1. ESCUELA FLAMENCA
JAN VAN EYCK

2. MARCO GEOGRÁFICO
En la Baja Edad Media, los Países Bajos viven una evolución distinta a la
del resto de Europa. En Flandes, el desarrollo de las actividades
mercantiles provoca la aparición de una pujante burguesía, un nuevo grupo
social con suficiente poder económico como para permitirse el lujo de
encargar obras de arte pero con actitudes estéticas muy distintas a las de la
nobleza o el clero, tradicionales patronos de la creación artística.

3. El Renacimiento Nórdico muestra
una renovación figurativa que parte
de la observación fiel de la
naturaleza y del hombre pero con
un sistema de visión aún medieval.
Ciudades como Ypres, Gante o
Brujas viven durante casi todo el
siglo XV una fase de esplendor
económico basado en la industria
textil y en el comercio europeo.
En estas prósperas ciudades surge una extraordinaria escuela
pictórica que rompe moldes con respecto a la pintura gótica pero
que mantiene diferencias con respecto al Renacimiento Italiano.

4. La ciudad de
BRUJAS fue
el centro
artístico más
famoso, un
foco de
atracción para
todos los
Países Bajos
y el resto de
Europa.
Es la metrópolis financiera y comercial de Flandes donde se daban las condiciones para
que aquí surgiera muy pronto un importante mercado de arte, capaz de satisfacer las
necesidades de una clientela heterogénea, con una oferta tanto de lujosas pinturas sobre
tabla como asequibles óleos. Más que otras ciudades, Brujas aseguraba a los artistas un
número suficiente de encargos y una subsistencia desahogada. Muchos se asentaran en
la ciudad, donde surgieron diferentes corrientes artísticas en un estilo propio que se
extendió hasta bien entrado el siglo XVI.

5. RASGOS QUE DEFINEN LA PINTURA FLAMENCA
Pintura burguesa, intimista que, manteniendo la temática religiosa, introduce
nuevas preocupaciones: un renovado interés por el retrato, gusto por la
exhibición de los interiores domésticos, los muebles y objetos que atestiguan el
status social de sus poseedores.
Sin abandonar el simbolismo medieval (ahora "disfrazado") se plantea los
problemas de la representación tridimensional descubriendo la perspectiva
matemática y la perspectiva aérea
“Toda expresión artística, incluso cuando se trata de lo más transcendente, de lo
más ideal y lo más divino, depende de que se corresponda ampliamente con la
realidad natural y sensible” HAUSER

6. LA MINUCIOSIDAD
Son obras para ser vistas de cerca. Detalles casi microscópicos, hojas
de un árbol, ciudades lejanas. Son miniaturas unidas en un cuadro.

7. CARACTERÍSTICAS
NATURALISMO
REPRESENTACIÓN Rostros individualizados, con
VERAZ DE LA REALIDAD sus rasgos fisionómicos.
SIN IDEALIZACIONES Anatomía perfecta. Visión casi
fotográfica en matices y texturas.
Volumen corpóreo de las
figuras. Realismo. Desaparecen
las estilizaciones y
deformaciones expresivas del
Románico.
Tratamiento de los ropajes: caen
formando amplios pliegues
voluminosos y creando bellos
efectos plásticos en contraposición
con el esquematismo y planitud de
estilos anteriores.

8. GUSTO POR LOS OBJETOS, por lo
concreto DE LA VIDA COTIDIANA.
Habitaciones pequeñas repletas de
objetos de uso común, muebles,
alfombras, cuadros, objetos que
señalan también un cierto nivel de vida
burguesa y entre los que destaca
siempre el tejido.

9. Técnica: pintura sobre tabla y UTILIZACIÓN DEL ÓLEO
que permite veladuras, trasparencias y minuciosidad.

10. LA LUZ es
uniforme, como si
no jugara ningún
papel, es una luz
natural, sin estudio,
una luz aún gótica.
LA COMPOSICIÓN
tiende siempre a ser
sencilla, simétrica y
jerarquizada,
siguiendo tipologías
góticas.

11. LOS TEMAS
Se humanizan los TEMAS RELIGIOSOS. Los rostros
adoptan expresiones humanas. En ellos se representan las
sentimientos mas diversos: dolor, placer, dulzura, amor.
Son los temas predominantes y se muestran en dos
vertientes: el misterio de la fe, vivido como un drama,
interiorizado, individual y místico. Pero también aparecen
escenas religiosas mezcladas dentro de ambientes
cotidianos, vírgenes y santos hablando con personajes de
la época, como si se pretendiera acercar el cielo a la tierra,
humanizando lo divino.
Por otra parte aparecen TEMAS COTIDIANOS Y
BURGUESES donde la moral inunda de puritanismo
todas las escenas: el trabajo diario, el matrimonio y la
fidelidad, etc.

12. Como tema EL PAISAJE se convierte en el protagonista.
Muchas veces se presenta desde el interior a través de una
ventana y otras la vista es ya exterior.
El paisaje es húmedo, bajo en su horizonte y siempre llano. Está
representado con la misma minuciosidad que los objetos del
primer plano, es un paisaje sin profundidad, infinito e intangible..

13. PINTURA SOBRE TABLA
Durante el siglo XV la pintura sobre tabla alcanzó en los
Países Bajos su primer florecimiento y a la vez su más alto
grado de perfección.
Las pinturas de los llamados maestros antiguos - Jan van
Eyck, Roger van der Weyden, Hugo van der Goes o Hans
Memling -, obras realistas y de intenso colorido, se cuentan
sin disputa entre los cúlmenes de la historia del arte
europeo, y fueron altamente estimados ya por sus
contemporáneos en la Europa meridional.
El impresionante desarrollo de la pintura sobre tabla en los
Países Bajos discurre casi simultáneamente al vertiginoso
desarrollo artístico del temprano renacimiento toscano.

14. ARTISTAS
PRINCIPALES
SIGLO XV SIGLO XVI
JAN VAN VAN DER VAN DER
MENMLING EL BOSCO PATINIR
EYCK WEYDEN GOES

15. JAN VAN EYCK
JAN VAN EYCK nace en Maastrich, en la
década de 1380-1390, en los Países Bajos
orientales que estaban bajo el dominio del
duque de Borgoña.
Era una zona densamente poblada, de
economía floreciente. Inicia su trayectoria
artística en el campo de la miniatura. Las
primeras noticias sobre su actividad lo
sitúan en la corte de Juan de Baviera, en
la decoración de su palacio de la Haya.
Tras la muerte del príncipe se traslada a
Brujas, una de las ciudades más ricas de
Flandes, extenso territorio bajo la
autoridad de la Casa de Borgoña. Entra al
servicio del duque de Borgoña realizando
“El hombre del turbante rojo” (1433),
para él importantes misiones diplomáticas. posible autorretrato
Muere en Brujas dejando tras de sí una
importante producción artística que Considerado uno de los mejores pintores
supone una profunda renovación de la del Norte de Europa del siglo XV y el más
visión artística de la realidad. célebre de los Primitivos Flamencos..

16. “El hábil pintor de quien me ocupo fue uno de los observadores más
atentos de la realidad, hasta el punto de parecer haber querido
desmentir la afirmación de Plinio de que si un pintor pinta muchas
figuras, hace siempre algunos parecidos, dado que es imposible
igualar a la naturaleza, que entre mil rostros no hace dos que sean
iguales. En el Políptico de San Bavón de Gante, de Jan van Eyck,
hay trescientas treinta figuras y ninguna de ellas se parecen entre sí.
Además, sus rostros demuestran las más diversas expresiones: el
fervor divino, el amor; la fe.
En la de la Virgen sus labios parecen pronunciar las palabras del
libro que lee.
Por otra parte, el paisaje muestra muchos árboles exóticos,
pudiéndose además conocer la naturaleza de cada planta y de una
vegetación extraordinariamente bella. Se podrían contar los cabellos
de los personajes y las crines de los caballos, todo ello pintado con
tal delicadeza que desconcierta y deja atónitos a los artistas que
contemplan la obra.”
Van Mander, Carel: "El libro de la Pintura", 1604.

17. TÉCNICA, FORMA Y CONTENIDO
La nueva visión artística debe mucho a la técnica utilizada, el óleo.
Aunque esta técnica ya era conocida, Van Eyck la perfeccionará y usará
magistralmente. Con el óleo es posible reproducir a la perfección las
calidades de los objetos y es precisamente esa representación
minuciosa de la realidad, ese “hiperrealismo” una de las características
más destacadas de la pintura flamenca. Todo, desde lo grande a lo
pequeño, se reproduce casi fotográficamente.
Sin embargo, esta objetividad naturalista que dota a sus escenas de un
aspecto habitual y cotidiano puede ser engañosa pues la realidad está
impregnada de un significado sobrenatural. Van Eyck abandona la
interpretación medieval de los temas religiosos. La esfera celestial es
reemplazada por lo que parece ser un límpido reflejo de la vida flamenca
del siglo XV.
El contenido místico religioso se reviste con la apariencia del mundo
visible. La realidad se eleva a la esfera de solemne meditación: las
cosas reales se convierten en metáforas de las espirituales.

18. RECURSOS TÉCNICOS DE VAN EYCK
DETALLISMO Y MINUCIOSIDAD
- representación de mínimos detalles
- la luz ilumina los objetos aportando
la calidad de las cosas.
Realismo exacerbado
no hay visión
de conjunto.

19. APARICIÓN DE TEMAS NUEVOS Y MODIFICACIÓN DE TEMAS
TRADICIONALES. COMPLEJA SIMBOLOGÍA BAJOMEDIEVAL
- EL RETRATO: Dominio en su ejecución. Desarrolla el retrato de tres
cuartos. Capta con precisión la psicología de los retratados
cuidando por igual los rostros y las vestiduras.
- EL PAISAJE

20. TRANSFORMACIONES EN LOS TEMAS TRADICIONALES
APARICIÓN DE LOS DONANTES en los cuadros
religiosos formando parte de la escena.
Van Eyck abandona la interpretación medieval de los
temas religiosos. Los muestra como escenas burguesas.

21. RECURSOS TÉCNICOS DE VAN EYCK
CREACIÓN DE UN ESPACIO
VERAZ
Construcción rigurosa del espacio :
- Sus impresionantes escenas en
interiores se apoyan en una
perspectiva empírica, es decir, sus
interiores realistas surten efecto
espacial aun sin estar construidos
geométricamente.
- La difusión de la luz sobre las
figuras representadas. La luz une
todos los ambientes y da armonía a
todos los componentes del cuadro.

22. RECURSOS TÉCNICOS
SOPORTE:
Pintura sobre tabla:
- polípticos
- dípticos y trípticos
- pintura de caballete
USO DEL ÓLEO: técnica consistente en disolver los
colores en aceite (de linaza o nueces). Tarda en
secar y permite retocar lo pintado logrando gran
minuciosidad y la descripción exacta de la realidad.
Virtuosismo técnico en la descripción de las
calidades de la materia que lo sitúan entre los
grandes de la historia de la pintura.

23. Sobre el uso del óleo
http://estosiesunapipa.wordpress.co
m/category/por-artistas/van-eyck-jan/

24. Sobre las veladuras
“La contribución fundamental de Van Eyck y los
flamencos fue el uso de las veladuras, capas de
color realizadas con aceite muy transparente y
diluido que permiten la creación de la
profundidad espacial, el detalle microscópico,
las transparencias en los tejidos o la creación de
volúmenes a través de luz y sombra. La alta
definición de los detalles como los del espejo del
fondo de la imagen se lograba a través del uso
de resinas duras como el ámbar, que daban
consistencia al óleo.” blog Esto sí es una pipa

25. «Trabajando en Flandes Juan de Brujas, pintor muy apreciado por la
buena práctica que había adquirido en el oficio, como se deleitaba en la
alquimia, se puso a probar diversas suertes de colores para hacer con
muchos aceites barnices y otras cosas (...) empezó a pensar en hallar
la manera de hacer una especie de barniz que secase a la sombra sin
tener que poner sus pinturas al sol. De ahi que, después de
experimentar con muchas cosas y mezclarlas, al fin encontró que el
aceite de semillas de lino y de nueces, entre todos los que había
probado, eran más secativos que todos los demás. Éstos, cocidos con
otras mixturas suyas, le hicieron el barniz que él y todos los pintores del
mundo habían deseado por mucho tiempo. Después de experimentar
con otras muchas cosas, vio que al mezclar los colores con esta suerte
de aceites le daba una mezcla muy fuerte que, una vez seca, no temía
al agua, y encendía el color tanto que le daba lustre sin más barniz, y lo
que aun le parecía más admirable fue que se unía infinitamente mejor
que el temple. »
Giorgio VASARI, Vita di Antonello da Messina, 1568

26. LA FUENTE DE LA GRACIA
(Museo del Prado), sobre 1430
La representación está realizada en tres
planos. En el superior se encuentra
Cristo en el trono, entre la Virgen y San
Juan Evangelista, con el Cordero a los
pies, de donde brota un manantial. En el
medio aparecen ángeles músicos y
cantores. En el plano inferior se
representan a la izquierda reyes, nobles,
papas, teólogos, y a la derecha varios
judíos confusos y en fuga, uno de ellos
con los ojos vendados.
Las Sagradas Formas que manan con el
agua dan al tema un claro significado
eucarístico y convierten el agua en
símbolo de Gracia, que ilumina a la
Iglesia Triunfante y ciega a la Sinagoga,
es decir, a los judíos que no reconocen a
Cristo.
http://www.museodelprado.es/coleccion/galeria-
on-line/galeria-on-line/obra/la-fuente-de-la-
gracia-y-triunfo-de-la-iglesia-sobre-la-sinagoga/

28. LA FUENTE DE LA
GRACIA (detalle)
Varios judíos
confusos y en
fuga, uno de
ellos con los
ojos
vendados.

29. RETABLO DE GANTE POLÍPTICO DEL CORDERO MÍSTICO, 1432
Se trata de una composición iconográfica unitaria centrada en el tema de
la Redención del hombre. El tema representa la idea del catolicismo
místico de la zona. El cordero es Cristo que derrama su sangre por todos
nosotros. El concepto de espacio es ilimitado.
Es la idea de paraíso, con líneas de fuga hacia el horizonte aprovechando
los rayos de sol de una forma geométrica e ingenua. pero no hay
profundidad porque el espacio no es mensurable.
El políptico abierto muestra dos niveles.
En el nivel superior, la escena central representa al Pantocrátor con la
Virgen a la derecha y San Juan Bautista a la izquierda.
http://closertovaneyck.k
ikirpa.be/#home/sub=pr
oject

30. Arteazuer
http://arteazuer.blogspot.com.es/search/lab
el/Pintura%20g%C3%B3tica%20Primitivos
Fuente: Arteazuer %20flamencos

33. PANTOCRÁTOR

35. LA VIRGEN

39. SAN JUAN
BAUTISTA

41. ADÁN

42. EVA

44. El Instituto Real de Patrimonio Artístico de Bélgica ha expuesto en internet su réplica digital
en una altísima calidad. http://closertovaneyck.kikirpa.be.
Cien mil píxeles recomponen en la red esta pieza fundamental de la historia del Arte,
pintada en el siglo XV por los hermanos Hubert y Jan Van Eyck y que representa la
glorificación, la salvación del hombre y la santificación por el sacrificio de Cristo.
“Cada centímetro de la composición ha sido estudiado con lupa y fotografiado en alta
resolución”, explica el Instituto Real de Patrimonio Artístico en su página web, y después se
han reunido los fragmentos “para obtener una imagen extremadamente detallada que
permite estudiar el retablo a nivel microscópico”.
Los internautas
podrán acercarse al
llamado Políptico de
la Adoración del
Cordero Místico,
considerado la obra
principal de la
Escuela Flamenca,
sin tener que viajar
hasta la Catedral de
San Bavón de la
ciudad belga de
Gante.

45. “Closer to Van Eyck” (Más cerca de Van Eyck) desvela los secretos mejor
guardados de la obra, ya que no solo permite analizar los cabellos de Adán o la piel
de la manzana que sujeta Eva, sino que también ofrece la imagen de las pinturas
bajo infrarrojos.
“Todas las personas interesadas podrán penetrar en el interior de las capas de
pintura gracias a los reflectores de infrarrojos y a las radiografías. Es una mina de
oro para los científicos, los conservadores y los amantes del arte del mundo
entero”, señala el Instituto Real de Patrimonio Artístico.
Se puede acceder gratuitamente a la pintura a través del enlace
http://closertovaneyck.kikirpa.be.

55. VIRGEN DE LA
ANUNCIACIÓN

56. ÁNGEL DE LA
ANUNCIACIÓN

57. Profeta
Zacarías y
ángel de la
Anunciación

58. PROFETAS

59. EL
DONANTE

60. LA MUJER
DEL
DONANTE

61. SAN JUAN EVANGELISTA
SAN JUAN BAUTISTA

63. En el nivel inferior, de izquierda a derecha, se
representan las escenas de la Procesión de los
Jueces íntegros, los soldados de Cristo, la
Adoración del Cordero, la Procesión de los Eremitas
y la Procesión de los Peregrinos.
La composición es sencilla, todos los rostros vueltos hacia el centro,
hacia el altar. Las figuras se reparten por grupos dispuestos
ordenadamente. Los ejes de simetría son dominantes.

64. Tema principal, la adoración del Cordero de Dios. La
representación de Cristo como cordero, del que mana
la sangre (símbolo de su sacrificio), y la llamada
Fuente de la Vida, de la cual brotan chorros de agua

65. Líneas de fuga hacia el horizonte aprovechando los rayos de sol de una forma
geométrica e ingenua. pero no hay profundidad porque el espacio no es mensurable.

66. La obsesión por el realismo se transforma en un detallismo extremo.
La misma perfección tiene una figura del primer plano que la hoja de un árbol
del fondo. El dominio del dibujo ayuda a hacer un estudio de calidades táctiles,
sobre todo en el tejido. La minuciosidad es microscópica y se puede seguir el
pincel con una lupa donde el ojo no llega.

73. El colorido es brillante
y hay un equilibrio
entre los colores fríos
del horizonte y los
vivos colores de los
vestidos del primer
plano resaltados
sobre un fondo verde.

78. A diferencia del gótico anterior, con fondos dorados, los primitivos
flamencos ambientaban sus personajes con unos paisajes naturales
siempre de tamaño pequeño y con un detallismo prodigioso.

81. Procesión de los
Jueces y de los
soldados de Cristo

82. Los soldados de Cristo

83. Procesión de
los Eremitas y
Procesión de
los Peregrinos

84. DÍPTICO DE LA
ANUNCIACIÓN
(1433-35)
Las sombras,
el realismo en
el tratamiento
de los
cabellos y
pliegues así
como las alas
del Ángel y el
libro de rezos
de la Virgen,
refuerzan el
ejercicio
extremo de
trampantojo y
recursos
ópticos.

85. EL MATRIMONIO
ARNOLFINI
1434
La obra constituye un
certificado de boda, un
cuadro de costumbres
sobre el matrimonio en
la época y un retrato
psicológico de dos
importantes miembros
de la sociedad flamenca.

86. EL MATRIMONIO ARNOLFINI
“El arte de Van Eyck consiguió tal vez
su máximo triunfo en la pintura de
retratos. Uno de los más famosos es el
que representa a un comerciante
italiano, Giovanni Arnolfini, llegado a
los Países Bajos en viaje de negocios
en compañía de su reciente esposa
Jeanne de Chenany. En su estilo, es
una obra tan nueva y revolucionaria
como las de Donatello y Masaccio en
Italia. Un sencillo rincón del mundo real
ha quedado fijado de pronto sobre el
panel como por arte de magia. Aquí
está todo: la alfombra y las zapatillas,
el rosario colgado en la pared, el
pequeño sacudidor al lado de la cama
y unas frutas en el antepecho de la
ventana. Es como si pudiéramos hacer
una visita en casa de los Arnolfini.”
GOMBRICH

87. A través de la mirada, Van Eyck capta con
precisión la psicología del retratado.
Además se aprecia un exacto naturalismo
en los rasgos fisionómicos que nos aleja de
la idealización que se practicaba en el
Quatrocento italiano.

88. EL MATRIMONIO
ARNOLFINI, 1434
Representación del
temas religioso como
una escena burguesa.
Detallismo y la
minuciosidad.
Compleja simbología
bajomedieval que se
aprecia a través de los
múltiples detalles
significativos.

89. El perro: símbolo de
la fidelidad conyugal
Las
zapatillas
tiradas, los
placeres
de la vida
hogareña.

90. No hay nada al azar en el
cuadro y hasta el objeto más
nimio esconde un "simbolismo
disfrazado" que aumenta el
encanto de la obra.
Los zuecos de Giovanni están
cerca de la salida indicando sus
actividades fuera del hogar y
los de la mujer junto a la silla,
en el interior del hogar.

91. Las naranjas son la fruta
del paraíso, símbolo de los
placeres del matrimonio

92. El gesto de la mano derecha de
Arnolfini parece sugerir que esté a
punto de pronunciar un juramento
de fidelidad a Giovanna, mientras
que ella, dándole la mano, le
corresponde de la misma manera

93. El espejo del fondo es un
atributo de la virginidad

94. Giovanni levanta su mano
derecha representa un
juramento sagrado.
Giovanna pone su mano
izquierda en el vientre,
sugiriendo fertilidad.
Los contrayentes están
descalzos lo que indica
que la pareja está pisando
un suelo santo y se han
descalzado.

95. El vestido de
Giovanna es
verde, color de
la fertilidad en
aquella época.
La calidad de
las telas
muestra la
mano maestra
de Van Eyck al
que el óleo y las
veladuras facilita
este objetivo de
su pintura.

96. El lecho es símbolo de
la unión matrimonial y
su color rojo símbolo
de la pasión.

97. La lámpara tiene
una vela
encendida en
pleno día y
simboliza a Cristo
(el ojo de Dios
que todo lo ve)
que santifica la
unión o bien la
vela de bodas
que se encendía
en los hogares de
los recién
casados para
estimular la
fertilidad, pero es
también la llama
del amor que
nunca debe de
apagarse.

98. Recurso efectista: el
espejo convexo que
actúa a modo de gran
angular abarcando un
espacio más amplio.
En él se refleja la
espalda de los
esposos y a dos
personajes que no
aparecen en el cuadro.
Uno de ellos, el mismo
pintor.
Preocupación espacial
que nos anuncia el
arte Barroco.
El "rosario" que aparece colgado en la pared simboliza la castidad El
rosario de cristal era un regalo habitual del novio a la futura esposa; el
cristal es símbolo de pureza y el rosario indica la obligación de ser
devota.

99. “El papel del espejo en este cuadro es
doble: cierra el espacio doblándolo y lo
abre hacia otras dimensiones, aboliendo
los límites espaciales entre el exterior y el
interior, borrando las fronteras simbólicas
entre lo profano y lo sagrado. Facilita
también al pintor una doble firma: con el
nombre que está verdaderamente escrito
sobre la pared, inmediatamente debajo del
espejo y con la imagen bajo la forma de
autorretrato. Dos funciones en una, a la
vez nominal e icónica, se autorizan
simultáneamente: la firma del pintor y la
firma del contrato del matrimonio”.
(…) El espejo convexo parece sellar un
pacto de eternidad, no solamente doblando
la escena, sino también inscribiendo este
suceso en la cadena de acontecimientos
que, a fuerza de hacer época, acaban por
escapar al paso del tiempo.
(…) Incluso si la “felicidad” necesita de un
público, no puede ser completa sin doblar
su propia imagen en el espejo
tranquilizador del reflejo”. G. TEYSSOT

100. EL ESPEJO, UN RECURSO EFECTISTA
El espejo, “el cuadro dentro del cuadro”,
un recurso técnico repetido con gran
éxito por diferentes pintores.
Velázquez pudo ver el cuadro del “Matrimonio
Arnolfini” en las colecciones reales del Alcázar
de Madrid, y es posible que se inspirara en su
metáfora del espejo para pintar las Meninas.

102. El espejo tiene
alrededor 10
estaciones del Vía
Crucis, lo que
puede indicar que
la unión debe
entenderse no
sólo civil sino
también religiosa.
Los hermanos
van Eyck
representados
en el espejo
son los testigos
de la boda.

103. La escultura sobre el respaldo
de la silla del fondo representa
a Santa Margarita, patrona de
las mujeres que van a dar a luz
La firma sobre el
espejo es otro
testimonio de la
presencia de los
testigos a la vez que
la firma del cuadro.

104. Dominio del
retrato:
interés del
retratado
por ser
reconocido.
El cuadro
exhibe su
categoría
social

106. EL MATRIMONIO
ARNOLFINI, 1434
La abundancia y la
riqueza de la pareja
se encuentra
representada por
todas partes: los
propios vestidos, el
mobiliario, los
objetos como la
lámpara o el espejo..

107. LA VIRGEN DEL
CANCILLER ROLIN, 1435
En un lujoso
interior
enmarcado por
tres arcos de
medio punto
peraltados entre
los que se abre
un paisaje,
aparece el retrato
del donante, el
canciller Rolin,
adorando a María
y al Niño.

108. El canciller Rolin fue el personaje
más importante de la Corte de
Borgoña. Diplomático, político,
intrigante. De un estrato social
bajo, ascendió durante su vida
hasta ser nombrado canciller,
que en aquel momento era un
cargo difuso, casi de servidor de
cámara, y lo convirtió en una
especie de primer ministro, de
Su poder fue tremendo así como su riqueza,
hombre fuerte que sustituyó en
aunque su fama era pésima y se le atribuían
sus funciones al propio Duque.
todo tipo de iniquidades e inmoralidad.

109. LA VIRGEN DEL
CANCILLER ROLIN
1435
El fruto de esta fama
personal es esta
Virgen, que todavía
hoy no se sabe si era
un monumento más a
su orgullo o un intento
de borrar su mala
fama con una obra
piadosa. Rolin está
retratado por Van
Eyck nada menos que
de igual a igual con la
propia Virgen María.
Ni siquiera están en
una iglesia, sino en
una loggia de un
castillo, abierto a un
maravilloso paisaje.

110. LA VIRGEN DEL
CANCILLER ROLIN, 1435
El canciller está rezando
ante María, pero nada indica
su fervor religioso, excepto
que se encuentra arrodillado.
Su mirada es la de una
profunda satisfacción de sí
mismo, y fija los ojos en el
Niño, casi desafiante. Esta
igualdad, esta cercanía
promiscua con las figuras
divinas, eran escandalosas
para la época, y resulta obvio
que el canciller se está
haciendo un monumento a sí
mismo, más que rindiendo
homenaje a la Virgen.

111. En los capiteles de las columnas podemos reconocer diversas
escenas del Antiguo Testamento: Adán y Eva expulsados del
Paraíso, Caín y Abel, la Borrachera de Noé.

112. El canciller, que maneja las riendas del
gobierno de Borgoña, recibe la bendición
del Niño que legitima su poder .

113. LA COMPOSICIÓN de la
escena se articula en dos
partes. A la derecha, la más
ancha, se sitúa la Virgen,
representada como una joven
con expresión recogida y seria
en posición sedente que,
sostiene en sus rodillas al
Niño desnudo que aparece
bendiciendo con la mano
derecha, mientras que en la
izquierda sostiene una cruz
realizada con joyas, preludio
de su inmolación. Madre e
Hijo, aunque no distantes, no
se comunican, pero se
muestran totalmente
humanizados. El tipo de la
Virgen es propio de Van Eyck,
con un ángel coronándola,
mostrando al Niño, en la
actitud de María como trono
de Dios.

114. Detrás de la Virgen, aparece un ángel cuya cabeza enlaza con
la de María y el la del Niño en una clara línea diagonal, que
sostiene sobre la cabeza de la Madre de Dios una riquísima y
enjoyada corona como reconocimiento de su majestad.

115. El ángel y la
Virgen solo
muestran las
manos y el rostro
enmarcado por
sendas cabelleras
rubias sueltas, ya
que amplios y
gruesos ropajes
ocultan y cubren
sus cuerpos.

116. A la izquierda aparece el retrato del donante de rodillas, en posición de adoración
ante la Madre y el Hijo. Se le representa ricamente ataviado con un lujoso traje con
brocados de oro ribeteado en las mangas y bordes por piel, como corresponde a un
hombre de su elevada categoría social, impregnado de seriedad y señorío, apoyado
sobre un reclinatorio cubierto por una tela de terciopelo y ante un grueso breviario.

117. Pintura realizada en óleo
sobre tabla conservada en
el Museo del Louvre
El interior de la estancia palaciega, la terraza, la ciudad y el río se enlazan en
perfecta continuidad con una fórmula -la ventana al fondo, el cuadro dentro del
cuadro- destinada a gozar de gran éxito posterior.
La perspectiva se logra de diferentes formas: a través del rico suelo de mármol que
aparece entre las dos partes de la escena y por medio del ritmo de las arcadas
laterales que nos llevan hasta el fondo, hasta la ventana ante la que se abre un
paisaje que se prolonga a lo largo del río sinuoso hasta las montañas.

119. Los personajes sagrados y humanos aparecen juntos en una misma escena. Los planos
detrás de los personajes siguen hasta el infinito según una sabia perspectiva. En la lejanía un
mundo de ciudades, de animadas calles… son vistos desde el mundo celestial donde se
desarrolla el primer plano. La atmósfera y la luz están captadas con una maestría inigualable.

120. El interior de la estancia palaciega, la terraza, la ciudad y el río se
enlazan en perfecta continuidad con una fórmula - la ventana al fondo,
el cuadro dentro del cuadro - destinada a gozar de gran éxito posterior.

121. Con la TÉCNICA DEL ÓLEO se
consigue la minuciosidad requerida
en cada uno de los pequeños detalles
del cuadro. Van Eyck cuida hasta los
más pequeños e insignificantes,
desde los minuciosos capiteles
historiados, las pequeñas vidrieras
emplomadas situadas sobre los arcos
de la ventana hasta los insignificantes
detalles del paisaje del fondo
(identificado por algunos autores
cono Lieja; para otros sería Lyon o
Utrech), como los personajes
colocados en las barcas, las plumas
de las aves sobre el balcón, etc.
LOS COLORES de la obra son brillantes, llenos de matices y tonos, destacando
sobre todo el intenso rojo del manto de María o el riquísimo brocado del ropaje del
canciller, en el que vemos brillar los hilos de oro. Evidentemente esto es producto
de la técnica utilizada. Al poder trabajar lentamente y retocar constantemente a
base de veladuras y barnices, los efectos de texturas, tejidos, detalles, etc., que
permite el óleo, ofrecen este aspecto de materialidad y detallismo.

123. LA VIRGEN DEL CANCILLER VAN DER PAELE,

124. La Virgen del Canciller Rolin
pintada sobre tabla en torno a
1435 por encargo del canciller
de Borgoña Nicolas Rolin. Es
un compendio de su
quehacer como retratista,
paisajista y pintor de
interiores.

125. Arte descriptivo
que parte de la
observación
directa y
sensible del
mundo
circundante

126. Detalles casi microscópicos.
Son miniaturas llevadas a un
cuadro.
La minuciosidad y la maestría en
la utilización de la luz permiten
lograr una extraordinaria calidad
de las diferentes superficies.

129. Van Eyck
lleva la
precisión
naturalista
hasta la
simulación
de
columnas y
capiteles
esculpidos

130. ANUNCIACIÓN (1434-1436)
Escena en el interior de una catedral.
La luz se difunde sobre las figuras representadas
y une todos los ambientes y da armonía a todos
los componentes del cuadro. Gusto por los largos
ropajes que se dejan caer, produciendo un
sinnúmero de curvas y contracurvas.

132. “LA VIRGEN CON EL NIÑO, SAN JORGE Y SANTA CATALINA”, 1437
“TRÍPTICO DE DRESDE”

133. SAN JERÓNIMO, 1442 Iniciado poco antes de su muerte, fue
terminado por los trabajadores de su
taller. Se trata del Cardenal Niccolò
Albergati que aparece representado
como San Jerónimo, tal como se puede
leer en la inscripción sobre la mesa.

134. EL RETRATO
En sus retratos lleva a cabo un análisis minucioso de la realidad
representada hasta en los más mínimos detalles, sin idealización alguna.
Capta con precisión la psicología de los retratados cuidando por igual los
rostros y las vestiduras.

135. GOLDSMITH (MAN WITH RING)
1430

136. RETRATO DEL CARDENAL
NICOLA ALBERGATI
1431-1432
Albergati era un monje
cartujo de Bolonia que se
convirtió en Obispo de
esta ciudad en 1417 y en
cardenal en 1426.
En 1431 el Papa Martín V
lo envió a Borgoña para
mediar entre el rey de
Inglaterra, el rey de
Francia y el Duque de
Borgoña. Felipe el Bueno
encargó a Jan Van Eyck
pintar su retrato.

137. El hombre del turbante rojo, 1433

138. HOMBRE CON CLAVEL 1435

139. RETRATO DE
GIOVANNI ARNOLFINI
1435
Giovanni Arnolfini, rico
comerciante italiano (oriundo de
Lucca), afincado en Brujas hacia
1421. Desempeñó cargos de
importancia en la corte de Felipe
el Bueno, duque de Borgoña, a
cuyo archiducado pertenecían
entonces los Países Bajos.

140. BAUDOUIN DE LANNOY
1435
Se trata de uno de los
personajes importantes de la
Corte de Felipe el Bueno,
miembro del Toisón de Oro.
Tiene un rostro tosco,
ordinario, pero su vestimenta
y el collar con el Toisón nos
muestra su pertenencia a las
clases dirigentes. Van Eyck
nos retrata aquí a un
personaje duro y poderoso.

141. RETRATO DE JAN DE LEEUW
1436
Orfebre destacado del
Gremio de trabajadores
del oro en Brujas.

142. MARGARET VAN EYCK
1439

143. APORTACIONES DE VAN EYCK
Y DE LA ESCUELA FLAMENCA
 Progresiva captación de la realidad
 Aparición de nuevas técnicas y temas
 Aparición de una nueva clientela, la burguesía
ciudadana, que, enriquecida por el comercio, la
banca y la industria sustituye a la nobleza y al clero
como principal comprador y promotor del arte.

144. ESCUELA FLORENTINA: GIOTTO Dos tradiciones pictóricas
que tuvieron un desarrollo
ESCUELA FLAMENCA: VAN EYCK
paralelo y autónomo
Precursores de la
pintura moderna al los florentinos a
haber conseguido través de la forma,
representar la noción de la línea y el volumen
espacio en una
superficie plana
los flamencos mediante la
representación detallada
de todo lo que nos rodea,
la valoración del papel de
la luz y el color
Con estos recursos buscaban la
representación de la REALIDAD
A partir de entonces esta exigencia excepcional en la historia del
arte, será la máxima aspiración del Renacimiento y tradición
. fundamental de las artes plásticas de Europa hasta el siglo XX.

145. “Los artistas meridionales de la generación de Van Eyck, los
maestros florentinos del círculo de Brunelleschi, desarrollaron un
método por medio del cual la naturaleza podía ser representada en
un cuadro casi con científica exactitud. Comenzaron trazando el
armazón de las líneas de la perspectiva y plasmaron sobre ellas el
cuerpo humano mediante sus conocimientos de la anatomía y las
leyes del escorzo. Van Eyck emprendió el camino opuesto. Logró la
ilusión del natural añadiendo pacientemente un detalle tras otro
hasta que todo el cuadro se convirtiera en una especie de espejo del
mundo visible (…) Para llevar a cabo su propósito de sostener un
espejo ante la realidad en todos sus detalles tuvo que perfeccionar
la técnica de la pintura. (…) Lo que él consiguió fue una prescripción
nueva para la preparación de los colores antes de ser colocados en
la tabla” Gombrich: “Historia del Arte”