Tema 10 arte del renacimiento

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TEMA 10
ARTE DEL RENACIMIENTO Y DEL MANIERISMO
INTRODUCCIÓN: ASPECTOS GENERALES DEL RENACIMIENTO
Concepto:
o Los escritores y artistas del siglo XV llamaron Renacimiento a la recuperación de los
valores espirituales y formales de la antigüedad clásica, que habían permanecido
sepultados durante la Edad Media.
o Se entiende por Renacimiento el período de renovación ideológica y artística que
durante los siglos XV y XVI comienza en Italia y se extiende al resto de Europa,
dando paso de la Edad Media a la Moderna.
Valores espirituales:
o Destacaron el estudio de las humanidades: la gramática, la retórica, la poesía y la
filosofía, que perfeccionaban la naturaleza humana y preparaban al individuo para la
vida política, alimentando sus virtudes cívicas.
Valores formales: el mundo clásico
o Los hombres del Renacimiento exaltaron el arte grecorromano, aproximándose a los
descubrimientos arqueológicos, no como copistas, sino como técnicos y
matemáticos, midiendo las proporciones de las estatuas y calculando los sistemas
constructivos de las ruinas arquitectónicas.
o Su espíritu laico era perfectamente compatible con la piedad cristiana.
No en vano el retorno a los modelos antiguos suponía también regresar a la
primitiva moral cristiana, que se encontraba muy relajada por los vicios del
clero.
o Por este motivo se inicia un exhaustivo estudio de todos los ámbitos culturales del
pasado grecolatino, lo que implicaba el análisis de la arquitectura, los tratados de la
mitología y la literatura (Ovidio, Horacio, Salustio, Séneca, Sófocles, Eurípides,
Herodoto, etc).
Italia:
o En Italia cristaliza antes que en ningún otro lugar este nuevo modo de percibir el
Mundo y del arte.
o Avanzada económica y socialmente porsu organización en ciudades abiertas, y
enriquecida por el comercio europeo a lo largo de toda la Edad Media, en el siglo XV
madura sus formas por el contacto con los restos del mundo romano presentes en su
suelo.
o A lo largo de toda la Edad Media, Italia mantuvo una supervivencia de los elementos
clásicos y dotó de una personalidad diferente a los estilos europeos (románico,
gótico) que llegaban a su suelo, interpretándolos siempre con un cierto clasicismo de
proporciones y espíritu.
o Florencia
Este múltiple viaje hacia las fuentes clásicas se inicia en Florencia, recuperada
demográficamente de la peste negra y con una pujante economía,
diversificada en la industria de la lana, el comercio de tejidos y las operaciones
bancarias.
La ciudad se considera heredera intelectual de Atenas y del legado
institucional de Roma.
Filósofos y artistas la convierten en la capital del Renacimiento, al resucitar el
antropocentrismo, la teoría de las proporciones del cuerpo humano y las leyes
de la perspectiva.
Humanismo:

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o Aparece una nueva corriente de pensamiento, el Humanismo, así llamado por
ensalzar con preferencia las cualidades propias de la naturaleza humana. Su nuevo
enfoque, que rechazaba la concepción teocrática del medievo, defendía una
concepción antropocéntrica del Universo, un papel central del individuo y sus actos.
Consecuentemente, el humanista se interesa por el Mundo que le rodea, de
ahí su amor a la naturaleza, así como defiende la Razón para solucionar
conflictos humanos y busca un ideal de equilibrio y armonía
Antropocentrismo:
o La Academia platónica florentina propaga a los cuatro vientos una nueva concepción
del mundo, en la que, sin negar la existencia de Dios, el hombre ocupa el centro del
universo.
o Pico della Mirándola, en su obra De la dignidad del hombre, proclama un optimismo
en el libre albedrío del individuo. Libertad que generará un arte humanista, que
otorgará prioridad absoluta a la figura humana y a sus dimensiones.
Teoría de las proporciones del cuerpo humano:
o El canon ideal de proporciones volverá a tener ocho cabezas, como en tiempos de
Lisipo, y la altura total será igual a la longitud de los brazos extendidos
Las leyes de la perspectiva:
o El siguiente paso fue situar a los seres humanos en la Naturaleza y a los edificios en
el paisaje urbano, de manera que, ópticamente, parezcan guardar una relación
correcta y armoniosa.
o Este efecto visual se logró con la perspectiva y, como ha advertido el historiador
Kenneth Clark, su descubrimiento fue “el único aspecto en el que los artistas del
Quattrocento creyeron superar a los antiguos.
o Perspectiva lineal:
Filippo Brunelleschi pasa por ser el inventor de la perspectiva lineal, que
consiste en representar los objetos distantes más pequeños que los situados
cerca del espectador, al tiempo que las líneas perpendiculares tienden a
juntarse en un punto de fuga del horizonte, de acuerdo con la pirámide visual.
Estas investigaciones ópticas van a ser perfeccionadas durante el siglo XV
p0or los pintores Piero della Francesca y Paolo Uccello.
• Piero escribirá el tratado De prospectiva pingendi
La ciudad ideal representada es el sueño utópico de los urbanistas del siglo
XV, que, inspirándose en la armonía de la arquitectura clásica, trazan
ciudades regulares donde junto a iglesias y palacios, mercados, escuelas y
cárceles, no faltan barriadas para artesanos y colonias de obreros.
Artistas:
o El Renacimiento es el primer movimiento en tener plena conciencia de época. Sus
integrantes se autodenominan Hombres del Renacimiento, por contraposición a la
Edad Media.
o Por primera vez los artistas plásticos reivindican su papel intelectual, más allá de ser
meros artesanos y deseaban ser incluidos en la élite cultural.
o Los artistas comienzan a firmar su obras. Sus datos biográficos comienzan a ser
recogidos por especialistas en arte. Sus escritos son publicados e intelectualmente
reconocidos.
o El arte se convierte en prestigio para cortes y ciudades.
o Todos los campos del saber estaban interrelacionados, sin noción de frontera entre
letras y ciencias. El hombre renacentista practicaba por igual la pintura y las
matemáticas.
o El artista debía tener profundos conocimientos de mitología, historia y teología para
estar capacitado en la buena representación de lo que deseaba transmitir.

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El mecenazgo:
o El patrocinio de la Iglesia sobre las artes sigue siendo mayoritario, pero abandona el
monopolio frente a la incipiente burguesía, enriquecida gracias al desarrollo
comercial en Italia durante los siglos XII y XIII.
o Así las florecientes repúblicas mercantiles se llenan de familias de comerciantes que
establecen auténticas dinastías y que, acumulando riquezas y poder, logran hacerse
con el poder práctico de las ciudades.
La más importante de dichas familias es la de los Medici, que apoyan su poder
en la Banca internacional, el control de las rutas marítimas y el prestigio que
les otorga ser mecenas de científicos y artistas.
o Gracias a esta entrada del mecenazgo burgués se produjo un aumento de los
géneros, hasta ese momento limitados exclusivamente a la pintura religiosa.
Se inicia el esplendor del retrato y el tema mitológico.
Cronología:
o Es difícil fijar una fecha exacta para la aparición del Renacimiento en Italia. De
modo general, hablamos de los siglos XV y XVI, subdivididos en varios períodos:
El Quatroccento: alcanza el siglo XV
Cinquecento: 1500-1530
Manierismo: resto del siglo.
o En Europa podemos fechar los inicios del arte renacentista entre 1490-1500, cuando
en Italia ya se ha realizado mucho de lo más significativo del estilo.

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2.- EL QUATTROCENTO ITALIANO
Características generales de la arquitectura del Quattrocento
La base teórica de la arquitectura:
o El siglo XV supone una etapa de formación y consolidación de las teorías
arquitectónicas.
o El respeto a la proporción y a la armonía se complementa con la constante mirada
hacia el pasado clásico.
o En 1416 se descubre el texto De Architectura, del arquitecto romano del siglo I a.C.
Vitrubio. Esta obra sirvió de base a la teoría arquitectónica renacentista.
o Las reglas de la nueva arquitectura serán elaboradas de acuerdo con estas
aportaciones.
Arquitectura civil
o La teoría urbana:
Los teóricos del Renacimiento identificaban el orden urbano con la propia
moralidad de sus habitantes, demanera que en una ciudad perfecta habría
menos conflictos sociales. Los proyectos urbanísticos responden a una mezcla
de teoría y práctica, reflejando el centralismo político del momento.
Las dificultades para remodelar la ciudad medieval sólo permitían
modificaciones parciales.
Frente a la intrincada red urbana, el urbanismo busca espacios racionales y
organizados que respondan a unas reglas.
Los teóricos plantean ciudades utópicas de nueva planta con un diseño
regular, según las ciudades romanas.
Los modelos urbanísticos deben responder a una distribución organizada de
los espacios públicos, las áreas residenciales y los centros comerciales.
Hasta nosotros ha llegado alguna actuación urbanística integral, como centro
histórico de Pienza, en Toscana, embellecida por el mecenazgo del pontífice.
o Los nuevos tipos constructivos:
En arquitectura, renace el empleo de elementos constructivos y decorativos
clásicos:
• El arco de medio punto, las columnas y pilastras con los órdenes
clásicos (dórico, jónico, corintio y compuesto, las bóvedas de cañón
decoradas con casetones y la cúpula de media naranja, son empleadas
profusamente.
• Reina la más completa fantasía en la decoración de “grutescos” (así
llamados por inspirarse en la decoración descubierta en la Domus
Aurea de Nerón).
En el nuevo contexto urbano era necesario perfeccionar o crear nuevos tipos
de arquitectura civil.
Palacios:
• Dejan de ser concebidos como fortalezas y son residencia de nobles y
comerciantes enriquecidos.
• Tienen una estructura cúbica en torno a un patio porticado central.
• La decoración de las fachadas se basa en la utilización de un aparejo
peculiar, el almohadillado (sillares de aristas rehundidas) y en la
utilización de elementos arquitectónicos relacionados con el mundo
clásico (pilastras de diferentes órdenes, series de arcos de medio
punto, cornisas muy pronunciadas)

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• Ejemplo: Palacio Medici-Riccardi de Florencia, construido por
Michelozzo en 1444.
Hospitales:
• Fijan ahora una tipología concreta.
• Uno de los proyectos más celebres es el realizado por Filaree en Milán:
o Adopta una disposición en cruz, en cada uno de cuyos brazos
estaban las salas de enfermos, con una iglesia en el centro.
Arquitectura religiosa:
o La necesidad de construir edificios a la medida del hombre tuvo una especial
relevancia en los templos.
o Se continúa usando la planta basilical, herencia del mundo romano, aplicando el
lenguaje clásico en su construcción.
o Por otro lado se desarrolla con fuerza la idea de la planta central.
El círculo es considerado como imagen de la perfección.
La planta centralizada reflejaba la armonía universal y la belleza ideal.
o En muchas ocasiones se intentarán combinar ambas opciones desarrollando el
crucero para lograr espacios diáfanos y amplios.
Esta idea proporcionó un gran interés a la cúpula, que sirve para cubrir un
espacio cuadrangular que pasa a una planta circular.
Las cúpulas son a su vez símbolo del universo y presencia constante en la
arquitectura religiosa del Renacimiento.
Contexto político:
o Durante el siglo XV, el mapa italiano aparece fragmentado en pequeñas ciudades-
estado gobernadas por príncipes y tiranos.
Federico de Montefeltro en Urbino.
Segismundo Malatesta en Rimini.
Francesco Sforza en Milán.
Alfonso de Aragón en Nápoles
La familia de los Este en Ferra.
Los Gonzaga en Mantua.
Los Medici en Florencia
o El gusto por el aparato y por la belleza monumental, el lujo en las vestiduras y en las
viviendas, es algo muy vivo en todas estas cortes, donde se multiplican las fiestas,
las fundaciones y los encargos.
o La emulación artística entre estos mecenas y su oposición deliberada al Gótico
propagaron el arte humanista por toda Italia.
2.1.- LA ARQUITECTURA: BRUNELLESCHI Y ALBERTI
Filippo Brunelleschi (Florencia 1377-1446)
o Biografía:
Comenzó siendo orfebre y escultor.
• El conocimiento de estos oficios le lleva, en 1401 a participar en el
concurso para fundir las Segundas Puertas del Baptisterio de Florencia,
que el jurado adjudicó a Ghiberti.
Decepcionado, marcha a Roma en 1402 con el propósito de estudiar la
estatuaria clásica, en compañía de su amigo Donatello. Pero las ruinas de la
Ciudad Eterna cambian su vocación hacia la arquitectura.
Su interés por las matemáticas y su estudio de los monumentos antiguos
completaron su formación de cara a esta nueva actividad.

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o Características de su estilo:
La audacia de Brunelleschi brilla en los edificios de nueva planta que traza.
El arquitecto pertenece a una generación que comparte la idea de que no hay
otro camino para la creación artística que el que marcaron los maestros de la
Antigüedad, aunque también es consciente deque los sistemas de
construcción clásicos pueden superarse.
Por ello trata de conjugar en sus proyectos los elementos y las proporciones
de la tradición romana con la perspectiva renacentista, que él mismo inventó.
• Elementos:
o Entre los elementos clásicos se decanta por las columnas de
fuste liso cuando construye pórticos y basílicas, y por las
pilastras estriadas cuando edifica capillas de planta central.
o En ambos casos usa capiteles corintios de ocho volutas, tramos
de entablamento que actúan de cimacio y arcadas de medio
punto.
• Proporción:
o La proporción vendrá marcada por la distancia de separación
entre soportes; esta medida arroja un módulo, con el que se
relacionan matemáticamente todas las partes del edificio.
• Perspectiva:
o Finalmente, como creador de la perspectiva, armoniza
visualmente las masas en el espacio, graduándolas según las
leyes ópticas.
o Obras:
Cúpula de la Catedral de Florencia (1418)
• En 1418 vuelve a participar con Ghiberti en otro certamen: la
construcción de la cúpula de la catedral, que resulta ganador.
• Retos:
o La obra suponía un reto, ya que se trata de cubrir un diámetro de
42 metros y había que hacerlo con un método de autosostén
durante su construcción, pues no era posible la construcción de
cimbras hasta la clave de semejante tamaño.
o La solución que le da el triunfo consiste en cubrir el tambor
octogonal con dos cúpulas superpuestas, encofrando una dentro
de otra y dejando una cámara de aire entre ambas.
• Construcción:
o Las obras se iniciaron en 1420, y los trabajos se prolongaron
durante dieciséis años, hasta 1436.
o Técnicamente la obra recuerda en su alarde y relevancia la obra
del Panteón de Agripa.
o La cúpula se construye por medio de dos casquetes (externo e
interno) separados entre sí por un espacio hueco, que alivia el
peso del tambor.
De este modo el peso de los materiales disminuía su
carga sobre el tambor y su altura podía crecer hasta 56
metros.
Ambas paredes se traban por medio de listones de
madera y ladrillos engarzados.
De esta forma Brunelleschi va construyendo la cúpula por
medio de anillos concéntricos, que van autososteniéndola
mientras se eleva. Método, por cierto, deducido del modo
de amurallar que habían empleado los romanos.

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o Al exterior
Cada uno de los paños del tambor presenta un amplio
óculo (recuerdo también de lenguajes clásicos) y planchas
de mármol coloreadas.
Los ocho plementos en que se divide la cúpula están
asimismo divididos por otros tantos nervios, también
realizados en mármol y horadados por los mechinales que
quedaron como residuo de los sucesivos anillos de
construcción.
Además la importancia adquirida al exterior por su valor
cromático, al conjugar el blanco y verde las planchas de
mármol más el rojo del ladrillo en los plementos, anima el
exterior arquitectónico, desterrando la imagen pétrea de la
arquitectura medieval.
Como remate se construye una linterna. También ésta se
adjudica ex aequo a Ghiberti y Bruneleschi, aunque
nuevamente se imponen los criterios de éste último. Su
forma circular y su contraste cromático actúan como
armónica “coronación” de toda la cúpula y contribuyen a la
iluminación cenital del crucero.
• En este sentido se introduce ya el sentido de
unidad que provoca el efecto lumínico en la
arquitectura del Primer Renacimiento.
Su fascinante compenetración con el caserío circundante
le pareció a Vasari: una nueva colina nacida en medio de
las casas.
Hospital de los Inocentes (1419-24)
• Primer gran proyecto realizado íntegramente por Brunelleschi.
• Dotado de un hermoso patio con arquerías de medio punto, en cuyas
enjutas aparecen tondos de cerámica vidriada que introducen un punto
de color en el mismo.
Basílica de San Lorenzo (1420)
• Ideas generales:
o Tanto San Lorenzo como la del Santo Espíritu constituyen el
prototipo de basílica renacentista.
o Ambas basílicas situadas en Florencia.
o San Lorenzo es una obra iniciada antes de que Brunelleschi se
ocupase de ella.
o San Lorenzo fue la iglesia florentina de los Medici.
• Planta:
o Es de cruz latina, con tres naves, capillas laterales y una cúpula
en el crucero.
o Las cubiertas siguen modelos clásicos: son planas en la nave
central, con decoración de casetones y baídas en las laterales.
o Presenta novedades con respecto a los modelos anteriores:
La más importante es la búsqueda de la proporción.
Se establece un módulo de proporcionalidad que será la
medida de la columna. De este modo la columna retoma
el protagonismo que tuviera en la antigüedad.
o Interior:

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Se ve el uso que hace Brunelleschi de elementos de la
antigua Roma: columnas corintias, pilastras acanaladas,
arcos de medio punto, entablamentos y techo plano con
casetones.
Estos elementos, en piedra gris, contrastan con el blanco
de los muros y subrayan la distribución geométrica del
espacio.
Esta bicromía es muy característica de sus obras. Todos
los detalles están cuidadosamente calculados para
contribuir a la armonía del conjunto.
El resultado es un espacio ordenado.
o Significado:
Brunelleschi crea una iglesia que combina la tradición
medieval de la planta de cruz latina con la basílica
romana.
Fue el primero en manejar uin repertorio de formas
clásicas, con el que desarrolla su propio lenguaje
arquitectónico, basado en la proporción matemática.
• En este edificio levantó además la Sacristía Vieja (1421-1428)
o En la Sacristía Vieja de Brunelleschi se enterraron los miembros
de la primera generación de la familia Medici.
o Cubierta con cúpula sobre pechinas, donde plasmó la idea que
se tenía en la época de lo que debía ser una obra comparable a
las de la Antigüedad.
o Un siglo después Miguel Ángel recibe el encargo de construir
otra semejante para que sirviera de tumba a los jóvenes duques
Lorenzo y Giuliano: es la Sacristía Nueva entre 1520 y 1534.
Basílica del Santo Espíritu (1436):
• Obra íntegramente nueva de Brunelleschi.
• Esta obra es algo más tendente a la centralización queel resto de sus
edificios y más impactante por la forma de organizar y distribuir los
espacios.
• En ambos casos (San Lorenzo y Santo Espíritu) el arquitecto introduce
un trozo de entablamento entre la columna y el arranque del arco, con
la finalidad de darle mayor altura a la obra (dado brunelleschiano).
Capilla Pazzi (1429)
• La obra:
o Brunelleschi diseñó esta capilla para uso funerario de esta
familia de banqueros florentinos, situada en el claustro del
convento franciscano de Santa Croce.
o Los Pazzi eran rivales políticos y económicos de los Medici.
• Análisis formal:
o La capilla presenta una planta centralizada, basada en un
cuadrado cubierto por una cúpula sobre pechinas.
o La fachada presenta una combinación de arco y dintel que se
repite en el interior
o En el interior se ve el virtuosismo del arquitecto en el uso del
bicolor, blanco y gris.
La piedra marca las líneas maestras del edificio y destaca
la pureza del diseño.

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Las pilastras dividen los muros con un esquema rítmico y
la decoración se sitúa en los medallones esculpidos,
perfectamente integrados en el conjunto del edificio.
• Significado:
o En esta capilla, Brunelleschi elabora una variación sobre el
esquema de planta cuadrada cubierta con cúpula que ya había
usado en la Sacristía Vieja de San Lorenzo.
o Este tipo de planta tendrá gran influencia en la arquitectura
renacentista y barroca.
León Battista Alberti (Génova 1404-Roma 1472)
o Biografía:
Es un teórico que representa el saber universal del genio renacentista,
anticipando en medio siglo la aparición de Leonardo.
Sobresalió en todas las artes, desde el atletismo a la música; ideó
artilugios mecánicos y dedicó tratados a la escultura, la pintura y a la
arquitectura.
Sobre arquitectura escribió en diez libros De re aedificatoria (1485), en
cuyas páginas defiende por vez primera el trabajo intelectual del arquitecto,
como dibujante de planos e inventor de maquetas.
• Su misión será la de concebir mentalmente el edificio confiando su
ejecución material a los maestros de obras y albañiles.
• De hecho, los aparejadores Bernardo Rosselino y Matteo de Pasti
fueron los encargados de poner en pie los palacios urbanos y
templos que proyectó.
o Características de su estilo:
Palacios:
• Alberti estima que las casas privadas de los mercaderes
acaudalados deben tener la misma dignidad que los edificios
públicos, pero sin ser ostentosas.
• Deben llamar la atención por la comodidad y no por la apariencia.
Templos:
• El segundo objetivo de Alberti es el templo, que”bien hecho y bien
ordenado es el mayor y más principal ornamento de la ciudad”.
o Obras:
Palazzo Rucellai (1446-1451)
• En 1446 el comerciante Giovanni Rucellai le encarga un palacio en
Florencia que se convertirá en prototipo de la mansión ciudadana
del Renacimiento.
• Inspirándose en el Coliseo romano, fragmenta la fachada en tres
pisos de órdenes superpuestos, cobijados por una amplia cornisa en
saledizo.
• En su zócalo podemos ver el opus reticulatum, un aparejo que
presenta aspecto de retícula.
Templos:
• Sus primeros trabajos consisten en remodelar edificios medievales,
enmascarándolos con portadas renacentistas.
• Santa Maria Novella (1456)

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o A la basílica gótica de Santa María Novella le añadió una
fachada de proporciones perfectas, dotada de sentido
musical, asumiendo como módulo compositivo el cuadrado.
o Dos grandes volutas enlazan el cuerpo central con los
laterales unificando todo el conjunto.
• San Francisco de Rímini (1450)
o Y el convento de San Francisco de Rimini lo tapizó con un
arco de triunfo romano.
o Funciones:
Servir como iglesia
El tirano Segismundo Malatesta quería reunir en este
edificio las cenizas de sus antepasados, las suyas, las
de su amante Isotta.
Y además ser panteón de los artistas y poetas que
honraban su corte.
o El templo, no acabado, lo concibió Alberti como un conjunto
rectangular, cuyas medidas se atienen a la proporción
áurea, con una nave central a la que se abren capillas
rectangulares.
o Su tratamiento es el de un templo clásico, elevado sobre
podio.
o En la fachada se emplearon series rítmicas donde se
combinan arcos y dinteles, buscando el claroscuro en los
volúmenes.
Fue concebida como un gran arco de triunfo de tres
vanos, de los que sólo está abierto el central.
Sobre éste se abre un segundo cuerpo que debería
estar unido por volutas, dando así unidad a la fachada.
Esta idea la ejecutará posteriormente en la fachada de
Santa María Novella.
Alberti estuchó con mármoles el convento franciscano.
• Iglesia de San Andrés de Mantua (1470)
o Es el único edificio religioso que Alberti diseñó en su
totalidad.
o Tanto la planta como la distribución dela fachada tendrán
amplia difusión en el Renacimiento y en el Barroco.
o Planta:
No en vano, dotó al templo de nave única, rompiendo
con la fórmula basilical de tres naves que imperaba
desde la época paleocristiana.
Este modelo de nave única, con capillas entre los
contrafuertes, será el que un siglo después Vignola lo
copiará en la iglesia del Gesú, de Roma,
convirtiéndose en el modelo predilecto de templo
contrarreformista.
o Interior:
El interior, aunque con decoraciones de épocas
posteriores, conserva la organización original. La nave
central se cubre con bóveda de cañón decorada con
casetones y las paredes se articulan en tramos
rítmicos. Las naves laterales han sido sustituidas por

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pequeñas capillas enmarcadas por pilastras corintias y
cubiertas a su vez con bóveda de cañón y casetones.
o Fachada:
Concebida como una estructura de gran plasticidad y
armonía. Se articula en torno al eje ocupado por el
arco de ingreso, prolongado hacia dentro en una
bóveda de cañón que continúa en su interior.
A ambos lado, enmarcadas por pilastras corintias, se
superponen tres ventanas que proporcionan al muro
un movimiento sereno.
La voluntad de introducir elementos de la Antigüedad
queda patente en su fachada, concebida nuevamente
como un arco de triunfo y apeada sobre un podio, al
igual que los templos romanos.
Armonizó las proporciones de la colosal portada,
simultaneando el “orden gigante” en las pilastras de las
calles laterales con el “orden normal” en las pilastras
del arco principal.

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2.2.- LA ESCULTURA: GHIBERTI Y DONATELLO
Características generales de la escultura renacentista:
Ideas generales:
o Los artistas se inspiran en las obras clásicas, debido a la abundancia de restos
arqueológicos del pasado, y las interpretan siguiendo los valores de la sociedad
renacentista.
o Alcanza una total independencia de la arquitectura y se desarrolla de un modo
absolutamente libre, en contraposición a los siglos de la Edad Media.
o Se busca la belleza formal, capaz de producir placer estético.
Materiales, técnicas y tipos:
o Como materiales , prefieren el mármol y el bronce, igual que en la Antigüedad,
pero también utilizaron el barro cocido, recubierto de esmalte vidriado y
policromado, y la madera.
o Técnicas:
La talla directa y el fundido,en caso del metal, son técnicas en las quese
alcanza una gran perfección.
Las práctica del modelado se aplica en el barro, posteriormente cocido y en
ocasiones vidriado, con el que también se realizan algunas obras plásticas.
La orfebrería adquiere a veces un carácter escultórico, con piezas de gran
finura en las que se aplica el fundido y el cincelado (golpeando con un
cincel para obtener el relieve).
Relieves:
• El relieve renacentista muestra preocupación por las composiciones
sencillas, armoniosas, claras y serenas, así como captar el espacio
y la profundidad mediante el nuevo sistema de representación de la
perspectiva.
Temas:
o Siguen predominando los temas religiosos.
o Pero se desarrollan los temas profanos (mitológicos, históricos y alegóricos).
El cuerpo humano desnudo adquiere gran importancia como ejemplo
máximo de la belleza perfecta, siguiendo las ideas antropocéntricas y
representándose de una manera realista, con estudio de la anatomía, el
movimiento y la proporción, según el canon clásico.
El retrato tiene un gran auge en esta época, tanto de cuerpo entero como
el busto-retrato, de gran realismo, expresión de la importancia del individuo
en la sociedad.
También la estatua ecuestre adquiere un sentido nuevo al erigirse en
lugares públicos, como retrato de personajes ilustres cuyas glorias se
exaltan.
• El monumento al soldado adquiere gran protagonismo.
• El condottiero era un mercenario al frente de un ejército que, al
servicio de los poderosos, limitaba las libertades ciudadanas
imponiendo un gobierno dictatorial.
• Los monumentos públicos recordaban su poder.
• El modelo es el retrato romano de Marco Aurelio, situado en la plaza
romana del Capitolio.
En los monumentos funerarios se retrata al difunto como manera de
recordar su fama y virtudes, mediante símbolos.
• Es un modo de perdurar en la memoria, a pesar de la muerte, con
una imagen realista del difunto.

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Características de la escultura del quattrocento
La escultura gótica italiana contó siempre con la influencia del pasado clásico, por lo que la
evolución hacia las formas renacentistas se hizo en el siglo XV dentro de un proceso
natural, sin cortes traumáticos.
La escultura consigue unas proporciones esbeltas, valorando la línea curva, a partir de una
depuración de los modelos del gótico internacional.
Renace el sentido de la proporcionalidad, cuyo canon establece la medida del cuerpo en
9-10 cabezas su tamaño.
A continuación, a través del estudio de los distintos autores y de sus obras, podremos ir
siguiendo la evolución que sufre la escultura a lo largo del Renacimiento italiano.
Lorenzo Ghiberti (Florencia 1378-1455)
Biografía:
o Escultor y orfebre, arquitecto y escritor de arte. Es una de las primeras figuras que
plasma en sus obras las inquietudes plásticas del nuevo estilo.
o Pronto adquirió fama al resultar vencedor en el famoso concurso de adjudicación
de los relieves del Baptisterio de Florencia, frente a Brunelleschi.
o También hubo de compartir con él la construcción de la linterna de la cúpula de
Florencia, aunque en este caso se impusieron los criterios de su rival.
o En los últimos años de su vida Ghiberti escribió unos Comentarios que
constituyen el primer tratado estético del Quattrocento y la primera autobiografía
del arte moderno.
Características de su estilo:
o Fue un orfebre medieval que entusiasmaba al público con su impecable factura y
su melodioso ritmo gótico.
o Este apego a la tradición del siglo XIV, al virtuosismo técnico, a la ondulación de
los pliegues y a la delicadeza con que trata los detalles, hará que en 1401 gane el
concurso para construir las segundas puerta del Baptisterio de Florencia.
Obras:
o Segundas Puertas del Baptisterio de Florencia (1401-24)
En 1401 Ghiberti se presenta al concurso para construir las Segundas
Puertas del Baptisterio de Florencia. A cada concursante le fue entregado
el bronce y le fueron señaladas las dimensiones y la forma del contorno
mixtilíneo, que debían de ser iguales a las formelle de la primera puerta,
de Andrea Pisano, y le fue señalado el tema: el sacrificio de Isaac.
Las condiciones del contrato estipulaban que la estructura general debía
ajustarse a un modelo gótico establecido en 1336 por Andrea Pisano,
cuando realizó las Primeras Puertas del edificio.
Por lo tanto Ghiberti las fragmentó en 28 tréboles de cuatro hojas y
desarrolló en estos compartimentos veinte escenas del Nuevo Testamento
más ocho imágenes de los evangelistas y doctores de la iglesia que sitúa
en el zócalo.
Durante su fundición y cincelado le ayudaron en el taller dos jóvenes
auxiliares: Paolo Uccello y Donatello, que mostrarían a su maestro el
nuevo lenguaje artístico de la composición espacial renacentista.
o Terceras Puertas o Puerta Este (1425-1452)
Acto seguido y sin mediar ningún certamen previo, las autoridades
florentinas le confiaban las Terceras Puertas, que suponen ya la
asimilación de planteamientos clásicos.

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Los cambios afectan al diseño, al tratamiento técnico del relieve y a las
fuentes de inspiración.
Diseño.
• En la subdivisión de las hojas prescinde de las pequeñas casillas
lobuladas y opta por diez espacios cuadrados, que le permiten tratar
con mayor amplitud las escenas del Antiguo Testamento que le
encargan.
Tratamiento técnico:
• En la narración de estos episodios bíblicos adopta la perspectiva
lineal de Uccello y los complejos efectos de profundidad que
Donatello había transmitido al bajorrelieve mediante la técnica del
schiacciato o “aplastado”.
• Consiste en rebajar el volumen en los distintos planos de la
composición desde prácticamente el bulto redondo o un relieve muy
alto, hasta la ejecución de marcas casi imperceptibles en los planos
más alejados. Con ello se consigue una mayor sensación de
realidad y de espacio, al tiempo que se proporciona más luz con el
juego de claroscuro que producen las diferentes alturas del relieve.
Fuentes de inspiración:
• Finalmente, en los marcos con reproducciones de esculturas griegas
o festones de flores, frutas y animales, muestra el respeto con que
el nuevo arte observaba la Antigüedad y la Naturaleza.
Significado:
• El tratamiento del relieve supone una auténtica novedad con
respecto a la tradición anterior, yaqueretoma los principios
empleados en el relieve clásico.
• Las composiciones responden a la idea del equilibrio renacentista y
se conciben con un dominio técnico en la complejidad de las
escenas y los grupos humanos.
• Se capta además el movimiento y se interpreta el juego de luces con
un sentido pictórico.
o Capilla de Or San Michele: San Juan Bautista y San Mateo (1414-1419)
Ghiberti labró también estatuas independientes.
Los gremios florentinos habían decidido decorar la fachada de su capilla de
Or San Michele con catorce hornacinas en las que figuraran sus santos
patronos.
Entre 1414 y 1419 cincela las imágenes de San Juan Bautista y San
Mateo, titulares de los tejedores de lana y de los operarios de la Casa de la
Moneda.
En su hechura y expresión vuelve a dar muestras de la gracia y de la
dulzura.
Una belleza ideal ante la que reacciona violentamente Donatello.
Donato di Niccoló, llamado Donatello (Florencia 1386-1468)
Biografía
o Fue el escultor más influyente del siglo XV.
o Trabajó en el taller de Ghiberti, ayudándole en las puertas del Baptisterio de la
catedral de Florencia.
o Sus contemporáneos le consideraron un genio y la crítica posterior le equipara a
Miguel Ángel y Bernini.

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Estilo: evolución:
o Es el escultor que rompe con la tradición goticista, volviendo la mirada al pasado
grecorromano, para reinterpretar con gran acierto los modelos.
o Donatello fue un gran estudioso del cuerpo humano y de su evolución a lo largo de
las diferentes edades, desde la juventud hasta la vejez.
o Emplea el bronce, el mármol y la madera con igual maestría.
o Evolución:
En su producción se distingue tres cualidades y tres épocas.
• Cualidades:
o Dominio que ejerció sobre todas las técnicas y materiales.
o La profundidad psicológica con que expresa los sentimientos
humanos.
o Su imaginación para definir la tumba, el púlpito, la cantoría, el
altar y el monumento ecuestre del Renacimiento.
• Etapas:
o Fase inicial de adolescencia y madurez en Florencia (1404-43)
o Estancia en Padua (1443-53)
o Posterior regreso a Florencia, donde desarrolla un arte expresivo
y nervioso, que su biógrafo Pope-Hennesey ha calificado como
“el primer estilo de la ancianidad que se conoce en la historia del
arte”.
Obras:
o Fase inicial (1404-43)
Tras viajar a Roma con Brunelleschi en los umbrales del siglo y aprender los
secretos de la fundición del bronce en el taller de Ghiberti, los primeros
trabajos de Donatello en Florencia son estudios psicológicos destinados a
decorar los principales edificios góticos de la ciudad:
• Apóstoles: para la Puerta de la Mandorla de la Catedral.
• Profetas: para el Campanile.
• Patronos gremiales: para la capilla de Or San Michele.
o San Marcos:
Encargado por los pañeros en 1411 y que representa el
ideal del ser humano serio, honesto y responsable.
o San Jorge:
El otro santo es el enérgico San Jorge, para los espaderos
y fabricantes de armaduras, que concluye en 1417.
La vitalidad que desprende esta imagen resultó tan
original a los florentinos como las novedades técnicas que
incorpora al relieve de la Muerte del Dragón, situado bajo
sus pies.
• Donatello simultaneaba aquí por vez primera la
perspectiva lineal con el schiacciato, consistente en
graduar la composición mediante una sucesión de
planos aplastados, que prestan efecto pictórico al
conjunto.
• A continuación se asocia con Michelozzo, componiendo un equipo
artístico que dará forma a la tumba y al púlpito.
• Tumba:
o El tipo de monumento funerario responde a un esquema muy
simple: consiste en adosar a la pared un arco de triunfo romano
y superponer en su interior, de abajo a arriba el sarcófago

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sostenido por Virtudes, la inscripción conmemorativa que alude a
la fama del difunto, y un tondo con la imagen de la Virgen.
o Tumba del antipapa Juan XXIII (1424-27)
En el baptisterio de Florencia.
Inicia la serie de tumbas humanistas.
o Tumba del Cardenal Rainaldo Brancacci (1427-28)
Cuyas piezas fueron transportadas hasta Nápoles para
instalarlas en la iglesia de Sant’Angelo a Nilo.
• Púlpito:
o La predicación pública que venían realizando los franciscanos y
dominicos en calles y plazas aconsejaba la construcción de
púlpitos al aire libre.
o Púlpito del cinturón de la Virgen. Catedral de Prato. 1428.
Servía para exponer la principal reliquia del templo: el
cinturón de la Virgen.
Dos son las novedades que presenta:
• En primer lugar, la plataforma está colgada de la
pared en vez de apoyarse sobre una columna con
base en el suelo;
• En segundo término, el antepecho se decora con
relieves de niños danzantes. Son los típicos putti
que, a partir de ahora, se convertirán, por su
aspecto alegre y caprichoso, en motivo
imprescindible del vocabulario ornamental
renacentista.
• Cantoría
o En 1433 fue disuelta la sociedad laboral con Michelozzo.
o Cantoría de la catedral de Florencia (1434)
Aplica la misma técnica que en el púlpito: arquitectura
suspendida y ternura infantil.
• Altar:
o Su siguiente apuesta plástica se centra en el altar de piedra o
bronce,que va a sustituir en el arte italiano al retablo de madera
policromada.
o Tabernáculo de la Anunciación (1435-40)
De la capilla Cavalcanti, en la iglesia de Santa Croce, de
Florencia.
o Tabernáculo de la Basílica de San Antonio de Padua (1443)
David
• Antes de abandonar Florencia, exalta el cuerpo del adolescente en el
David del Palacio de los Medici, que constituye el primer desnudo
masculino del arte europeo.
• Representa una interpretación libre de los modelos romanos.
• Aspectos formales:
o El joven rey se eleva, desnudo y tocado con sombrero, sobre la
cabeza del gigante.
o Su postura describe una ligera curva para compensar la actitud
de ambos brazos, formando un triángulo apoyado en la cintura y
el otro sosteniendo la espada, para lograr un equilibrio final.
o El retrato se elabora con realismo, y la actitud muestra serenidad
y reposo después de la victoria

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o En el tratamiento del cuerpo, Donatello aprovecha las calidades
que otorga el bronce y que resultan determinantes en este caso.
La luz parece que resbala sobre esta superficie, creando
brillos, juegos de luces y sombras, tactos tersos, que
conllevan un fuerte contenido sensual, dulcificado además
por un suave contraposto
• Significado:
o La figura de David es la imagen simbólica de la juventud y la
pureza que triunfa sobre la tiranía.
o Inicia una serie de representaciones renacentistas del rey David,
que expresan a la perfección los sentimientos políicos de los
estados italianos.
o La desproporción con el tamaño de la espada y de la propia
cabeza de Goliat pone de manifiesto la inspiración divina de su
victoria.
o Estancia en Padua (1443-53)
Bajorrelieves con los Milagros de San Antonio
• Para el altar mayor del santo
• Constituyen el triunfo absoluto del schicciato.
Estatua ecuestre del caudillo Erasmo da Narni, el Gattamelata (1447-53)
• Resucita el modelo romano del emperador Marco Aurelio a caballo.
• El Gattamelata era un capitán de fortuna, un condotiero que, al frente
de un ejército de mercenarios, había defendido los intereses de la
República de Venecia frente a Milán.
• En su testamento, otorgado en 1441, dispuso que se le enterrara en
Padua y el Senado veneciano, deseando inmortalizarlo, le cedió la
plaza del santo y encargó a Donatello una colosal imagen que le
sirviera de sepultura.
• El artista conjuga el naturalismo del caballo, sus arreos y la armadura
clásica con la expresión abstracta del militar, en cuyo rostro resume la
idea de la virtud humanista.
Fase final de regreso a Florencia
• Los últimos años de Donatello transcurren en Florencia, donde sufre
una crisis religiosa antihumanista, promovida por su obispo el fraile
dominico San Antonino.
• Magdalena penitente (1454-55)
o Inspirada en uno de los sermones de San Antonio.
o Inicia un conjunto de obras dramáticas que anticipan la angustia
y la terribilitá de Miguel Ángel.
2.3.- LA PINTURA: EL BEATO ANGÉLICO, MASACCIO, PIERO DELLA
FRANCESCA Y BOTTICELLI
Rasgos generales de la pintura renacentista.
La consideración de la pintura:
o La pintura renacentista contribuye a expresar el papel del hombre como protagonista
de la sociedad.
o La nueva dimensión del ser humano permitía el estudio de su anatomía y la
representación de la realidad que le rodeaba.

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o La filosofía humanista y la evocación del pasado clásico proporcionarán a éstos una
mayor consideración social.
o La pintura será reivindicada como una auténtica ciencia. Su práctica obligaba a un
conocimiento de las proporciones, la luz, el movimiento, de acuerdo con el sistema
visual de representación que ahora se descubre: la perspectiva.
Los temas:
o Son tanto religiosos como profanos, dependiendo del comitente.
La pintura religiosa es la más abundante, distinguiéndose por la humanidad de
los temas, cada vez más cercanos a los fieles que los contemplan.
En Italia son frecuentes las escenas de la Sagrada Familia o de la Virgen con
el Niño (Madonnas).
Las Sacras conversaciones muestran a personajes sagrados en actitud de
diálogo y son muy habituales en la pintura renacentista.
o Los encargos civiles se decantan por los temas mitológicos, alegóricos e históricos.
El cuerpo humano:
• Se convierte en una de las grandes preocupaciones de la plástica
renacentista.
• Se analiza desde todos los puntos de vista posibles y se emplea
frecuentemente el escorzo.
• Se introducen la Naturaleza y la arquitectura dentro del cuadro como
fondo en el que se desarrollan las escenas que se representan.
o En ocasiones bastante idealizadas, pero sin la minuciosidad de
la pintura flamenca.
Comienza a tomar una gran relevancia el retrato. El retrato se independiza de
definitivamente de los cuadros religiosos medievales, donde aparecía la figura
del donante.
La inspiración llegará por mediación de los retratos romanos, a través de las
medallas encontradeas en las excavaciones o de los relieves escultóricos.
A menudo estos retratos se aprovechan para reflejar la situación social del
personaje y su propia personalidad.
Las técnicas:
o Pintura de caballete:
Soportes:
• El soporte más utilizado sigue siendo la tabla.
• En el siglo XV siglo los venecianos introducen otro gran invento: el
lienzo, que desplazará por completo al soporte anterior
Técnicas:
• La técnica tradicional del temple (pigmentos aglutinados con huevo)
será sustituida por el óleo, con mayores posibilidades plásticas, que se
empleaba en los Países Bajos.
o Pintura mural:
En las pinturas murales se usa, especialmente en Italia, la técnica del fresco.
• Requiere rapidez en su ejecución y permite pocas modificaciones, de
ahí su dificultad.
• El color se aplica mezclado con agua de cal, sobre el revoco de un
muro todavía húmedo.
• Esto hace posible que la pintura penetre en el soporte, de forma que
resiste mejor los rigores de la intemperie.
• El resultado es luminoso y duradero.
El fresco, que alcanzará su culmen en el cinquecento.
o La perspectiva

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Es la gran conquista del pintor renacentista, que descubre la posibilidad de
representar en un plano, es decir en un elemento bidimensional, una tercera
dimensión: la profundidad.
En un primer momento este efecto se consigue a través de la perspectiva
lineal. La perspectiva lineal es característica del Quattrocento. Toma como
punto de partida la idea deque cuanto más lejos están los objetos más
pequeños se han de representar.
• Se trazaban entonces líneas de fuga que se unen en un punto creando
una especie de pirámide visual.
• Esta teoría se sustenta en estudios de geometría y en las aportaciones
de Alberti, expuestas en su tratado De pictura.
La pespectiva aérea, sin embargo será propia del siglo XVI. Surge de las
teorías de Leonardo. Según él, cuanto más lejados están los objetos mayor es
la cantidad de aire que se interpone entre éstos y los contornos; la lejanía
desdibuja los contornos originando el sfumato . Plantea además, que las
cosas toman un color azulado, pues éste es el color del elemento que las
rodea: aire.
El escorzo:
• Consecuencia de la aplicación de los principios de la perspectiva, el
escorzo es una forma de representar una figura o un objeto, dando la
impresión de que se encuentra colocado de modo perpendicular al
plano.
• Su utilización sirva para reforzar le idea de profundidad en la
composición.
• En ocasiones su uso resulta demasiado forzado.
o El color/dibujo:
En el Quattrocento el dibujo es más intenso, más nítido, más firma.
En el Cinquecento pierde el dibujo parte de su vigor a favor del color.
o La luz:
La luz del Quattrocento es conceptual, es decir, no podemos adivinar la
procedencia ni el foco que la genera e ilumina todo el espacio por igual.
En el siglo XVI surge la idea de la luz dirigida que ilumina selectivamente.
Rasgos propios de la pintura del Quattrocento:
o Ideas generales:
La pintura florentina del Quattrocento rompe con la tradición del llamado gótico
internacional.
Los pintores se sienten inspirados por el lenguaje del clasicismo, buscan la
representación de la Naturaleza y dejan a un lado el carácter simbólico y
distante de la pintura medieval.
La carencia de modelos procedentes de la pintura clásica hizo que la pintura
se fijara en los restos arqueológicos arquitectónicos y escultóricos.
El hallazgo de la perspectiva se manifiesta en todas las creaciones, que
aplican el nuevo sistema para obtener una mayor sensación de realidad.
A ello se une el estudio del cuerpo humano, del movimiento, de la luz, en un
período de ensayos que cristaliza en el siglo XVI
o Tendencias
La pintura italiana del siglo XV se mueve en dos direcciones: los artistas
interesados por la línea y los preocupados por el volumen.
• La primera está representada por el Beato Angelico y Sandro Botticelli.
• La segunda participa Masaccio y Piero della Francesca.

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Beato Angelico (1400-1455)
Biografía
o Beato Angelico es un título puramente secular que concedieron los contemporáneos
al fraile dominico Giovanni da Fiesole después de morir.
o De este modo, podían proclamar que su obra pictórica estaba ungida por la
inspiración divina.
o Su nombre de pila fue Guido di Piero, que en 1418 ingresó en la Orden de
Predicadores, destacando como iluminador de manuscritos.
El preciosismo de esta técnica dominará sus futuras pinturas sobre tabla y
frescos murales.
o En 1438 se produce un hecho crucial en su vida. El pontífice Eugenio IV había
concedido a los dominicos el convento de San Marcos de Florencia y el beato
Angelico recige de sus superiores el encargo de pintar la sala capitular, el claustro y
las celdas
Estilo:
o Sus obras son herederas del gótico internacional.
o Utiliza colores rutilantes y fondos dorados, las imágenes se estilizan y la luz invade
por igual toda la composición.
o Sus composiciones se caracterizan por la dulzura de los modelos, de belleza
idealizada y actitudes serenas.
o La obra de Fra Angelico está presidida por la sencillez y la simplicidad de sus
figuras, así como por la nitidez de su dibujo.
o Sólo el uso de la arquitectura y de la perspectiva brunelleschiana permiten
considerarle un artista del Quattrocento.
En las arquitecturas incorpora el uso de la pespectiva.
Obras
o Retablo de la Anunciación (1430)
Para la iglesia de Santo Domingo de Fiesole, en la actualidad se encuentra en
el Prado.
La proliferación de dorados o el modo de concebir la arquitectura son
pervivencias goticistas.
Al fondo de la escena podemos ver a Adán y Eva que aluden a que, con el
nacimiento de Cristo,el hombre va a ser redimido del pecado original.
o Frescos del convento de San Marcos (1438-50)
En 50 frescos imparte un mensaje de espiritualidad a sus hermanos de
religión, donde vuelve a dar muestras de su arte ingenuamente minucioso y
detallista a la manera gótica.
El sociólogo Frederick Antal ha observado que este “conservadurismo”
pictórico estaba patrocinado por la Iglesia y la aristocracia toscana, aliada con
la tradición.
Tommaso di Giovanni, apodado Masaccio (Arezzo, 1401, Roma 1428)
Biografía
o Impresiona por su precocidad.
o Murió con apenas 27 años, pero , pese a su corta carrera, es el fundador de la
pintura moderna.
o Su formación tiene como maestro al pintor Masolino, pero en realidad los verdaderos
inductores de la nueva pintura de Masaccio son el arte de Brunelleschi y Donatello.
Estilo
o Técnicamente es el primer artista que construye con el color, preocupándose del
volumen y de los efectos tridimensionales.

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o Sus creaciones se caracterizaban por el modelado severo, sin ninguna concesión a
la dulzura decorativa medieval.
Obras:
o Frescos de la Capilla Brancacci (1425), en la iglesia del Carmine (Florencia)
Felice Brancacci es un acaudalado comerciante de sedas que quiere decorar
su última morada con un ciclo iconográfico dedicado a San Pedro.
El encargo debe compartirlo con Masolino di Panicale.
El tributo de la Moneda:
• Descripción y sentido:
o La obra narra el episodio evangélico en el que Cristo, convencido
de que “hay que dar al César lo que es del César”, manda a
Pedro a que cumpla con esta obligación.
o Fragmenta en tres escenas yuxtapuestas, pero no siguen un
orden cronológico, pues el primer hecho se narra en el centro, el
segundo a la izquierda y el tercero a la derecha.
En el centro, Cristo es requerido por el recaudador de
impuestos de Cafarnaún para que pague el derecho de
portazgo antes de entrar en la ciudad, entonces encarga
el Señor a San Pedro que pesque un pez en el lago de
Genezaret, en cuyas entrañas hallará la moneda
solicitada por el funcionario.
Este episodio aparece a la izquierda, y el pago del tributo
a la derecha.
o La razón de esta disposición es que no se intenta exaltar el
milagro, sino sobre todo exaltar una actitud, una postura ética, en
este caso de Cristo, de cumplir con las obligaciones cívicas de
una manera decidida.
o Por tanto, las tres escenas están hilvanadas con el mismo
significado moral, si bien se conserva la tradición medieval de
representar al unísono las distintas escenas de un mismo hecho.
o Entre los apóstoles, el situado en último plano es un autorretrato
de Masaccio.
• Aspectos técnicos:
o Desde el punto de vista plástico la obra es revolucionaria.
o Destaca el grupo central, que adquiere una apariencia de masa
compacta, de bloque: ¿cómo lo adquiere?
A través del tratamiento delos volúmenes, prescindiendo
delo anecdótico.
Con un tratamiento de las figuras monumental, pesado y
con matices “escultóricos”
La luz incide con toda rotundidad en Cristo y el grupo, con
lo que se reafirma su protagonismo.
Interrelación psicológica de los personajes que relaciona a
todos ellos entre sí y a todos con el gesto imperativo de
Cristo.
o No existe tampoco aislamiento entre las escenas representadas.
La escena de la derecha se coordina con la principal
gracias al efecto de perspectiva lineal logrado por las
arquitecturas que enmarcan la escena.
De nuevo una arquitectura brunelleschiana sirve de marco
a la acción de Pedro pagando al recaudador

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Los brazos de Cristo y Pedro nos dirigen visualmente de
modo directo hacia la escena del milagro.
o El paisaje del fondo, prácticamente desierto, insiste en la idea
plástica de su autor, la rotundidad de sus imágenes.
o La Trinidad (1426), iglesia de Santa María Novella de Florencia:
Junto a estos logros, Masaccio también manifiesta el conocimiento de la
perspectiva de Brunelleschi.
Este fresco constituye el primer documento conservado de la perspectiva
matemática aplicado a la pintura renacentista.
Descripción:
• El Calvario, el Padre Eterno y los donantes se recortan sobre un
tabernáculo fingido, cubierto con una bóveda acasetonada, que crea en
el espectador un efecto ilusionista de profundidad.
• Debajo pinta una falsa mesa de altar con un esqueleto y la tétrica
inscripción: “Yo fui antaño lo que sois vosotros, y lo que soy ahora, lo
seréis mañana”.
Piero della Francesca (Borgo San Sepolcro –arezzo-, 1420-1492)
Biografía:
o Se educa en Florencia, donde entabla amistad con su paisano Giovanni Bacci,
miembro de la administración papal y protagonista de las aventuras religiosas más
apasionantes de su época
Su preocupación es unir las Iglesias de Oriente y Occidente, cuyo acuerdo fue
anunciado momentáneamente en el Concilio de Ferrara.
Piero contribuirá con su arte en esta idea.
o Piero, además de pintor sacro, es retratista cortesano de príncipes y tiranos del
Quattrocento.
o La corte de Urbino será su patria adoptiva:
Aquí da cima a sus escritos sobre perspectiva.
Aquí entra en contacto con la pintura y con los pintores flamencos, cuya
técnica de las veladuras al óleo copiará.
o Al final de su vida, quedará ciego, después morirá.
o Las características de su arte las expondrá al final de su vida en los tratados: De
prospectiva pingendi y Libellus de quinque corporibus regularibus.
Estilo
o La herencia de Masaccio va a ser superada por Piero, al combinar la luz y el color en
la construcción del volumen.
o Características:
Modelar al hombre, a los objetos y al paisaje mediante la fusión de luz y color.
Reducir la Naturaleza a figuras geométricas.
Usar la perspectiva con rigor matemático.
Los rostros impasibles y la construcción de figuras robustas, de aspecto
geométrico, son claves tradicionales de su estilo
o Su modo de pintar lo convertirán en precursor de Cézanne.
Obras:
o Historia de la Vera Cruz, basílica de San Francisco de Arezzo (1460)
Piero contribuirá a la idea de Giovanni Bacci, con su arte en la capilla familiar
de esta familia en la basílica de San Francisco, que decora con esta historia.
La serie consta de diez episodios extraídos de la Leyenda Dorada:

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• que comienzan en el momento en que los hijos de Adán, al dar
sepultura a su padre, colocan bajo su lengua la simiente del árbol, de
cuya madera se haría luego la cruz de Jesús.
• Este árbol fue talado por Salomón y su tronco utilizado en la
construcción del puente que salvaba el estanque situado delante de su
palacio.
• La reina de Saba lo reconoció cuando visitaba Jerusalén y “sobrecogida
de respetuosa reverencia, no osó hollarlo con los pies, sino que lo
adoró devotamente.
• El ciclo sigue con las escenas que siguen a la resurrección de Cristo: el
descubrimiento de la reliquia por Santa Elena, su pérdida a manos de
los persas y su recuperación por el emperador Heraclio que, con ella a
cuestas, de pie y descalzo, hace su entrada en Jerusalén.
• En el encuentro de Salomón con la reina de Saba, Piero alegoriza la
unión entre la Iglesia Romana y la Griega.
La cronología de esta epopeya se extiende entre 1452 y 1460
Hallazgo de las tres cruces y comprobación de la Vera Cruz (1460)
• Descripción:
o Según la leyenda dorada, tras haber descubierto Santa Elena las
tres cruces en el Calvario, y no sabiendo distinguir la
perteneciente a Cristo de las de los ladrones, las puso en medio
de la ciudad, esperando allí la gloria del Señor.
o Y hete aquí que, llevando a un hombre joven que había muerto a
enterrar, se detuvo el féretro y se le puso las dos primeras
cruces sobre la cabeza sin resultado; se puso entonces la
tercera cruz y al momento resucitó.
• Piero divide la composición en dos escenas yuxtapuestas:
o A la izquierda la excavación arqueológica en laque se
desentierran las cruces.
o A la derecha el milagro de la resurrección del joven.
o Al fondo, la ciudad de Arezzo y la fachada de la basílica de San
Francisco.
o Piero como artista cortesano de los príncipes y tiranos del Quattrocento:
Retrato de Segismundo Malatesta, en Rimini.
Retrato de Lionello d’Este, en Ferrara.
Retrato de los duques Federico de Montefeltro y Battista Sforza, en
Urbino.
o Virgen de Senigallia (1470)
Es un ejemplo de la seducción que sintió Piero della Francesca por la pintura
de los Países Bajos.
Uno de los primeros testimonios italianos de la Virgen representada en el
interior de un edificio.
El preciosismo de las joyas, las veladuras y la luz filtrada por la ventana
revelan el conocimiento de la técnica flamenca.
Aparecen las típicas figuras robustas, de aspecto geométrico, características
de su estilo.
o Pala Brera (1470)
En Milán
o La Virgen con el Niño, Santos y Federico de Montefeltro (1472)
La obra:

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• Obra pintada por encargo de Federico de Montefeltro, duque de Urbino,
que a su papel de soldado unía el de protecto de los artistas.
El artista:
• Los especialistas piensan que esta obra es una de las últimas pintadas
por el artista.
• Piero había conocido a Alberti en Rímini y se hallaba muy influenciado
por sus esquemas arquitectónicos que intenta transmitir en el fondo de
la composición.
• Se ha supuesto que en el cuadro trabajarían algunos colaboradores del
pintor, que debió de padecer una grave miopía. Eso explica que la
última etapa la dedique a redactar tratados en los que explica la
trascendencia de la perspectiva y los cálculos matemáticos aplicados a
la pintura.
Análisis formal:
• La composición aparece marcada por un eje de simetría formado por el
grupo de la Virgen y el Niño dormido sobre sus rodillas.
• Se produce una diferenciación de planos de profundidad, fruto de los
estudios previos de perspectiva:
o El duque, arrodillado y de perfil, figura en primer término.
o Seguido por la Virgen, elevada sobre un pequeño estrado.
La figura central está flanqueada por dos grupos de tres
santos, caracterizados de modo muy natural
o Un grupo de ángeles se coloca al fondo, con expresiones más
idealizadas.
• La luz lateral tiene mucha influencia en la construcción del cuadro y
acentúa el volumen.
• La escena transcurre en el interior de un edificio que expresa los
nuevos postulados renacentistas en todos sus elementos constructivos.
Significado:
• El tipo de cuadro hunde sus raíces en el mundo tardomedieval, donde
el donante comenzó a retratarse en los cuadros religiosos.
• En este caso el donante se sitúa en el mismo plano físico que la Virgen
y los santos, formando parte de una escena de la que es espectador
privilegiado
• El cuadro es además un ejercicio de perspectiva, que se pretende
acentuar con esa forma oval que cuelga de una cadena en el extremo
de la venera. Su disposición ayuda a lograr una impresión de mayor
profundidad en la escena.
Sandro Botticelli (Florencia, 1447-1510)
Biografía
o Su formación se produce en el talle de Fray Filippo Lippi primero, y después en el de
Verrochio, taller en el que coincidirá con Leonardo que sólo es siete años más joven
que él.
o Lorenzo el Magnífico, de la familia Medici, influirá en el artista:
Junto con Angelo Poliziano, Pico della Mirandola y Marsilio Ficino, creadores
del ambiente neoplatónico, del que se nutrirá Botticelli.
o También el monje fanático Girolamo Savonarola, condicionará la obra del artista al
final de sus días.
o Vasari informa que se formó en un taller de orfebrería.

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o En 1470 trabajaba en Florencia como artista independiente, convirtiéndose en el
pintor favorito del círculo neoplatónico de los Medici.
o La pintura que desarrolla es mitológica y tiene un contenido moralizante.
Estilo:
o Es el mejor decorador lineal que haya habido en Europa, según proclama el crítico
del siglo XIX Bernard Berenson.
o A partir de 1492 su estilo cambia radicalmente:
El encanto de la línea caligráfica se torna en nerviosismo dramático con la
muerte de Lorenzo y la predicación de Savonarola.
El dominico estaba enfrentado a los neoplatónicos, posteriormente critica a los
coleccionistas de cuadros mitológicos y contra los pintores
Botticelli que se ha convertido en un ferviente seguidor del fraile, ilustra sus
sermones y destierra el espíritu profano de su producción.
Sus últimas obras están empapadas de un fuerte sentimiento religioso, que
enlaza con la espiritualidad gótica.
Obras:
o Para la villa de Castello, propiedad de Lorenzo de Pierfrancesco, sobrino de Lorenzo
el Magnífico y alumno de Poliziano, Pico y Ficino, realiza dos cuadros singulares: La
Primavera y El Nacimiento de Venus, que simbolizan, respectivamente, el “Amor” y la
“Belleza”
o La Primavera (Uffizi, Florencia), 1482
Es un horóscopo destinado a celebrar las bodas de su propietario.
Descripción:
• Ante un bosquecillo de naranjos y flores, Venus, que es la divinidad
tutelar de la educación humanista, libera por una parte a las Gracias,
que bailan a su derecha, junto a Mercurio, y por otra a Flora, situada a
la izquierda, que es producto de la unión carnal entre el viento Céfiro y
la ninfa Cloris.
• Sobre Venus, Cupido dirige sus flechas hacia las Tres Gracias
(servidoras de Venus y muy apreciadas por los neoplatónicos que les
atribuyen sus mismas virtudes), situadas a la izquierda y más
concretamente hacia una de ellas, Castitas, colocada en el centro de
las tres.
• A su vez, a la izquierda, Castitas mira al dios Mercurio, mensajero de
los dioses y por ello, nexo de unión entre la Tierra y el Cielo.
Análisis formal:
• La composición muestra una disposición simétrica, con una figura
central (Venus) que parte en dos mitades la historia y marca el eje.
• Las actitudes son serenas y ensimismadas, intentando captar una
belleza idealizada.
• Los colores empleados en los vestidos son muy pálidos, con
transparencias, a través de las cuales puede observarse la anatomía
del desnudo.
• La luz impregna uniformemente la escena, sin contrastes violentos.
• El tratamiento naturalista del paisaje, como telón de fondo, sirve para
situar la escena.
• El ambiente de este mundo neoplatónico se refuerza con la ausencia
de perspectiva, con el protagonismo de la línea, quede nuevo marca los
ritmos suaves y danzarines de las figuras, con un detallismo minucioso
que hace de esta tabla un inventario de botánica, y finalmente, esos
rostros delicados, casi de porcelana, tan característicos de Boticelli.
Interpretación:

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• Por medio de este complejo relato temático se crea un círculo
neoplatónico del Amor:
o El amor que surge en la Tierra como Pasión (la de Céfiro),
regresa al Cielo como Contemplación (la de Castitas hacia
Mercurio, que mira hacia lo alto meditabundo).
o Es decir, que el amor sensual y carnal no es el verdadero (de
hecho, desaparece al tocarlo como ocurre con la metamorfosis
de Cloris) debe convertirse para ser real en un amor
contemplativo, espiritual, en fin, platónico.
• En las teorías neoplatónicas, que buscaban la reconciliación entre el
mundo pagano y el mundo cristiano, Venus es la imagen de la pureza y
la armonía entre la Naturaleza y el espíritu, por eso se sitúa en el centro
de este espacio ideal.
• Botticelli ha representado la doble Naturaleza del amor: la gracia de las
artes liberales y los vientos de la pasión en un paisaje de ensueño.
• O de otro modo: la novia, al mismo tiempo casta y sensual, que siempre
hará feliz al esposo.
o El Nacimiento de Venus (Uffizi, Florencia), 1482
Descripción:
• La tabla representa el nacimiento de Venus de las aguas, empujada a
la playa por el soplo de Céfiro, entre una lluvia de rosas, siendo
finalmente recibida por Flora, diosa de la vegetación y la Naturaleza.
• De nuevo Céfiro y Cloris aparecen en esta pintura.
• Según la mitología, Venus nació de los testículos de Urano al contacto
con el mar, cuando fue castrado por Cronos.
Aspectos formales:
• Pintura plana, grácil, etérea, en laque tanto personajes como elementos
del paisaje se abstraen de la materia y de la realidad.
• Prevalece la línea sinuosa y sensual, desentendiéndose del volumen y
la perspectiva. Tal es la idealización que las olas del mar se reducen a
un mero esquematismo de pequeñas líneas todas iguales.
• La composición vuelve al esquema triangular:
• La luz cenital, de brillos inmaculados
• El color, de tonos alegres, pero en el que impera un ámbito verde-
azulado.
• Importante subrayar la recuperación del desnudo como imagen de
belleza espiritual, si bien se trata de un desnudo puro y recatado.
Significado:
• La temática del cuadro insiste en la idealización platónica.
• Ficino interpretó esta leyenda como el nacimiento de la Belleza en la
mente del hombre a través de la fertilización de la divinidad.
o Palas domando al centauro (Uffizi, Florencia) 1482.
El modelo femenino de graciosa postura y armoniosos bucles se repite en esta
obra.
Representa la Sabiduría al haber nacido de la cabeza de Júpiter.
Y los anillos que decoran su vestido son el emblema de Lorenzo el Magnífico.
La obra, se convierte así en una alegoría del cocimiento político de Lorenzo y
de su buen gobierno sobre la ciudad de Florencia.

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3. EL CINQUECENTO Y LA CRISIS DEL MANIERISMO EN ITALIA.
3.1.- CARACTERÍSTICAS GENERALES
Cinquecento:
o El propio nombre de Cinquecento alude al segundo ciclo del Renacimiento en Italia,
en el siglo XVI.
o Con el concepto de Cinquecento hablamos de un periodo de Renacimiento pleno, de
apogeo en las novedades introducidas por el Quattrocento, pero que apenas dura
dos décadas
o Rasgos:
Durante el Cinquecento se mantuvieron ciertos aspectos característicos del
Primer Renacimiento, como el apego a las pautas clásicas.
Pero también se produjeron transformaciones en la Italia de la época:
• La intervención militar de países extranjeros (España o Francia)
• La decadencia de algunas repúblicas independientes
• La recuperación política del papado, cuyo nuevo mecenazgo convertirá
a Roma en la capital artística del mundo.
• Florencia pierde el protagonismo que había tenido durante el
Quattrocento.
Sigue existiendo un vivo interés por los restos arqueológicos conservados de
la Antigüedad clásica: en 1506 se descubre el Laocoonte, que tanta
repercusión tendrá en el arte de aquel momento
También hay cierta inquietud por cotejar y comparar las teorías de los
tratadistas clásicos con los postulados del momento.
Sigue existiendo un modelo antropocéntrico, aunque las obras artísticas
adquieran mayor monumentalidad
Se potencia el carácter científico de la obra de arte, siendo en este sentido las
mayores aportaciones las de Leonardo y especialmente su concepto de la
perspectiva aérea.
También es creciente el prestigio de los grandes artistas cuya cotización
aumenta continuamente. Fenómeno que va transformando el modelo de
formación de los artistas, que del aprendizaje en el taller y con el maestro se
transforma en una docencia más regulada y sistematizada.
o Arquitectura:
Destaca la construcción de nuevos palacios, de una mayor magnificencia que
en el siglo anterior, y de nuevos templos que buscan un distinto planteamiento
con la centralización de sus plantas.
En este sentido la construcción del Vaticano marca un hito en toda la centuria
Algo más tarde llegará el legado de las villas realizadas por Palladio.
o Contexto:
La muerte de Lorenzo el Magnífico en 1492 marca el fin de Florencia como
capital italiana del arte renacentista.
Roma le sucede durante el primer tercio del siglo XVI, dando origen al
“Renacimento clásico”
Es la época de los grandes genios (Miguel Ángel, Rafael y Leonardo)
Tambien es la época del capitalismo económico, del fortalecimiento del estado
moderno, de las reformas religiosas y de los descubrimientos geográficos.
o Pontificados:
Roma va a vivir bajo los pontificados de Julio II y León X una Edad de Oro de
las artes.
Julio II (1503-13)

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• Se declara heredero de los Césares y recordaba con ello la supremacía
de Roma como Caput Mundi.
• Fue un papa militar, amante de la guerra y de la expansión de los
estados pontificios. Sin embargo fue un mecenas de las artes.
• Actividades:
o Inicia la construcción de la Basílica del Vaticano,
o Ordena la decoración de la Capilla Sixtina y de las Estancias.
o Fomenta las excavaciones arqueológicas: Laoconte, Hércules
Farnese, Apolo Belvedere, Venus de Milo.
o La copia de dichas obras fue lo que permitió a los escultores del
siglo XVI,en opinión de Vasari, superar a los del Quattrocento y
alcanzar la perfetta maniera.
León X (1513-21):
• Patrocina otro tipo de hallazgos
o Se han encontrado en la Domus Aurea numerosas galerías
cuyos pasillos reciben el nombre de grutas y grutescos sus
pinturas. La temática es caprichosa y monstruosa, pero Rafael la
elige para decorar las logias vaticanas, que estaban terminadas
en 1519.
o Vasari dirá que es la decoración más bonita que puedan
contemplar ojos humanos.
o Sus propagandistas van a ser los colaboradores de Rafael que
graban en estampas estos motivos y los difunden por toda
Europa.
Manierismo:
o Concepto:
El nombre de Manierismo se tomó del término italiano “maniera”, que alude a
una forma propia, personal y con un hondo sentido espiritual de entender el
arte.
o Cronología:
Se iniciaría en 1520, con las últimas obras de Rafael primeras de Miguel
Ángel, al que hay que considerar el punto de partida de una ruptura personal,
respecto al lenguaje clásico.
También aparece un foco de Manierismo en Florencia, incluso antes, a partir
de 1515 y que protagonizan Pontormo y Rosso.
o Contexto
Este espíritu triunfante sufre una gravísima crisis en 1527:
• El saqueo de Roma, el creciente dominio español en Italia y los
alarmantes avances de la Reforma protestante siembran de dudas a los
artistas.
• Además los artistas caen en la exagerada imitación de Leonardo,
Rafael o Miguel Ángel.
• La copia de la maniera personal de los grandes maestros, pero
vaciándola de contenido y deformándola es lo que se ha llamado
Manierismo.
o Surgen imágenes sinuosas, alargadas o cuadradas.
o Composiciones confusas por el frenesí
o Uso de la luz nocturna y colores tornasolados.
o Cambios
La tensión frente al equilibrio clásico.
El agobio espacial frente a la amplitud.
La luz tremolante y vívida frente a la homogénea.

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El cromatismo intenso frente al suave.
La volumetría frente a la gracilidad.
La expresividad frente al idealismo.
La inquietud, la sorpresa y la zozobra frente al orden.
La impresión general de estas obras es de tensión y ruptura de las reglas del
arte clásico.
3.2.- LA ARQUITECTURA: BRAMANTE, MIGUEL ÁNGEL Y PALLADIO
Características generales
Cinquecento:
o Arquitectura:
Destaca la construcción de nuevos palacios, de una mayor magnificencia que
en el siglo anterior, y de nuevos templos que buscan un distinto planteamiento
con la centralización de sus plantas.
En este sentido la construcción del Vaticano marca un hito en toda la centuria
Algo más tarde llegará el legado de las villas realizadas por Palladio.
Donato Bramante (Urbino, 1444-Roma 1514)
Biografía:
o Sus comienzos los realiza enlas cortes de Federico de Montefeltro en Urbino y de
Ludovico Sforza en Milán.
En Urbino adquiere los conocimientos de la perspectiva arquitectónica.
En Milán el ideario de los edificios de planta central.
o A partir de 1500 reelabora estas experiencias junto con el conocimiento en Roma de
su pasado clásico.
Estilo:
o Representa la severidad arquitectónica.
o Inaugura un estilo solemne, presidido por la potencia del orden dórico, sin ninguna
concesión ornamental.
Obras:
o Templete de San Pietro in Montorio (1502)
La obra:
• Su primer trabajo importante en Roma fue para la corona española. Los
Reyes Católicos deciden consagrar en Roma una iglesia a San Pedro
en el lugar donde una tradición creía que fue martirizado.
• Bernardino de Carvajal, embajador español ante la Santa Sede
encargaba a Bramante un Templete en el patio, para recordar el punto
exacto donde se enclavó la cruz.
Descripción:
• La planta del edificio es centralizada, y todo el diseño repite la forma
circular:
Los distintos espacios (escalinata, pórtico, muro de cierre,
cúpula) se disponen en círculos concéntricos.
El edificio es períptero, rodeado de un pórtico dórico coronado
por una balaustrada.
• El cuerpo superior, formado por una cúpula sobre un tambor rematada
por una linterna, está concebido como un clindro dentro de otro cilindro,
que es el pórtico.
• El material usado es el granito
Significado:
• Es uno de los momentos más brillantes de la arquitectura renacentista.

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• Es un edificio con una función conmemorativa.
• Tiene una enorme riqueza simbólica: el círculo y la cúpula simbolizan el
mundo
• Desde su inauguración se convertirá en canon de belleza arquitectónica
y símbolo del estilo clásico.
o Ampliación del Palacio Vaticano
El proyecto consistía en unir la residencia de invierno con el palacio del
Belvedere, utilizado como pabellón de verano.
Ambos edificios están separados por 300 metros en declive.
Articula un conjunto suntuoso:
• Inspirándose en las villas romanas y en sus parques en terraza,
construyó un patio inferior, previsto como escenario de torneos, y dos
jardines superiores, a los que se accede por escaleras monumentales,
donde fueron colocadas las estatuas antiguas que iban apareciendo,
presididas por el Laoconte.
• Luego cerró las alas del rectángulo con galerías de tres pisos,
basándose en la ordenación del Coliseo y dispuso en el frente principal
una exedra o nicho.
• El acondicionamiento de este espacio le convertirá en un maestro de la
perspectiva arquitectónica.
o Construcción de San Pedro Vaticano (1506-1623)
La obra:
• El empeño por demoler la basílica paleocristiana de San Pedro se debe
a Julio II, influido por la idea de su propia muerte:
El papa quiere asociar su mausoleo con el del Apóstol
En 1506 se colocaba la primera piedra. Previamente había
confiado su sepulcro a Miguel Ángel
Proyectos:
• La planta de Bramante:
Bramante diseña un edificio de planta central, con forma de cruz
griega inscrita en un cuadrado de ábsides salientes.
Las cubiertas serían cúpulas. El empuje de la situada en el
crucero sería contrarrestada por otras cuatro más pequeñas
elevadas sobre las capillas de los ángulos.
Todo estaba inspirado en modelos clásicos
A su muerte sólo se habían erigido los gigantescos pilares
maestros.
En años sucesivos varias innovaciones rompieron el plan
previsto.
Una idea aproximada de cómo sería su interior la ofrece Rafael
en La Escuela de Atenas, donde retrata a Bramante haciendo
mediciones con un compás.
• El proyecto de Rafael:
Fue Bramante quien recomendó a Rafael al nuevo papa León X
como su sucesor más idóneo.
Su proyecto difiere del anterior, debido al interés del nuevo papa
en regresar a los planteamientos de cruz latina.
Rafael proyecta un edificio de tres naves con capillas y un amplio
crucero rematado en sus brazos por amplias exedras
semicirculares y con deambulatorio, prácticamente iguales al
ábside central, con el que configuran un espacio equidistante,

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que conserva, de este modo, el planteamiento centralizado de
Bramante.
Rafael no pudo concluir su obra porque murió muy joven.
• El proyecto de Sangallo el Joven:
A Rafael le sucede Antonio de Sangallo el Joven.
Desestima el plan de Rafael y la disposición de sus naves que se
considerarán “callejones oscuros”.
Vuelve al planteamiento centralizado de Bramante, pero no del
todo, porque sitúa un cuerpo previo coronado en las esquinas
por cuatro altas torres.
• La solución definitiva de Miguel Ángel:
Al morir Sangallo, el papa Paulo III encomienda la obra a Miguel
Ángel.
Respeta plenamente la planta centralizada
Abre una sola entrada principal y no una en cada brazo, como
ideara Bramante y coloca en el centro cuatro enormes pilares
ochavados que sirvieran de soporte a una cúpula aún mayor que
la ideada por Bramante.
Miguel Ángel Buonarroti (Caprese –Arezzo- 1475- Roma, 1564)
Biografía
Estilo
Obras
o Sacristía Nueva en la basílica de San Lorenzo, Florencia, 1520-1534
Objetivos:
• Que hiciera juego con la Sacristía Vieja de Brunelleschi.
• Que sirviera como capilla funeraria a cuatro miembros de la familia
Medici:
Lorenzo el Magnífico y Giuliano, padre y tío del pontífice.
A sus descendientes homónimos: Lorenzo II, duque de Urbino y
Giuliano, duque de Nemours.
Proyecto:
• La prematura muerte del papa motivó que los sepulcros se redujeran a
los dos últimos y que las obras se dilatasen hasta que otro Medici,
Clemente VII llegó a la cátedra de San Pedro.
• En la Sacristía, Miguel Ángel imprime una tensión nerviosa al esquema
brunelleschiano, mediante la utilización de frontones curvos y ventanas
ciegas, que iba a ser característico de su producción arquitectónica.
o Biblioteca Laurenziana, en la Basílica de San Lorenzo (1524-34):
En el mismo edificio realiza también la Biblioteca Laurenziana.
Consta de Sala de Lectura y el vestíbulo
Sin embargo en este último los soportes no sostienen, dado que las columnas,
en vez de sobresalir, se disimulan, y la escalera de acceso unifica sus tres
accesos en uno por razones exclusivamente expresivas.
Miguel Ángel, innovador en tantos campos, daba aquí la venia para utilizar la
gramática clásica de forma anticlásica.
Destaca la Escalera laurenziana
• La escalera de acceso, exenta y con todo el protagonismo, resulta de
un medido juego óptico en la distribución de los volúmenes en un
espacio pequeño.

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• En ella hizo tan valientes roturas de peldaños y lo varió todo de tal
manera respecto a la común usanza de los antiguos que cuantos lo
veían quedaban admirados.
o Cúpula de San Pedro Vaticano (1561)
Miguel Ángel se desquita de la rencorosa enemistad de Bramante, vinculando
su nombre para siempre al de la Basílica vaticana y al perfil monumental de
Roma
o Porta Pía
o Plaza del Capitolio
Andrea di Pietro della Góndola, llamado Palladio (Padua 1508-Vicenza, 1580)
Biografía
o El arquitecto recibe el sobrenombre de Palladio en alusión a la sabiduría y armonía
grecorromanas que hacía revivir en sus obras.
o Tras una etapa como cantero y escultor en Padua, se traslada a Vicenza, cuya
imagen urbana renovaría.
o En 1570 publicaba en Venecia I Quattro Libri dell’Archittetura, dedicados
respectivamente a los órdenes, los edificios domésticos, los edificios públicos y los
templos, que tendrán una enorme repercusión en toda Europa, convirtiéndose en el
breviario de los arquitectos neoclásicos, debido a la claridad expositiva del texto y a
la calidad gráfica de los planos.
Estilo:
o Su preocupación máxima fue adaptar las formas de la Antigüedad a las necesidades
modernas, alumbrando un repertorio de obras civiles que brillan con el mismo
resplandor que las religiosas
Entre las primeras sobresalen la basílica, la villa y el teatro.
Entre las segundas destaca la iglesia.
o Palladio es el renovador iconográficos de las basílicas, las villas, los teatros y las
iglesias.
Villas: Sus realizaciones más características son las bellas y cómodas villas
campestres, diseminadas entre Vicenza, Verona y Venecia.
• Construýó cerca de treinta.
• Su diseño responde a dos necesidades:
o Ser lugares de ocio
o O centros productivos
Iglesias:
• Sus obras religiosas se concentran en Venecia, desarrollando plantas
de cruz latina y fachadas articuladas por la conjunción de dos frontones.
o Es característico en su estilo, la repetición seriada de un módulo, que ha pasado a la
historia del arte con el título de “tramo rítmico palladiano”:
Consiste en inscribir un arco de medio punto y dos dinteles laterales apeados
sobre columnas de orden normal, en un marco arquitrabado con columnas de
orden gigante.
Obras:
o Basílica de Vicenza o Palacio de la Razón, 1549.
En 1549 ganaba el concurso para revestir con una envoltura pétre dicha
basílica, un edificio gótico de planta trapezoidal.
Descripción:
• Delinea una fachada de dos plantas (la de debajo de orden dórico y la
de arriba jónica) a partir de la repetición seriada de su módulo o tramo.

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• El edificio, donde el Consejo Municipal administraba justicia, presenta
como característica esencial la combinación arco/dintel en las galerías,
que ha llegado a conocerse con el nombre de “tramo rítmico palladiano”
o “motivo palladiano”
o Villa Capra, llamada “La Rotonda” (1551-1569), Vicenza.
La obra:
• Pertenece al tipo de villa como lugar de ocio.
• Fue encargada por el canónigo Paolo Almerico. Posteriormente el
prelado la cedió a la familia Capra, que en 1569 decidió completarla con
una cúpula.
• Concebida como una segunda vivienda para la alta sociedad, que
buscaba refugio pacífico frente a la ajetreada vida urbana.
Análisis formal:
• Consta de un salón central cubierto con cúpula y cuatro pórticos con
frontón, que actúan como galerías, desde la que se puede gozar de la
campiña.
• Palladio rechaza las decoraciones recargadas y desarrolla un estilo
cúbico sencillo
Significado:
• En sus obras supo sintetizar funcionalidad y simbolismo.
• Son características de su estilo el libre uso de la tradición clásica, el
reflejo de interior en la fachada y la relación entre el edificio y la
naturaleza
o Villa Barbaro (1551-58)
Pertenece al tipo de villa como lugar de negocio.
Es el testimonio de la granja o centro de explotación agrícola, donde los
patricios buscaban fortuna como colonos y terratenientes.
La decadencia de Venecia en el comercio mediterráneo aconsejaba a los
aristócratas invertir en antiguas posesiones baldías.
Diseño:
• Palladio diseña un cuerpo central de viviendas y dos alas para incluir
almacenes, establos, bodegas y graneros.
o Teatro Olímpico de Vicenza
El éxito de sus teatros provisionales de madera motivó que la Academia
Olímpica de Vicenza le solicitase los planos de uno estable.
Palladio, inspirándose en los modelos romanos, construyó una estructura
semielíptica cerrada por un escenario con decoración en perspectiva, que
ofrece permentemente las calles de Tebas, tal como se concibió para
interpretar la tragedia inaugural de Edipo Rey.
o Iglesia de San Francesco de la Vigna (1562-1570)
o Iglesia de il Redentore (1577-80)
o Complejo monástico de San Giorgio Maggiore (1566-1597)
Tras la muerte de Palladio, su discípulo Simón Sorella procedió a revestir la
fachada con mármoles.
3.3.- LA ESCULTURA: MIGUEL ÁNGEL
Características generales de la escultura del siglo XVI
Cinquecento:
o En los primeros años del siglo XVI tiene lugar la consolidación de los modelos y el
máximo auge de la escultura, de acuerdo con los postulados renacentistas.

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o El período de experimentación del siglo XV concluye con el dominio de la técnica,
de las formas y de los materiales.
o Aumenta el interés por lo monumental: es el momento de las grandes esculturas
de bulto redondo, frente al relieve y el estudio de la profundidad de los volúmenes
sobre el plano del siglos anterior
Manierismo:
o La grandeza de Miguel Ángel eclipsa la mayor parte de los escultores que
intentan seguir sus logros sin conseguir su fuerza.
o Se desarrolla un tipo de escultura que rompe la armonía del período anterior,
como había sucedido en la pintura, con composiciones abiertas y formas en
tensión.
o Se consigue una gran esbeltez y refinamiento con la elegancia de líneas que se
cruzan y el empleo de ejes helicoidales.
o Ejemplo: Juan de Bolonia: El rapto de las Sabinas (1583)
Representa los principios del Manierismo empleando en sus esculturas un
esquema que ya había utilizado Miguel Ángel: la línea serpentinata que
consiste en el movimiento giratorio del cuerpo sobre un imaginario eje
interior.
El resultado produce un contrabalanceo de la figura y una sensación de
inestabilidad y movimiento permanente.
Miguel Ángel Buonarroti
o La fascinación que ejerció Miguel Ángel sobre sus contemporáneos llega a la
veneración absoluta.
o Fue el único artista del siglo XVI a quien se dedican en vida tres biografías.
o Fue arquitecto, urbanista e ingeniero, poeta y pintor, sobresaliendo con maestría
en todos los campos, pero el artista se consideraba fundamentalmente un
escultor.
o Forja su genio en el jardín mediceo de la Plaza de San Marcos, en Florencia,
donde estudia las obras antiguas coleccionadas por Lorenzo el Magnífico.
o A la muerte de Lorenzo el Magnífico, se pone de parte del gobierno popular
promovido por Savonarola y, tras la caída del dominico, abandona Florencia,
estableciéndose en Roma
o Su estancia en Roma en los últimos años del siglo XV y comienzos del XVI le
pone en contacto con las grandes creaciones del pasado y forma su estilo
(Piedad del Vaticano)
o En 1564, trabajando la Pietá Rondanini cayó enfermo y poco después moría a los
noventa años de edad.
Estilo:
o Ideas generales:
Su obra representa la perfección de la escultura.
Aunque empleó otros materiales, trabajó fundamentalmente el mármol
blanco de Carrara, para crear obras caracterizadas por la grandiosidad, el
estudio perfecto de la anatomía y la fuerza interior de los persoajes.
Su obra está influenciada por la escultura clásica y las formas equilibradas
de Donatello.
o Evolución de su estilo:
Etapa juvenil o “dulce”:
• Miguel Ángel se impregna del ambiente humanista y neoplatónico
• Obras:

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o Virgen de la Escalera
o Piedad
o David
Etapa de madurez o estilo “terrible”:
• Caracteriza esta etapa dos elementos:
o La potencia dramática o terribilitá
o El inacabado o non finito
• Obras:
o Sepulcro de Julio II
o Sepulcros mediceos
Etapa final:
• A partir de 1550 Miguel Ángel ya sólo realiza variaciones sobre un
tema iconográfico que le ha conmovido desde la juventud: la Piedad
de María.
• En los últimos años de su vida su estilo evoluciona hacia formas que
anuncian el drama y la tensión de la escultura barroca,abandonando
los modelos heroicos anteriores.
Obras:
o Virgen de la Escalera (1489-92)
Inspirado en representaciones de sarcófagos e influido por la técnica
donatelliana del schiacciato.
Vasari recuerda que quiso expresamente imitar la manera de Donatello,
haciéndolo tan bien que parecería mano de éste, si no fuera porque tiene
más gracia y más dibujo.
o Baco (1498; Museo del Bargello, Florencia):
En Roma esculpe un Baco, al que da “la esbeltez de la juventud masculina
y la carnosidad y redondez femenina”.
Fue adquirido por el banquero Jacopo Galli, y este financiero le consigue
un encargo al presentarle al cardenal Jan Belhéres de Lagraulas,
embajador francés ante la Santa Sede.
o Piedad (1498-99; Basílica de San Pedro Vaticano)
La obra:
• Fue un encargo de Jan Belhéres de Lagraulas para su tumba.
• En 1499 la terminaba, convirtiéndose en prototipo de imagen devota
para el arte cristiano.
• Es la primera vez que acomete este tema iconográfico, al que
volverá en su ancianidad, y la única ocasión en que firma un trabajo,
revelando la satisfacción que sintió por el resultado obtenido.
Análisis formal:
• Vasari explica que la belleza juvenil de María se debe a que es
símbolo de la pureza inmaculada, y que su desproporción con
respecto al pequeño cuerpo de Cristo responde a la calculada
composición piramidal del grupo.
o David (1501-1504, Academia de Florencia)
La obra:
• La fama de su talento se propaga por Italia y sus paisanos
florentinos lo reclaman para confiarle la ejecución del David en un
bloque gigantesco de mármol de Carrara, que desde el siglo XV
permanecía arrumbado en el Duomo.
• El tamaño de la piedra era tan grande que ningún artista se había
atrevido a enfrentarse con ella.

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• En 1504 se colocaba junto a la Puerta del Palazzo Vecchio,
dominando la Plaza de la Señoría.
Análisis formal:
• El escultor reutilizó un bloque de mármol excesivamente plano. Este
hecho condicionó el resultado final y le impidió darle más
profundidad.
• La escultura tiene unas dimensiones grandiosas, rompiendo con la
imagen tradicional de David como la de un niño de pequeño tamaño.
• El trabajo de la anatomía y el desnudo transmiten la fuerza espiritual
del personaje, que tiene un gesto sereno, pero a la vez profundo y
dramático. Es lo que conocemos como terribilitá
• La figura, antes de lanzar su honda contra el gigante, se representa
con unas extremidades poderosas pero en una composición
cerrada, con los brazos replegados hacia el tronco.
• Todo el cuerpo está en tensión y los detalles anatómicos están
llenos de vida.
Significado:
• Representa al joven pastor hebreo, con la honda sobre el hombro,
para significar queasí como David había defendido a su pueblo y lo
había gobernado con justicia, el que gobernase la ciudad de
Florencia debería animosamente defenderla y justamente
gobernarla.
Está inspirado en la estatuaria clásica y testimonia los profundos
conocimientos anatómicos que poseía el artista, que por necesidades
expresivas agranda la cabeza y la mano derecha.
Es también un hito en su evolución escultórica, pues marca la transición
entre el estilo dulce y el terrible que va a herir toda su producción a partir
del sepulcro de Julio II.
o Sepulcro de Julio II (1505)
La obra:
• En 1505 Miguel Ángel proyecta para Julio II un monumento
grandioso, que superaba en dimensiones y riqueza ornamental a
cuantas tumbas se habían realizado en Italia durante el
Quattrocento.
Descripción:
• Constaba de tres pisos distribuidos en estructura piramidal:
o La base se adornaba con Victorias flanqueadas por esclavos,
que, según Vasari, personifican las provincias subyugadas
por su santidad, y según Condivi aludían a las artes liberales.
o La planta intermedia contenía relieves en sus frentes
representando los hechos de “tan grande pontífice” y cuatro
grandes imágenes en las esquinas: Moisés, San Pablo, la
Vida Activa y la Vida Contemplativa.
o Finalmente en el ático, Julio II aparecía sentado en la silla
gestatoria, sostenida por dos ángeles: uno sonriendo, y el
otro llorando.
• El programa iconográfico escondía un sentido alegórico, de raíz
neoplatónica, que pretendía armonizar la fama temporal con la
salvación eterna del Papa.
Pero la envidia de Bramante se opuso a la ejecución de este proyecto
inicial, y el panteón contemplará, entre 1505 y 1542 seis reformas,

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acompañadas de disputas y reconciliaciones entre las partes: con Julio II y
después con sus herederos.
El resultado final no satisfizo a nadie:
• Primero por su ubicación en San Pietro in Vincoli, en lugar del
presbiterio de la basílica vaticana.
• De las 47 estatuas proyectadas sólo se realizaron ocho: los dos
Esclavos del Louvre, los cuatro de la Academia de Florencia, la
Victoria del Palazzo Vecchio, también en Florencia, y el Moisés,
que es la única que se conserva en el Mausoleo.
o En el proyecto final Miguel Ángel dispondrá en la parte baja
las esculturas de Lía y Raquel, presididas por la figura
majestuosa y heroica de Moisés.
o Moisés:
Es una estatua sedente que representa la figura dentro
de una composición cerrada, con atención especial a
la anatomía de brazos y piernas.
La postura del personaje, ligeramente girado,
proporciona una mayor sensación de realismo y
emoción contenida.
La plasmación de la fuerza interior a través del rostro,
la mirada y la barba es lo que se conoce con el término
de terribilitá, que caracteriza la escultura de Miguel
Ángel.
Moisés es el gran legislador del pueblo judío, en quien
se dan las virtudes del guerrero y del líder espiritual, lo
que servía para representar la personalidad del
pontífice.
o Lía y Raquel:
Representan en el Antiguo Testamento la vida activa y
la vida contemplativa, en cuyo equilibrio debe
transcurrir la existencia humana
• Es comprensible que Miguel Ángel llamara a este frustrante
episodio, que se alargó durante cuarenta años, “la tragedia de la
sepultura”.
En cualquier caso, el Moisés y los Esclavos sirven para mostrar dos
aspectos del arte de Miguel Ángel:
• La potencia dramática o terribilitá
• El inacabado o non finito
o Sepulcros Mediceos (Sacristía Nueva, 1524-34, Basílica de San Lorenzo):
La obra:
• En 1520 comienza a realizar el proyecto de las tumbas de Lorenzo y
Giuliano de Medici en la Sacristía Nueva de San Lorenzo, en
Florencia.
• Las tareas las inició en 1524. El encargo lo hizo el papa León X, de
la familia Medici, dentro de un programa que incluía la propia
arquitectura de la capilla.
Análisis formal:
• Los dos sepulcros se conciben como tumbas adosadas a la pared,
donde la arquitectura se integra con la escultura.

38
• Las esculturas de bulto redondo de los dos hermanos se colocan
dentro de unos nichos enmarcados por dobles pilastras corintias,
abiertos directamente sobre los sepulcros.
• Cada Mausoleo presenta tres figuras: el difunto sentado dentro de
un nicho y dos desnudos recostados a sus pies.
• Las figuras sedentes aparecen vestidas al modo clásico y
constituyen una novedad en las representaciones funerarias.
• Los sarcófagos adquieren una forma totalmente novedosa, con dos
representaciones alegóricas recostadas en su parte superior,
disponiéndolas en posturas opuestas que ofrecen torsiones
violentas, inspiradas en esculturas clásicas.
Sepulcro de Giuliano de Medicis
• Hace ademán de levantarse
• Sitúa debajo la Noche y el Día.
Sepulcro de Lorenzo de Medicis
• Representado en actitud pensativa.
• Debajo aparecen la Aurora y el Crepúsculo.
Ambos duques simbolizan la vida activa y la vida contemplativa, las dos
“alas sobre las cuales el alma vuela hacia el cielo”, según teorizaban los
filósofos neoplatónicos de la Academia florentina.
o Pietá (1550-1555, catedral de Florencia)
Concebido con la intención de que presida su enterramiento.
El artista tiene 75 y se autorretrata en la figura de Nicodemo, con el rostro
deformado por el puñetazo de Torrigiano.
Pero, al intentar dar una variación a las piernas del Cristo, el mármol se
quebró; irritado, lo abandona, culminándolo su discípulo Tiberio Calcagni y
vendiéndolo por 200 escudos.
La composición se ha hecho más compleja, aunque mantiene la
disposición piramidal.
• La Virgen pasa a un segundo plano y el cuerpo de Cristo se contrae
con violencia para impactar a la hora de su contemplación por los
fieles.
o Pietá Palestrina (1555; Galería de la Academia, Florencia)
o Pietá Rondanini (1564; Castello Sorzesco, Milán)
Aunque se trata de una obra inconclusa, el concepto ha evolucionado
sustancialmente.
La Virgen sostiene de pie a Cristo muerto en una postura de total
inestabilidad.
La ruptura con los moldes clásicos se realiza a favor de unas formas muy
personales.
Al final de su vida sólo busca la belleza interior. Atraviesa por un momento
de honda espiritualidad, lo que se traduce en la visión expresiva y violenta
de este grupo inacabado.
3.4.- LA PINTURA: LEONARDO, RAFAEL Y MIGUEL ÁNGEL

39
Características generales de la pintura del Cinquecento y Manierismo
El siglo XVI supone en el ámbito de la pintura la conquista plena del clasicismo.
Alcanza un nivel de plenitud incomparable, gracias a la coincidencia generacional de
algunos talentos universales.
Leonardo da Vinci (Vinci –Florencia-, 1452 / Amboise, 1519)
Biografía:
o Aprende con Andrea Verrochio en el taller del pintor y escultor florentino.
o A los veinte años es admitido como pintor en la Compañía de San Lucas
o En 1482, Leonardo abandona Florencia y acude a Milán, ofreciéndose a Ludovico
Sforza como ingeniero militar, arquitecto, escultor y pintor.
El duque le confía una estatua ecuestre de su padre, que tras dieciséis años
de estudios, dejó sin fundir al no satisfacerle el movimiento dado al caballo.
En 1483 ejecuta la Virgen de las Rocas
En 1495 inicia la Sagrada Cena
o A la caída del ducado de Milán en 1499, Leonardo es ya un pintor famoso en Italia.
Regresa a Florencia en 1501
En 1501 expone en la Anunziata el cartón preparatorio de Santa Ana, la
Virgen y el Niño, obra que pinta en 1510.
La República de Florencia le encarga, entonces, el fresco de la Batalla de
Anghiari, para decorar la Sala Grande del Palacio Viejo.
La última etapa de su vida estuvo absorbido por sus estudios de geofísica,
anatomía, botánica y matemáticas.
o Finalmente se trasladó a Francia en 1517 donde el rey Francisco I le otorgó
hospitalidad, nombrándoles primer arquitecto del rey.
Allí morirá en el castillo de Cloux
Estilo
o Es un científico que aporta a la pintura el espíritu de la investigación.
o Su principal contribución será la técnica del sfumato o difuminado, que consiste en
sombrear las figuras y diluirlas mediante el claroscuro en el espacio.
o Cursa su aprendizaje en el taller del pintor y escultor florentino Andrea Verrochio,
donde dará ya muestras de su precocidad.
Cuenta Vasari que en el cuadro del Bautismo de Cristo, encargado a
Verrochio para la iglesia florentina de San Salvi, Leonardo pintó un ángel que
sostenía unas vestiduras, que estaba mucho mejor que las figuras de su
maestro; y ésta fue la causa de que Verrochio no quiso nunca más tomar los
colores, mortificado porque un muchacho supiese más que él.
Obra:
o Andrea Verrochio: Bautismo de Cristo (Galería de los Uffizi)
Aquí Leonardo pinta dos ángeles.
Este cuadro revela dos mundos diferentes: el de finales del Quattrocento,
visible en la grafía lineal, y el nuevo del Cinquecento, con la luz difusa
leonardesca.
o Virgen de las Rocas(1483-86; Museo del Louvre)
En esta obra define las características de su estilo. Composición piramidal y
su célebre sfumato.
Perfecto ejemplo de armonía renacentista
Crea un ambiente característico de luces difusas y entornos ambiguos, que
aparte de ganar en profundidad, le otorga al cuadro un aire misterioso.
o Sagrada Cena (1495-98; Refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie,
Milán)

40
Su obra maestra milanesca.
El procedimiento del fresco no le interesaba a Leonardo, ya que su rápido
secado exigía prontitud de ejecución y el artista necesitaba tiempo para
estudiar cada detalle.
Ante tal circunstancia, el artista trató de inventar un sistema que le permitiera
pintar al temple sobre la pared.
• El resultado del experimento fue desastroso y la pintura está
actualmente desvanecida.
Composición:
• Leonardo, siguiendo las leyes de la perspectiva lineal, agranda
ópticamente el muro frontal del refectorio con un cenáculo fingido.
• El recurso utilizado estriba en hacer converger las líneas de fuga hacia
las tres ventanas abiertas a la espalda de Cristo, que confieren
profundidad y luz natural a la estancia.
• La posición de los apóstoles, detrás de la mesa y agrupados en tríos,
es nueva.
o Hasta entonces solía situarse a Judas aislado y enfrente del
resto de los comensales.
o Leonardo imprime a los discípulos un dramatismo y sus
reacciones de incertidumbre e interrogación ante el anuncio de la
traición.
o Así puede verse en los rostros de todos ellos el amor, el enojo o
bien el dolor y no causa esto menor maravilla que el advertir, por
el contrario la obstinación, el odio y la traición de Judas., que se
siente descubierto y exterioriza la conciencia del peligro,
estrujando con inquietud la bolsa de las monedas.
o Santa Ana, la Virgen y el Niño (1510; Museo del Louvre)
Tres veces acometió Leonardo este tema iconográfico:
• La primera, el año 1499 estando todavía en Milán: este cartón se
conserva actualmente en la National Gallery de Londres.
• La segunda vez en 1501 en Florencia; el cartón se ha perdido.
• En 1510 vertió todas estas experiencias al lienzo que custodia el
Louvre.
o Cartón preparatorio de la batalla de Anghiari
El artista representa una carga de la caballería lanzada por los florentinos
frente a los milaneses.
Este trabajo nunca llegó a comenzarse.
o Retrato de Monna Lisa, llamada “La Giocconda” (1503-1506; Louvre)
La obra:
• Es el retrato más célebre de su carrera y de la pintura universal: el
busto de Monna Lisa (Doña Lisa), una florentina cuyo nombre de
soltera era Lisa Gherardini y que, al casarse en 1495 con Francesco
Giocondo, pasará a llamarse “La Gioconda”.
Análisis formal:
• Leonardo muestra en este retrato una composición piramidal perfecta.
• La búsqueda de profundidad hace que disponga la figura en
contrapposto, ligeramente vuelta para evitar la frontalidad.
• El retrato, de medio cuerpo, ofrece la imagen de la retratada sentada en
una silla.
• La luz entra por la izquierda y deja espacios en sombra que ayudan a
diferenciar los volúmenes, iluminando el rostro y las manos.

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