Esta presentación es acerca de los movimientos que se dieron en el siglo XIX y XX en Europa y Estados Unidos los cuales dieron un cambio a los conceptos del arte. Tambien por los avances tecnológicos (cámara fotografíca, psicología, etc.) el artista buscará de manera propia superar el clasisismo y de enfrentarse a un futuro que requería de creatividad y mucho talento (original) ante los cambios que sobrevenian a la humanidad.
El documento resume varios movimientos artísticos del siglo XX, incluyendo el Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Arte Abstracto y Suprematismo. El Fauvismo se caracterizó por el uso de colores fuertes y formas simplificadas. El Expresionismo buscó expresar estados de ánimo a través del color y trazo. El Cubismo analizó la realidad desde múltiples perspectivas mediante formas geométricas. El Arte Abstracto eliminó la representación figurativa. El Suprematismo de Malev
Este documento resume la historia del dibujo desde las pinturas rupestres del Paleolítico hasta el arte contemporáneo. Detalla la evolución del dibujo a través de diferentes períodos como el Renacimiento, cuando artistas como Leonardo da Vinci realizaron estudios anatómicos, y el siglo XIX cuando Goya utilizó grabados para denunciar problemas sociales. Finalmente, explica que en la actualidad el dibujo tiene infinitas posibilidades técnicas y es una práctica híbrida que incorpora diferentes lenguajes visuales.
Presentación elaborada y utilizada en el IES Las Musas de Madrid para reforzar los contenidos de Historia del Arte. Incluye video https://www.youtube.com/watch?v=fNZSUTrUbEA
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado por Georges Braque y Pablo Picasso a partir de 1907 que buscaba alejarse de la representación naturalista plasmando un objeto desde múltiples ángulos en una superficie plana. Rechazaban la perspectiva tradicional influenciados por Cézanne y el arte africano, representando las formas a través de geometrías simples. Dentro del cubismo se distinguen dos etapas, el cubismo analítico y el sintético.
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914 por Pablo Picasso y Georges Braque. Se caracterizó por la deformación geométrica de la realidad y la representación simultánea de objetos desde múltiples puntos de vista. El cubismo analítico descomponía formas en partes geométricas, mientras que el cubismo sintético reducía figuras a sus formas geométricas más puras e introdujo el collage. Otros artistas cubistas importantes fueron Juan Gris y Guillaume Apollinaire, quien popularizó el cal
Este documento proporciona una introducción a los elementos y conceptos clave de la escultura, incluyendo los materiales, formas, volúmenes, tratamiento del espacio, movimiento, iluminación y colores utilizados. Explica la evolución de la escultura a través de la historia y analiza diferentes estilos y enfoques escultóricos, desde la escultura arquitectónica hasta el arte efímero. El documento utiliza numerosos ejemplos de obras de arte para ilustrar los diferentes temas.
El documento resume la historia del dibujo desde las pinturas rupestres de la prehistoria hasta la actualidad, pasando por su uso en manuscritos medievales, en el Renacimiento para el estudio científico y como preparación de obras pictóricas, su auge con el grabado y como herramienta de sátira política, el modernismo y el expresionismo, su influencia en el impresionismo y el cubismo y su actual dimensión digital.
El documento resume varios movimientos artísticos del siglo XX, incluyendo el Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Arte Abstracto y Suprematismo. El Fauvismo se caracterizó por el uso de colores fuertes y formas simplificadas. El Expresionismo buscó expresar estados de ánimo a través del color y trazo. El Cubismo analizó la realidad desde múltiples perspectivas mediante formas geométricas. El Arte Abstracto eliminó la representación figurativa. El Suprematismo de Malev
Este documento resume la historia del dibujo desde las pinturas rupestres del Paleolítico hasta el arte contemporáneo. Detalla la evolución del dibujo a través de diferentes períodos como el Renacimiento, cuando artistas como Leonardo da Vinci realizaron estudios anatómicos, y el siglo XIX cuando Goya utilizó grabados para denunciar problemas sociales. Finalmente, explica que en la actualidad el dibujo tiene infinitas posibilidades técnicas y es una práctica híbrida que incorpora diferentes lenguajes visuales.
Presentación elaborada y utilizada en el IES Las Musas de Madrid para reforzar los contenidos de Historia del Arte. Incluye video https://www.youtube.com/watch?v=fNZSUTrUbEA
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado por Georges Braque y Pablo Picasso a partir de 1907 que buscaba alejarse de la representación naturalista plasmando un objeto desde múltiples ángulos en una superficie plana. Rechazaban la perspectiva tradicional influenciados por Cézanne y el arte africano, representando las formas a través de geometrías simples. Dentro del cubismo se distinguen dos etapas, el cubismo analítico y el sintético.
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914 por Pablo Picasso y Georges Braque. Se caracterizó por la deformación geométrica de la realidad y la representación simultánea de objetos desde múltiples puntos de vista. El cubismo analítico descomponía formas en partes geométricas, mientras que el cubismo sintético reducía figuras a sus formas geométricas más puras e introdujo el collage. Otros artistas cubistas importantes fueron Juan Gris y Guillaume Apollinaire, quien popularizó el cal
Este documento proporciona una introducción a los elementos y conceptos clave de la escultura, incluyendo los materiales, formas, volúmenes, tratamiento del espacio, movimiento, iluminación y colores utilizados. Explica la evolución de la escultura a través de la historia y analiza diferentes estilos y enfoques escultóricos, desde la escultura arquitectónica hasta el arte efímero. El documento utiliza numerosos ejemplos de obras de arte para ilustrar los diferentes temas.
El documento resume la historia del dibujo desde las pinturas rupestres de la prehistoria hasta la actualidad, pasando por su uso en manuscritos medievales, en el Renacimiento para el estudio científico y como preparación de obras pictóricas, su auge con el grabado y como herramienta de sátira política, el modernismo y el expresionismo, su influencia en el impresionismo y el cubismo y su actual dimensión digital.
Describe el proceso de gestación de la pintura abstracta, distingue la vertie...Ignacio Sobrón García
Describe el proceso de gestación de la pintura abstracta, distingue la vertiente cromática y geométrica, y especifica algunas de sus corrientes más significativas, como el Suprematismo ruso o el Neoplastiscismo.
Historia del Arte, 2º de Bachillerato LOMCE
El puntillismo es una técnica pictórica que consiste en aplicar puntos o rasgos de colores planos sobre la tela en lugar de pinceladas, de modo que cuando se ven desde cierta distancia se produce una mezcla óptica que define la imagen. Fue desarrollado por primera vez en 1880 por el pintor Georges Seurat y consiste en colocar puntos de colores en lugar de pinceladas. Seurat es considerado el iniciador del puntillismo y creó obras basadas en la racionalización de las emociones y los colores mediante esta técn
El documento describe la técnica del dibujo a lápiz, incluyendo su historia, utensilios, soportes y estilos artísticos. El lápiz de grafito se desarrolló en el siglo XVI en Gran Bretaña y se popularizó en el siglo XVIII. Se usa para dibujar líneas de diferentes grosores y sombras, requiriendo sacapuntas, gomas de borrar y difuminos. Los soportes ideales son papeles de textura rugosa o dura. Artistas como Ingres, Van Gogh, Picasso y
La escultura experimenta una revolución radical en el siglo XX, abandonando las formas tradicionales y materiales. Se produce una pérdida del humanismo y un fuerte individualismo. Artistas como Rodin, Moore y Giacometti exploran nuevas técnicas como la deformación, la incorporación del espacio y el vacío, y el uso de materiales no convencionales. Para finales del siglo, la escultura contemporánea incluye el movimiento, la abstracción y concepciones no figurativas del arte.
Un color plano usa tintas aplicadas de forma continua e igual, mientras que los colores modulados tienen gradaciones y variaciones de saturación, tono u oscuridad para crear ilusión de volumen. Los colores modulados se logran agregando blanco a las zonas de luz y negro o colores oscuros a las sombras, o usando colores análogos o complementarios más claros u oscuros.
El informalismo fue un movimiento artístico abstracto que surgió en Europa después de la Segunda Guerra Mundial. Se caracterizó por el uso de la espontaneidad, la gestualidad y los materiales no convencionales. Algunos de sus principales exponentes fueron Tápies, Dubuffet, Hartung, Fautrier y Burri.
El documento proporciona información sobre el movimiento artístico del cubismo, incluyendo a sus principales figuras como Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Explica que el cubismo surgió en 1907 como una nueva forma de representar la realidad a través de la descomposición geométrica de las formas y la perspectiva múltiple. El documento también describe las diferentes etapas y características del cubismo como el uso del collage.
El suprematismo fue un movimiento artístico ruso fundado por Kazimir Malévich entre 1915-1916 que promovía la abstracción geométrica y el arte no figurativo a través de formas puras como círculos, cuadrados y triángulos. Algunos de los artistas representantes fueron Malévich, Popova, Lissitzky y Rodchenko. La obra más icónica fue el Cuadrado Negro de Malévich de 1915.
Este documento presenta las principales vanguardias artísticas del siglo XX, incluyendo Fauvismo, Futurismo, Cubismo, Expresionismo, Dadaísmo y Surrealismo. Para cada movimiento, describe sus características y presenta un representante clave junto con una obra de arte relevante.
Este documento describe las técnicas del dibujo a lápiz de grafito, lápiz de color y carboncillo. Explica el modo de empleo de cada técnica, incluyendo líneas, sombreado y mezcla de colores. También describe los útiles como diferentes tipos de lápices, papel y gomas de borrar. Se mencionan ejemplos de artistas como Picasso, Van Gogh e Ingres que utilizaron estas técnicas.
El documento describe las principales corrientes artísticas del siglo XX, incluyendo el impresionismo, postimpresionismo, fauvismo y cubismo. El impresionismo se caracterizó por capturar la luz y el color fugaces de la naturaleza. El puntillismo o neoimpresionismo usó puntos de color puro. El fauvismo enfatizó los colores puros y saturados. El cubismo analizó la realidad de manera objetiva y rompió con la perspectiva tradicional para mostrar múltiples ángulos de vis
El documento describe las características y técnicas principales del grabado. Explica que el grabado implica la creación de una matriz e impresión de la imagen en múltiples copias. Describe tres tipos básicos de grabado - en relieve, hueco y plano - y varias técnicas específicas como la xilografía, aguafuerte y litografía. También resume brevemente la evolución del grabado en el siglo XX y algunos artistas que exploraron nuevos enfoques.
El documento describe los elementos básicos del dibujo como la línea y la sombra, incluyendo diferentes tipos de sombras según su ejecución y origen. Explica que la luz y sombra le dan volumen al dibujo y no lo hacen parecer plano. También cubre conceptos como valores, degradación de la sombra, teorías del color y diferentes tipos de dibujos.
Explica las características generales del expresionismo y especifica las dife...Ignacio Sobrón García
Explica las características generales del expresionismo y especifica las diferencias entre los grupos alemanes El Puente y El Jinete Azul. Historia del arte, 2º d Bachllerato LOMCE
El expresionismo surgió a finales del siglo XIX y principios del XX como una reacción contra el naturalismo. Se caracterizó por la subjetividad, la deformación intencional de la realidad y la primacía de las emociones. En la pintura destacaron grupos como Die Brücke y Der Blaue Reiter, así como artistas como Munch, Kirchner y Van Gogh. La literatura expresionista criticó la sociedad burguesa y la alienación individual, mientras que el cine expresionista alemán utilizó decorados distorsionados para refle
Vasili Kandinsky fue un pionero del arte abstracto. Comenzó su carrera artística realizando paisajes y escenas con cierto grado de abstracción. Más tarde eliminó por completo las referencias a objetos del mundo real, enfocándose en el uso del color y la forma para expresar emociones y significados espirituales. Fundó el grupo Der Blaue Reiter y enseñó en la escuela Bauhaus, influyendo enormemente en el desarrollo del arte abstracto.
El arte cinético es una corriente artística en la que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo. Sus primeras manifestaciones se dieron en los años 1910 con el futurismo y las obras de Marcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calder inventó el móvil, una escultura formada por alambre y piezas de metal que se mueven. El arte cinético busca integrar la obra y el espectador a través de recursos como el viento, el agua o motores que crean movimiento.
El documento resume los principales movimientos artísticos de vanguardia desde el siglo XIX hasta principios del siglo XX, incluyendo el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el futurismo, el expresionismo, el dadaísmo y el surrealismo. Cada movimiento se caracterizó por rupturas con el arte tradicional en busca de nuevas formas de representar la realidad y expresar sentimientos a través de la pintura, escultura y otras artes.
Describe el proceso de gestación de la pintura abstracta, distingue la vertie...Ignacio Sobrón García
Describe el proceso de gestación de la pintura abstracta, distingue la vertiente cromática y geométrica, y especifica algunas de sus corrientes más significativas, como el Suprematismo ruso o el Neoplastiscismo.
Historia del Arte, 2º de Bachillerato LOMCE
El puntillismo es una técnica pictórica que consiste en aplicar puntos o rasgos de colores planos sobre la tela en lugar de pinceladas, de modo que cuando se ven desde cierta distancia se produce una mezcla óptica que define la imagen. Fue desarrollado por primera vez en 1880 por el pintor Georges Seurat y consiste en colocar puntos de colores en lugar de pinceladas. Seurat es considerado el iniciador del puntillismo y creó obras basadas en la racionalización de las emociones y los colores mediante esta técn
El documento describe la técnica del dibujo a lápiz, incluyendo su historia, utensilios, soportes y estilos artísticos. El lápiz de grafito se desarrolló en el siglo XVI en Gran Bretaña y se popularizó en el siglo XVIII. Se usa para dibujar líneas de diferentes grosores y sombras, requiriendo sacapuntas, gomas de borrar y difuminos. Los soportes ideales son papeles de textura rugosa o dura. Artistas como Ingres, Van Gogh, Picasso y
La escultura experimenta una revolución radical en el siglo XX, abandonando las formas tradicionales y materiales. Se produce una pérdida del humanismo y un fuerte individualismo. Artistas como Rodin, Moore y Giacometti exploran nuevas técnicas como la deformación, la incorporación del espacio y el vacío, y el uso de materiales no convencionales. Para finales del siglo, la escultura contemporánea incluye el movimiento, la abstracción y concepciones no figurativas del arte.
Un color plano usa tintas aplicadas de forma continua e igual, mientras que los colores modulados tienen gradaciones y variaciones de saturación, tono u oscuridad para crear ilusión de volumen. Los colores modulados se logran agregando blanco a las zonas de luz y negro o colores oscuros a las sombras, o usando colores análogos o complementarios más claros u oscuros.
El informalismo fue un movimiento artístico abstracto que surgió en Europa después de la Segunda Guerra Mundial. Se caracterizó por el uso de la espontaneidad, la gestualidad y los materiales no convencionales. Algunos de sus principales exponentes fueron Tápies, Dubuffet, Hartung, Fautrier y Burri.
El documento proporciona información sobre el movimiento artístico del cubismo, incluyendo a sus principales figuras como Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Explica que el cubismo surgió en 1907 como una nueva forma de representar la realidad a través de la descomposición geométrica de las formas y la perspectiva múltiple. El documento también describe las diferentes etapas y características del cubismo como el uso del collage.
El suprematismo fue un movimiento artístico ruso fundado por Kazimir Malévich entre 1915-1916 que promovía la abstracción geométrica y el arte no figurativo a través de formas puras como círculos, cuadrados y triángulos. Algunos de los artistas representantes fueron Malévich, Popova, Lissitzky y Rodchenko. La obra más icónica fue el Cuadrado Negro de Malévich de 1915.
Este documento presenta las principales vanguardias artísticas del siglo XX, incluyendo Fauvismo, Futurismo, Cubismo, Expresionismo, Dadaísmo y Surrealismo. Para cada movimiento, describe sus características y presenta un representante clave junto con una obra de arte relevante.
Este documento describe las técnicas del dibujo a lápiz de grafito, lápiz de color y carboncillo. Explica el modo de empleo de cada técnica, incluyendo líneas, sombreado y mezcla de colores. También describe los útiles como diferentes tipos de lápices, papel y gomas de borrar. Se mencionan ejemplos de artistas como Picasso, Van Gogh e Ingres que utilizaron estas técnicas.
El documento describe las principales corrientes artísticas del siglo XX, incluyendo el impresionismo, postimpresionismo, fauvismo y cubismo. El impresionismo se caracterizó por capturar la luz y el color fugaces de la naturaleza. El puntillismo o neoimpresionismo usó puntos de color puro. El fauvismo enfatizó los colores puros y saturados. El cubismo analizó la realidad de manera objetiva y rompió con la perspectiva tradicional para mostrar múltiples ángulos de vis
El documento describe las características y técnicas principales del grabado. Explica que el grabado implica la creación de una matriz e impresión de la imagen en múltiples copias. Describe tres tipos básicos de grabado - en relieve, hueco y plano - y varias técnicas específicas como la xilografía, aguafuerte y litografía. También resume brevemente la evolución del grabado en el siglo XX y algunos artistas que exploraron nuevos enfoques.
El documento describe los elementos básicos del dibujo como la línea y la sombra, incluyendo diferentes tipos de sombras según su ejecución y origen. Explica que la luz y sombra le dan volumen al dibujo y no lo hacen parecer plano. También cubre conceptos como valores, degradación de la sombra, teorías del color y diferentes tipos de dibujos.
Explica las características generales del expresionismo y especifica las dife...Ignacio Sobrón García
Explica las características generales del expresionismo y especifica las diferencias entre los grupos alemanes El Puente y El Jinete Azul. Historia del arte, 2º d Bachllerato LOMCE
El expresionismo surgió a finales del siglo XIX y principios del XX como una reacción contra el naturalismo. Se caracterizó por la subjetividad, la deformación intencional de la realidad y la primacía de las emociones. En la pintura destacaron grupos como Die Brücke y Der Blaue Reiter, así como artistas como Munch, Kirchner y Van Gogh. La literatura expresionista criticó la sociedad burguesa y la alienación individual, mientras que el cine expresionista alemán utilizó decorados distorsionados para refle
Vasili Kandinsky fue un pionero del arte abstracto. Comenzó su carrera artística realizando paisajes y escenas con cierto grado de abstracción. Más tarde eliminó por completo las referencias a objetos del mundo real, enfocándose en el uso del color y la forma para expresar emociones y significados espirituales. Fundó el grupo Der Blaue Reiter y enseñó en la escuela Bauhaus, influyendo enormemente en el desarrollo del arte abstracto.
El arte cinético es una corriente artística en la que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo. Sus primeras manifestaciones se dieron en los años 1910 con el futurismo y las obras de Marcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calder inventó el móvil, una escultura formada por alambre y piezas de metal que se mueven. El arte cinético busca integrar la obra y el espectador a través de recursos como el viento, el agua o motores que crean movimiento.
El documento resume los principales movimientos artísticos de vanguardia desde el siglo XIX hasta principios del siglo XX, incluyendo el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el futurismo, el expresionismo, el dadaísmo y el surrealismo. Cada movimiento se caracterizó por rupturas con el arte tradicional en busca de nuevas formas de representar la realidad y expresar sentimientos a través de la pintura, escultura y otras artes.
El resumen describe las obras de arte de diferentes estilos que se exhiben en el Museo Soumaya, incluyendo surrealismo, cubismo, fauvismo, impresionismo, postimpresionismo, expresionismo y simbolismo. Algunas obras mencionadas son Gabinete Antropomórfico de Dalí, Mujer Jirafa de Alfonso Michel, Desnudo rosa con abanico de Michel, Rolleboise, mujer y niño en el jardín de Maximilien, Paisaje Tempestuoso de un artista desconocido y El verdug
El documento resume los principales estilos pictóricos del siglo XX, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, abstracción lírica, art-deco, constructivismo, neoplasticismo, Bauhaus, surrealismo, arte pop, hiperrealismo y minimalismo. Para cada estilo, describe sus características clave y algunos de sus artistas más destacados. El documento proporciona información concisa sobre los orígenes y desarrollo de los diversos movimientos artísticos modernos.
El movimiento impresionista se desarrolló en la segunda mitad del siglo XIX, caracterizado por intentar plasmar la luz y el instante sin reparar en las formas subyacentes. El postimpresionismo surgió luego, continuando con el uso de colores vivos pero buscando mayor emoción. Movimientos como el fovismo se caracterizaron por el uso de colores intensos y formas distorsionadas para expresar sentimientos, al igual que el expresionismo. El cubismo representó objetos desde diferentes ángulos en un mismo plano a través de
El documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XIX y XX como el impresionismo, expresionismo, cubismo y surrealismo. El impresionismo surgió en Francia en la segunda mitad del siglo XIX cuando los artistas salieron al aire libre para captar la luz y colores de forma subjetiva. El expresionismo alemán reflejó la amargura prebélica con colores violentos. El cubismo rompió con la perspectiva renacentista mediante planos superpuestos. El surrealismo, inspirado en
El documento describe la evolución de la reproducción de imágenes desde la litografía en el siglo XVIII hasta el surgimiento de los movimientos artísticos vanguardistas a principios del siglo XX. Explica cómo la fotografía y otras técnicas como el fotograbado permitieron reproducir obras de arte de forma mecánica, influyendo en la pintura y facilitando su difusión. También analiza la representación del cuerpo femenino y cómo esta evolucionó con el tiempo.
El documento describe cómo las vanguardias artísticas del siglo XX rompieron con los cánones culturales y estéticos tradicionales. Movimientos como el fauvismo, expresionismo, cubismo, dadaísmo y surrealismo cuestionaron las formas de arte establecidas y promovieron la innovación radical a través de nuevos enfoques del color, la forma y la representación de la realidad. Estas vanguardias marcaron la ruptura definitiva con la pintura tradicional y establecieron las bases para el desarrollo del arte moderno.
Las vanguardias artísticas del Siglo XIX y XX incluyen movimientos como el impresionismo, posimpresionismo, cubismo, fauvismo y expresionismo que buscaban romper con las tradiciones del pasado e incorporar ideas innovadoras. Estilos como el impresionismo de Monet se enfocaron en capturar la luz y atmósfera a través de pinceladas rápidas, mientras que el cubismo de Picasso y Braque desafió las formas tradicionales mediante el uso de geometría. El muralismo mexicano,
El documento resume varios movimientos artísticos de principios del siglo XX como el cubismo, surrealismo, expresionismo, impresionismo y otros. Explica que estas corrientes buscaban nuevas formas de expresión alejadas del realismo tradicional. Luego describe brevemente cada movimiento, sus características y principales exponentes. Finalmente, menciona otros estilos como el dadaísmo, fauvismo, op art y pop art.
El documento describe el movimiento artístico del expresionismo del siglo XX. Se originó en Alemania en 1912 con el uso de colores puros y deformaciones de la figura humana para expresar emociones. Artistas como Munch, Kandinsky y Ensor crearon obras cargadas de sentimientos a través de la distorsión de formas y el uso de colores intensos. El expresionismo buscaba capturar los estados internos del artista más que describir la realidad de forma objetiva.
Estilos Pictóricos a través de la historiaValentina Lobo
El documento describe varios estilos pictóricos a través de la historia, incluyendo el romanticismo, realismo, impresionismo, cubismo, expresionismo, surrealismo y pop art. Cada estilo se caracteriza por su enfoque único en el uso del color, la forma y la representación de la realidad. El documento también discute el fotorrealismo y la pintura abstracta, contrastando sus diferentes enfoques en la representación de objetos y temas.
El documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XX, incluyendo Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Futurismo, Arte Abstracto, Surrealismo, Muralismo Mexicano, Arte Pop, Arte Óptico y algunos artistas chilenos contemporáneos. Cubre desde el Fauvismo a principios del siglo hasta el Arte Pop y Arte Óptico en la mitad del siglo, destacando los elementos característicos de cada movimiento y sus principales exponentes.
El Impresionismo surgió en Francia en la segunda mitad del siglo XIX como una reacción contra el arte académico. Los artistas impresionistas abandonaron sus talleres para pintar al aire libre y capturar la luz y los efectos atmosféricos, utilizando pinceladas sueltas de color puro. El Postimpresionismo siguió este estilo pero con una visión más subjetiva, utilizando técnicas como el puntillismo. Ambos movimientos influyeron enormemente en el desarrollo posterior del arte.
El documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XX, incluyendo Fauvismo, Cubismo, Expresionismo, Surrealismo, Abstracción y Op-Art. Para cada movimiento, describe brevemente sus características clave y menciona a uno de sus máximos exponentes, como André Derain para el Fauvismo y Pablo Picasso para el Cubismo.
Este documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XX, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo, abstracción, pop art y op art. Describe los artistas clave y las características de cada movimiento, como su énfasis en el color, la expresividad, la deformación de imágenes, el uso de collage y nuevas técnicas.
El documento proporciona información sobre el Impresionismo y el Expresionismo, incluyendo sus definiciones, características, técnicas y principales exponentes como Manet y Munch. Describe la vida y obras de Manet y Munch, destacando cuadros como "El bar de Folies-Bergère" y "El grito". Explica las diferencias entre ambos movimientos artísticos y sus aportaciones al desarrollo posterior del arte.
Arte modernista europea: Desde el Impresionismo hasta cuatro de las vanguardias post vanguardistas.
Arte latino: desde el muralismo mexicano a las vanguardias en sudamericana.
Arte argentino: desde el arte luego de 1816 hasta los artistas del pueblo...
La Unión Europea ha anunciado nuevas sanciones contra Rusia por su invasión de Ucrania. Las sanciones incluyen prohibiciones de viaje y congelamiento de activos para más funcionarios rusos, así como restricciones a las importaciones de productos rusos de acero y tecnología. Los líderes de la UE esperan que estas medidas adicionales aumenten la presión económica sobre Rusia y la disuadan de continuar su guerra contra Ucrania.
Este documento describe los pasos para crear una composición gráfica de siluetas vectorizadas de un gato con color de relleno y sombras. Los pasos incluyen copiar imágenes de Google, trazar las siluetas en blanco y negro, rellenarlas de color, agregar sombras gaussianas, organizar los objetos y agregar un fondo y texto.
Este documento proporciona instrucciones para crear un efecto Powerclip en CorelDraw donde una imagen se coloca dentro de texto. Explica cómo seleccionar el texto y la imagen, aplicar el efecto Powerclip para insertar la imagen dentro del texto, editar la imagen dentro del clip, aplicar efectos como viñeta, y agregar sombras y bordes al texto final.
El documento proporciona instrucciones paso a paso para crear un semáforo vectorial en CorelDraw. Primero se busca una imagen de referencia de un semáforo en Google y se inserta en CorelDraw. Luego se crean varios objetos vectoriales como rectángulos, elipses y curvas utilizando diferentes colores de la paleta para representar las luces y la estructura del semáforo. Finalmente, se aplican colores de luz reales a los círculos y se completa el semáforo vectorial.
Un breve estudio del complejo de Pachacamac y algunas leyendas que se presentan relacionadas al lugar. Las fotografías son de mi autoría. Las fuentes son los mismos datos que se brindan en el lugar y otros más que recogí en la internet.
Te presento algunas culturas del Perú de su período formativo. Las más importantes y que han sido objeto de un mejor estudio e influencia en su medio cultural.
El documento describe la historia natural, hábitat, características, alimentación, importancia para la conservación y amenazas del oso de anteojos. Es el carnívoro más grande de Sudamérica y habita en los Andes desde Venezuela hasta Bolivia. Está amenazado principalmente por la pérdida de hábitat debido a la deforestación y la cacería furtiva.
Es una presentación acerca de los recursos naturales y como los aprovechamos, pero también acerca de la contaminación ambiental que afecta a la sociedad del siglo XXI.
Te presento una compilación de datos que te muestra el gran potencial cultural y turístico de uno de los departamentos del Perú ubicado en los andes, que ha sido y es rico en tradición e historia. Cabe recordar que en este sitio se llevó a cabo la Batalla decisiva que sellaría la libertad de América del sur de la colonia española en el siglo XIX hecho acontecido en las pampas de la Quinua un día 9 de diciembre de 1824.
La línea de tiempo presenta hitos clave de la historia universal divididos en 5 períodos: Prehistoria, Antigua, Edad Media, Edad Moderna y Edad Contemporánea. Algunos eventos destacados son el nacimiento de Cristo, la caída del Imperio Romano, la Revolución Francesa y las dos guerras mundiales. También incluye hitos de la historia de Perú como las culturas preincas, la conquista española y la proclamación de independencia.
Este es un Tutorial de como hacer un efecto de PowerClip con la imagen de Jesús y una imagen de fondo transparente. El programa con que se realizó se CorelDraw y es de un nivel básico.
Es un tutorial que te guía para conseguir un diseño de una atmósfera de media luz y con efecto de powerclip en una silueta negra usando CorelDraw y aplicando un efecto de Brillo o luminosidad. Es para un nivel Avanzado en CorelDraw. Pon atención que aquí se usan unas funciones de la Barra de propiedades de la Herramienta Transparencia cuyo icono es una Copa de cristal.
This is a Tutorial about How to Create a Pop Art portrait using CorelPhotopaint. This work shows the Super Star Angelina Jolie photo converted to paint. This is an Advanced Tutorial level designer.
Guía creativa de como hacer un retrato de foto a pintura usando CorelPhotopaint aquí se muestra a la Super Star Angelina Jolie. Está escrita en Inglés. Para nivel Avanzado de manejo de Corel Photopaint.
El documento describe varias opciones para crear un logo, incluyendo círculos rojos con diferentes degradados de rojo a negro, un círculo blanco con borde, y convertir las opciones a mapas de bits para aplicar efectos como desenfoque gaussiano y transparencia uniforme. También incluye el texto "Claro" en negrita como parte del logo.
Es un cuento de Silvia V. Rivera artista y diseñadora profesional acerca del respeto y la convivencia de los animales en la selva. En esta oportunidad un elefante y un hormiguita sostienen un dialogo, en un momento en que ambos transitan en la selva -la casa de ambos- y al parecer la Hormiguita le enseña al Elefante el cómo y el porqué se debe vivir en paz y armonía entre todos los seres.
Esta bajo una Licencia Creative Commons http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/3.0/
El documento presenta varias fórmulas matemáticas interesantes que muestran simetrías y patrones numéricos. Luego explica que, según un código numérico asignado a cada letra, trabajar duro equivale al 98%, el conocimiento al 96%, la actitud al 100%, pero el amor a Dios llega al 101%, sugiriendo que es lo que permite ir más allá de los límites.
La pandemia de COVID-19 ha tenido un impacto significativo en la economía mundial. Muchos países experimentaron fuertes caídas en el PIB y aumentos en el desempleo debido a los cierres generalizados y las restricciones a los viajes. Aunque las vacunas han permitido la reapertura de muchas economías, los efectos a largo plazo de la pandemia en sectores como el turismo y los viajes aún no están claros.
SEMIOLOGIA DE HEMORRAGIAS DIGESTIVAS.pptxOsiris Urbano
Evaluación de principales hallazgos de la Historia Clínica utiles en la orientación diagnóstica de Hemorragia Digestiva en el abordaje inicial del paciente.
La Unidad Eudista de Espiritualidad se complace en poner a su disposición el siguiente Triduo Eudista, que tiene como propósito ofrecer tres breves meditaciones sobre Jesucristo Sumo y Eterno Sacerdote, el Sagrado Corazón de Jesús y el Inmaculado Corazón de María. En cada día encuentran una oración inicial, una meditación y una oración final.
2. Cuando la cámara
fotográfica hace su
aparición en la
historia de la
humanidad a
mediados del siglo
XIX la REALIDAD es
capturada con
fidelidad en un
papel a través de un
lente; entonces, lo
que le quedó al
artista plástico fue
plasmar una
IRREALIDAD ya no
a través de sus ojos
físicos sino a través
de los ojos de su
alma.
Retrato de Georges Rouault
3. Los artistas comenzaron a
desarrollar nuevas técnicas de la
pintura para transferir rápidamente
al plano del cuadro el aspecto
“inmediato” de la naturaleza.
Eliminaron el color negro de la
paleta.
Es el período que tiende un puente
entre el naturalismo tradicional
objetivo (representativo) y la era
moderna del arte subjetivo
(interpretativo)
IMPRESIONISMO
El nombre
impresionismo
fue dado por el
crítico Louis
Leroy por esta
obra de Claude
Monet
“Impresión de
un sol de
amanecer”.
El “Ismo” cuya
preocupación
central era
sensorial y
plasmar la luz
del día de la
naturaleza fue el
Impresionismo
4. IMPRESIONISMO
Su antecedente estuvo en la Escuela de Barbizón en
1840.
Los pintores pintaban al aire libre “rápidamente” ya
no dentro del taller, así podían registrar los efectos de
la luz antes que cambiaran por el curso del día.
Esto era una rotura importante con la práctica
académica (antigua) de producir un trabajo
idealizado, altamente estructurado y monumental
que representaba una cierta idea abstracta o narrativa
mitológica.
Procuraron transportar la sensación
transitoria de la luz del sol, capturando la
atmósfera" más que la representación de la
dimensión del paisaje.
Espontaneidad y velocidad en la ejecución
eran importantes para la construcción de la
imagen.
5. POST-IMPRESIONISMO
El arte siguió su curso las
décadas que sobrevenían
Georges Seurat desarrolló
un análisis más científico
de la luz
inventando una nueva
técnica llamada
Puntillismo, usando
millares de puntos
pequeños para crear una
impresión visual.
• Paul
Gaugin con
su Cristo
amarillo y
sus nativas
Tahitianas
• Mientras
Vincent
Van Gogh
con
pincelada
ondulante
empastada
en sus
girasoles y
paisajes
Esto era un acercamiento experimental interesante cuando
consideramos el concepto del píxel digital
Paul Gauguin. Mata Mua, 1892. Colección Thyssen-Bornemisza
6. EXPRESIONISMO
El período
moderno de la
experimentación
del arte puede
parecerse
confuso y hecho
fragmentos.
Franz Marc
aparece
pintando sus
caballos azules
y otros animales
entre masas de
color puro.
El “Ismo”
cuya
preocupación
central es
emocional y
psicológica se
llama
Expresionismo
El Expresionismo mira dentro, a
un mundo de estados
emocionales y psicológicos
ligados al ser humano, más bien
que a las sensaciones transitorias;
explora el alma .
Georges Rouault en una tentativa
de transportar sensaciones
representa Cristos, payasos,
prostitutas dolientes.
Edward Munch con “ El Grito”
llama la atención de escuchar a la
misma naturaleza humana.
Georges-Rouault “Cristo
humillado por soldados”
1932-MOMA-NYC
7. FAUVISMO
Fauvismo, (Fauvisme francés), prosperó en
Francia a partir de 1898 a 1908. Henri Matisse
fue el líder del movimiento.
Los pintores Fauvistas utilizaron color puro,
brillante, aplicado derecho de los tubos de la
pintura en una manera agresiva, directa crear
un sentido de una explosión en la lona (masa
de color).
Sus trabajos fueron envueltos en una reacción
expresiva fuerte ante los temas que pintaron.
Cuando fueron las pinturas
de los Fauvistas exhibidas
formalmente en París en
1905, dieron una sacudida
eléctrica a visitantes al
salón d'Automne anual;
uno de estos visitantes era
el crítico Louis Vauxcelles,
que, debido a la violencia
de sus trabajos, denominó
a los pintores "Les Fauves"
(las bestias salvajes).
El Fauvismo
podría estar
situado a la
mitad del
camino entre
el
impresionismo
y el
expresionismo
.
8. CUBISMO
El “Ismo”
cuya
preocupación
central es
abstraer la
figura en
fragmentos se
llama
Cubismo
El estilo cubista acentuó la superficie plana, de
dos dimensiones del plano del cuadro,
rechazando las técnicas tradicionales de la
pintura de la perspectiva, modelando,
claroscuro, y rechazando las teorías consagradas
que el arte tuvo que usar para la imitación de la
naturaleza.
Los pintores cubistas no
estuvieron limitados a la forma,
textura, al color, o al espacio de
copiado; en lugar, presentaron
una nueva realidad en las
pinturas que representaron los
objetos radicalmente hechos
fragmentos en perspectivas
distintas .
El Cubismo fue
creado
principalmente
por los pintores
Pablo Picasso y
Georges
Braque en
París entre
1907 y 1914.
9. CUBISMO
“El Guernica"
de Picasso es el
ejemplo
mostrando una
escena, en
dimensiones
múltiples, del
negro y del gris
de griterío; una
representación
impactante de
la guerra civil
española.
Aunque el Cubismo era un
paso enorme a lo largo del
camino hacia la abstracción,
en las manos de un genio esta
nueva manera de acercar al
diseño de la imagen moderna
se podría utilizar así pues,
para comunicar sensaciones e
ideas de gran alcance en una
forma generalizada o más
simbólica.
10. SURREALISMO
Uno de los
"ismos más
influyentes" del
período
moderno se
conoce como
Surrealismo -
significa “más
allá de lo
verdadero”.
El Surrealismo
procura
expresar el
funcionamiento
del
subconsciente
con imágenes
fantásticas y la
yuxtaposición
incongruente
en el tema.
Los Surrealistas
utilizaron a
menudo sueños
como fuente de
la inspiración.
El Surrealismo prosperó en Europa entre las guerras
mundiales I y II y creció principalmente fuera del
movimiento anterior de "Dada", que antes de que se
de la I guerra mundial producía los trabajos del
contra-arte, planteado deliberadamente como desafío
y diversión ante el sistema pomposo de las galerías
de Arte.
El movimiento representó una reacción contra el
"racionalismo" que habían dirigido la cultura y la
política europea.
El portavoz principal del movimiento, fue el poeta y
crítico André Bretón , quien publicó “El Manifiesto
Surrealista" en 1924.
El “Ismo” cuya
preocupación
central es el
subconciente de
la mente es el
Surrealismo
“La Persistencia de la memoria” y
“El Cristo de San Juan” son cuadros
de Salvador Dalí.
11. SURREALISMO
El Surrealismo es un ejemplo de cómo el arte refleja
las ideas importantes del tiempo - en este caso las de
Sigmund Freud y su psicoanálisis - una de las
grandes mentes del período moderno que ha tenido
una influencia profunda en el pensamiento
introduciendo la idea del inconsciente como fuente
de nuestras motivaciones.
Bretón consideró el inconsciente como el propulsor
de la imaginación, él definió el genio en términos de
la accesibilidad a este reino normalmente sin
aprovechar, lo que, él creyó, se podría lograr por los
poetas y los pintores igualmente.
Los surrealista
mas notables
son Salvador
Dalí, René
Magritte, Joan
Miro y Max
Ernest entre
otros.
Las obras que
observamos
son de René
Magritte: “El
poder blanco” y
“Castillo en los
Pirineos”
12. FUTURISMO
El Futurismo,
(Futurismo italiano)
era un movimiento
artístico temprano del
siglo XX que se centró
en Italia y acentuó el
dinamismo, la
velocidad, la energía
de la máquina y de la
vitalidad, del cambio,
y la vida rápida
moderna en general.
El nombre Futurismo,
acuñado por el poeta
italiano y redactor
Filippo Tommaso
Marinetti, reflejó su
énfasis en el desecho
de lo que él concibió
para ser el estático y
arte inaplicable del
pasado, y celebrando
el cambio, la
originalidad, y la
innovación en cultura
y sociedad.
El gesto que reproduzcamos en el lienzo no será más un momento
fijo en el dinamismo universal. Simplemente será la misma
sensación dinámica [...]. Debido a la persistencia de la imagen en la
retina, los objetos en movimiento se multiplican a sí mismos
constantemente; su forma cambia como rápidas vibraciones en su
loca carrera. De ese modo, un caballo en movimiento no tiene
cuatro patas, sino veinte, y sus movimientos son triangulares.
Umberto Boccioni
El “Ismo” cuya
preocupación central es
la nueva tecnología del
automóvil y de la belleza
de su velocidad, energía
es el Futurismo
El movimiento
duró
oficialmente
solamente tres
años.
Giacomo Balla
“Correa de perro en
movimiento” Óleo sobre
tela 1912.
13. OPTICAL ART – OP ART
El arte Óptico o conocido como Op Art jugó con
las técnicas que tenían un efecto en nuestros ojos o
creó una ilusión óptica de modo similar a otros
movimientos modernos del arte.
Víctor
Vassarely
utilizaba un
esquema de
color limitado,
y un estilo
geométrico
para dibujar
formas y
objetos muy
perfectos y
espaciales
dimensionados
con el color
plano y en
degrade.
Lo mismo se dirá de Bridget Riley que con
sus figuras monócromas en secuencia de
manera simple provocan movimientos
que engañan la visión del observador.
14. EXPRESIONISMO ABSTRACTO
El uso abstracto de Expresionismo del
"espacio" era también diferente.
La idea del "espacio bajo" adquiere un
significado importante en su estilo. Como los
artistas del dripping de pintura sobre sus
lonas.
Una de las ideas importantes detrás
de Expresionismo abstracto era esta
relación entre el espectador y la
imagen , permitiendo que la gente
vea diversas cosas e interpretar
mentalmente los significados
múltiples.
Jackson Pollock
artista americano
ya fallecido en
plena ejecución
de una obra
aplicando goteo o
dripping al lienzo.
15. EXPRESIONISMO ABSTRACTO
El desarrollo de líneas y de
las gotas de diversos
colores parecen flotar en la
superficie, en capas.
La mente humana procura
ver patrones de cosas, para
organizarlas
aleatoriamente en un
orden, y también nos
relacionamos con las
imágenes, en términos de
relaciones espaciales, como
si estos patrones abstractos
representaron un espacio
verdadero.
Así, si miramos fijamente
estos patrones complejos
de pintura podemos ver
profundidad, porque
arreglamos las capas de
colores en una jerarquía
cromática con colores
cálidos que saltan a la
vista y fríos que se
ocultan, con los claros y
oscuros sucede igual.
El producto final de las
ilustraciones entonces se
convirtió en una
combinación entre lo que
ha propuesto el artista, y
lo que ha elegido el
espectador ver.
16. MINIMALISMO
El Minimalismo era una tendencia en la
pintura y la escultura que se desarrolló
sobre todo en los EE.UU. durante los años
60 y los años 70, planteando la idea de
reducir una obra de arte al número mínimo
de colores.
Valora las
formas, las
líneas y las
texturas.
No se hace
ninguna
tentativa de
representar o
de simbolizar
ningún otro
objeto o
experiencia
anecdótica.
Es arte
experimental,
intentando
descubrir los
límites de la
simplicidad al
usar los
elementos del
diseño de la
imagen.
Mientras que el nombre implica, el
arte Minimalista, él es puramente
abstracto, objetivo y anónimo,
libre de la decoración superficial o
del gesto expresivo.
Minimalismo se puede ver como
reacción contra la emotividad y el
Expresionismo abstracto.
17. POPULAR ART/ POP ART
Hay un diálogo en curso en
el mundo del arte fino y del
arte experimental - una
constante desafiadora de
cuál es válida, cuál es
anticuado, cuál es
emocionante.
Este diálogo produce ideas
y experimentos desafiadores
- tal arte no está procurando
ser popular o a gusto de
cada uno, sino que estimula
la búsqueda para las nuevas
innovaciones y se acerca al
diseño de la imagen.
Obras de: Keith Haring
“Best Buddies”(izq. Sup .) y
“Statue of Liberty”(der. Inf.)
Roy Lichtenstein “Thinking
of him”(der. Sup.) Andy
Warhol “Marilyn”(izq. Inf.)
18. POPULAR ART/ POP ART
Durante el período del arte
pop, el pretentiousness del
arte de la galería fue
desafiado, y el acercamiento
épico fue substituido por
una celebración del diario
vivir con los diseños y los
productos que se crean en
serie dentro de una cultura
consumista.
Los medios y la publicidad
eran temas favoritos para las
celebraciones a menudo
ingeniosas del arte pop.
Era una nueva manera de
mirar los iconos temerarios,
ordinarios del
supermercado, las películas
y los compartimientos
brillantes.
19. POPULAR ART/ POP ART
Quizás el artista más grande
del estallido, cuyas
innovaciones han afectado
tanto al arte
subsecuentemente, era el
artista americano, Andy
Warhol (1928-87).
Los artistas reaccionaron
contra el Expresionista
abstracto que los juzgaban
de ser pretencioso y sobre-
intenso.
El arte pop trajo arte de
nuevo a las realidades
materiales de la vida diaria,
a la cultura popular, en la
cual las gentes normales
obtenían la mayoría de su
placer visual - de la
televisión, de los
compartimientos, o de los
tebeos.
20. La pintura de “La Silla eléctrica” marca el principio de una serie de pinturas mórbidas de Andy
Warhol. En esta pintura la muerte sigue siendo impersonal. En Silkscreen (serigrafía) la impresión se
invierte para dar un tono negativo. Warhol demuestra en esta pieza de arte cómo la imagen estática
da un mensaje de gran alcance.
Él juega con la dualidad de: el significado de la imagen (en módulos) en comparación con un
patrón objetivo de formas y de colores intensos y contrastantes ante nuestros ojos.
El uso de la repetición se puede también leer como una declaración sobre el proceso de
desensibilización de la cultura POP .
POPULAR ART/ POP ART