El documento resume las características del Romanticismo como movimiento artístico surgido a finales del siglo XVIII en reacción al racionalismo de la Ilustración. En pintura, destaca la obra de Caspar David Friedrich en Alemania, William Turner en Inglaterra, y Delacroix y Géricault en Francia, conocidos por sus paisajes y escenas históricas que exaltan la naturaleza y las emociones. El Romanticismo influyó notablemente en la literatura, música y otras artes durante el siglo XIX.

1. Fundamentos de Arte II
UD: 1.
EL
ROMANTICISMO
Goya Capricho n.º 43, «El sueño de la razón produce monstruos».

2. Contenidos:
• Características del Romanticismo y su relación con el arte.
• Características de la pintura romántica y sus principales representantes:
Friedrich, Turner, Gericault y Delacroix.
• Francisco de Goya.
• La música romántica:
• Beethoven
• La ópera: Verdi y Wagner.
• Indumentaria, mobiliario y decoración: estilos Regency y Napoleón III

3. CARACTERÍSTICAS DEL
ROMANTICISMO Y SU RELACIÓN
CON EL ARTE

4. ORIGEN DEL TÉRMINO
ROMANTICISMO
Para algunos autores,
Romanticismo
proviene del francés
roman (‘novela’).
De este modo, el
término aludiría a la
ficción, a lo novelesco,
frente al predominio
de la razón de la
Ilustración
El caminante sobre el mar de nubes (1818),
Caspar David Friedrich.

5. El Romanticismo es un movimiento cultural originado en
Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como
reacción revolucionaria contra el racionalismo de la
Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo prioridad a los
sentimientos.
Su característica fundamental es la ruptura con la tradición
clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La
libertad es su búsqueda constante.
Se desarrolló en la primera mitad del siglo XIX y tuvo
fundamentales aportes en los campos de la literatura, la
pintura y la música. Posteriormente, una de las corrientes
vanguardistas del siglo xx, el surrealismo, llevó al extremo los
postulados románticos de la exaltación del yo.

6. El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y
crítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía, ante todo:
- La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la
universalidad de la razón dieciochesca, dotada de
capacidades variables e individuales como la fantasía y el
sentimiento.
- La primacía del Genio creador de un Universo propio, el
poeta como creador (demiurgo).
- Valoración de lo diferente frente a lo común, lo que lleva
una fuerte tendencia nacionalista.
- El liberalismo frente al despotismo ilustrado.

7. Saturno devorando a un hijo, una de las
Pinturas negras de Goya, realizada durante el
Trienio Liberal (1820-1823), y que, bajo una
capa mitológica, alude a la famosa frase de
Vergniaud poco antes de ser guillotinado: «La
Revolución devora a sus propios hijos».
- La originalidad frente a la tradición
clasicista y la adecuación a los
cánones. Cada hombre debe mostrar
lo que le hace único.
- La creatividad frente a la imitación
de lo antiguo hacia los dioses de
Atenas.
- La nostalgia de paraísos perdidos (de
la infancia o de una nación).
- La obra imperfecta, inacabada y
abierta, frente a la obra perfecta,
concluida y cerrada.

8. • La edad media como inspiración.
• Un aspecto del influjo del nuevo espíritu romántico y su
cultivo de lo diferencial es el auge que tomaron el estudio de
la literatura popular y de las literaturas en lenguas
regionales durante este periodo.
• El auge del nacionalismo fue una reacción a la cultura
francesa del siglo XVIII, de espíritu clásico y universalista,
difundida por toda Europa por Napoleón.

9. • La originalidad frente
a la tradición
clasicista y la
adecuación a los
cánones. Cada
hombre debe mostrar
lo que le hace único,
los románticos
valoraban lo
novedoso, lo
diferente. Fueron los
primeros en defender
la originalidad en el
Arte.
El círculo de la lujuria, cuadro del artista
británico William Blake

10. - La creatividad frente a la
imitación de lo antiguo.
El romántico lucha contra lo
establecido.
Sus modelos son los
personajes marginales,
como los mendigos, los
piratas, los reos…
En España se utilizará
también la figura del
bandolero
Bandolero andaluz en una
litografía de 1836.

11. La nostalgia de paraísos perdidos de la infancia o de
una nación.
Al rechazar la sociedad de su época, los románticos
ponían sus ojos en épocas pasadas.
Admiraban especialmente la Edad Media e idealizaban
a personajes como los caballeros, las damas, reyes,
nobles…

12. El testamento de Isabel la Católica (1864), Eduardo Rosales. Museo del Prado

13. - La obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la
obra perfecta, concluida y cerrada…
- La edad media como inspiración. Un aspecto del
influjo del nuevo espíritu romántico y su cultivo de
lo diferencial es el auge que toman el estudio de la
literatura popular y de las literaturas en lenguas
regionales durante este periodo.

14. God Speed! Leighton (1900)

15. Los románticos sentían fascinación por lugares
exóticos, en especial el mundo árabe.
Para los viajeros románticos, Andalucía era una
tierra de enorme atractivo por su pasado
musulmán.
Expresan sus emociones exaltadas a través de
una naturaleza salvaje… y aparecen con
frecuencia imágenes de cementerios, ruinas,
fantasmas…

17. Suicidio,
Leonardo Alenza y Nieto
Museo Romántico.
Madrid.

18. El auge del nacionalismo fue una reacción a la
cultura francesa del siglo XVIII, de espíritu clásico y
universalista, difundida por toda Europa mediante
Napoleón.
El Romanticismo se interesa por lo que considera
manifestaciones genuinas del alma de los pueblos.
Por ello, recoge formas populares de la literatura y
recopila leyendas y tradiciones de cada región.
También se toman usos y costumbres sociales (el
folklore) como tema artístico.

19. Bonaparte visitando a los apestados de Jaffa, (1804) Antoine-Jean Gros, Museo del Louvre. París

20. Baile en una venta (1850) Rafael Benjumea. Colección Carmen Thyssen, Málaga.

21. El romanticismo es una corriente artística surgida a finales del siglo
XVIII, que cobra especial fuerza durante la tercera década del siglo
XIX. Se nutre de los ideales nacionalistas e independentistas que
influyeron en artistas, escritores y músicos exaltación del orgullo del
pueblo, lucha por la libertad, escenas de misterio, paisajes.
En pintura y escultura se recupera la técnica del barroco, gusto por
el color, grandes composiciones, dinamismo con pintores como
Delacroix y Gericault.
USO ACTUAL. Según el diccionario de la RAE, en su tercera
acepción: “Sentimental, generoso y soñador”.
Algo romántico hoy en día es algo amoroso y tierno, con matices de
calidez; o algo negativo y despectivo, demasiado sentimental. Se
suele aludir al género romántico en literatura y cine para hablar de
argumentos en torno a las relaciones amorosas…

22. Misa solemne en una
iglesia andaluza
(1840) Joaquín M.
Fernández Cruzado,
Museo de Bellas
Artes, Bilbao.

23. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA
ROMÁNTICA Y SUS PRINCIPALES
REPRESENTANTES:
FRIEDRICH, TURNER, GERICAULT Y
DELACROIX.

24. ALEMANIA
Alemania sufre la influencia del movimiento literario
«Sturm und Drang» (Tormenta e ímpetu), que
defiende la sensibilidad individual sobre las ideas del
Siglo de las luces.
Los pintores alemanes importantes de esta época son
Caspar David Friedrich.
Un grupo de artistas va igualmente a desarrollarse,
con el nombre de los nazarenos.

25. Caspar David Friedrich
(1774 – 1840) rompe
con el sereno
neoclasicismo del S.
XVIII en el que el
hombre era la medida
de todas las
cosas. Friedrich
presenta al ser humano
empequeñecido ante la
inmensidad de la
naturaleza: las figuras
se pierden en el paisaje.

26. Arco iris en un paisaje de montañas, (1810) Caspar David Friedrich.

27. Y el paisaje, a su vez, se torna un símbolo de
la creación divina en la cual el hombre no
tiene más que un papel de espectador. Por
eso suele pintar a sus personajes de espaldas,
en actitud contemplativa.

29. Los nazarenos rechazaban el neoclasicismo, el
esteticismo y el realismo pictórico, el virtuosismo
superficial del arte contemporáneo. Esta era su
principal motivación. Confiaban en recuperar un arte
que encarnara valores espirituales.
Buscaron la inspiración en artistas de la Baja Edad
Media y principios del Renacimiento: ante todo,
Durero, pero también Fra Angélico, El Perugino y
Rafael. También se aprecia en ellos cierta influencia
del barroco clasicista. El estilo resultante es un frío
eclecticismo. Este “eclecticismo pictórico” viene a ser
semejante al “historicismo” de la arquitectura de la
época.

30. Iglesia gótica, (1815). Karl Friedrich Schinkel

31. INGLATERRA
El apogeo romántico 1820-1850:
La pintura romántica de este período en Inglaterra
se caracteriza por su descubrimiento de la
naturaleza, con sus paisajes, la luz y los colores. Se
refleja un paisaje que progresivamente está
viéndose afectado por la Revolución industrial. El
pintot inglés más representativo será Joseph
Mallord William Turner.

32. Joseph Mallord William Turner (1775-1851) dotó a sus
obras de una dimensión onírica, recurriendo a
composiciones en espiral y elaborados empastes,
prevaleciendo de manera absoluta el color sobre el
dibujo. Obra característica es El barco de esclavos donde
traficantes de esclavos arrojan a los muertos y a los
agonizantes por la borda cuando el tifón se aproxima; así
como su obra más conocida, Lluvia, vapor y velocidad, de
1844…

33. El barco de los esclavos, (1840 ) William Turner

34. Lluvia, vapor y velocidad, (1844). William Turner.

35. FRANCIA
Aunque Alemania e Inglaterra ocuparon el primer
plano de la escena internacional de la época en
materia de romanticismo, no fueron los únicos que
desarrollaron este arte de sentimientos
turbulentos. Francia no quedó al margen…
Los pintores románticos franceses más representativos
serán Delacroix y Géricault.

36. Eugène Delacroix (1798-1863) fue un pintor
apasionado que adoptó un estilo resuelto y
vigoroso. Trató con libertad el color, la pasta y la
textura superficial del lienzo. Son obras
típicamente románticas La muerte de
Sardanápalo (1827) y La Libertad guiando al
pueblo (1831), ambas en el Museo del Louvre.

37. La muerte de Sardanápalo, (1827). Delacroix

38. La muerte de Sardanápalo (1827) fue expuesto en el Salón
de París. Es un cuadro en el que hace gala de una de sus más
espléndidas combinaciones del color. Con un trazado lleno de
vigor, tras un esbozo al temple hizo una serie de estudios
parciales al pastel y, después, al natural. La pintura es un
buen ejemplo de lo que era importante para los románticos
franceses: el superhombre desbocado en calidad de héroe, la
combinación de erotismo y muerte, el decorado oriental, los
grandes movimientos en lugar de una composición
equilibrada y apacible, y el predominio del color sobre la
línea. Delacroix la llamaría, "la Proeza asiática“…

39. La libertad guiando al pueblo, (1830). Delacroix

40. La libertad guiando al pueblo (1830) trata sobre la
insurrección burguesa, Delacroix estuvo del lado de los
revolucionarios, y se representó en el cuadro como el
hombre que lleva el sombrero de copa negro y que se
encuentra entre los combatientes y en primera fila.
Presenta una estructura en posición de pirámide con los
muertos por la Libertad en la base y ésta en la cima
sosteniendo en la mano derecha la bandera tricolor y en la
extremidad opuesta un fusil.

42. Para aumentar la tensión y el movimiento añadió
contrastes complementarios junto a la oposición de
los claroscuros. El color para Delacroix no solo tenía
un valor de representación, sino significado
emocional propio, con el que intentaba plasmar
sobre el lienzo el sentimiento y la disposición de
ánimo de las personas. De fondo se ve el cielo de
París tormentoso (otra característica romántica). Se
utilizan colores pálidos con pinceladas sueltas
destacando el azul, el rojo y el blanco de la bandera.

43. Théodore Géricault tiene un estilo recargado, de
empaste grueso, muy influido por la obra de Rubens.
Su obra más conocida es La balsa de la Medusa, que
pintó con sólo 28 años. Trata una tragedia
contemporánea del autor con un estilo en el que
destaca el claroscuro, la composición en diagonal y el
realismo con el que pintó a los muertos y agonizantes
de la balsa.

44. La Balsa de la Medusa (1819) Géricault

45. De formato grande (491 cm × 716 cm) que representa
una escena del naufragio de la fragata de la marina
francesa Méduse, encallada frente a la costa de
Mauritania el 2 de julio de 1816. Cuando 147 personas
quedaron a la deriva en una balsa construida
apresuradamente, y todas ellas, salvo 15, murieron
durante los 13 días que se tardó en rescatarlos. Los
supervivientes debieron soportar el hambre, la
deshidratación, el canibalismo y la locura.

47. El sentido ascendente de la línea marca la
sucesión de sentimientos experimentados por los
náufragos, desde la desesperación a la esperanza.
También la luz refuerza esta idea de final de la
odisea con las nubes más negras a la izquierda, y
el cielo más luminoso en la lejanía y recortándose
entre las cabezas de los marinos más destacados.
Finalmente, se corresponde con la mirada clásica
del espectador occidental, que "lee" la pintura de
izquierda a derecha.

48. FRANCISCO DE GOYA.

49. Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) fue un
pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura
de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas
estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el
Romanticismo.
El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la
pintura contemporánea y se considera precursor de
las vanguardias pictóricas del siglo XX.

50. Retrato del pintor
Francisco de Goya
(1826), Vicente López.
Museo del Prado.

51. Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito
estilístico del barroco tardío y las estampas devotas, viaja
a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente
neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a
mediados de esa década, junto con un pintoresquismo
costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como
pintor de cartones para los tapices de la manufactura real
de Santa Bárbara. El magisterio en esta actividad y en
otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía
Mengs, mientras que el pintor español más reputado era
Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya

52. El quitasol, (1777). Goya. Museo del Prado.

53. El cacharrero,
(1779). Goya.
Museo del Prado.

54. Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a
acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa
temáticas menos amables que los modelos que había pintado
para la decoración de los palacios reales. Una serie de
cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de
capricho e invención, inician la fase madura de la obra del
artista y la transición hacia la estética romántica.
Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que
vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la
que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi
un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y
componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas
son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

55. Los desastres de la guerra es una serie de 82 grabados de Francisco de Goya,
realizada entre los años 1810 y 1815.

56. Gran popularidad tiene su Maja desnuda, en parte
favorecida por la polémica generada en torno a la
identidad de la bella retratada. De comienzos del siglo
XIX datan también otros retratos que emprenden el
camino hacia el nuevo arte burgués.
Al final del conflicto hispano-francés pinta dos
grandes cuadros a propósito de los sucesos del
levantamiento del dos de mayo de 1808, que sientan
un precedente tanto estético como temático para el
cuadro de historia, que no solo comenta sucesos
próximos a la realidad que vive el artista, sino que
alcanza un mensaje universal.

57. El dos de mayo de 1808, (1814). Goya. Museo del Prado.

58. Fusilamiento de el tres de mayo de 1808 (1814). Goya. Museo del Prado.

59. La Ermita de San Antonio de la Florida de Madrid, alberga frescos de Goya de 1798.

60. Pero su obra culminante es la serie de
pinturas al óleo sobre el muro seco con que
decoró su casa de campo (la Quinta del
Sordo), las Pinturas negras.
En ellas Goya anticipa la pintura
contemporánea y los variados movimientos
de vanguardia que marcarían el siglo XX.

61. La pintura romántica francesa y la
obra de Goya.
Semejanzas y posibles influencias

62. Similitudes: composiciones monocromas en que
destacan zonas de mas intensidad blancos, rojos,
cielos negros, cuerpos desnudos amputados por el
encuadre y la batallas, acumulación de figuras,
pincelada suelta, escenas con movimiento de figuras y
de composición, grandes tamaños importancia de las
diagonales, rostros deformados por la expresión de
horrror
Antecedentes: Los horrores de la guerra de Rubens

66. Las pinturas negras de Goya y la
pintura expresionista del siglo xx.

67. Pinturas negras (1819-1823) es el nombre que recibe
una serie de catorce obras murales de Francisco de
Goya, pintadas con la técnica de óleo al seco (sobre
paredes recubiertas de yeso). Las creó como
decoración de los muros de su casa, llamada la Quinta
del Sordo, que había adquirido en febrero de 1819.

68. Reconstrucción ubicación original de las Pinturas negras en la Quinta del Sordo

69. La serie, a cuyos óleos Goya no puso título, fue
catalogada en 1828 por su amigo Antonio de Brugada
y se compone de los siguientes lienzos: Átropos o Las
Parcas, Dos viejos o Un viejo y un fraile, Dos viejos
comiendo sopa, Duelo a garrotazos o La riña, El
aquelarre, Hombres leyendo, Judith y Holofernes, La
romería de San Isidro, Dos mujeres y un hombre,
Peregrinación a la fuente de San Isidro o Procesión
del Santo Oficio, Perro semihundido o más
simplemente El perro, Saturno devorando a un hijo,
Una manola: doña Leocadia Zorrilla y Visión
fantástica o Asmodea.

70. Átropos (1823). Goya. Museo del Prado

71. Dos viejos comiendo sopa (1823). Goya. Museo del Prado

72. La casa de Goya, junto con las pinturas murales, pasaron a
ser propiedad de su nieto Mariano Goya en 1823, al parecer
para preservar la propiedad de posibles represalias tras la
restauración de la monarquía absoluta y la represión de
liberales fernandina. Durante 50 años la existencia de las
Pinturas negras fue escasamente conocida. A partir de
1874, y en un lento proceso que duró varios años, fueron
trasladadas de revoco a lienzo por Salvador Martínez
Cubells a instancias del barón Émile d’Erlanger, un banquero
francés, de origen alemán, que tenía intención de
presentarlas en la Exposición Universal de París de 1878.
Después, él mismo las donó, en 1881, al Museo del Prado,
donde actualmente se exponen.

73. Exposición Universal de París (1878). A la izquierda vemos la pintura El aquelarre
que en 1875 se arrancó de los muros de la casa de la Quinta del Sordo.

74. La única unidad entre estos óleos es su estilo. La
composición es muy novedosa. Las figuras suelen
aparecer descentradas, tal desequilibrio es una
muestra de la mayor modernidad compositiva.

75. Duelo a garrotazos, (1823). Goya. Museo del Prado

76. Muchas de las Pinturas negras son nocturnas, con el
negro como fondo en relación con esta muerte de la
luz. Todo ello genera una sensación de pesimismo, de
visión tremenda, de enigma y espacio irreal.
Las facciones de los personajes presentan actitudes
reflexivas o extáticas. A este segundo estado
responden las figuras con los ojos muy abiertos, con
la pupila rodeada de blanco, y las fauces abiertas en
rostros caricaturizados, animales, grotescos.

77. La romería de San Isidro (1823 ). Goya. Museo del Prado

78. El Aquelarre (1823 ). Goya. Museo del Prado

80. Se muestra lo feo, lo terrible; ya no es la belleza el
objeto del arte, sino el pathos y una cierta
consciencia de mostrar todos los aspectos de la
vida humana sin descartar los más desagradables.
No en vano Bozal habla de una capilla sixtina laica
donde la salvación y la belleza han sido sustituidas
por la lucidez y la conciencia de la soledad, la vejez
y la muerte.

81. Saturno devorando a su hijo,
(1823). Goya.
Museo del Prado

82. En las Pinturas negras, la gama cromática se reduce a ocres,
dorados, tierras, grises y negros; con solo algún blanco
restallante en ropas para dar contraste y azul en los cielos y en
algunas pinceladas sueltas de paisaje, donde concurre
también algún verde, siempre con escasa presencia.
Todos estos rasgos son un exponente de las características que
el siglo XX ha considerado como precursoras del
expresionismo pictórico. Y ello porque la obra de Goya tiene
sentido sobre todo en la apreciación que han hecho sus
críticos hasta la actualidad y en la influencia que la misma ha
tenido en la pintura moderna. Puede decirse que en esta serie
Goya llegó más lejos que nunca en su concepción
revolucionaria y novedosa del arte pictórico…

83. Una manola: Doña
Leocadia Zorrilla, (1823).
Goya.
Museo del Prado.

84. Peregrinación a la fuente de San Isidro,(1823). Goya. Museo del Prado.

85. Perro sambullido,
(1823). Goya.
Museo del Prado.

86. Características IMPRESIONISTAS y
EXPRESIONISTAS de Goya con obras de
contenido formal similar en otras
épocas y culturas.

87. La lechera de Burdeos
(h. 1827)
Francisco de Goya
Óleo sobre lienzo
74 x 68 cm
Museo del Prado

88. Representa a una mujer, en una postura que parece indicar
que va sentada en un asno o una mula; abajo a la izquierda
aparece un cántaro, sobre cuya panza aparece la firma de
Goya.
Se trata de la representación o recreación de una vendedora
o repartidora de leche (según algunos expertos, siguiendo
una moda de recuperación de la pintura de género italiana
del siglo XVII)
El cuadro, en el conjunto cronológico de la obra de Goya,
destaca por la recuperación del color y la "técnica de
pinceladas breves y yuxtapuestas que emplearía
posteriormente los impresionistas".

89. Camille Pissarro's
Café Au Lait
Art Institute de
Chicago. EE.UU.

90. Emil Nolde Pentecostés, 1909.
Expresionismo alemán:
Similitudes: Esquematismo en las figuras, empastes,
exageración de las emociones, pérdida de la belleza,
proporción
Diferencias: el empleo del color

91. Edvard Munch - Evening on Karl Johan Street.
Expresionismo danés :
Eduard Munch
Similitudes: nocturno
rostros fantasmagóricos
exageración de las
emociones, pérdida de la
belleza, proporción

92. 'Grandes hazañas con muertos', el homenaje a
Goya de los Hermanos Chapman. (1994)
Goya y sus imágenes se
convierten en referentes de
la pintura moderna
Los desastres de la guerra l Francisco de Goya,
realizada entre los años 1810 y 1815.

93. 2003

94. LA MÚSICA ROMÁNTICA:
• BEETHOVEN
• LA ÓPERA: VERDI Y WAGNER.

95. Ludwig van Beethoven
(1702-1827)
Compositor, director de
orquesta y pianista alemán.
Su obra musical abarca desde
el Clasicismo hasta
el Romanticismo.
Es considerado como uno de los
compositores más importantes
de la historia de la música y su
legado ha influido de forma en
la música posterior.
Último gran representante
del clasicismo vienés después
de Haydn y Mozart.

96. Beethoven consiguió hacer trascender la música
del Romanticismo, influyendo en diversidad de obras
musicales del siglo XIX. Su arte se expresó en
numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la
fuente principal de su popularidad internacional, su
impacto resultó ser principalmente significativo en sus
obras para piano y música de cámara.
Su producción incluye los géneros: pianístico (32 sonatas
para piano), de cámara, concertante (conciertos para
piano, violín ...), sacra (2 misas,1 oratorio), lieder, la ópera
Fidelio, un ballet, músicas para obras teatrales, y
especialmente orquestal, en la que ocupan lugar
preponderante sus 9 sinfonías…

98. La palabra ÓPERA proviene de la lengua italiana y
hace referencia a la obra teatral cuyo texto se
canta con acompañamiento de una orquesta. El
término se aplica para nombrar a la obra, al
poema dramático destinado a este tipo de
representación, al género que agrupa estas obras,
a la música típica del género y al teatro
construido para representar óperas.

100. Durante el Romanticismo la ópera experimenta una
gran evolución que lleva a este género a su cumbre
más alta y lo convierte en el espectáculo preferido de
la burguesía. Se construyen teatros por toda Europa y
los cantantes se convierten en verdaderos divos
(dioses) gracias al lucimiento vocal de sus arias. A lo
largo del siglo XIX destacan dos artistas: Verdi en
Italia y Wagner en Alemania

101. Giuseppe Fortunino
Francesco Verdi
(1813- 1901)
compositor romántico italia
no de ópera del siglo XIX, el
más notable e influyente
compositor de ópera
italiana y puente entre el
belcanto
de Rossini, Donizetti y Belli
ni y la corriente del
verismo y Puccini.

102. Fue autor de algunos de los títulos más
populares del repertorio lírico, como los que
componen su trilogía popular o
romántica: Rigoletto, La Traviata e Il
Trovatore y las obras maestras de la madurez
como Aida, Don Carlo, Otello y Falstaff.

104. Wilhelm Richard Wagner
(1813-1883)
compositor, director de
orquesta, poeta, ensayista,
dramaturgo y teórico musical
alemán del Romanticismo.
Destacan principalmente
sus óperas (calificadas como
«dramas musicales» por el
propio compositor) en las
que, a diferencia de otros
compositores, asumió
también el libreto y
la escenografía.

105. En sus inicios, fundamentó su reputación como
compositor en obras como El holandés
errante y Tannhäuser .
Transformó el pensamiento musical con la idea de
la «obra de arte total» la síntesis de todas las artes
poéticas, visuales, musicales y escénicas, que
plasmó en la primera mitad de su monumental
tetralogía El anillo del nibelungo.

107. Sin embargo, sus ideas sobre la relación entre la
música y el teatro cambiaron nuevamente y
reintrodujo algunas formas operísticas
tradicionales en las obras de su última etapa,
como en Los maestros cantores de Núremberg.
Richard Wagner fue pionero en varios avances
del lenguaje musical, lo que influyó en el
desarrollo de la música clásica europea.

108. Su ópera Tristán e Isolda se describe como
punto de inicio de la música académica
contemporánea.
Escribió ampliamente sobre música, teatro y
política, obras que han sido objeto de debate en
las últimas décadas, especialmente algunas de
contenido antisemita y por su supuesta
influencia sobre Hitler y el nazismo

110. INDUMENTARIA, MOBILIARIO Y
DECORACIÓN:
ESTILOS REGENCY Y NAPOLEÓN III

111. El estilo Regencia, llamado Regency (inglés), se desarrolló
durante el reinado de Jorge III y la regencia de su hijo, el
príncipe de Gales (1811-1820). Y fue la garantía
internacional de un cierto buen gusto ante los excesos del
primer Imperio Francés.
El Regency se inspira en el estilo Luis XVI en cuanto a sus
formas delgadas, gráciles y tensas, pero sus características
distintivas son su frágil elegancia y a la vez robustez.
Asimismo hay mucha sobriedad en la ornamentación y un
excepcional trabajo de marquetería y gusto, desarrollados,
entre otros por los prestigiosos Morgan & Sanders.

114. El estilo Napoleón III,
también llamado estilo
Segundo Imperio nació
en Francia durante el
reinado de Napoleón III
y tuvo gran éxito entre
la burguesía entre las
décadas de 1860 y de
1880.

115. El emperador Napoleón III tenía la voluntad de estar
rodeado por una corte suntuosa. Trató de conectar
con la pompa del Primer Imperio e intentó con sus
órdenes impulsar el desarrollo de la industria
francesa. Pero la evolución de las artes decorativas
debe más a la emperatriz Eugenia de Montijo, que se
siente atraída por estilos del pasado, sobre todo por
el estilo Luis XVI. Concede un lugar importante en sus
apartamentos a los muebles de María Antonieta.
Características del estilo Segundo Imperio son la
suntuosidad y la policromía, lo ostentoso y radiante.

116. La Ópera de París es el ejemplo tipo del estilo Segundo Imperio en arquitectura

118. Por otro lado corsés, miriñaques y pelucas empolvadas,
elementos característicos del absolutismo dieciochesco,
empiezan a ser desterrados del vestuario femenino.
Se va imponiendo una nueva moda con clara influencia del
neoclasicismo, mucho más simple y menos ostentosa. La
producción industrial ofrece nuevos tejidos más sencillos, el
desarrollo de la química más color.
Se inician fenómenos asociados a la moda como las revistas,
las colecciones, las modelos... Surgen nuevas tendencias
como el dandismo, el higienismo. Londres en competencia
con París son referentes internacionales en la fabricación de
textiles y moda…

120. La fabricación textil:
Con el inicio de la revolución industrial en el
último cuarto del siglo XVIII e inicios del XIX, en una
competencia por la industria textil, entre Francia e
Inglaterra aparecen maquinarias para el sector
capaces de competir con la manufactura importada
desde India.

121. En 1850 aparece la máquina de coser y bajan los precios de la
producción de textil y la confección. Hacia 1900, el 40 % de la industria
inglesa se dedicaba a la producción de tejidos.

122. El higienismo:
A principio del siglo XIX el hacinamiento y la pobreza
afectaban a gran parte de la población provocando
epidemias.
Los médicos comenzaron a denunciar las condiciones
de vida como causa primera de las enfermedades. Los
estados empiezan a tomar medidas al respecto.
Referido a la moda se destaca la “campaña higienista”
de 1830 contra la opresión del corsé en la cintura de la
mujer.

123. El dandismo y el traje burgués:
En Inglaterra se puso de moda el uso de diversos
conjuntos de diario que contrastaban con los
lujosos conjuntos a la francesa.
Consistían en chaquetas de paño sin bordados ni
adornos, pantalones de cuero o de otro género de
carácter duradero…

124. Este traje simple del
ciudadano inglés se
propagó
paulatinamente en el
continente y antes de
1789 era conocido
como “traje burgués”
en oposición al caro y
recargado atuendo
cortesano.

125. Para dar paso a la vestimenta burquesa se tuvo que
renunciar a los atributos del “buen vestir” masculino
(peluca empolvada, calzón corto y tejidos lujosos) y
sustituirlos por los de las clases pobres, en oposición al
que respondía a un régimen el cual ya designaban como
“antiguo”.
La indumentaria del nuevo hombre burgués está atenta a
la moda que aprovecha los adelantos de la revolución
industrial y sigue las ideas del higienismo e incorpora a
su indumentaria el término comodidad /confort.

126. Inicio de la alta costura:
Las modistas de la
emperatriz Eugenia de
Montijo comienzan
prácticas que actualmente
se mantienen en el mundo
de la alta costura como
presentaciones de
temporada, el uso de
modelos en vez de
maniquíes, combinación de
la producción
personalizada con la
estandarizada e inicio del
prèt à porter…

127. Los
vestidos
que Eugenia
de Montijo
lucía la
llevaron a
convertirse
en un
referente
de la moda
del siglo
XIX.