco es un estilo
comprensible para todos, que se
manifiesta con dos ideas contrapuestas.
La primera es la del barroco lujoso y
cortesano, teatral y católico y la segunda
la del barroco burgués destinado a
representar la vida real, cotidiana y que
abarca al protestantismo.
Cena de Emaús
De Caravaggio

17. 17
ESCULTURA BARROCA
Representación del desnudo en su
estado puro, como una acción
congelada, conseguido mediante una
composición asimétrica, donde
predominan las diagonales y
serpentinatas, las poses sesgadas y
oblicuas, el escorzo y los contornos
difusos e intermitentes, que dirigen la
obra hacia el espectador con gran
expresividad.
A pesar de la identificación del Barroco
con un "arte de la Contrarreforma",
adecuado al sentimiemto de la devoción
popular, la escultura barroca, incluso en
los países católicos, tuvo una gran
pluralidad de temas (religiosos,
funerarios, mitológicos, retratos)
Se caracteriza por el Naturalismo, es
decir, representación de la naturaleza tal
y como es, sin idealizarla.
Integración en la arquitectura, que
proporciona intensidad dramática.
Esquemas compositivos libres del
geometrismo y la proporción equilibrada
propia de la escultura del Renacimiento
pleno. La escultura barroca busca el
movimiento; se proyecta dinámicamente
hacia afuera con líneas de tensión
complejas, especialmente la helicoidal o
serpentinata, y multiplicidad de planos y
puntos de vista. Esta inestabilidad se
manifiesta en la inquietud de personajes
y escenas, en la amplitud y ampulosidad
de los ropajes, en el contraste de texturas
y superficies, a veces en la inclusión de
distintos materiales, todo lo cual que
produce fuertes efectos lumínicos y
visuales.
Éxtasis de Santa
Teresa
De Gian
Lorenzo Bernini

18. 18
NEOCLASICO
El Neoclasicismo significó una vuelta
a los contenidos grecorromanos, otro
regreso más a las formas clásicas por
excelencia: se busca nuevamente el
equilibrio y la armonía entre los
diferentes elementos. Europeos y
norteamericanos- recién
independizados- vuelven sus ojos
hacia la usanza grecorromana y tratan
de llevar a su vida formas, actitudes y
hasta modos de vida propios de
aquellas épocas clásicas. El período de
apogeo del Neoclasicismo coincide
con la segunda mitad del siglo XVIII y
el primer cuarto del siglo XIX.
El Neoclasicismo en sí es un estilo
muerto. Tornó lo clásico de Grecia y
Roma y dio cabida a las demás
manifestaciones culturales o
artísticas. Su imitación de los griegos y
romanos se quedó fría, desposeída de
contenido sincero, apegada al rigor
científico, y desposeída de un espíritu
que valorara todo aquel mundo de
formas. La principal característica del
Neoclasicismo
es la belleza fría y sin alma o espíritu.
Abundan las formas cargadas de doctrina y
estética, aunque frías y muertas. El
Neoclasicismo no emprendió el mismo
perfeccionamiento renacentista: a las formas
paganas impuso su propio espíritu
vivificador.
Por otro lado, la escultura logró imitaciones
perfectas de la griega y romana, pero
también faltas de espíritu. A pesar de ello
algunos escultores lograron infundir cierta
gracia sentimental a las figuras y cierta forma
mórbida más propia del período helenístico
que los acercaba algo al realismo.
En la pintura resalta el carácter escultórico:
se juega con volúmenes y estructuras, y se
imprime cierto aire de heroísmo dentro de
las formas frías. Se impone la línea sobre el
color, por lo que acrecienta sus cualidades
plásticas pero decrecen las pictóricas. Se
imponen los temas de carácter clásico,
histórico y mitológico, empleándose también
temas con influencia de la Edad Media. En
los temas históricos predominan elementos
romanos, griegos y egipcios. Los gestos son
heroicos, con predominio de un ambiente
patético.

19. 19
ARQUITECTURA NEOCLASICA
La arquitectura neoclásica
reproduce las formas generadas por
los griegos y los romanos, mas no
tarda en suprimir toda referencia a las
medidas del cuerpo, prefiriendo el
nuevo sistema métrico adoptado por
los franceses y favoreciendo la
monumentalidad
Usa los símbolos y motivos
redescubierto en los muebles y
edificios de Pompeya y Herculano
(hallazgos arqueológicos que marcan
el comienzo del neoclasicismo dando
lugar a nuevas formas, el génesis del
arte neoclásico), copia fachadas con
frontones griegos, emplea dos
famosas órdenes de la arquitectura
clásica griega: dórico (columnas
estriadas y capitel sin molduras), y el
jónico (columnas esbeltas, apoyadas
sobre basa, fuste escalonado, capitel
decorado con volutas, arquitrabe de
tres franjas y friso libre de
decoración), además prefiere el
mármol blanco; de los romanos toma
las espaciosas cúpulas y bóvedas.
Tras el Barroco y el Rococó, el
neoclasicismo representa una
simplificación: las líneas rectas
dominan sobre las curvas, existen
menos contrastes de volúmenes,
menos adornos, dinteles y columnas
reemplazan los arcos.
Los frontones triangulares sustituyen los
circulares y las balaustradas reaparecen
sobre los edificios. Vemos en definitiva
formas más sencillas y simétricas, hay
mayor racionalidad compositiva,
sobriedad decorativa y orden, que
concuerda a la perfección con los valores
de la burguesía y las necesidades del
despotismo ilustrado.
Iglesia de Madeleine
Iglesia
Votiva

20. NEOGOTICO
El Neogótico es una de las categorías
estéticas esenciales que produjo la
arquitectura del siglo XIX. Se caracteriza
por una vuelta a la utilización de las
formas góticas. Se desarrolla
fundamentalmente en Inglaterra y en
Francia, aunque va a tener importantes
muestras en todos los países de Europa y
en Estados Unidos. Su nacimiento y
desenvolvimiento va unido al nacimiento
de la Filosofía y del movimiento
historicista, al auge de los nacionalismos
y en los aspectos técnicos al desarrollo de
la restauración arquitectónica, que
tendrá en la catedral gótica su mejor
plasmación.
La orientación hacia el pasado que
desarrolla la corriente intelectual
historicista, propia de la cultura europea
del siglo XIX, tiene en la Edad Media su
principal punto de mira, debido a la
relación que establece el movimiento
romántico con ese período histórico. El
neogótico, podría decirse, es el
historicismo romántico por excelencia, es
el neomedievalismo más importante, el que
adquiere una mayor difusión geográfica, ya
que se desarrolla en todos los ámbitos
geográficos europeos y americanos. El
neogótico tiene una amplísima producción, y
además concisa nuevos significados y nuevos
valores arquitectónicos. No es una mera
recuperación superficial de un estilo
arquitectónico, sino una profunda reflexión
sobre historia de la arquitectura.
El neogótico tiene una incidencia diferente en
cada país y en cada región no siendo el único
neomedievalismo que se produce y en algunos
países ni siquiera el más importante pues,
dado que este surgimiento neomedieval es
indisociable del sentimiento nacionalista, uno
de los componentes básicos de la mentalidad
historicista son aquellos estilos
arquitectónicos más prototípicos de cada lugar
los que merecen una consideración
preferente. Así por ejemplo, en Italia el
neorrománico adquiere un mayor desarrollo, o
en España son estilos locales como el mudéjar
o el hispanoárabe los que tienen una
considerable repercusión.
20

21. 21
ARQUITECTURA NEOGOTICO
El estilo arquitectónico neogótico se
refiere al movimiento surgido en el siglo
XIX, peyorativamente denominado como
pseudo-gótico, consistente en la
arquitectura realizada a imitación de la
gótica medieval. Por su común rechazo al
racionalismo neoclásico, es un estilo
vinculado con el romanticismo, y por sus
implicaciones políticas, con el
nacionalismo. Como arquitectura
historicista es una reelaboración que
reproducía el lenguaje arquitectónico
propio del estilo gótico con formas más o
menos genuinas. La arquitectura
neogótica presenta innovaciones
técnicas y constructivas notables, que
permitieron levantar estructuras esbeltas
y ligeras con medios y materiales
sencillos.
El arco ojival es uno de los elementos
técnicos más característicos de la
arquitectura gótica, y vino a suceder al
arco de medio punto, propio del estilo
románico. El arco ojival, a diferencia del
arco de medio punto, es más esbelto y
ligero por transmitir menores tensiones
laterales, permitiendo adoptar formas
más flexibles, resulta más eficaz, pues
gracias a su verticalidad las presiones
laterales son menores que en el arco de
medio punto, permitiendo salvar
mayores espacios.
La bóveda de crucería, conformada por
arcos apuntados, a modo de esqueleto, es
más ligera que cualquier otro tipo de
bóveda construida hasta esa fecha. Para
soportar el empuje del peso de las
bóvedas, en vez de construir gruesos muros
como se realizaba en el románico, en el que
los contrafuertes adoptaban la forma de
pilares adosados exteriormente al muro,
con un ancho creciente en su base; los
arquitectos idearon un sistema más
eficiente: los contrafuertes con arbotantes.
La ornamentación gótica se funda en la
construcción y sirve para acentuar más los
elementos de ésta. Los motivos más
comunes y propios, en el terreno
escultórico, son en los comienzos del estilo
gótico, sobre todo, en el periodo de
transición los adornos geométricos
heredados del estilo románico, molduras y
calados geométricos que nacen del propio
arco.
Las cúpulas se forman de témpanos
sostenidos por nervios radiantes que
arrancando del octógono formado por los
arcos torales y por una especie de trompas
muy artísticas situadas en los ángulos
determinados por ellos, se unen
concurriendo a una clave superior y
céntrica.

22. 22
ARQUITECTURA NEOGOTICO
Iglesia Votiva
De Heinrich von
Ferstel.
Catedral de Colonia- Alemania

23. 23
EXOTISMO
Exotismo es una actitud cultural de gusto por lo extranjero. El fenómeno se
constata habitualmente en la historia de las civilizaciones en expansión. La
curiosidad de la sociedad romana por las religiones de los márgenes de su
Imperio, o los periodos de apertura de la historia de China a la cultura europea
podrían ser muestras de exotismo. No obstante, esta actitud se produjo con
más amplitud y variedad en Occidente, con el proceso de globalización que va
desde la era de los descubrimientos al comercio globalizado actual, pasando
por el colonialismo.
Claude Lévi-Strauss aportará un criterio esencial: la occidental va a ser, de
ahora en adelante, una cultura antropológica, que no confunde lo extranjero
con la imitación que de ello se hace, y sabe lo que quiere decir el exotismo. Una
creación de inspiración extranjera deja de ser exótica cuando a su vez inspira al
extranjero, como el impresionismo para el Japón o Picasso para África.