Este documento describe los elementos fundamentales del lenguaje cinematográfico, incluyendo tomas, escenas, secuencias, planos, angulaciones de cámara y tipos de movimiento. Explica que una toma es un solo disparo de cámara, mientras que las escenas y secuencias dividen una película en partes narrativas. También detalla los diferentes tipos de planos, como primer plano, plano medio y plano general, y cómo crean significado. Finalmente, brinda una introducción al montaje, o la edición de las tomas

1. REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
MINISTERIO DE EDUCACIÓN SUPERIOR
UNIVERSIDAD BOLIVARIANA DE VENEZUELA
PFG EN COMUNICACIÓN SOCIAL
DISCURSO AUDIOVISUAL
Elementos del Lenguaje Cinematográfico
Prof. Erick García Aranguren - U.C. Discurso Audiovisual

2. Elementos del Lenguaje Cinematográfico
Para realizar un profundo análisis cinematográfico es esencial entender su lenguaje y para ello debemos conocer los
princiapales elementos que lo caracterizan. A la hora de crear una obra cinematográfica es necesario partir de una idea,
que sirva de punto de partida para un argumento que a su vez se desarrollará en un guión literario que se dividirá por tomas,
escenas y secuencias. En estos tres elementos se encuentran repartidos el contenido dramático y estético de la historia;
dependiendo de sus características técnicas y duración, nos pueden representar desde un simple dato, que individualmente
no signifique mucho, hasta una acción continua, formada con unidades de información que la hagan comprensible por sí
sola. Cada uno de ellos juega un papel determinado en la construcción del film y, de igual manera, su forma puede ser muy
variada.
LA TOMA: Es un solo tiro de cámara de principio a fin; es decir: abarca desde que el director dice ¡Acción!, hasta que dice
¡Corte!, sin importar su duración. Existen tres elementos fundamentales que la conforman: el plano como medida de
proporción (encuadre), la posición o emplazamiento de la cámara con respecto al objeto (angulamiento) y los movimientos
de cámara. Estos tres elementos se combinan para poder brindarnos algún tipo de información respecto a la historia, de
allí que a la toma se le equipare con el plano, la unidad básica de expresión.
LAS SECUENCIAS: Son las diferentes partes de una película que comparten una unidad en el tema. Es indiferente que
una secuencia nos muestre lugares y momentos diferentes ya que su cohesión como tal viene dada por un mismo
desarrollo temático dentro de la trama general.
LAS ESCENAS: Cada secuencia se subdivide en escenas. Es decir, en momentos concretos de una unidad temática más
extensa. Cada uno de esos momentos se distingue del anterior o del siguiente por cambios espaciales (de lugar) o
temporales (de tiempo).
EL PLANO-SECUENCIA: Recibe su nombre por tratarse de una sola toma que contiene regularmente una escena completa,
aunque difícilmente una secuencia. El plano-secuencia se integra por tomas largas, que se distinguen por narrar la escena
pasando de un plano a otro sin cortar la toma; es decir, técnicamente posee la duración de la toma, pero narrativamente
contiene la acción dramática que aporta la escena.
PLANOS
Para entender aún más la esencia de lo que se muestra en la pantalla debemos entender los diferentes tipos de planos que
comumente se utilzan en un film. Entendiendo “El Plano” como la unidad básica de expresión fílmica (por ir de un corte a
otro, independientemente de tamaño y tiempo) que equivale a la toma o shot que encierra diversos propósitos, podemos
dividir los planos según su encuadre, posición o emplazamiento y movimientos de cámara o lente.
- Según su Encuadre
Long Shot o Plano Largo: Es una vista muy amplia donde lo que predomina
es el paisaje, los edificios, el cielo, las particularidades de un inmueble visto
en su totalidad, de un cerro, etc., amén de las funciones emotivas con que
éste plano pueda cumplir. Su objetivo principal es contribuir a la construcción
del contexto ubicando físicamente la acción.
Full Shot o Plano General: Este
plano se encuentra determinado
por su altura que cubre al
personaje o los personajes
Kill Bill (Tarantino)
completos de la cabeza a los pies.
Este plano nos permite apreciar
algunas características de nuestro personaje, como su estatura, su complexión,
la ropa que usa y, al mismo tiempo, nos deja apreciar el espacio en que se
mueve.
Kill Bill (Tarantino)

3. American Shot o Plano Americano: Va desde un poco arriba de la cabeza
hasta la parte inferior o superior de la rodilla. Este es un plano que nos sirve
para detallar aún más al personaje permitiéndonos apreciar mejor la
expresión corporal de su performance. Se le llama Plano Americano porque
se utilizó con profusión en los westerns, ya que servía a la perfección para
encuadrar al pistolero de turno hasta la altura a la que llegaba su pistolera
atada al muslo.
Medium Shot o Plano Medio:
Detalla cada vez más al personaje.
Aquí el entorno empieza a perderse
Kill Bill (Tarantino)
porque nuestro personaje
incrementa su presencia al ocupar un mayor espacio en la pantalla. Este plano
abarca desde un poco arriba de la cabeza, hasta el nivel de la cintura más o menos.
Medium Close-up: Abarca desde arriba de la cabeza hasta el pecho del personaje,
y
empieza
a
detallarlo
minuciosamente hasta el grado en
que casi nos impide ver su entorno.
Voces (Erick García)
Este es un plano de detalle que nos
brinda cierta soltura, pues el personaje todavía puede trabajar con cierto rango
de movimiento sin correr el riesgo de salir de cuadro.
Close-up o acercamiento: En
el Close-up no leemos más que
el rostro del personaje, ya que
abarca del cabello a los
hombros. Es un plano muy
Kill Bill (Tarantino)
cerrado que nos detalla con
minuciosidad los rostros y las emociones; el entorno desaparece
acrecentando la importancia de los gestos y las miradas, por lo que tiende a
meternos al mundo interior del personaje.
Big Close-up o Gran Acercamiento: Es el plano más cerrado. Puede ser
de los ojos o de una parte de uno de ellos, de una mano o de una uña. Este
es un plano que detalla partes muy específicas de un rostro o de un objeto y
omite, en lo absoluto, aspectos del entorno.
Kill Bill (Tarantino)
Insert o Plano Detalle: Básicamente éste plano es igual que el anterior, si
acaso la única diferencia consiste en que el insert se avoca más a los objetos
o pequeñas acciones que al rostro del personaje.
- Según posiciones de cámara (angulación)
Generalmente, la cámara se sitúa al nivel de la mirada del hombre. En la
medida en que colocamos la cámara por encima del sujeto dirigiéndola hacia
abajo, estamos en posición de picada. La altura máxima que se puede
alcanzar es la posición cenital; pero a medida en que bajamos nuestro punto
de vista por debajo del sujeto dirigiendo la cámara hacia arriba, ésa picada
se convierte en contrapicada o escorzo.
- Según movimientos de cámara
Ej: Cenital - Volver (Pedro Almodóvar)
Existen diversos movimientos que se pueden presentar en una película: Gente u objetos se mueven frente a la cámara. La
cámara se mueve en relación con la gente o los objetos. Ambos movimientos ocurren al mismo tiempo.De aquí desprendemos
la existencia de cinco movimientos fundamentales: Dolly, Travelling, Tilt, Panning y Zooming. Los primeros cuatro son
movimientos de cámara propiamente dichos, mientras que el último es un movimiento de lente.
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4. Dolly: Es el movimiento hacia atrás o adelante que sobre su eje hace la cámara (con todo y soporte), alejándose o
acercándose del objeto respectivamente; se dice Dolly-in si es hacia delante y Dolly-back si es hacia atrás. Regularmente
el Dolly contribuye para involucrar al espectador con la acción induciéndonos a centrar nuestra atención con el objeto o
sujeto deseado.
Travelling: Se conoce como Travelling a los desplazamientos laterales que hace la cámara sobre su eje. Se nombra
Travel left si el desplazamiento es hacia la izquierda y Travel right si es hacia la derecha. Una de las funciones principales
del Travelling es transmitirnos el dinamismo de la imagen, nos involucra en la acción del personaje a la vez que nos sitúa
físicamente con una breve descripción del contexto.
Tilt: Tanto el Tilt como el Panning son movimientos que se hacen girando el cuello del tripode sin desplazar la cámara. El
Tilt es un movimiento hacia arriba o hacia abajo. Cuando el movimiento es hacia arriba se llama Tilt-up, y cuando es hacia
abajo Tilt-down.
Panning o paneo: Prácticamente es un semi-giro. Hacia la izquierda se llama Pan-left y hacia la derecha Pan-right.
Zooming: Es un movimiento de lentes exclusivamente. Consiste en acercarse o alejarse del objeto pero sin desplazar la
cámara; al acercarse se le nombra zoom-in y zoom-out al alejarse.
Los encuadres y los movimientos de cámaras deben conjugarse para poder dar vida al film; toda su elaboración sera
designada por el director, quien pondrá creatividad en la unión de dichos elementos en el montaje final.
Otros planos que deben ser tomados en cuenta:
Plano-Contraplano: Este primer plano nos situa a dos personajes
en el espacio. Suele usarse en escena de conversación. Se enfoca
en un plano a uno de los que hablan y en contraplano a su interlocutor.
Plano Sobre los Hombros: Es un subtipo del Plano-Contraplano,
la diferencia esta en que la cámara se coloca sobre los hombros de
los personajes, dejando el cuello de uno de ellos en escorzo.
Plano Holandes: Suele ser un tipo de plano donde predominan los
“encuadres raros”, en diagonal. Se utilizan para poner al espetador
en espectativa e indicarle que va a suceder algo o que algo no va
bien. Son tipicos de las películas de terror y ciencia ficción.
Diarios de Motocicleta (Walter Salles)
Tal y como indica Geray Millerson, “al definir el alcance de la imagen, estamos considerando el espacio ocupado por el
sujeto en la pantalla - a qué distancia parece que está”. Una descripción muy general sería:
PD: Prímerisimo plano (plano de detalle), también conocido como ECU (Extreme Close Up). Detalle aislado.
PPC: Primer plano corto (parte de la cara), también conocido como VCU (Very Close Up). Desde la mitad de la frente a la mitad del
mentón.
PPG: Primer plano grande (cabeza entera), también conocido como BCU (Big Close Up). La cabeza llena apróximadamente la
pantalla.
PP: Primer plano, también conocido como CU (Close Up). Desde la parte superior de la cabeza hasta la parte superior del torso
(corta por debajo de la graganta).
PMC: Plano medio corto (toma de busto o torso), también conocido como MCU (Medium Close Up). Corta en la parte baja del torso.
PM: Plano medio (toma de medio cuerpo), también conocido MS (Medium Shot). Se corta justo por debajo de la cintura.
3/4: Plano 3/4, también conocido como KNEE (Knee Shot). Se corta por debajo de las rodillas.
PE: Plano entero (toma de cuerpo entero), también conocido como MLS (Mediun Long Shot). Entra todo el cuerpo y queda un
pequeño margen en la parte superior e inferior de la imagen.
PL: Plano largo, también conocido como LS (Long Shot). La persona ocupa sólo 3/4 ó 1/3 de la altura de la pantalla.
PEL: Plano muy largo o extremadamente largo, también conocido como ELS / XLS (Extra Long Shot).
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5. PD
PM
PPC
PPG
PP
PMC
3/4
PE
Kill Bill (Tarantino)
EL MONTAJE
Es la etapa final para la realización de un film y es esencial para el análisis correcto de lo que estamos perciviendo. El
montaje es la ordenación narrativa y rítmica de los elementos objetivos del relato. El proceso de escoger, ordenar y
empalmar todos los planos rodados según una idea previa y un ritmo determinado. La expresión del montaje es el elemento
más importante de todos los anteriores y fruto de todos ellos. La elección, el ritmo, la medida van a la búsqueda de darnos
una significación. Las imágenes sueltas pueden adquirir al unirse un nuevo significado.
Normas sobre montaje:
Escala: Los cortes de cada escena, que suponen supresión de fotogramas, de un movimiento, no pueden ser arbitrarios.
Un pequeño cambio de imagen produce una incomodidad visual, es lo que se llama un salto de imagen.
Angulación: Cuando el anterior error se aplica a la angulación, se trata de un salto de eje, efecto óptico que se produce
cuando se cruzan los ejes de la acción y, por tanto, se da una perspectiva falsa en la continuidad de los planos correlativos.
Dirección de los personajes u objetos: Se trata de producir la impresión correcta en el caso de la dirección de los
personajes en tomas diversas. Los movimientos de diferente dirección han de tomarse con direcciones opuestas, y los
movimientos de igual dirección, con iguales direcciones. El error es el salto de eje. Tiene que haber “raccord” o continuidad.
Además, en las acciones estáticas la dirección de las miradas de los personajes determinan el eje de acción, que es la
línea imaginaria a lo largo de la cual se desarrolla la acción de los personajes en el espacio.
Montaje en movimiento: En todo montaje en movimiento, las figuras que se siguen deben ser parecidas, sólo diferentes
en su magnitud y posición.
Velocidad: Se puede variar la rapidez de los planos en un momento dado para aumentar o disminuir el interés. La
velocidad del montaje debe responder al desarrollo del episodio, no a su velocidad física o a su rapidez dramática.
Distancia focal: Hay que mantenerla sin variar. Si no, se produce un salto de distancias.
La separación o unión de los planos y secuencias en un film se realizan con diversas formas de articulación y puntuación:
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6. Por corte: las imágenes de un plano suceden a las del anterior sin ningún proceso intercurrente.
Por fundido en negro: la escena se oscurece hasta no ver nada. Lo contrario es la apertura en negro. O también en
blanco, en color o en iris.
Por encadenado: Una nueva escena va apareciendo encima de una antigua que se va fundiendo por superposición.
Por cortina: La progresión de una imagen en la pantalla hace desaparecer, por desplazamiento, la imagen anterior. Hay
diferentes tipos de cortina.
Por barrido: Rápida panorámica que borra la nitidez de una imagen y da paso al plano siguiente.
Luego de estudiar los principales elementos del lenguaje cinematográfico, es necesario conocer los niveles de análisis. El
primer nivel que estudiaremos es el nivel morfológico. En él se encuentran las unidades mínimas formales llamadas
morfemas cinematográficos y, en éstos morfemas, sólo existe la forma visual carente de sentido estético tales como
fotogramas, encuadres o figuras que nos denotan las unidades mínimas de sentido.
En el segundo nivel, los morfemas cinematográficos (fotogramas, encuadres, etc.), se articulan entre sí dando origen a las
unidades mínimas de sentido estético. A este segundo nivel del lenguaje cinematográfico que nos representa a su vez el
primer nivel de la estética del filme, se le conoce como el nivel de los motivos.
En el tercer nivel, estos motivos se conjugan en escenas y secuencias a fin de formar las unidades sintácticas (las que
construyen los grandes bloques de significado), las cuales no son más que las grandes unidades de significación. Este es
el nivel sintáctico, el espacio donde encontramos la médula del filme, es decir, la estructura narrativa, las escenas,
secuencias, los recursos del montaje, etc.
Finalmente, tenemos al cuarto nivel conocido como el nivel textual. En este nivel se contempla al filme como unidad global,
se observa como un todo formado por el conjunto de las unidades parciales a él subordinadas; este es el nivel que da
verdadera coherencia al significado estético de la obra fílmica.
Repartidos en estos cuatro niveles encontramos al plano, la escena y la secuencia como elementos del lenguaje
cinematográfico, de la gramática fílmica (citados anteriormente).
EL TIEMPO
Gianfranco Bettetini dice que: “...el cine es un aparato que produce tiempo, además de sentido; no se limita a producir una
temporalidad simbólica, si no que significa y expresa a través de una temporalidad concreta”. De allí entonces uno de los
elementos fundamentales del cine: su capacidad de expandir o contraer el tiempo. El discurso del film está organizado en
una sucesión de tomas cuyas características cronológicas individuales pueden representar cualquier momento de la
enunciación, pues no están desligadas de sus contenidos y del plano de sus significados, por eso se dice que el tiempo
es materia de la expresión cinematográfica. En una película el tiempo es arbitrario. Gracias a la edición los realizadores
pueden proyectar en noventa minutos promedio los acontecimientos sucedidos a lo largo de años o décadas.
EL SONIDO
A pesar de que la entrada del sonido al cine se da en 1927 con la producción de El cantante de jazz (The Jazz Singer,
Crosland, 1927), realmente las proyecciones siempre estuvieron acompañadas de algún tipo de música. Pero no queda
duda que el éxito de Alan Crosland en El cantante de Jazz, consistió en la inclusión por vez primera de diálogos, de alli que
se le considere como la primera película hablada.
Partiendo de lo anterior, hablaremos de la sonorización sincrónica y la sonorización asincrónica. El tipo de sonorización al
que estamos más familiarizados es el sincrónico, en él, el sonido se origina en la imagen y nos permite observar cuál es
la fuente que lo produce; al hablar los personajes, logramos verlos y escucharlos al mismo tiempo.
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7. Consecuentemente, podemos clasificar el sonido como real o comentativo. El sonido real proviene de una fuente que
podemos identificar, contrario al sonido comentativo que no proviene de una fuente visible. Regularmente los sonidos
incidentales suelen ser comentativos; en ocasiones escuchamos en una película los toques de una puerta o el sonido de
un timbre y, aunque no necesariamente vemos una mano golpeando o un dedo tocando un botón, ello no nos impide
identificarlos. De igual forma, la música de fondo es comentativa y se utiliza para efectos dramáticos. De esta manera es
como en la mayoría de las películas de terror o suspenso, la música se emplea para indicarnos que el antagonista anda
cerca o para prevenirnos de que algo va a suceder y será fundamental para el desarrollo narrativo de la historia.
EL COLOR
A pesar de que el empleo del color difícilmente podría contar una historia por sí sólo, se ha vuelto muy común que los
realizadores hagan uso de él con intenciones más pretenciosas que las de un simple medio para embellecer el film, en el
cumplimiento de una función meramente decorativa. Se parte de la virtud que algunos colores tienen de transmitir estados
anímicos, según algún tipo de convención social, cultural y psicológica. El rojo, por ejemplo, se asocia con la pasión, el
crimen, el amor; el blanco con la pureza, la inocencia, el bien (en contraparte con el negro); o el azul con la tranquilidad,
etc.
Hemos estudiado el tiempo, el sonido y el color, como elementos individuales fundamentales para el lenguaje cinematográfico.
Es necesario entender que todos estos elementos deben ser presentados en el films de manera equilibrada, según sean
las necesidades comunicativas o las características narrativas que desee proyectar el director, puesto que es él quien
decide la relevancia de cada uno por sobre los demás. Todos estos elementos nos permiten realizar un análisis profundo
del film, con el objetivo de identificar y desarrollar la inteción que realmente posee la historia plasmada en la pantalla.
Bibliografía:
Millerson, G. (1983). Tecnicas de Realización y Producción en Televisión. Madrid, España.
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