El informalismo fue un movimiento artístico abstracto que surgió en Europa después de la Segunda Guerra Mundial. Se caracterizó por el uso de la espontaneidad, la gestualidad y los materiales no convencionales. Algunos de sus principales exponentes fueron Tápies, Dubuffet, Hartung, Fautrier y Burri.
El documento describe varios movimientos artísticos abstractos que surgieron después de la Segunda Guerra Mundial, incluido el informalismo, el expresionismo abstracto y el tachismo. Dentro del informalismo se encuentran corrientes como el informalismo gestual, que enfatiza el gesto del pintor, e informalismo materico, que da importancia a texturas y materiales. Otras tendencias mencionadas son el arte brut, el espacialismo y el action painting de Pollock. Figuras clave incluyen a Pollock, de Kooning, Rothko, T
Describe el proceso de gestación de la pintura abstracta, distingue la vertie...Ignacio Sobrón García
Describe el proceso de gestación de la pintura abstracta, distingue la vertiente cromática y geométrica, y especifica algunas de sus corrientes más significativas, como el Suprematismo ruso o el Neoplastiscismo.
Historia del Arte, 2º de Bachillerato LOMCE
El documento resume la evolución de la escultura en el siglo XIX, desde los modelos clásicos hasta la búsqueda de nuevas formas expresivas. Destaca la obra de Auguste Rodin, quien rompió con los cánones clásicos representando el cuerpo humano de forma más realista y expresiva. También resalta la influencia del impresionismo en escultores como Medardo Rosso, quien desintegró las formas para captar atmósferas.
Esta presentación es acerca de los movimientos que se dieron en el siglo XIX y XX en Europa y Estados Unidos los cuales dieron un cambio a los conceptos del arte. Tambien por los avances tecnológicos (cámara fotografíca, psicología, etc.) el artista buscará de manera propia superar el clasisismo y de enfrentarse a un futuro que requería de creatividad y mucho talento (original) ante los cambios que sobrevenian a la humanidad.
Este documento presenta las principales vanguardias artísticas del siglo XX, incluyendo Fauvismo, Futurismo, Cubismo, Expresionismo, Dadaísmo y Surrealismo. Para cada movimiento, describe sus características y presenta un representante clave junto con una obra de arte relevante.
La escultura experimenta una revolución radical en el siglo XX, abandonando las formas tradicionales y materiales. Se produce una pérdida del humanismo y un fuerte individualismo. Artistas como Rodin, Moore y Giacometti exploran nuevas técnicas como la deformación, la incorporación del espacio y el vacío, y el uso de materiales no convencionales. Para finales del siglo, la escultura contemporánea incluye el movimiento, la abstracción y concepciones no figurativas del arte.
El documento resume diferentes formas en que artistas a través de la historia han representado el movimiento en sus obras de arte, incluyendo fotografías pioneras de Muybridge que capturaron escenas en movimiento, pinturas como "Desnudo bajando una escalera" de Duchamp que intentaron representar secuencias de movimiento, y el arte cinético y óptico del siglo 20 que creó la ilusión de movimiento.
Este documento describe diferentes aspectos de la escultura como las técnicas, materiales, tipos, temas y estilos. Explica que hay escultura exenta y de relieve, y que se puede hacer con talla, modelado, forja o vaciado utilizando materiales como piedra, madera, metal o escayola. También distingue entre lo realista, irreal, concreto y abstracto, así como lo estático, dinámico, efímero y perdurable.
El documento describe varios movimientos artísticos abstractos que surgieron después de la Segunda Guerra Mundial, incluido el informalismo, el expresionismo abstracto y el tachismo. Dentro del informalismo se encuentran corrientes como el informalismo gestual, que enfatiza el gesto del pintor, e informalismo materico, que da importancia a texturas y materiales. Otras tendencias mencionadas son el arte brut, el espacialismo y el action painting de Pollock. Figuras clave incluyen a Pollock, de Kooning, Rothko, T
Describe el proceso de gestación de la pintura abstracta, distingue la vertie...Ignacio Sobrón García
Describe el proceso de gestación de la pintura abstracta, distingue la vertiente cromática y geométrica, y especifica algunas de sus corrientes más significativas, como el Suprematismo ruso o el Neoplastiscismo.
Historia del Arte, 2º de Bachillerato LOMCE
El documento resume la evolución de la escultura en el siglo XIX, desde los modelos clásicos hasta la búsqueda de nuevas formas expresivas. Destaca la obra de Auguste Rodin, quien rompió con los cánones clásicos representando el cuerpo humano de forma más realista y expresiva. También resalta la influencia del impresionismo en escultores como Medardo Rosso, quien desintegró las formas para captar atmósferas.
Esta presentación es acerca de los movimientos que se dieron en el siglo XIX y XX en Europa y Estados Unidos los cuales dieron un cambio a los conceptos del arte. Tambien por los avances tecnológicos (cámara fotografíca, psicología, etc.) el artista buscará de manera propia superar el clasisismo y de enfrentarse a un futuro que requería de creatividad y mucho talento (original) ante los cambios que sobrevenian a la humanidad.
Este documento presenta las principales vanguardias artísticas del siglo XX, incluyendo Fauvismo, Futurismo, Cubismo, Expresionismo, Dadaísmo y Surrealismo. Para cada movimiento, describe sus características y presenta un representante clave junto con una obra de arte relevante.
La escultura experimenta una revolución radical en el siglo XX, abandonando las formas tradicionales y materiales. Se produce una pérdida del humanismo y un fuerte individualismo. Artistas como Rodin, Moore y Giacometti exploran nuevas técnicas como la deformación, la incorporación del espacio y el vacío, y el uso de materiales no convencionales. Para finales del siglo, la escultura contemporánea incluye el movimiento, la abstracción y concepciones no figurativas del arte.
El documento resume diferentes formas en que artistas a través de la historia han representado el movimiento en sus obras de arte, incluyendo fotografías pioneras de Muybridge que capturaron escenas en movimiento, pinturas como "Desnudo bajando una escalera" de Duchamp que intentaron representar secuencias de movimiento, y el arte cinético y óptico del siglo 20 que creó la ilusión de movimiento.
Este documento describe diferentes aspectos de la escultura como las técnicas, materiales, tipos, temas y estilos. Explica que hay escultura exenta y de relieve, y que se puede hacer con talla, modelado, forja o vaciado utilizando materiales como piedra, madera, metal o escayola. También distingue entre lo realista, irreal, concreto y abstracto, así como lo estático, dinámico, efímero y perdurable.
El documento describe la técnica del carboncillo, incluyendo su historia, materiales, y usos. El carboncillo se obtiene quemando madera y se usa principalmente para dibujar líneas o manchas de tono. Ha sido importante desde el Renacimiento, con artistas como Miguel Ángel y Leonardo da Vinci usándolo. Se puede aplicar de varias formas como trazos o sombreado, y es útil para estudios previos a pinturas u obras finales.
El Op-Art es una corriente artística abstracta que engaña al ojo humano mediante ilusiones ópticas como círculos concéntricos y espirales. Se consolidó en 1965 en una exposición en Nueva York y se caracteriza por provocar una sensación de movimiento a través de efectos de repetición a pesar de la ausencia de movimiento real.
El documento describe las principales vanguardias artísticas del siglo XX en Europa, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo y surrealismo. Surgen tras la Primera Guerra Mundial como ruptura con los estilos artísticos tradicionales. Los movimientos se caracterizan por el uso del color, la distorsión de formas, y la representación subjetiva de temas como la modernidad, guerra, y crisis social.
El arte conceptual es un movimiento en el que las ideas son más importantes que los aspectos formales de la obra. A menudo la idea es la obra misma. El performance describe una práctica artística que consiste en representar una obra ante un público en directo. El happening requiere la participación del público y está condicionado por el azar, a diferencia de la performance. El land art utiliza elementos naturales para crear formas en exteriores. El hiperrealismo reproduce la realidad con la misma fidelidad que la fotografía.
El Op Art fue un estilo de arte abstracto que utilizó la repetición de formas simples y colores para crear efectos visuales como vibración y profundidad exagerada. Surgió en la década de 1960 y fue liderado por artistas como Victor Vasarely y Bridget Riley, quienes crearon obras con cuadrados y círculos que parecían moverse u ondularse. Matilde Pérez fue una importante exponente chilena de este estilo cinético que comenzó como pintora figurativa pero luego se enfocó en los efectos visuales de
Este documento describe las técnicas del dibujo a lápiz de grafito, lápiz de color y carboncillo. Explica el modo de empleo de cada técnica, incluyendo líneas, sombreado y mezcla de colores. También describe los útiles como diferentes tipos de lápices, papel y gomas de borrar. Se mencionan ejemplos de artistas como Picasso, Van Gogh e Ingres que utilizaron estas técnicas.
El documento describe la evolución del expresionismo abstracto y el informalismo desde sus raíces en el surrealismo hasta su desarrollo en Estados Unidos y Europa en el siglo XX. Artistas clave como Pollock, Rothko y De Kooning desarrollaron nuevas técnicas como el dripping y los campos de color que buscaban expresar emociones primordiales. El informalismo en Europa con Tàpies y Burri enfatizó el uso de materiales no convencionales. Estos movimientos marcaron una ruptura con las formas establecidas y abrieron
Este documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XX, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo, abstracción, pop art y op art. Describe los artistas clave y las características de cada movimiento, como su énfasis en el color, la expresividad, la deformación de imágenes, el uso de collage y nuevas técnicas.
Este resumen describe la obra pictórica "Los picapedreros" de Gustave Courbet. Explica que la obra representa a dos trabajadores rurales picando piedras de forma naturalista y sin idealización. Resalta que Courbet buscaba representar escenas de la vida cotidiana de las clases populares y que la obra causó polémica en su época por romper con convenciones artísticas. También analiza detalles técnicos y estilísticos de la obra, y su influencia en movimientos posteriores como el impresionismo.
El documento describe el contexto histórico, geográfico y económico del arte moderno en América Latina después de la independencia de España. Explica las características clave de la arquitectura, escultura y pintura modernas, incluidos varios movimientos artísticos como el cubismo, futurismo, expresionismo y sus artistas más destacados.
Este documento describe el hiperrealismo, un movimiento artístico que busca reproducir la realidad con gran fidelidad y detalle, similar a una fotografía. Explica que Chuck Close y Richard Estes fueron pintores hiperrealistas prominentes, y que Duane Hanson, John de Andrea y Ron Mueck fueron escultores hiperrealistas destacados, conocidos por crear figuras humanas extremadamente realistas a escala real o aumentada.
El suprematismo fue un movimiento artístico ruso fundado por Kazimir Malévich entre 1915-1916 que promovía la abstracción geométrica y el arte no figurativo a través de formas puras como círculos, cuadrados y triángulos. Algunos de los artistas representantes fueron Malévich, Popova, Lissitzky y Rodchenko. La obra más icónica fue el Cuadrado Negro de Malévich de 1915.
El movimiento dadaísta surgió en 1916 en Zúrich como reacción contra la Primera Guerra Mundial y la sociedad burguesa. Artistas de diferentes nacionalidades se reunieron en el Cabaret Voltaire y rechazaron valores racionalistas, adoptando una posición nihilista y burlándose de convenciones sociales y artísticas. Más que una estética, Dada fue una actitud de rebeldía que cuestionó todo a través de la provocación, el absurdo y el azar, influyendo enormemente en el arte posterior.
El documento resume varios movimientos artísticos del siglo XX, incluyendo el Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Arte Abstracto y Suprematismo. El Fauvismo se caracterizó por el uso de colores fuertes y formas simplificadas. El Expresionismo buscó expresar estados de ánimo a través del color y trazo. El Cubismo analizó la realidad desde múltiples perspectivas mediante formas geométricas. El Arte Abstracto eliminó la representación figurativa. El Suprematismo de Malev
El documento proporciona información sobre el movimiento artístico del cubismo, incluyendo a sus principales figuras como Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Explica que el cubismo surgió en 1907 como una nueva forma de representar la realidad a través de la descomposición geométrica de las formas y la perspectiva múltiple. El documento también describe las diferentes etapas y características del cubismo como el uso del collage.
Este documento resume la historia del retrato a través de la historia del arte. Comienza con los primeros retratos en forma de esculturas encontradas en Jericho, y describe la evolución del retrato en diferentes culturas y épocas como Egipto, Grecia, Roma y el Renacimiento. Luego cubre los principales estilos de retrato en el Barroco, Neoclásico, Impresionismo y arte moderno, con ejemplos de artistas representativos. Concluye que el retrato ha sido una forma importante de autoexpresión y
Este documento resume las principales vanguardias artísticas del siglo XX, incluyendo el Fauvismo, el Cubismo, el Expresionismo y las figuras clave como Picasso. Explica que las vanguardias rechazaron la representación tradicional y crearon nuevos lenguajes artísticos basados en la geometría, el color y la expresión subjetiva. También analiza las características y obras representativas de cada movimiento y los hitos de la carrera de Picasso, desde sus primeros períodos hasta su papel fundamental en el desar
El collage es una técnica artística creada a principios del siglo XX que involucra recortar y pegar fragmentos de materiales como periódicos, fotografías y otros objetos cotidianos sobre una superficie. Los elementos usados dejan de ser importantes individualmente y se unen para formar una nueva imagen única. El collage permite al artista combinar imágenes obtenidas a través de diferentes técnicas y generar composiciones siempre sorprendentes mediante el contraste y la yuxtaposición de elementos dispares.
Este documento resume las principales corrientes artísticas del siglo XX, incluyendo el impresionismo, fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo, abstracción, pop art y nuevos realismos. Describe las características clave de cada movimiento y proporciona ejemplos representativos de obras de artistas como Monet, Matisse, Van Gogh, Picasso, Duchamp, Dalí, Warhol y Lichtenstein.
El documento presenta una introducción al arte abstracto, describiendo cómo desde la prehistoria los humanos han creado imágenes abstractas utilizando formas geométricas y orgánicas. Luego describe ejemplos de arte abstracto o con alto grado de estilización en diferentes culturas y épocas como la prehistoria, América, África, el Islam, Japón y Europa. El documento sugiere que aunque el arte a menudo se basa en figuras, las fronteras entre lo figurativo y lo abstracto no siempre son claras.
El documento describe la técnica del carboncillo, incluyendo su historia, materiales, y usos. El carboncillo se obtiene quemando madera y se usa principalmente para dibujar líneas o manchas de tono. Ha sido importante desde el Renacimiento, con artistas como Miguel Ángel y Leonardo da Vinci usándolo. Se puede aplicar de varias formas como trazos o sombreado, y es útil para estudios previos a pinturas u obras finales.
El Op-Art es una corriente artística abstracta que engaña al ojo humano mediante ilusiones ópticas como círculos concéntricos y espirales. Se consolidó en 1965 en una exposición en Nueva York y se caracteriza por provocar una sensación de movimiento a través de efectos de repetición a pesar de la ausencia de movimiento real.
El documento describe las principales vanguardias artísticas del siglo XX en Europa, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo y surrealismo. Surgen tras la Primera Guerra Mundial como ruptura con los estilos artísticos tradicionales. Los movimientos se caracterizan por el uso del color, la distorsión de formas, y la representación subjetiva de temas como la modernidad, guerra, y crisis social.
El arte conceptual es un movimiento en el que las ideas son más importantes que los aspectos formales de la obra. A menudo la idea es la obra misma. El performance describe una práctica artística que consiste en representar una obra ante un público en directo. El happening requiere la participación del público y está condicionado por el azar, a diferencia de la performance. El land art utiliza elementos naturales para crear formas en exteriores. El hiperrealismo reproduce la realidad con la misma fidelidad que la fotografía.
El Op Art fue un estilo de arte abstracto que utilizó la repetición de formas simples y colores para crear efectos visuales como vibración y profundidad exagerada. Surgió en la década de 1960 y fue liderado por artistas como Victor Vasarely y Bridget Riley, quienes crearon obras con cuadrados y círculos que parecían moverse u ondularse. Matilde Pérez fue una importante exponente chilena de este estilo cinético que comenzó como pintora figurativa pero luego se enfocó en los efectos visuales de
Este documento describe las técnicas del dibujo a lápiz de grafito, lápiz de color y carboncillo. Explica el modo de empleo de cada técnica, incluyendo líneas, sombreado y mezcla de colores. También describe los útiles como diferentes tipos de lápices, papel y gomas de borrar. Se mencionan ejemplos de artistas como Picasso, Van Gogh e Ingres que utilizaron estas técnicas.
El documento describe la evolución del expresionismo abstracto y el informalismo desde sus raíces en el surrealismo hasta su desarrollo en Estados Unidos y Europa en el siglo XX. Artistas clave como Pollock, Rothko y De Kooning desarrollaron nuevas técnicas como el dripping y los campos de color que buscaban expresar emociones primordiales. El informalismo en Europa con Tàpies y Burri enfatizó el uso de materiales no convencionales. Estos movimientos marcaron una ruptura con las formas establecidas y abrieron
Este documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XX, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo, abstracción, pop art y op art. Describe los artistas clave y las características de cada movimiento, como su énfasis en el color, la expresividad, la deformación de imágenes, el uso de collage y nuevas técnicas.
Este resumen describe la obra pictórica "Los picapedreros" de Gustave Courbet. Explica que la obra representa a dos trabajadores rurales picando piedras de forma naturalista y sin idealización. Resalta que Courbet buscaba representar escenas de la vida cotidiana de las clases populares y que la obra causó polémica en su época por romper con convenciones artísticas. También analiza detalles técnicos y estilísticos de la obra, y su influencia en movimientos posteriores como el impresionismo.
El documento describe el contexto histórico, geográfico y económico del arte moderno en América Latina después de la independencia de España. Explica las características clave de la arquitectura, escultura y pintura modernas, incluidos varios movimientos artísticos como el cubismo, futurismo, expresionismo y sus artistas más destacados.
Este documento describe el hiperrealismo, un movimiento artístico que busca reproducir la realidad con gran fidelidad y detalle, similar a una fotografía. Explica que Chuck Close y Richard Estes fueron pintores hiperrealistas prominentes, y que Duane Hanson, John de Andrea y Ron Mueck fueron escultores hiperrealistas destacados, conocidos por crear figuras humanas extremadamente realistas a escala real o aumentada.
El suprematismo fue un movimiento artístico ruso fundado por Kazimir Malévich entre 1915-1916 que promovía la abstracción geométrica y el arte no figurativo a través de formas puras como círculos, cuadrados y triángulos. Algunos de los artistas representantes fueron Malévich, Popova, Lissitzky y Rodchenko. La obra más icónica fue el Cuadrado Negro de Malévich de 1915.
El movimiento dadaísta surgió en 1916 en Zúrich como reacción contra la Primera Guerra Mundial y la sociedad burguesa. Artistas de diferentes nacionalidades se reunieron en el Cabaret Voltaire y rechazaron valores racionalistas, adoptando una posición nihilista y burlándose de convenciones sociales y artísticas. Más que una estética, Dada fue una actitud de rebeldía que cuestionó todo a través de la provocación, el absurdo y el azar, influyendo enormemente en el arte posterior.
El documento resume varios movimientos artísticos del siglo XX, incluyendo el Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Arte Abstracto y Suprematismo. El Fauvismo se caracterizó por el uso de colores fuertes y formas simplificadas. El Expresionismo buscó expresar estados de ánimo a través del color y trazo. El Cubismo analizó la realidad desde múltiples perspectivas mediante formas geométricas. El Arte Abstracto eliminó la representación figurativa. El Suprematismo de Malev
El documento proporciona información sobre el movimiento artístico del cubismo, incluyendo a sus principales figuras como Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Explica que el cubismo surgió en 1907 como una nueva forma de representar la realidad a través de la descomposición geométrica de las formas y la perspectiva múltiple. El documento también describe las diferentes etapas y características del cubismo como el uso del collage.
Este documento resume la historia del retrato a través de la historia del arte. Comienza con los primeros retratos en forma de esculturas encontradas en Jericho, y describe la evolución del retrato en diferentes culturas y épocas como Egipto, Grecia, Roma y el Renacimiento. Luego cubre los principales estilos de retrato en el Barroco, Neoclásico, Impresionismo y arte moderno, con ejemplos de artistas representativos. Concluye que el retrato ha sido una forma importante de autoexpresión y
Este documento resume las principales vanguardias artísticas del siglo XX, incluyendo el Fauvismo, el Cubismo, el Expresionismo y las figuras clave como Picasso. Explica que las vanguardias rechazaron la representación tradicional y crearon nuevos lenguajes artísticos basados en la geometría, el color y la expresión subjetiva. También analiza las características y obras representativas de cada movimiento y los hitos de la carrera de Picasso, desde sus primeros períodos hasta su papel fundamental en el desar
El collage es una técnica artística creada a principios del siglo XX que involucra recortar y pegar fragmentos de materiales como periódicos, fotografías y otros objetos cotidianos sobre una superficie. Los elementos usados dejan de ser importantes individualmente y se unen para formar una nueva imagen única. El collage permite al artista combinar imágenes obtenidas a través de diferentes técnicas y generar composiciones siempre sorprendentes mediante el contraste y la yuxtaposición de elementos dispares.
Este documento resume las principales corrientes artísticas del siglo XX, incluyendo el impresionismo, fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo, abstracción, pop art y nuevos realismos. Describe las características clave de cada movimiento y proporciona ejemplos representativos de obras de artistas como Monet, Matisse, Van Gogh, Picasso, Duchamp, Dalí, Warhol y Lichtenstein.
El documento presenta una introducción al arte abstracto, describiendo cómo desde la prehistoria los humanos han creado imágenes abstractas utilizando formas geométricas y orgánicas. Luego describe ejemplos de arte abstracto o con alto grado de estilización en diferentes culturas y épocas como la prehistoria, América, África, el Islam, Japón y Europa. El documento sugiere que aunque el arte a menudo se basa en figuras, las fronteras entre lo figurativo y lo abstracto no siempre son claras.
Este documento resume los principales movimientos artísticos de vanguardia como el futurismo, expresionismo, cubismo, ultraísmo, dadaísmo, surrealismo, constructivismo, abstractismo, suprematismo, primitivismo y panlirismo. Describe el origen, características, exponentes y citas clave de cada movimiento.
Las vanguardias artísticas de la primera mitad delsoledadtovar
Este documento resume las principales vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX en Europa, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo y surrealismo. Describe las características y artistas clave de cada movimiento. También analiza brevemente el desarrollo del arte en España durante este periodo, incluyendo la arquitectura modernista catalana.
Antoni Tàpies tenía un corpus estético muy variado que incluía el romanticismo alemán, textos científicos, el psicoanálisis, el budismo y el arte oriental. Sus comienzos se enmarcaron dentro de la dictadura franquista de los años 40. Creó obras pictóricas y gráficas que pasaron por distintas etapas que incorporaban técnicas como el collage y el grattage, y que representaban objetos cotidianos.
Antoni Tàpies exploró diversas influencias artísticas y filosóficas a lo largo de su carrera, incluyendo el romanticismo alemán, el psicoanálisis, el budismo y el arte oriental. Su obra pictórica y gráfica evolucionó a través de varias etapas, desde collages inspirados en Klee hasta abstracciones que enfatizaban la materia y objetos cotidianos. Tàpies siempre buscó expresar conceptos como el dolor, la separación y la comunicación a través de formas, signos y materiales
Este documento resume los principales movimientos artísticos de pintura y escultura del siglo XX, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo y abstracción. Describe las características clave de cada movimiento y destaca a artistas representativos como Matisse, Kandinsky, Picasso, Duchamp, Dalí, Pollock y otros.
El documento resume los principales movimientos vanguardistas del siglo XX como el cubismo, futurismo, expresionismo, dadaísmo y ultraísmo. Describe sus características, técnicas, exponentes, temas e ideologías. Se enfocan en romper con las convenciones artísticas tradicionales y reflejar las ansiedades de la época a través de nuevas formas de expresión.
El puntillismo (neoimpresionismo) fue un movimiento pictórico que surgió a finales del siglo XIX basado en la aplicación de puntos de color puro en lugar de pinceladas. Se enfocaba en controlar las propiedades físicas del color y el espacio. Sus principales exponentes fueron Georges Seurat, Paul Signac y Charles Angrand, quienes creaban imágenes geométricas y estáticas a través de la yuxtaposición de puntos de color.
El documento resume los principales movimientos vanguardistas como el cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo, creacionismo e impresionismo. Explica sus características y contexto histórico. Luego, describe el desarrollo del vanguardismo en el Perú a través de figuras como César Vallejo, José María Arguedas y Carlos Oquendo de Amat. Finalmente, lista algunos representantes peruanos del vanguardismo.
El documento resume el surgimiento del impresionismo y el postimpresionismo en el arte del siglo XX. El impresionismo se presentó en 1874 cuando un grupo de pintores expuso sus obras en París rechazando el academicismo imperante. Buscaron captar las impresiones fugaces de la luz y el color en la naturaleza. Más tarde, surgió el postimpresionismo con artistas como Seurat y Signac que desarrollaron el puntillismo.
Este documento describe los principales movimientos artísticos del siglo XX, incluyendo el impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo, futurismo, expresionismo, orfismo y dadá. Resalta las características clave de cada movimiento como el uso del color, la simplificación de formas, la representación del movimiento y la experimentación con nuevas técnicas.
El documento resume los principales aspectos del cubismo analítico, cubismo sintético, futurismo e incluye información sobre algunos de sus principales exponentes como Picasso, Braque, Boccioni, Carrà, Russolo y Balla. El cubismo analítico se caracterizó por el análisis y descomposición de objetos en planos, predominando ángulos y líneas rectas. El cubismo sintético incorporó materiales no pictóricos como periódicos y vidrio. El futurismo promovía la modernidad, la velocidad y la acc
El documento describe el posimpresionismo y algunos de sus principales exponentes como Cézanne, Gauguin y Van Gogh. Cézanne descompuso la realidad en formas geométricas y sentó las bases del cubismo. Gauguin utilizó colores vibrantes y formas planas que anticiparon el fauvismo. Van Gogh empleó colores puros y contrastados en pinceladas gruesas, siendo precursor del expresionismo.
Este documento describe varios movimientos de vanguardia históricos del siglo XX como el fauvismo, cubismo, expresionismo y surrealismo. Se detalla el contexto histórico en el que surgieron y se analizan las características de cada movimiento, incluyendo ejemplos de obras de artistas como Matisse, Picasso y Juan Gris. El documento también explica el origen de las vanguardias y cómo cada movimiento reflejaba una nueva actitud hacia la vida y el arte.
Este documento resume la historia de las imágenes desde las pinturas rupestres hasta la fotografía y el cine digital. Comienza con las pinturas prehistóricas y continúa describiendo el desarrollo de técnicas como la xilografía, la litografía, la fotografía y el cine. Explica cómo la imprenta, la fotografía y el cine hicieron que las imágenes estuvieran disponibles para más personas.
Este documento resume los antecedentes y diferentes formas de la poesía visual, incluyendo el Dadá, el collage, los caligramas, el uso de objetos y la fotografía. Explica artistas clave como Décio Pignatari, Joan Brossa, Jiří Holař, Eugen Gomringer y otros, y provee ejemplos de sus obras. También define conceptos como tipografía y analiza la evolución de la poesía visual a través del siglo XX.
El documento resume la historia y operaciones del Banco de Crédito del Perú (BCP). Comenzó operaciones en 1889 como el Banco Italiano y cambió su nombre en 1942 a BCP. Actualmente es el banco líder en Perú con más de 346 agencias y 1,526 cajeros automáticos. El BCP busca promover el éxito de sus clientes a través de soluciones financieras y apoyar el desarrollo sostenible del país.
El movimiento del Pop Art surgió en los años 1950 y 1960, tomando imágenes de la cultura popular como anuncios publicitarios y objetos cotidianos. Artistas estadounidenses como Andy Warhol y Roy Lichtenstein pintaron iconos populares como sopas Campbell y viñetas de cómics usando técnicas como serigrafía e imágenes repetidas. El Pop Art criticaba la cultura de masas y el consumismo a través de un estilo visual directo e irónico.
La iconografía precolombina peruana se refiere a las imágenes y símbolos utilizados en las culturas antiguas del Perú. La cultura Chavín, que se desarrolló entre 900 a.C. y 200 a.C., se caracterizó por figuras antropomórficas felinas y representaciones de animales selváticos en su cerámica. La cultura Paracas, que dominó el desierto, creó cerámica pictórica con diseños elaborados de figuras humanas, actividades cotidianas, rituales y elementos geomé
El documento describe las características y capacidades del monitor Quato IntelliProof 242 Excellence. Ofrece calibración automática de hardware, una amplia gama de colores que cubre casi el espacio Adobe RGB, y viene con software de calibración y perfilado que permite comparar espacios de color.
El Neoplasticismo fue una corriente artística promulgada por Piet Mondrian en 1917 que proponía despojar el arte de todo elemento accesorio para llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo basado en líneas rectas y pocos colores básicos. Artistas como Mondrian, Van Doesburg, Rietveld y Vantongerloo aplicaron estos principios a la pintura, arquitectura y escultura creando obras geométricas y equilibradas.
El Art Deco fue un movimiento de diseño popular entre 1920 y 1939 que influyó en las artes decorativas y visuales. Surge de la Exposición Internacional de París de 1925 y se caracteriza por la geometría, líneas rectas y formas abstractas inspiradas en la naturaleza. El estilo tuvo expresión en la arquitectura de edificios en ciudades como Miami, Los Ángeles, Nueva Zelanda y varios países de Asia y Latinoamérica.
El constructivismo surgió en Rusia en 1914 como un movimiento artístico y arquitectónico influenciado inicialmente por el cubismo. Vladimir Tatlin fue una figura clave que propuso obras escultóricas dinámicas con formas geométricas tras conocer a Picasso en París. Tras la Revolución de 1917, el constructivismo se consolidó con el apoyo del gobierno bolchevique y escuelas como VKhUTEMAS, centrándose en crear arte funcional para la construcción y diseño industrial. La propuesta de Tatlin para el
El crecimiento urbano de las ciudades latinoamericanas ha sido muy rápido en las últimas décadas, debido a factores como el crecimiento demográfico, la migración del campo a la ciudad, y el desarrollo económico. Este crecimiento ha llevado a la expansión de las ciudades hacia las áreas periféricas, creando problemas como la falta de infraestructura adecuada, la congestión del tráfico, la contaminación ambiental, y la segregación social.
En muchas ciudades latinoamericanas, el crecimiento urbano ha sido desorganizado y ha resultado en la formación de asentamientos informales o barrios marginales, donde las condiciones de vida son precarias y la población carece de servicios básicos como agua potable, electricidad y transporte público.
Además, el crecimiento urbano descontrolado ha llevado a la destrucción de áreas verdes, la deforestación y la pérdida de biodiversidad, lo que tiene un impacto negativo en el medio ambiente y en la calidad de vida de los habitantes de las ciudades.
Para hacer frente a estos desafíos, las ciudades latinoamericanas están implementando políticas de planificación urbana sostenible, promoviendo la densificación urbana, la revitalización de áreas degradadas, la preservación de espacios verdes y la mejora de la infraestructura y los servicios públicos. También se están llevando a cabo programas de vivienda social y de regularización de asentamientos informales, con el objetivo de mejorar la calidad de vida de los habitantes de estas áreas.
Catalogo Coleccion Atelier Bathco Distribuidor Oficial Amado Salvador ValenciaAMADO SALVADOR
Explora el catálogo general de la colección Atelier de Bathco, disponible en Amado Salvador, ofrece una exquisita selección de lavabos y sanitarios de alta gama con un enfoque artesanal y exclusivo. Como distribuidor oficial Bathco, Amado Salvador presenta productos Bathco que encarnan la excelencia en calidad y diseño. Este catálogo destaca la colección Atelier, la más exclusiva de Bathco, que combina la artesanía tradicional con la innovación contemporánea.
La colección Atelier de Bathco se distingue por su atención meticulosa a los detalles y la utilización de materiales de primera calidad. Los lavabos y sanitarios de esta colección son verdaderas obras de arte, diseñados para elevar el lujo y la sofisticación en cualquier baño. Cada pieza de la colección Atelier refleja el compromiso de Bathco con la excelencia y la elegancia.
Amado Salvador, distribuidor oficial Bathco en Valencia. Explora este catálogo y sumérgete en el mundo de la colección Atelier de Bathco, donde la artesanía y la elegancia se unen para crear espacios de baño verdaderamente excepcionales.
Del caos surge mi perfección.
Soy valen! Siempre en una búsqueda constante en el equilibrio de ambas, donde encuentro mi verdadera yo, apreciando la belleza de la imperfección mientras acepto los desafíos y errores, y desafiando mi caos para alcanzar mi perfección.
Soy una mente inquieta, siempre buscando nuevas
inspiraciones en cada rincón.Encuentro en las calles y en los detalles cotidianos los colores vibrantes y las formas audaces que alimentan mi creatividad y a través de ellos tejo collages en mi imaginación, donde mi energía juega un papel fundamental en cada textura, cada forma, cada color mostrando mi esencia capturada.
Soy una persona que ama desafiar las convenciones establecidas, por eso tomo la moda y el arte como
referentes hacia mi inspiración, permitiéndome expresarme con libertad mi identidad de una manera única.
Soy la búsqueda de la estética, que es mi guía en cada viaje creativo, así creando una imagen única que genere armonía y impacto visual.Sin embargo, no podría lograr esta
singularidad sin el uso de la ironía como aliada en mi búsqueda de la originalidad.
Soy una diseñadora con un proceso creativo
llamado: rompecabezas donde al principio se encuentran miles de piezas desordenadas sobre la mesa para que luego cada pieza encaje perfectamente para crear una imagen
El crecimiento urbano de las ciudades latinoamericanas ha sido muy rápido en las últimas décadas, debido a factores como el crecimiento demográfico, la migración del campo a la ciudad, y el desarrollo económico. Este crecimiento ha llevado a la expansión de las ciudades hacia las áreas periféricas, creando problemas como la falta de infraestructura adecuada, la congestión del tráfico, la contaminación ambiental, y la segregación social.
En muchas ciudades latinoamericanas, el crecimiento urbano ha sido desorganizado y ha resultado en la formación de asentamientos informales o barrios marginales, donde las condiciones de vida son precarias y la población carece de servicios básicos como agua potable, electricidad y transporte público.
Además, el crecimiento urbano descontrolado ha llevado a la destrucción de áreas verdes, la deforestación y la pérdida de biodiversidad, lo que tiene un impacto negativo en el medio ambiente y en la calidad de vida de los habitantes de las ciudades.
Para hacer frente a estos desafíos, las ciudades latinoamericanas están implementando políticas de planificación urbana sostenible, promoviendo la densificación urbana, la revitalización de áreas degradadas, la preservación de espacios verdes y la mejora de la infraestructura y los servicios públicos. También se están llevando a cabo programas de vivienda social y de regularización de asentamientos informales, con el objetivo de mejorar la calidad de vida de los habitantes de estas áreas.
Catalogo General Durstone Distribuidor Oficial Amado Salvador ValenciaAMADO SALVADOR
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2. HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
El informalismo es un
movimiento artístico que
aparece en Europa a
finales de los años
cuarenta en el que se
utiliza un lenguaje
abstracto, donde los
materiales desempeñan
un papel decisivo.
2
Mesalina, 1959, Antonio Saura
3. Qué es…
• El informalismo es un movimiento artístico que abarca todas
las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en
Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra
Mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto
estadounidense. Dentro de él se distinguen diferentes
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
corrientes, como la abstracción lírica, la pintura matérica
(Antoni Tàpies), la Nueva escuela de París, el tachismo, el
espacialismo o el art brut. El crítico de arte francés Michel
Tapié acuñó el término art autre (arte otro) en el libro
homónimo, de 1952, sobre el arte abstracto no geométrico.
3
4. • El informalismo , es un movimiento introspectivo, subjetivo,
personal. Pero, al mismo tiempo, los artistas toman una
nueva idea de la figura del hombre, recuperan la figura,
planteando una nueva imagen del hombre.
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
(Esta "Figura tumbada", pintada
por Bacon, nos muestra el
cuerpo femenino es una masa
informe de carne mal distribuida
y de aspecto repugnante. Yace
en postura estirada sobre un
diván siendo la antítesis de la
sensualidad.)
4
5. • Al artista informalista le interesa es explorar la expresividad
de la materia.
• Esta forma de hacer arte, en donde la forma casi
desaparece, es lo que Tapié llamó arte informal o
informalismo. En 1952 apareció el primer manifiesto-álbum
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
que expresaba algunos principios del movimiento.
5
6. • En España, el informalismo entró de la mano de Juan Eduardo
Cirlot, hacia mediados de la década del 50. El informalismo
tomó dos vertientes:
• Madrid (España): representada por artistas como Manuel
Mampaso, Fernando Zóbel, Gustavo Torner, Gerardo
Rueda, César Manrique, Salvador Victoria, Alberto
Greco, Lucio Muñoz, Antonio Saura y Manuel Millares. Se
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
preocupaban por el informalismo expresionista.
• Cataluña (Barcelona): representaba por artistas de la talla
de Antoni Tàpies, Albert Ráfols Casamada, Joan Hernández
Pijuan, Josep Guinovart y Manuel Hernández Mompó. Este
informalismo se llamó matérico por la importancia en la
mancha, las texturas, los relieves y las nuevas materias
introducidas a la obra.
6
7. Corrientes del informalismo:
• Informalismo gestual. Se centra más en la manera de pintar.
• Informalismo matérico. Texturas, agujeros y otras hierbas.
Ausencia de forma o perspectiva.
• Art Brut. Algunos lo consideran un movimiento aparte. No hay
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
apreciación de lo bonito, ya que se rechaza lo bello, el trazo es
a lo rústico, tosco , se mezclan materiales con la pintura y a
menudo se recurre al mundo interior del artista, las paranoias
mentales, la locura…
• Espacialismo. Agujeros y espacios abiertos en la tela
mayormente. Lo que se pretende es “conectar” la tela y el
espacio real. Que se mezclan mediante orificios abiertos.
7
8. Características comunes
• Rechazo de la abstracción pictórica. Es un tipo de abstracción
amorfa, no se ve muchos cuadrados ni triángulos en las obras
informalista, ni tampoco una voluntad de estructurar los elementos.
Hacían sus bocetillos, pero no pensaban en: “haré esta marca aquí y un
brochazo allá para equilibrar la composición…”, “haré esta maraca aquí y
un brochazo allá porque se me ve mejor”, era improvisado, al azar.
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
• Introducción del azar. El artista iba haciendo su obra y si la cargaba o
saturaba, o ocurría algo inesperado pues daba igual. Improvisaba e
intuía mientras iba creando.
• Búsqueda de lo gestual y lo matérico. Esto quiere decir que de alguna
manera buscaban la autenticidad de la pintura, del puro acto de
pintar, el gesto del artista, la caligrafía, las formas, la mancha y las
texturas, texturas que se conseguían si hacía falta adhiriendo un trozo
de trapo guarro y chorreante a la tela, o mediante la introducción de
otras técnicas: frottage (frotar superficies rugosas contra el
lienzo), collage, grattage (rascar con algún elemento la pintura 8
seca), chorretones, goteos, agujeros o cortes y lo que haga falta.
9. Principales representantes
• Tápies
• Alberto Burri
• Jean Dubuffet
• Hartung
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
• Lucio Fontana
• Antonio Saura
• Francis Bacon
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10. ANTONI TAPIES
(Barcelona, 13 de diciembre de 1923)
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
• Antoni Tàpies i Puig es un pintor, escultor y teórico del arte
español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del
informalismo, está considerado como uno de los más
destacados artistas españoles del siglo XX. La obra del artista
catalán goza de un centro de estudio y conservación en la
Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.
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11. • De formación autodidacta,
Tàpies ha creado un estilo
propio dentro del arte de
vanguardia del siglo XX, en
el que se combinan la
tradición y la innovación
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
dentro de un estilo
abstracto pero lleno de
simbolismo, dando gran
relevancia al sustrato
material de la obra
Claro-oscuro, Antoni Tapies
11
12. Técnica:
• En su obra más característica
dentro del informalismo
matérico, Tàpies emplea
técnicas que mezclan los
pigmentos tradicionales del
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
arte con materiales como
arena, ropa, paja, etc., con
predominio del collage y el
assemblage, y una textura
cercana al bajorrelieve.
Rectángulo negro y collage, A. Tapies
12
13. Técnica:
• Tàpies define su técnica como
“mixta”: pinta sobre tela, en
formatos medios, en posición
horizontal, disponiendo una
capa homogénea de pintura
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
monocromática, sobre la que
aplica la “mixtura”, mezcla de
polvo de mármol
triturado, aglutinante, pigmen
to y óleo, aplicado con
espátula o con sus propias Mirada y ma, A. Tapies
manos.
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14. HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
Assemblatge amb Blanc sobre
A sobre vermell,1976
grafitti, 1972 cartró, 1979
14
Sense títol, 1973 Lletra A, 1976
15. HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
Llibertat 1988 15
A la memòria de Puig Antic, 1974
16. JEAN FAUTRIER
(1898-1964)
Los pioneros de la tendencia informalista
fueron los artistas franceses Jean Dubuffet y
Jean Fautrier.
• A menudo se ha afirmado que el iniciador del
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
Informalismo fue Jean Fautrier (1898-1964), quien a
fines de la década de los veinte ya efectuaba unas
obras que, aunque eran figurativas y se situaban en
una línea que conectaba con el
expresionis¬mo, poseían como característica
peculiar una textura de calidades exalta¬das. Había
iniciado su trayectoria en la época de la primera 16
guerra mundial.
17. • Sus obras tratan de
figuraciones de carácter
biomórfico, constituidas
por formas ovaladas
irregulares que destacan
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
sobre los fondos gracias
al distinto tratamiento
dado a la materia de la
que están hechas.
Cabeza de rehén nº 14 -J.
Fautrier (1946) óleo s/tela
17
18. HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
Mujer dulce
Desnudo-J. Fautrier (1944-45)-
J.Fautrier (1946) blanco de
técnica mixta
España, cola, polvos de color y óleo
s/tela
18
19. • En general, la obra de Fautrier se
distingue por la gran capacidad
del artista para conjugar
elementos que parecerían
inconciliables. En sus obras
sorprende lo abrupto que puede
llegar a ser su lenguaje y, sin
embargo, ello no le resta
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
sutileza. Los tonos empleados
son siempre el resultado de las
más audaces mezclas, al igual
que los empastes, que no sólo
están integrados por pigmentos Mujer en la noche, Jean Fautrier
y óleo, sino por materiales extra
pictóricos que les confieren
densidades inu-suales en el
ámbito de la pintura.
19
20. JEAN DUBUFFET
Pintor y escultor (1901-1985)
• A quien verdaderamente se debe la gran ampliación de los
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
materiales incluidos en el empaste pictórico, es a Jean
Dubuffet.
• Este artista. Que desde muy joven se interesó por el arte y que
ya antes de concluir sus estudios escolares se matriculó en la
Escuela de Bellas Artes, no se dedicó a pintar exclusivamente
hasta bastante tarde, a partir dé 1942.
20
21. • Dubuffet dejó una
importante serie de
escritos en los que explica
claramente sus ideas en
torno a las cuestiones
artísticas. Acuñó el
concepto de Art Brut. con
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
el que designaba un tipo
de manifestaciones que
se caracterizaban por no
estar realizadas sólo por
artistas, sino por
personas de distintas
procedencias, desde La voluntad del poder
amateurs hasta niños o J. Dubuffet (1950) tecnica mixtas/tela
enfermos mentales. La figuración casi infantil es una 21
característica del art brut.
23. Esculturas
HISTORIA DEL DISEÑO
23
Oscar Cántaro
24. Carteles
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
24
Simulacres 20 "Psycho-sites"
25. HANS HARTUNG
(Leipzig, 21 de septiembre de 1904 –
Antibes, 8 de diciembre de 1989)
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
• Fue un pintor franco-alemán, conocido por su
estilo abstracto gestual.
• Se instaló en París en 1935 y cuyos comienzos
estuvieron marcados por la influencia de la obra
abstracta de Kandinsky, se inició en la tendencia
gestual informalista hacia 1946. Su obra se
caracteriza por un sentido de gran simplicidad
que conecta con la estética oriental. 25
26. • Sus composiciones
presentan dos zonas
principales: la del
fondo, que se halla
resuelta
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
monocromáticament
e y que suele ser lisa.
y la de los gestos
H. Hartung (1949) óleo s/isorel
propios de las
pinceladas.
26
27. HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
Hans HARTUNG T-1954-20 Composicion 1, Hans Hartung. 27
29. ALBERTO BURRI
Nació en Città di Castello, dentro de la
provincia de Perugia (Umbría), en 1915.
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
• Casi desde el principio se inclinó hacía lo abtracto realizando
“catrame” obras trabajadas con alquitrán y oleos sobre
lienzo, y una pintura “materica abstracta” cercana al
informalismo, en especial, el español de los años 50.
• “Su obra se relaciona con el tachismo europeo, el
expresionismo abstracto estadounidense, y la abstracción
lírica. Cultiva una ‘estética del desperdicio’, con el uso de
materiales poco convencionales próxima al Art brut de Jean
Dubuffet y el nuevo realismo
29
30. • Realiza collages y “ensamblajes” con
diversos materiales:
pumita, alquitrán o arpillera.
• Sus primeras pinturas sobres
sacos, son de 1952 y
experimentando con madera, metal
y plástico; hizo cuadros con madera
HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
carbonizada y arpillera como la
primera serie de Cuadros
negros, más tarde, probaría con
chapas de hierro soldadas. Hizo
también lienzos con arpillera rota y
papel quemado (serie de grandes Plástico rosa, Alberto Burri
Telas de saco, 1952-1956)
30
31. HISTORIA DEL DISEÑO
Oscar Cántaro
Blanco, Alberto Burri Sin título, Alberto Burri 31