1. REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
MINISTERIO PARA EL PODER POPULAR DE LA EDUCACION
POLITECNICO SANTIAGO MARIÑO
CARRERA ARQUITECTURA
IDENTIFICACION DE LOS ELEMENTOS CLASICOS
DEL ESTILO MANIERISTA
REALIZADO POR:
DEILY RODRIGUEZ
C.I. 12.025.447
FECHA: Noviembre 2.013
CATEDRA: HISTORIA DEL ARTE II

2. EL MANIERISMO
PINTURA DEL MANIERISMO
La pintura manierista es un estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento en 1530
y duró hasta alrededor del año 1580 en Italia, cuando comenzó a ser reemplazado por un estilo más barroco,
pero el manierismo nórdico persistió hasta principios del siglo XVII por gran parte de Europa1 hacia el año 1610.
Se inició en la Roma de los Papas Julio II y León X, y se difundió por el resto de Italia y de Europa. Los pintores
manieristas tienen obsesión por la profundidad, para que el espectador pueda profundizar a través de todos
los espacios de la pintura. La línea que predomina será la diagonal, pero a la vez esta línea cobrará un
movimiento curvilíneo que envuelve a las figuras.
Ío y Zeus
De Correggio.
Correggio nos muestra a la joven y bella princesa desnuda, sobre un
paño blanco que contrasta con los tonos grises de la niebla, que
toma forma humana para abrazar y besar a Io. La figura de la joven
resalta por sus atractivas proporciones, destacando gracias al
potente foco de luz con el que ha sido bañada por el maestro. La
sensación atmosférica que se crea y la gracia de la composición son
elementos característicos de la pintura de Antonio Allegri.
Se prefiere el trazado serpentiforme, los abundantes y tensos
scorzos, la distorsión como forma de expresar una dramática
escisión en la conciencia y en el mundo.
Las figuras está constreñidas en marcos estrechos, lo que acentúa las
expresiones angustiadas.
La utilización de fondos negros, en los que se representan las
figuras como auténticos objetos-luz, nos anuncian en Barroco.

3. PINTURA DEL MANIERISMO
Madonna del cuello largo
de PARMIGIANINO
Es la obra más interesante de la producción del Parmigianino ya que
recoge su manera de entender el Manierismo y resume su lenguaje
pictórico, en el que emplea figuras alargadas al máximo debido al
empleo de lentes aberrantes y lleva la anatomía al extremo de la
verosimilitud
Se caracteriza por la arbitrariedad en el uso del color y las
proporciones. La figura de la Virgen es más elegante y en ella
destaca su alargada mano de finísimos dedos. El fondo parece
sacado de una obra surrealista: una columna aislada a cuyos pies
contemplamos a san Jerónimo, quien lleva en sus manos la
traducción de las Sagradas Escrituras. La iluminación crea
contrastes que refuerzan el volumen de los personajes, empleando la
"técnica de los paños mojados" que pega las telas al cuerpo para
mostrar su anatomía. El resultado es una elegante composición
donde podemos encontrar algún elemento simbólico que ha
permanecido oculto hasta hoy día.
.

4. El Desendimiento de la Cruz
De Pontormo, cuyo verdadero nombre
era Jacopo Carrucci, fue uno de los pintores
más representativos del manierismo florentino.
La figura de Cristo preside el conjunto, en una postura
tremendamente escorzada que tiene su continuidad en los jóvenes
que portan el pesado cuerpo. En un segundo plano se sitúan las
sagradas mujeres, disponiéndose en un esquema piramidal que se
cierra con la mujer de la línea central. Las monumentales figuras se
alargan de la misma manera que hará posteriormente Parmigianino
y El Greco. Sus rostros llaman nuestra atención, desarrollando al
máximo la expresividad de los gestos, creando una escena cargada de
teatralidad. El empleo de una luz fría transforma los colores que se
convierten en irreales.

5. ESCULTURA DEL MANIERISMO
El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad
y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se disponen en sentido
helicoidal ascendente.
Perceo
De Benvenuto Cellini en 1553.
Bronce. Altura 320 cm. Loggia dei
Lanzi,
plaza
de
la
Señoría.
Florencia. .
Muestra un rostro tenso con una autoridad brutal,
casi terrible, los ojos desorbitados, los labios
apretados, las alas de la nariz hinchadas y los
pómulos salientes. La coraza frontal se opone a la
cabeza que gira debido a su decoración de
orfebrería cincelada con festones, lambrequines,
motivos vegetales y máscaras. Esta contraposición
entre expresión y adorno vuelve a encontrarse en
el Perseo, vaciado de forma dramática mientras
el artista se veía acosado por la fiebre y las
peripecias en 1549, mucho tiempo después de los
primeros bocetos y modelos en pequeñas
dimensiones, y del vaciado parcial del cuerpo de
la Medusa.

6. El rapto de la Sabina.
De Giambologna, 1582.
Mármol blanco. 4.10 m. Logia dei Lanci
(Florencia). Italia.
La obra podemos situarla en la última etapa del Renacimiento
italiano, durante el llamado "Manierismo", en el último tercio del
s. XVI. Se trata de un momento de ruptura y distorsión de los
ideales clasicista del primer Renacimiento y un anticipo de las
nuevas formas de expresión del Barroco, estilo que le sucederá
en el tiempo.
Está realizado en un solo bloque de mármol blanco, mediante la
técnica de la talla y, posteriormente, pulido. El grupo lo
componen tres personajes desnudos: un hombre joven (un
romano) que levanta por encima de su cabeza a una mujer (la
sabina) que parece querer desprenderse de su secuestrador,
mientras, atrapado entre las piernas del joven, se encuentra un
hombre mayor, (el padre de la joven) con evidentes muestras
de desesperación e impotencia. Las tres figuras se hallan
profundamente entrelazadas, tanto por la acción que
desarrollan individualmente como por la escena que componen
entre ellas.
Los rasgos manieristas superficiales son patentes: el alargamiento
de las figuras, el gesto desmedido y poco coherente, el espacio
angosto... Pero lo propio de Giambologna es su capacidad
para introducir estas notas -que son generales a todo el
Manierismo- en un movimiento que rompe de forma definitiva
con la estatua clásica. El rapto de las sabinas responde todo él a
la forma serpentinata que ya había utilizado Miguel Ángel, pero
Giambologna prescinde del punto de vista único y el grupo
incita a multitud de perspectivas

7. Salero de oro de Francisco I de
Francia con Neptuno y Anfitrite.
Benvenuto Cellini. 1540-3.
Los personajes simbolizan el Agua y la Tierra
entrelazadas, como reflejan la posición de
las piernas de ambos. La figura masculina
con el tridente en la mano y los caballos de
mar en la base permiten la identificación
con Poseidón, dios del mar. La figura
femenina está asentada sobre un cojín con
la flor de lis, homenaje al rey francés que le
encarga la pieza. Sobresale en su base un
elefante blanco, también una preferencia
del monarca. Está rodeado de figuras
alegóricas, cuyas posturas copian las
esculturas de Miguel Angel. Un pequeño
recipiente que se pretende que guarde la
sal está colocado cerca de la figura
masculina.

8. ARQUITECTURA DEL MANIERISMO
La arquitectura manierista es aquella fase de la arquitectura renacentista que se extiende entre el final de la
arquitectura renacentista y el comienzo de la arquitectura barroca. El término maniera, usado en el siglo XV para
indicar el estilo de cada artista. El manierismo rechazó el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica,
concentrándose en el contraste entre norma y transgresión, naturaleza y artificio, signo y subsigno.
Villa Farnesia de Roma
Construida por Baldassarre Peruzzi alrededor de 1509.
Presenta una planta en U con dos alas que encierran
una parte mediana en que, en el puso inferior, se abre
un pórtico construido por cinco arcos de medio punto.
En una sala del piso superior el propio Peruzzi pintó
algunas columnas y paisajes, con el fin de dilatar el
paisaje arquitectónico. La estructura se inserta en una
planta de dimensiones irregulares. La fachada es
curvilinea y presenta un pórtico aquitrabado con
columnas libremente espaciadas. Insólitas son las
cornisas que decoran las ventanas de los pisos
superiores pegadas a una pared adornada con
almohadillado plano. Inédita es, asimismo la
conformación de los pórticos del patio: están
conformados por dos logias sobrepuestas cerradas al
techo con un tercer piso abierto por ventanas
rectangulares tan largas como la columnata inferior.

9. Iglesia del Jesús o Il Gesu
en Roma
De el Arq. Japoco Vingola Tiene planta de
cruz latina y el transepto apenas sobresale.
Es de nave única con capillas laterales entre
los contrafuertes con poca luminosidad
(ideales para la meditación). Sobre éstas hay
una tribuna. En el crucero hay una cúpula.
La fachada la realiza Giacomo della Porta.
Es similar a la de Santa María la Novella,
típica de los Jesuitas. Hay dos cuerpos
separados por entablamento, pero unidos
por alerones. Tiene frontón con entrantes y
salientes (antecedente del barroco). El
interior es muy decorado.
Su interior está revestido de mármol
policromado que destacan gracias a los
dorados; las bóvedas de cañón pintadas al
fresco enriquecen la techumbre y retóricas
esculturas de mármol y estuco blanco
rompen su marco tectónico.

10. Hospital de las Cinco Llagas de
Sevilla (hoy sede del Parlamento de
Andalucía). Portada manierista de
hacia 1618 atribuida a Asensio de
Maeda.
El edificio presenta largas fachadas
que se dividen horizontalmente en tres
cuerpos
mediante
molduraciones
rematadas
por
una
cornisa.
Verticalmente se presentan sus huecos
entre pedestales, en los que se apoyan
órdenes apilastrados dóricos, y sobre
éstos otros jónicos. Los balcones de la
planta superior se flanquean entre
órdenes abalaustrados, frontones y
acróteras,
en
una
ordenación
continuada de marcado italianismo.

11. Villa Rotonda
De Andrea Palladio
Fue construida en los años 1551-53, se encuentra en la ciudad
de Vicenza y su estilo se encuadra en el siglo XVI en el
manierismo. Los materiales utilizados fueron la piedra, el
ladrillo estucado y el mármol. Utilizó elementos del templo
romano para diseñar cuatro fachadas idénticas orientadas a
los cuatro puntos cardinales, uno de esos elementos es el
elevado basamento, que posee escalinatas pronunciadas
que dan acceso a las cuatro entradas del edificio. Otro
elemento clásico son los pórticos, en este caso hexástilos y de
orden jónico, con sus entablamentos y frontones. Las estatuas
son utilizadas como acabados que dan sensibilidad
contemporánea a los elementos religiosos usados para
ensalzar la vida en el campo.
Tiene planta cuadrada con cúpula central. Dispone de
cuatro pórticos laterales (uno por cada lado). Los pórticos
presentan orden jónico más entablamento y frontón.