2.  Nació supuestamente en Regensburg, Alemania,
donde pasó su vida. Pintor, arquitecto y grabador. La
gran pasión de este artista, era pintar escenas inmersas
en panoramas naturales. Altdorfer fue líder del
movimiento artístico alemán del siglo XVI, escuela
Danubio. Pintaba generalmente con óleo sobre tablero
de madera. Destacó también por sus cuadros y frescos
religiosos para iglesia.

3. La batalla de Alejandro Magno ,
es la pintura más famosa de
Albrecht Altdorfer (c. 1480 -1538).
Realizada entre 1528 y 1529, esta
pintura al óleo sobre madera, 158,4
x 120,3. Muestra al joven Alejandro
Magno en 333 adC, en el momento
de su victoria sobre el ejército
persa del rey Darío III en la batalla
de Issos. La obra fue encargada por
el duque Guillermo IV de Baviera y
pasó de la colección real de Baviera
al Alte Pinakothek en Múnich,
Alemania.

4. Cristo en la Cruz. 1520.
Wood. 75 x 57,5 cm. Museo
de Bellas Artes de Budapest.
Budapest. Hungría. Vemos a
cristo crucificado, la virgen
desconsolada y el apóstol San
Juan abajo. Vemos dos
ángeles que representa la
subida al cielo de Cristo

5. Entombment. 1518.
Óleo sobre tabla.
Kunsthistorisches
Museum. Viena.
Austria.

6.  Nació en Venecia, Italia. Pintor y dibujante posterior al
Renacimiento. Bellotto es sobrino de El Canaletto, de
quien aprendió y con el cual fue confundido. En su
estilo destaca el respeto a la geometría y la aplicación
de su sensibilidad para imaginar y pintar escenas de
ciudad, con reproducciones del cielo que sólo él logró
plasmar con tanta finura. Perteneció a la escuela de
pintura Veneciana. Trabajó en Roma, Torino y otras
localidades italianas hasta que viaja a Varsovia donde
es nombrado artista oficial en la corte de Estanislao
Augusto.

7. Gran Canal: Desde
Santa Maria della
Carità al Bacino di
San Marco, «1730-
33», Óleo sobre
lienzo, 47,9 x 80
cm. Royal Collection,
Windsor.

8. Capriccio con el
coliseo
1743-1744 Óleo
sobre lienzo
Galleria Nazionale
de Parma

9. Viena, Vista desde
el Palacio Kaunitz
1759-1760 Óleo
sobre lienzo, 134 x
237 cm Museo de
Bellas Artes de
Budapest

10.  Nació en Anchiano, Toscana, Italia. Arquitecto, inventor, y pintor
del alto renacimiento italiano. A los 5 años se mudó con el padre
al pueblo de Vinci y luego a los 15 a Florencia donde ingresó al
estudio de un gran artista escultor de la época: Andrea del
Verrocchio, maestro del cual recibió la influencia más
importante. Allí trabajó junto a Botticelli, el Perugino y otros
famosos.
En sus primeras pinturas, Leonardo ya mostraba las dotes de un
genio y se puso a la cabeza de otros de su época, innovando con
su estilo subliminal. Dibujaba la perspectiva y los entornos como
nadie lo hiciera antes.
En 1503, un mercader florentino llamado Francesco del
Giocondo, encargó a Leonardo el retrato de su tercera esposa de
24 años de edad: Lisa di Noldo Gherardini.
Esta obra hoy la conocemos como "La Gioconda" o "Mona Lisa" y
es la obra pictórica más conocida de todos los tiempos.

11. El cuadro La Gioconda, también
conocido como La Mona Lisa.
Desde el siglo XVI es propiedad
del Estado Francés, y se exhibe en
el Museo del Louvre de París.
Su nombre oficial es Gioconda en
honor a la tesis más aceptada
acerca de la identidad de la
modelo, apoyada en el hecho de
que era esposa de Francesco
Bartolomeo del Giocondo y que
su nombre era Lisa Geraldine.
Es un óleo sobre tabla
de álamo de 77 x 53 cm, pintado
entre 1503 y 1506,1 y retocado
varias veces por el autor. La
técnica usada fue el sfumato
procedimiento muy característico
de Leonardo. El cuadro está
protegido por múltiples sistemas
de seguridad y ambientado para
su preservación óptima.2

12. La Última Cena es una pintura mural ejecutada entre1495 y 1497,1 se encuentra en la
pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del
convento dominico de Santa María delle Grazie en Milán (Italia). La pintura fue
elaborada, para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco
tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación
de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm. de alto por 880 cm. de ancho. Para
muchos expertos e historiadores del arte, La Última Cena de Leonardo es
considerada como la mejor obra pictórica del mundo.

13. El bautismo de Cristo es un cuadro
del taller
del pintor renacentista italiano Andrea
del Verrocchio, algunas de cuyas partes
se atribuyen a Leonardo da Vinci. Está
realizado al óleo y temple sobre tabla.
Mide 177cm de alto y 171 cm de ancho
(151 cm según otras fuentes). Fue
pintado hacia 1475-1478,
encontrándose actualmente en la
Galería de los Uffizi, Florencia (Italia).
Posiblemente se tratara de un encargo
de la iglesia de San Salvi de Florencia,
donde estuvo hasta que pasó, tiempo
después, al convento de santa
Verdiana. En1810 fue llevado a
la Academia de Bellas Artes y, en 1914, a
la Galería de los Uffizi.
Se considera que este es el primer
trabajo importante de Leonardo da
Vinci como aprendiz.

14.  Nació en Florencia, Italia. Pintor líder del
renacimiento florentino que desarrolló un estilo
personal caracterizado por línea marcada y elegante.
Botticelli pasó su vida pintando retratos y cuadros por
encargo de las familias prominentes de Florencia.
También realizó obras religiosas, de las cuales destacan
sus madonnas y pinturas al fresco realizadas en la
Capilla Sixtina del Vaticano.

15. Venus y Marte . Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido, donde se
exhibe con el título de Venus and Mars. Está realizado al
temple y óleo sobre tabla de álamo. Mide 69 cm de alto y 173 cm de ancho.
Fue pintado en 1483. Dado que su tema es el amor, esta pintura fue posiblemente
encargada con ocasión de una boda de la familia Vespucci, perteneciendo al género de
los cassoni. Por su formato, es posible que la obra formara parte de un "espaldar" que
adornaría el dormitorio de los novios. Este formato apaisado no es nada adecuado para
una representación con tan pocas figuras.
La pintura trata de la victoria amorosa. Una arboleda de mirtos, el árbol de Venus, forma
el telón de fondo para los dos dioses que están tumbados, uno frente a otro, en un prado.

16. Esta Virgen con el Niño, conocida con el nombre
de Virgen del libro. Está ejecutada
al temple sobre madera. Mide 58 centímetros de
alto y 39,5 cm. de ancho. Está datada en 1480-
1482. Actualmente, se conserva en el Museo Poldi
Pezzoli de Milán.
La Virgen del Libro es una obra extremadamente
suave y bella, en la que María y el Niño están
sentados en la esquina de una habitación,
enfrente de una ventana. Se ven algunas palabras,
mostrando que se trata de un Libro de horas,
las Horae Beatae Mariae Virginis. Las manos de la
madre y del hijo tienen la misma actitud: la
derecha abierta en un gesto parecido al de la
bendición, y la izquierda cerrada. El Niño mira a
su madre mientras esta, seria, no se sabe si mira
al hijo o está absorta en la lectura del libro abierto
sobre el que descansa su mano.
Como símbolo de su futura Pasión, el Niño
Jesús sostiene los tres clavos de la cruz así como
la corona de espinas. Se trata de una
representación frecuente en
la iconografía cristiana.

17. La Adoración de los Magos es un
cuadro pintado al temple sobre tabla
que mide 111 cm. de alto y 134 cm. de
ancho, realizado en el año 1475. Se
conserva en la Galería de los Uffizi
de Florencia.
Fue un encargo para la capilla
funeraria de Guasparre di Zanobi del
Lama, la Capilla Lami, ubicada en la
pared de la entrada de la iglesia
de Santa Maria Novella. Por su
comitente y el propósito original la
pintura es conocida también como
"altar Zanobi". Posteriormente pasó a
formas parte de las
colecciones mediceas.

18.  Nació en Firenze, Italia. Fue uno de los artistas
sobresalientes de la pintura estilo manierista Toscano,
de formas alongadas, ángulos de visión diferentes y
poses elegantes. Conocido también como Agnolo
Bronzino, maestro en el arte de la coloración, alcanzó
un gran nivel en la composición de sus cuadros
realistas. Su especialidad fueron los retratos y las
escenas religiosas.

19. legoría del triunfo de Venus o también
conocida como Alegoría con Venus y
Cupido es una obra realizada
posiblemente entre los años 1540 a 1550,
durante la corte del duque Cosme I de
Médici. El cuadro tiene una dimensión
de 146 x 116 cm y se exhibe en el National
Gallery de Londres desde 1860, cuando
fue comprado al coleccionista de arte
francés Edmund Beaucousin. Se le
considera una composición manierista,
debido a su artificialidad y oposición
al naturalismo, asimismo como a los
principios de belleza clásica defendidos
durante el Alto Renacimiento.
En él se representa a Venus sosteniendo
la manzana de la discordia en su mano
izquierda, y girando su cabeza para dar
un beso a Cupido. El tema central de la
pintura es el erotismo o el amor
prohibido, que acompañado por
la envidia y los celos producen
consecuencias trágicas.3

20. El retrato de Lucrezia
Panchiatichi. Está realizado
en óleo sobre tabla, y fue pintado
en 1540, encontrándose
actualmente en la Galería
Uffizi, Florencia, Italia.
Agnolo di Cosimo, llamado Il
Bronzino, fue un destacado
retratista de la época manierista,
muy influido por Pontormo. Son
retratos de la nobleza, muy
distinguidos y elegantes en la pose
y las vestimentas. Existe cierto
desdén aristocrático en la
expresión de la modelo. Está
sentada frente aun fondo bastante
oscuro, pero en el que se entrevé
una estructura arquitectónica
renacentista. Existe un retrato
similar de su cónyuge, Bartolomeo
Panciatichi.

21. Descendimiento de cristo Las figuras,
con sus formas bruscamente modeladas y
brillantes, los colores duros se unen en un
espacio austero y aplanado. Los dolientes y
apenados que están bajando a Cristo
aparecen como angustiados. Este óvalo
triste y tumultuoso de figuras le llevó tres
años antes de que Pontormo lo terminara.
Colabora en el resto de la decoración
mano a mano con Bronzino, su principal
discípulo, tan parecido al maestro que
incluso los especialistas discuten cuál de
las rotondas pintó cada uno de ellos. El
fresco de la Anunciación situado en
columnas adyacentes se asemeja al estilo
de la Visitación en Carmignano.

22.  Nació en Caravaggio, Lombardía, Italia. Naturalista de
estilo Barroco, introdujo en sus obras la pintura
claroscuro, que establece mayor dramatismo en la
escenas. Este estilo se popularizó por toda Europa y
son muchos los artistas posteriores a él que lo imitan,
(caravallistas). Agregó nueva vida al antiguo
manierismo romano, y para ello acentuó la simplicidad
y el realismo, cosas que observamos en sus obras
religiosas. Sus cuadros denotan la influencia del
maestro Miguel Angel.

23. Jugadores de cartas es una obra con fecha
de 1595. Algunos de sus biógrafos (como
Lambert o Robb) la consideran como su
último trabajo de la etapa primaria de su
vida. Fue encargado por el
cardenal Francesco Del Monte, quien la
retuvo en su colección privada hasta su
muerte. El objetivo de este cuadro era
mostrar cómo la astucia de la maldad vence
a menudo, ante la candidez e inocencia de
quienes son buenos y nobles de corazón.
Ahora bien, las escena muestra a dos chicos
jugando canasta (u otro juego de cartas, no
se ha identificado del todo), mientras el
informante de uno de ellos hace señas al otro
sobre las cartas que tiene su oponente.
Caravaggio basó este cuadro en sus propias
experiencias, pues su vida misma se
desenvolvió muchas veces en un ambiente
delictivo. Forma pareja con La
buenaventura, también de esos años y
encargada por Del Monte.

24. La vocación de san Mateo
. Está realizado al óleo sobre lienzo.
Pertenece al ciclo de la Vida de san
Mateo que le fue encargada en 1599 para
decorar la capilla Contarelli en la iglesia
romana de San Luis de los Franceses, donde
aún se conserva. Este fue su primer encargo
monumental, y a él corresponden dos de las
grandes realizaciones del artista,
esta Vocación de San Mateo y El martirio de
San Mateo. Como en otras obras de la misma
época, está dominada por una intensa acción
dramática, tiene una composición muy
estudiada y obtiene, con gran economía de
medios, unos resultados espléndidos.
La pintura representa la historia que se narra
en el Evangelio según san Mateo (Mateo
9:9): Jesús vio un hombre llamado Mateo,
sentado en el despacho de impuestos, y le
dijo: «Sígueme», y Mateo se levantó y le
siguió.

25. El amor victorioso, es una obra pintada
en 1602 para Vincenzo Giustiniani, miembro
del círculo social del cardenal Del Monte. En
un diario que data del siglo XVII, el modelo
es llamado «Cecco», en italiano, diminutivo
de Francesco. Posiblemente se trató de
Francesco Boneri, artista italiano activo
entre 1610 y 1625, y conocido popularmente
como Cecco del Caravaggio. Gianni Papi
establece ciertas conexiones entre Bonieri y
Caravaggio, de tipo siervo - amo, que
comienzan a partir de 1600. Ver Robb, pp193-
196. La obra muestra a un Cupido desnudo,
cargando un arco y unas flechas, mientras
pisotea los símbolos de las artes, las ciencias
y el gobierno. El modelo está desvestido, y es
difícil aceptar que se trate de uno de sus
siervos. El punto culminante que relaciona
esta pintura con las religiosas es la intensa
ambigüedad con la que el pintor maneja los
modelos de diferentes posturas, ya sea sacra
o profana.

26.  Nació en Sevilla, España. Pintor naturalista del período
Barroco, dedicado a los retratos, paisajes, escenas de la vida
diaria, cuadros religiosos y mitológicos. A sus 21 años
Velázquez ya es un artista bien reconocido en su ciudad.
Como referente para alcanzar el estilo y técnica
deslumbrante que lo caracterizan, estudió pintando
réplicas de cuadros de El Greco, adoptando el alto contraste
entre luz y sombra empleada por este último, característica
que mantiene a lo largo de su carrera.
Conoció de cerca a Rubens y compartió con él por varios
meses en Madrid. Luego cuando visitó Italia a sus 29 años,
realizó réplicas de El Tintoretto en Venecia y
posteriormente en Roma lo hizo con obras de Rafael y
Miguel Angel.

27. El aguador de Sevilla. Este cuadro perteneció a los reyes españoles
hasta que, en 1813, fue regalado por el rey Fernando VII a Lord
Wellington en reconocimiento a su ayuda en la Guerra de la
Independencia.
Actualmente se conserva en el palacio londinense de Apsley
House (Wellington Museum). Todavía mantiene la técnica del
claroscuro, iluminando una zona del cuadro con un foco de luz desde
la parte izquierda y oscureciendo el resto del lienzo. Destaca
sobremanera la calidad de los objetos representados en el cuadro, el
tratamiento que Velázquez hace del cristal o de la cerámica son
magníficos, así como el detallismo hiperrealista que se puede
observar en la obra, por ejemplo en las gotas de agua que resbalan
por el cántaro .Destaca asimismo la introducción de bodegones
dentro de sus cuadros, como el que aquí vemos, naturalezas muertas
a las que daba una corporeidad casi escultórica, plástica, al igual que
unas calidades que nos hacen sentir que podemos acariciar esos
objetos representados. Todo ello pintando personajes populares.
El cuadro puede representar una alegoría de las tres edades del
hombre; el aguador, un anciano, ofrece una copa con agua a un chico
joven. Esa copa representa el conocimiento. Mientras tanto, al fondo
de la escena, un mozo aparece bebiendo, como si estuviera
adquiriendo los conocimientos.
. Velázquez sigue destacando por su vibrante realismo, como
demuestra en la mancha de agua que aparece en el cántaro de primer
plano; la copa de cristal, en la que vemos un higo para dar sabor al
agua, o los golpes del jarro de la izquierda, realismo que también se
observa en las dos figuras principales que se recortan sobre un fondo
neutro, interesándose el pintor por los efectos de luz y sombra. El
colorido que utiliza sigue una gama oscura de colores terrosos, ocres
y marrones.

28. La Vieja friendo huevos. Actualmente se encuentra en
la National Gallery of Scotland, en Edimburgo, tras
adquirirlo en 1955 por 57.000 libras.
La fecha del cuadro, se situaría en torno al año 1618. Este
cuadro está influido por el claroscuro, un foco de luz, que
siempre viene desde la izquierda, ilumina la parte derecha
del cuadro, es decir, la anciana, sus útiles y huevos fritos,
dejando oscuro el resto, fondo y niño. En este caso el
claroscuro es muy intenso, tanto que es difícil apreciar la
pared que se encuentra al fondo del cuadro y solo la
identificamos porque en ella cuelga una cesta.
El realismo es casi fotográfico, Velázquez se esmera porque
los objetos destaquen en este ejemplar bodegón donde
aparecen platos, vasijas, cubiertos, cacerolas, morteros y
jarras, destacando el brillo especial del cristal o la
influencia de la luz en el melón que porta el muchacho. La
fritura de la vieja está increíblemente conseguida, tanto
que el aceite hirviendo está literalmente saltando ante
nuestros ojos.
Los pies y las manos son de las partes más expresivas del
cuerpo, y si observamos por un momento las manos de la
vieja nos daremos cuenta de que el artista ha trabajado en
ellas con esmero, lo mismo sucede con las manos del chico
que la acompaña en la sala sujetando el melón o apretando
la vasija de cristal. La escena de organización oval, en la
que aparecen medias figuras en planos muy próximos,
introduce al espectador en la acción congelada.

29. El Retrato del infante don Carlos fue
pintado entre 1626 y 1627 y se conserva en
el Museo del Prado de Madrid desde 1827.
En el cuadro don Carlos, el hermano del
rey Felipe IV, adopta una postura relajada y
elegante apareciendo de pie, vestido con
traje negro con realces de trencilla gris sobre
el que cruza en bandolera un enorme cadena
de oro de la que cuelga el Toisón de Oro.
Destacan las manos del infante, la derecha
sosteniendo un guante con un dedil
mientras que la izquierda, enguantada,
sostiene el sombrero de fieltro negro.
La figura aparece en un punto más profundo
del espacio ya que el maestro añadió una tira
de cuatro centímetros en cada uno de los
lados para dar sensación de autoritarismo,
siendo el guante medio caído de la mano
derecha un cierto contrapunto al marcar un
signo de descuido. Además cabe destacar el
enorme parecido del infante con su
hermano, el rey Felipe IV.

30.  Nació en Antwerp, cerca de Bruselas, Bélgica. Pintor precoz de estilo
flamenco en el período Barroco, diseñador gráfico, especialista en
retratos, cosa que realizó para muchos nobles. Estuvo en Italia para
conocer las obras de los grandes maestros venecianos que dejaron
huella en su pintura: Tiziano y El Veronés. De ellos perfeccionó la
coloración diamantina que luego aplicó en sus pinturas, como también
la inspiración para crear las obras mitológicas y religiosas que realizó.
Ya reconocido en la región de Flandes, viajó a Inglaterra donde trabajó
dos años con Rubens. Esto fue determinante en el estilo de Van Dyck,
quien luego transforma el concepto de la pintura de retratos en
Inglaterra, fundando la escuela Británica de esta especialidad, mientras
al mismo tiempo consolida su estilo Flamenco. Son dos magníficos
retratistas ingleses sus seguidores más prominentes: Gainsborough y
Reynolds.

31. Retrato Carlos Ludovico y Rupert,
príncipes palatinos. La pintura
representa a los dos hijos del rey de
Invierno, Federico V, llegados a la corte
de su tío Carlos I buscando ayuda
financiera y militar para su padre, en el
exilio en La Haya. Carlos I, a la derecha,
es el mayor de los hermanos, mientras
que Rupert, a la derecha, es el menor.
Carlos I es representado con el bastón
de mando militar en la mano mientras
fija al observador con una mirada entre
resignada y combativa. Rupert en
cambio, más lanzado que su hermano,
mira el horizonte con ojos cansados y
no apoya la mano en la espada como el
hermano, sino que la acerca al pecho
con despreocupación. El primero hará
cualquier cosa para recuperar la
dignidad de su padre, combatiendo
incluso contra su tío, Carlos I, que
había rechazado darle apoyos militares,
mientras que el segundo se quedará en
la corte inglesa y combatirá durante la
guerra civil.

32. Retrato de Isabella Brant. Está
realizado en óleo sobre tela, y fue
pintado en el año 1621. Mide 153 cm de
alto y 120 cm de ancho. Se exhibe
actualmente en la Galería Nacional de
Arte de Washington DC.
Antes de hacerse famoso como retratista
en la corte de Londres, a donde marchó
en 1632, Van Dyck ya había realizado
otros retratos en su país natal, entre
ellos este retrato de Isabella Brant,
primera esposa de su maestro Pedro
Pablo Rubens. Lo hizo en Amberes.
Puede verse, al modo veneciano, un
cortinón rojo en la esquina superior
izquierda. Sobre el fondo, el patio de la
casa de Rubens, que el artista había
hecho construir en estilo barroco; en
particular, es diseño propio de Rubens.

33. Retrato del diplomático inglés Endymion
Porter y Van Dyck, 1635 En este cuadro,
Van Dyck realiza el más solemne de los
retratos ecuestres del rey: Carlos está
atravesando un arco de triunfo, desde el
cual caen pesados paños verdes, viste
armadura y tiene en la mano el bastón de
mando mientras cabalga un espléndido
caballo blanco. Si la descripción se
detuviese aquí, parecería una pintura de
un general victorioso: pero para subrayar
que se trata del rey, Van Dyck inserta a la
izquierda del soberano a su maestro de
equitación que lo mira, desde abajo, con
una mirada de sumisión y veneración; a la
izquierda en cambio hay un gran blasón
que tiene los símbolos de la dinastía real y
una imponente corona. Además del amor
que el rey tenía por el arte, Carlos I lo veía
como un medio de propaganda política,
especialmente en los años difíciles como
los precedentes a la guerra civil.

34.  Nació en Málaga, España. Pintor y escultor cubista que
revolucionó el arte durante la primera mitad del siglo XX. Sus
primeros pasos en la adquisición de identidad pictórica los
realiza observando las obras de impresionistas franceses como
Manet, Courbet, Toulousse-Lautrec, más adelante el fauvinismo,
(fovismo) de Henri Matisse y la pintura plana de Henri Rousseau.
Si bien Picasso empleó, a comienzos de su carrera, diversos
estilos de pintura que van desde el realismo clásico, la caricatura
y hasta es bozos de surrealismo (pintura ecléctica), no bastó
mucho tiempo, para que junto a su amigo Georges Braque,
lanzaran en 1909 el cubismo, que sin ser estilo abstracto, rompía
las márgenes del concepto clásico de pintura hasta ese momento
conocido. Esta búsqueda incesante de nuevas fronteras en el
mundo de la percepción y la gráfica establecen al innovador
Pablo Picasso como maestro célebre de las artes modernas.

35. El Guernica es un óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 3,50 x 7,80 m. A pesar de su
título, y de las circunstancias en que fue realizado, no hay en él ninguna referencia concreta
al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil Española. No es, por lo tanto, un cuadro
narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una
variada gama de grises. La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel
central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los
laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el
toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de
ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos,
de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero
muerto, y como vértice la lámpara.

36. Las Meninas 1957. Óleo sobre lienzo. 194 x 260 cts. Museo Pablo Picasso. Barcelona.
Después de la I Guerra Mundial Pablo Picasso, quizás desbordado o desconcertado por los nuevos
rumbos que están tomando las creaciones vanguardistas decide volverse clásico y para ello vuelve a
la pintura, a la historia de la pintura y a reflexionar sobre ella. Será clásico en relación a el arte
contemporáneo, a otros artistas y a si mismo. Clásico en el sentido de intemporalidad, de imagen
que atraviesa la fugacidad del tiempo y perdura. Esa perdurabilidad se consigue prescindiendo de lo
accidental y mostrando aquello que lo define, que lo conforma. En las vanguardias esto se ha
concretado en una radical puesta en cuestión del lenguaje plástico y Pablo Picasso más que ningún
otro artista nunca se detuvo en la búsqueda de ese lenguaje, que siempre fue incesante, ahora
reinterpretando obras de artistas del pasado, reflexionando con ese lenguaje sobre ellas, y abriendo
así una nueva vía al clasicismo. La reflexión no es arbitraria pues selecciona aquellos temas que en
relación con la naturaleza, la búsqueda de seguridad y confianza resulta más inmediata.

37. Autorretratos de 1896 izquierda) y 1899 (centro y derecha).
El conjunto nos permite apreciar la evolución artística del pintor: la serie se inicia en
1896 cuando un adolescente Picasso de quince años realiza el pequeño óleo que
conocemos como "autorretrato mal peinado" aún dentro de unos cánones que
podríamos considerar tradicionales. Cuatro años después el joven pintor se reafirma
con ese "yo" que figura en su obra de 1899/90 y que presenta algunos trazos
expresionistas. Poco después, a mediados de 1901 y ya establecido el artista en París, el
óleo titulado "yo, Picasso" muestra bien a las claras el afán del pintor por reafirmar su
propia personalidad, al tiempo que nos presenta un tratamiento fovista del color.

38.  Nació en Leiden, Holanda. Pintor barroco de retratos y dibujante superdotado.
En un principio siguió a el Caravaggio que era gran maestro de la técnica del
claroscuro, a Rubens por su brillosidad y colorido vigoroso y a Tiziano por la
forma libre de utilizar el pincel.
Ya a los 25, Rembrandt aplica en sus obras un estilo personal revolucionario que
se aleja de la forma suave de pintar de los maestros holandeses
contemporáneos y se sumerge en la técnica de los maestros italianos. Su
pincelada gruesa, a veces sobrecargada de pintura, agrega a sus obras una
textura inédita hasta ese momento.
En vez de reflejar con exactitud las escenas, Rembrandt se inclina por retratar
sugestivamente lo que ven sus ojos. Por otra parte, sin haber conocido Italia,
aplica el estilo de pintar de los venecianos, que muestra un entorno obscuro
para terminar con máximo fulgor en la imagen.
En esa época los colores apropiados para una pintura eran limitados por los
estándares académicos, sin embargo Rembrandt innovó con nuevos extremos
de colorido y a la vez logró un equilibrio exuberante entre esos extremos.
Su técnica de aplicación de capas, desde el fondo hacia adelante, con una
transición imperceptible de colores y tonos (esfumado), lo sitúan entre los
capaces de dar transparencia con la calidad que lo hacen Leonardo y Miguel
Ángel.

39. Jeremías lamenta la destrucción de Jerusalén.
Está realizado en óleo sobre madera, y fue
pintado en el año 1630. Mide 58 cm de alto y 46
cm de ancho. Se exhibe actualmente en
el Rijksmuseum de Ámsterdam (Países Bajos). La
obra representa a un anciano ricamente vestido
sentado a los pies de una roca: al fondo se ve una
ciudad destruida por un incendio. Esta figura ha
sido identificada con los personajes
de Lot y Anquises, pero la opinión generalizada es
que se trata de Jeremías, que se encuentra
entristecido por la visión de Jerusalén destruida.
Confirmando esta tesis aparece una figura que
huye del fuego cubriéndose los ojos: sería el rey
Sedecías, capturado y cegado por los soldados
de Nabucodonosor. Además, Jeremías tiene cerca
de sí objetos preciosos, que le fueron dados por
Nabucodonosor, según el relato de Flavio Josefo.
La figura está situada en diagonal, en un entorno
infinito. El fondo está pintado en tonos
marrones, en general sombrío. Sin embargo,
destacan las vestiduras bordadas, los objetos de
bronce y la intensa iluminación de su rostro
apesadumbrado.

40. El rapto de Europa. Está realizado en óleo sobre panel, y fue pintado en el
año1632. Mide 62,2 cm de alto y 77 cm de ancho. Se exhibe actualmente en
el Museo J. Paul Getty de Los Ángeles (Estados Unidos). El cuadro se inspira en
una historia de la mitología griega. En Las metamorfosis, Ovidio cuenta
que Europa era una princesa fenicia y Zeus la raptó en forma de toro blanco,
llevándosela desde las orillas de lo que hoy es el Líbano hasta la isla de Creta, en
la que engendró a Minos, Sarpdedón y Radamantis.

41. El Descendimiento de la cruz. Fue
pintado en 1633. Se trata de una pintura al
óleo sobre tabla, que mide
89,4 centímetros de alto y 65,2 cm de
ancho. Se conserva en la Alte
Pinakothek de Múnich(Alemania).
Forma parte de un ciclo de siete obras
sobre la Pasión realizadas a petición
de Federico Enrique de Orange,
gobernador de los Países Bajos. Rembrandt
utiliza el claroscuro para subrayar lo
humano del sufrimiento y el carácter
detestable de la muerte. Resalta la
mortecina claridad de la sábana mortuoria
y de la pálida piel de Cristo. Rembrandt
debió conocer la obra que sobre el mismo
tema había pintado Rubens para la catedral
de Amberes veinte años antes. La
comparación entre ambas obras permite
comprender la particularidad de
Rembrandt al optar no tanto por una
representación de lo divino y sobrenatural,
sino de lo terreno y realista.1

42.  Nació en Sevilla, España. Pintor Barroco, post renacentista
de escenas costumbristas y religiosas. Seguidor y admirador
de su contemporáneo Diego Velázquez. Recibió influencias
de maestros que pintaban al estilo de Caravaggio, como
también de pintores flamencos y venecianos. A la hora de
retratar personajes de la vida diaria, la pintura de Murillo
destaca por el logro de una luminosidad íntimamente
cómplice con la escena que muestra. En este sentido fue un
gran innovador para su época. Muy preciado entre algunos
famosos pintores ingleses, fue él quien les influenció
marcadamente el estilo. Entre otros, se puede mencionar a
Constable y a Reynolds. Aunque los trabajos de Murillo,
fueron los primeros de un pintor español, que lograron
fama en toda Europa, el paso del tiempo dió a Velázquez
una popularidad superior

43. El mendigo es una obra datada hacia 1650. Se trata de
un óleo sobre lienzo que mide 134 cm de alto por 110 de
ancho. Se encuentra actualmente en el Museo del
Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título
de Le Jeune Mendiant. Fue adquirido en 1782 para las
colecciones reales de Luis XVI.
El realismo no le impide presentar el cuadro de forma
amable, con la gracia propia de Murillo, sin expresar
dolor o miseria.
En la representación, aparece un mendigo vestido con
harapos, que se concentra en su ropa apretada entre las
manos. Se cree que está despiojándose. Tiene los pies
sucios. Puede ser un mendigo o más bien un pícaro de los
que aparecen en las novelas el Lazarillo de Tormes (1511) o
las Ejemplares de Cervantes (1613).
Por todo acompañamiento, Murillo pinta
un cántaro de barro y un cesto con manzanas. En el suelo,
restos de camarones u otros crustáceos. Forman
un bodegón por sí mismos. Gracias a ellos, demuestra su
gran capacidad para pintar diferenciadamente materiales
y texturas. Mendigo La escena está iluminada con un
fuerte claroscuro propio de la época barroca, de
influencia caravagista. La luz proviene de la ventana que
queda a la izquierda e incide plenamente en el cuerpo
sentado del chico, dejando en penumbra el resto de la
estancia. En cuanto al cromatismo, dominan los colores
amarillentos y castaños, desde los más claros hasta los
oscuros, casi negros.

44. La conocida como Inmaculada «de Soult» es un cuadro,
fechado en el año 1678. Se conserva en el Museo del
Prado de Madrid, donde destaca como una de las obras más
importantes de la última etapa del maestro. Aparece la
Virgen vestida de blanco y azul, con las manos cruzadas
sobre el pecho, pisando la Luna y la mirada dirigida al cielo;
la composición, como en este caso, suele presentar un claro
impulso ascensional, muy barroco, que coloca a la figura de
la Virgen María en el espacio empíreo habitado de luz, nubes
y ángeles, aunando dos tradiciones iconográficas: la de la
Inmaculada propiamente dicha y la de la Asunción. Es
llamativa en esta Inmaculada la desaparición de los
tradicionales símbolos de la Letanía Lauretana, oración
mariana que se asocia muy frecuentemente con la
iconografía inmaculista. En lugar de ellos, Murillo idea en
torno a María una gran gloria de ángeles, pintados en las más
variadas actitudes con una pincelada muy deshecha, que
logra fundir las figuras con la atmósfera celestial.
La pintura fue encargada por Justino de Neve para el Hospital
de los Venerables de Sevilla; se la conoce también por ello
com0 Inmaculada de los Venerables. Durante la Guerra de la
Independencia fue expoliada y llevada a Francia por
el mariscal Soult en 1813; de este hecho proviene su otro
sobrenombre. Expuesta casi durante un siglo en el
parisino Museo del Louvre, ingresó en la colección del Museo
del Prado tras un intercambio de obras de arte con el
gobierno francés en el año 1941. Durante el año 2009 fue
sometida a un complejo proceso de restauración en los
talleres del museo.

45. Dos niños comiendo melón y uvas.
Realizado en oleo sobre lienzo,
actualmente se esta ubicado en Alta
Pinacoteca de Munich (Alemania). Aquí
vemos una obra de su juventud, dada la
naturalidad de la escena, donde dos niños
disfrutan de un banquete improvisado.
La escena se supone que son dos niños
que acaban de conseguir un botín, melón
y uvas, y se lo comen con glotonería y
rapidez. Sus ropas rotas, su suciedad y la
rapidez que lo están comiendo nos aluden
a que son dos pícaros que han conseguido
robar esos manjares. Aunque el fondo
parece neutro, realmente estamos frente a
un escenario de un edificio en ruinas. Lo
más llamativo es el nivel de detalle de la
escena, donde las frutas parecen un
auténtico bodegón. Utiliza unos tonos
oscuros, marrones, pero con gran
luminosidad, lo que hace ver su
influencia de la pintura veneciana y de
Herrera.

46.  Nació en Limoges, Francia. Pintor impresionista de retratos, panoramas citadinos y
escenas de la vida diaria. Formó parte del selecto grupo de maestros que revolucionaron
el arte pictórico al introducir el impresionismo como estilo de pintura, que más allá de
pretender el perfeccionismo de las formas como normalmente se acostumbraba, apunta a
retratar las escenas como el ser humano las ve.
En este estilo donde se combinan el temperamento del pintor y la impresión ocular que
tiene de la escena, logra la atención del observador de la obra, quien se identifica con la
impresión que se lleva de lo que observa y no con la realidad absoluta dificil de recordar.
Generalmente un maestro impresionista no requiere de un modelo estático para realizar
sus cuadros, si no que pinta lo que su memoria a registrado. Esto le permite introducir
elementos subjetivos y a veces ajenos a la escena, en la cual se ha inspirado.
Para lograr este tipo de pintura, los artistas franceses dieron un golpe a la cátedra y
desarrollaron una técnica de pinceladas libres, que sin bien se asemejan a manchas de
color, en la práctica, al tomar distancia de la obra, se transforman en componentes reales.
Si bien Renoir no fue el fundador de la escuela impresionista (Pissarro), sin duda
contribuyó con su maestría a la difusión de esta escuela de pintura. Entre sus camaradas
de profesión y amistad están el mismo Pissarro, Monet, Sisley, Cézanne, Degas, Caillebot
y Bazille.

47. Baile en el Moulin de la Galette En
esta obra maestra
del impresionismo fija un momento de
la vida parisina en una atmósfera de
feliz abandono. Presenta a la gente
sencilla y popular que se divierte
un soleado día de verano en el moulin
de la Galette. Este establecimiento era
un antiguo molino, reconvertido en
café, al que se acudía los domingos,
porque allí se celebraba un baile muy
concurrido.1
La composición se desarrolla en torno a
un esquema curvilíneo, del primer
plano hacia el fondo, siguiendo las
diagonales del cuadro. La pincelada es
borrosa. Consigue un gran colorido y
efectos de luz, como filtrada a través de
las hojas.1
En el primer plano aparece Georges
Rivière, amigo de Renoir. Era un
escritor y crítico que defendía a
los impresionistas.

48. El matrimonio Sisley. Fue
ejecutado en 1868. Se trata de
una pintura al óleo sobre lienzo,
que mide 105 cm de alto y 70 cm.
de ancho. Actualmente se conserva
en el Museo Wallraf-Richartz de
Colonia (Alemania).
Los dos protagonistas del cuadro,
como indica el propio título, son
Marie y Alfred Sisley,
pintor impresionista y gran amigo
de Renoir.
Se trata de un cuadro de juventud,
en el que aún se conservan rasgos
tradicionales en la representación
de las figuras. El matrimonio
amigo tiene un gesto de cariño, un
poco torpe. Sin embargo, el fondo
que representa un jardín o parque
luminosos, es
claramente impresionista.

49. La primera salida. Está
realizado al óleo sobre lienzo.
Mide 65 cm de alto y 49,5 cm de
ancho. Fue pintado
entre 1876 y 1877. Se encuentra
en la Tate Gallery de Londres.
Se describe en este cuadro la
emoción y la vida social que
representaba un teatro de
ópera en la época. La mitad
derecha está dedicada a
dos jovencitas que, desde la
intimidad de su palco,
contemplan la actividad en los
otros palcos, que se desarrolla
en la mitad izquierda de la
pintura.
Su clara piel juvenil y el cabello
pelirrojo contrasta con
el sombrero azul y el vestido de
color oscuro.1

50.  Nació en Nápoles, Italia. Pintor de frescos decorativos y
retratos estilo barroco del siglo XVII. Apodado Luca fa
presto (el rápido), Giordano es el artista más prolífico
de la antigüedad. Su forma de pintar destaca por la
coloración delicada que aplica, lo que se traduce en
reflejos de luz muy particulares, reconocibles a
primera vista en sus obras.
Sus trabajos en el palacio Escorial de España, dan
cuenta de su maestría, cuando pintó para el rey Carlos
II.

51. Bóveda de la Sacristía. Catedral de Toledo.
1692-1702. Sólo cinco meses necesitó Luca
Giordano para pintar la bóveda de medio
cañón rebajado que cubre la Sacristía de la
catedral toledana. El motivo central del
fresco se representa en la cabecera y no es
otro que la imposición de la casulla a san
Ildefonso por parte de la Virgen María,
asunto de arraigada tradición toledana. Un
buen puñado de ángeles y santos acompaña
a la Madre de Dios en su descendimiento
para hacer la imposición al santo. En el
centro de la bóveda se representa un
rompimiento de Gloria presidido por el
nombre de Yahvé, rodeado de un profundo
efecto lumínico. Seis santos toledanos se
muestran en los huecos de los ventanales,
incluyéndose entre ellos el propio Giordano
en una ventana ficticia, con las manos en
posición orante. Los escritos y las
confidencias del santo derrotan a los
enemigos de las prerrogativas de María,
precipitándose por las murallas de Toledo

52. Bóveda Alegoría del Toisón de Oro. Pintura al fresco h. 1695-97. Casón del Buen Retiro de
Madrid. Es una alegoría de la Monarquía Española. Se quería impresionar pero tampoco
apabullar. Los tiempos de Carlos I, Felipe II, Felipe III y Felipe IV habían pasado. La decadencia
de la dinastía Hasburgo era un hecho. Para ello se recurrió a una alegoría de la monarquía
española, un relato que mezcla leyenda con la conquista de los Reyes Católicos de Granada.
El fecundo decorador al fresco napolitano, aunque cultivó los géneros más diversos, dejó a su
paso por España algunas obras muy expresivas de un género decorativo barroco que habría de
influir en el espíritu del nuevo siglo. Artista bien formado en la tradición italiana del siglo XVII
supo agrandar nuestro ámbito pictórico con varios ejemplos definidores de una corriente en la
que se combinaban enseñanzas venecianas, boloñesas y romanas. Como principal legatario de
toda una tradición barroca de fresquistas italianos, el pintor ofrece puntualmente en esta obra,
una de sus más bellas y frescas invenciones, la supervivencia bien recreada de Pietro da Cortona
y de Gaulli.

53. Frescos de Luca Giordano. Los muros del cilindro se cubren con pinturas al fresco
de Luca Giordano: abajo, entre los altares, santos reyes (en la imagen, Fernando de
Castilla y León y Hermenegildo), por encima, con acusado sentido escenográfico y
en fingidos tapices sostenidos por ángeles y alegorías de las virtudes, los milagros
del santo portugués: Resurrección del joven Parrasio. En los fondos de altares, en la
fotografía, Santa Engracia, de Caxés, y Santa Ana, del propio Giordano. Sobre ellos
los retratos de busto de los Austrias menores y de Felipe V con sus esposas, como
favorecedores del hospital, son obra probable de Francisco Ignacio Ruiz de la
Iglesia.

54.  Nació en Charenton Saint-Maurice, Francia. Pintor y
dibujante del romanticismo europeo, movimiento
intelectual de mediados del siglo 18 y el 19, que integra en la
pintura motivos literarios, nacionalistas e históricos.
Considerado el último pintor renacentista.
En sus comienzos Delacroix reproduce cuadros de famosos
como Rubens, el Veronés y especialmente de Miguel Ángel.
Allí hace revivir en sus obras, el estilo barroco lleno de
colorido, que ya no era utilizado por los artistas neoclásicos
del momento.
Luego Delacroix evoluciona a un estilo que sienta las bases
del movimiento impresionista, su influencia está presente
en maestros como Cézanne y Matisse.

55. La matanza de Quíos, conservado en el Museo del
Louvre de París, Francia. Se trata de un óleo sobre
lienzo que mide 417 cm de alto por 354 cm de ancho.
Data del año1824.
Este cuadro representa un episodio de la guerra de
independencia de los griegos contra los otomanos
ocurrido ese mismo año: la matanza de 20.000
habitantes de las islas griegas,1 y el sometimiento a la
esclavitud de las mujeres y los niños supervivientes.2 El
resultado es este cuadro prácticamente monocromo,
con unas tonalidades cobrizas que unifican el espacio y
proporcionan al cuadro una luz infernal. El cuadro se
compone de tres pirámides humanas. De izquierda a
derecha, se ven expresiones de miedo y desesperación.
Los cuerpos, semidesnudos y tirados, reflejan
la derrota de los griegos.
A la izquierda hay una pareja moribunda. Puede verse
la sangre que recorre el cuerpo del hombre. En primer
plano, a la derecha, se encuentra la figura de una mujer
vieja, que mira hacia afuera del lienzo con expresión de
horror. Su presencia refuerza el patetismo de la escena.
Detrás de ella, a la derecha, se ve a un oficial turco
llevándose a una mujer desnuda, lo que enfatiza la
crueldad de la masacre.
Destaca en el lienzo la ausencia de un héroe. La masa de
los habitantes son los protagonistas, los que resultan
heroicos, sufriendo todos ellos la guerra.

56. La libertad guiando al pueblo
Óleo sobre lienzo. Hay una
estructura en forma de pirámide
con los muertos por la libertad en la
base y la libertad en la cima
sosteniendo en la mano derecha la
bandera tricolor y en la mano
izquierda un rifle. El ligero pincel
de Delacroix y la fuerza luminosa
de sus colores exaltan la vitalidad
de sus cuadros. Para aumentar la
tensión y el movimiento añadió
contrastes complementarios junto a
la oposición de los claroscuros. El
color para Delacroix no solo tenía
un valor de representación, sino
sobre todo un significado
emocional propio, con el que el
pintor intentaba plasmar sobre el
lienzo el sentimiento y la
disposición de ánimo de las
personas. De fondo se ve el cielo de
París tormentoso (otra
característica romántica).

57. Mujeres de Argel. Está realizado al
óleo sobre lienzo. Mide 180 cm de alto y 229 cm
de ancho. Fue pintado en 1834. Se encuentra en
el Museo del Louvre, París, Francia. Parte del
rostro de la mujer de la izquierda queda inmerso
en la sombra. El pintor usó esta técnica en
muchas figuras para lograr un aire de misterio y
aislamiento. A su lado están sentadas otras dos
mujeres mientras que otra figura femenina, una
criada negra, está en pie; su presencia, de
espaldas y girando, parece hacer entrar al
espectador en el cuadro. Destaca en el cuadro la
forma en que la luz está representada. Es una luz
lógica, pues viene de una ventana, sin representar
una luz idealizada sino como era en realidad En
el siglo XIX, la pintura era conocida por su
contenido sexual y su orientalismo.
Estas mujeres simbolizarían el ideal de belleza
femenina para Delacroix, combinación de la
suntuosidad oriental con los rasgos griegos
propios de un Fidias. Las carnaciones están
tratadas con tonos bronceados, lo que refuerza el
exotismo de la pintura. En cuanto a la técnica, usó
pequeños toques de color, independientes, lo cual
explica que sea considerado precedente del
impresionismo. Destacó sobre todo el
tratamiento cromático que le dio a las ropas:
pantalones verdes con motivos amarillos, enaguas
verdes y azules, un chal amarillo con rayas rojas,
una falda rosa y negra.

58.  Nació en Cortona, región de Toscana, Italia. Eximio
pintor de frescos religiosos entre los que destacan sus
representaciones sobre el apocalipsis bíblico.
Signorelli concentra su visión en la figura humana a la
cual, de forma detallada, retrata con un trabajado
realismo expresivo. Fue alumno del gran innovador y
maestro Piero della Francesca del cual adopta el estilo
para pintar el espacio que existe alrededor de las
figuras, (perspectiva). De su amigo arquitecto y luego
pintor Antonio del Pollaiolo aplica la forma de destacar
los contornos que hacen resaltar los personajes
presentes en la escena.

59. El Infierno
La obra maestra de Luca Signorelli es la decoración al fresco de la capilla de san Brizio en la catedral de Orvieto, Signorelli
realizó entre 1499 y 1504 un gran ciclo de pinturas murales, representando un Juicio Final cargado de dramatismo y tensión
en la zona de los condenados que aquí apreciamos. El excelente dibujo de Luca se pone claramente de manifiesto en todas las
figuras, escorzadas en su mayoría, en un conjunto difícilmente olvidable. Los demonios con forma humana torturan o atan a
los condenados que se retuercen de dolor y de angustia, escena observada por ángeles con corazas en la zona superior del
arco. La perspectiva ha sido interpretada a través de la masa humana donde la anatomía se convierte en protagonista absoluta,
inspirada en el mundo clásico, acentuándose los músculos en tensión gracias al empleo de una luz fuerte. La sensación de
movimiento es también protagonista, resultando una obra sólo superable por el Juicio Final que Miguel Ángel pintó en la
Capilla Sixtina, influida sin duda por esta imagen de Signorelli.

60. El sermón y las obras del Anticristo. Es una de las escenas de la que está considerada
su obra maestra absoluta, el ciclo de frescos con temas apocalípticos que decoran la capilla
de san en la catedral de Orvieto (1499-1504). Miguel Ángel se inspiró para su Juicio Final en
la observación de los frescos de Signorelli en Orvieto. En esta escena se representa
al Anticristo predicando de una manera análoga a como se solían representar los sermones
de Cristo. Pero se aprecia que es el diablo quien le dice al oído lo que tiene que contar. En
vez de rayos de luz dorada, son de color rojo sangre en el punto donde el arcángel san
Miguel se dirige hacia la Tierra para luchar contra el Anticristo. Esta escena es
particularmente interesante por los dos caballeros vestidos de oscuro que están en la
esquina inferior izquierda, al parecer un autorretrato en el hombre rubio que mira al frente,
mientras que el hombre a su derecha podría ser Fra Angélico.

61. Autorretrato de Luca
Signorelli (izq) con Fra
Angelico en la Capilla de San
Brizio, catedral de
Orvieto (1499-1505).

62.  Nació en Guanajuato, Méjico. Pintor realista de cuadros y
murales de temas sociales y costumbristas. Reintroduce el fresco
en la pintura moderna. A los 21, viaja a París donde se interioriza
de la pintura impresionista de Pissarro, Renoir, Gauguin y otros
famosos.
Rivera busca incesantemente establecer un estilo propio.
Después de estudiar los frescos italianos del renacimiento,
termina por configurar uno personal que hace revivir la pintura
sobre muro.
Vuelve a su país para mostrar al mundo que aun hay espacio para
los pioneros del arte que desean mostrar nuevas formas de
expresión. No cabe duda que Rivera, en el siglo 20, es el gran
impulsor de la evolución en la pintura desde el impresionismo
clásico a uno renovado que utiliza otra técnica de pincelada y
conserva la característica de pintar lo que está en la memoria del
artista más que pintar la realidad exacta.

63. Retrato de María del
Pilar Barrientos de Rivera
1896
Retrato en Lápiz sobre
Papel

64. La calle de Ávila 1908
Oleo sobre tela. Museo
Nacional de Arte, INBA,
Ciudad de México

65. Desnudo con Alcatraces 1944
Oleo sobre masonite, Coleccion
de Emilia Guzzy de Galvez.

66.  Nació en Kronach, Alemania. Pintor que en sus obras
daba importancia al paisaje del entorno. Esta
característica lo clasifica dentro de la escuela de
pintura estilo Danubio, que inició otro gran maestro:
Altdorfer.
La especialidad de Cranach son los retratos y la pintura
religiosa.

67. La fuente de la eterna
juventud. Hay también
incontables fuentes
indirectas de la historia. La
inmortalidad como don
aparece con frecuencia en
las leyendas, e historias de
objetos como la piedra
filosofal, la panacea
universal y el elixir de la
vida son comunes por toda
Eurasia y en otras regiones.
Una pista adicional puede
haber sido tomada del
relato del estanque de
Betesda en el Evangelio de
Juan, en el que Jesús cura a
un hombre en dicho
estanque de Jerusalén.

68. Forman el último grupo de
sus obras los actos, en
aquel entonces muy
populares. Cranach creaba
a peticiones privadas
muchos cuadros con
temas eróticos. Las más
famosas son las
variaciones del cuadro
"Adán y Eva".

69. La ninfa de la fuente
Destacada representación de la temática clásica en Cranach es esta bella ninfa Castalia,
recostada sobre un paño carmesí en un prado, que según la mitología se convirtió en
fuente. El texto latino del humanista Giovanni Campani ("Yo, ninfa de la fuente,
sagrada descanso aquí, no perturbéis mi sueño") nos sugiere el poético marco del
paisaje y la visión entre erótica y ensoñadora del desnudo, tratado según el gusto
alemán de la época. Los elementos simbólicos (los ciervos, las perdices y el carcaj) nos
remiten a los conceptos del amor y de la caza. Obra de madurez del pintor, nos muestra
la maestría alcanzada por su arte.

70.  Nació en Roma, Italia. Pintor del renacimiento
temprano, escuela romana de frescos y diseño de
mosaicos en estilo parecido al medieval Bizantino. Su
técnica consiste en resaltar los colores para establecer
las figuras y el espacio. Fue líder en su época, previo al
maestro El Giotto.

71. "El ciclo de frescos del Juicio
Final en Santa Cecilia en
Trastevere en Roma, el Día del
Juicio. Detalle "
1295-1300
Fresco
Roma. Iglesia de Santa Cecilia
Conservado sólo en
fragmentos

72. Juicio Final en la Basílica
de Santa Cecilia en
Trastevere en Roma,
pintado hacia 1293 y
considerada la obra
maestra de Cavallini,
demuestra un estilo
artístico conocido
como naturalismo roman
o. Este naturalismo
influirá en la obra de
artistas que trabajaron en
otras ciudades italianas
como Florencia y Siena.

73. Natividad de la Virgen. El
ciclo de mosaicos con seis
escenas de la vida de María en la
iglesia de Santa María en
Trastevere en Roma, con fecha
de 1921

74.  Nació en Grasse, Francia. Pintor de escuela post
Barroco, estilo Rococó. A sus 24, viaja a Italia por 5
años donde es reconocido por sus pares. De ahí
también nace la admiración por el gran maestro
Tiepolo del cual recoge la forma en que se aplica la
luminosidad a la escena, cosa presente en algunas de
sus obras.
La técnica de Fragonard es impecable y va más allá del
colorido rococó que utiliza con maestría. Su realismo
es mágico. No hace falta ser experto para saber que una
obra de estas las tiene que haber pintado un genio.

75. La gallina ciega realizada hacia 1769. Es
una pintura al óleo sobre lienzo con unas
dimensiones de 114 cm de alto por 90 cm de
ancho. Se conserva en el Museo de Arte de
Toledo, Ohio (Estados Unidos), donde se
exhibe con el título de Blind's Man Bluff.
Fragonard retrata aquí el juego de la gallina
ciega, pero es cuadro lleno de equívocos. Por
un lado, la joven con la venda en los ojos está
mirando subrepticiamente por debajo de
ella, de manera que más que jugar en serio,
parece ser un pretexto para dar lugar a la
seducción. Por otro lado, ambos personajes
están vestidos de pastores, aunque bien
pudieran ser nobles o burgueses disfrazados
como tales. En cuanto al paisaje, parece un
bosquecillo, pero igualmente pudiera ser un
escenario de teatro. De esta manera parecen
abolirse los límites entre realidad y ficción,
verdad y mentira.1

76. Los felices azares del columpio realizado
en 1767. Es una pintura al óleo sobre lienzo con
unas dimensiones de 81 cm de alto por 65 cm. de
ancho. Se conserva en la Colección
Wallace de Londres (Reino Unido).
Un rico barón encargó este cuadro a Fragonard,
como homenaje a su amante.
Representa una escena galante en un ambiente
idílico. Una joven se balancea en el columpio que
empuja un hombre mayor (seguramente su
marido) mientras que abajo, a la izquierda, aparece
un joven que mira debajo de su falda. El marido
queda relegado a la sombra, mientras que el joven
(amante de la mujer) luce en primer plano, entre
vegetación y flores.
El joven se encuentra tumbado a los pies de una
escultura de Cupido. Dicha figura esconde una
pista: pide silencio con un dedo en sus labios, lo
que alude a un secreto. El amante muestra una
expresión de arrebato, como si hubiese recibido
una revelación, de carácter en este caso puramente
terrenal. La muchacha le corresponde mirándole
fijamente.
Se ha captado el momento del máximo balanceo
del columpio, pues un instante después éste
volverá hacia atrás, hacia el hombre de mayor
edad, representando así «un segundo de
arrebatamiento erótico, tan voluptuoso y frágil
como el Rococó mismo».1

77. El camisón arrebatado,
realizado hacia 1770. Es
una pintura al óleo sobre
lienzo de pequeñas
dimensiones: 35 cm. de alto
por 42 cm. de ancho. Se
conserva en el Museo de
Louvre de París (Francia),
habiendo sido adquirido
mediante el legado del Dr.
Louis La Caze en 1869. Fue
expuesto en París en 1860.
Representa a una joven
tumbada en su lecho. Lleva
una cinta azul en el pelo y
un amorcillo, atributo de la
diosa Venus, le arrebata el
camisón. Su desnudez permite
al pintor recrearse en el
atractivo sensual de la carne
rosada.2

78.  Nació en Venecia, Italia. Pintor religioso de cuadros y
frescos en estilo manierista a fines del Renacimiento.
Fue alumno de Tiziano (Titian). En sus obras también
se aprecia la influencia del gran maestro Miguel Ángel.
El Tintoretto es mágico a la hora de expresar el drama
en sus imágenes. Sus trabajos definen con claridad lo
que es el manierismo clásico italiano. La técnica que
emplea, en la coloración y la luminosidad, es original
para su época y ciertamente es uno de los pilares de la
aparición, posterior a él, de la pintura de estilo
Barroco.

79. San Marcos liberando al esclavo. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 416 cm de alto y 544 cm
de ancho. Fue pintado en 1548,1 encontrándose actualmente en la Galería de la Academia de
Venecia, Italia.
Representa un episodio tomado de la Leyenda dorada de Jacobo de la Vorágine: el servidor de un
caballero provenzal va a ser castigado por haber venerado las reliquias del santo. Se le sometería
a tortura con una máquina que le rompería los huesos y, además, iba a quedar ciego. La figura sentada
en la parte del lado derecho, vestida de rojo intenso, es el caballero de Provenza, señor de quien va a se
castigado.1 Sin embargo, es salvado por la milagrosa intervención del santo. El santo está pintado en un
sorprendente escorzo, en lo alto, en paralelo al escorzo de la figura del esclavo que yace en el suelo.
Las figuras se enmarcan en un escenario arquitectónico. Pueden observarse aquí las diversas
influencias de Tintoretto: por un lado, las anatomías y los escorzos típicamente miguel ángel escos, po
otro, los intensos y vivos colores propios de la escuela veneciana.

80. Cristo en el lago Tiberíades .
Está realizado
en óleo sobre lienzo. Mide
117,1 cm de alto y 169,2 cm de
ancho. Fue pintado hacia 1575-
1580. Se exhibe en la Galería
Nacional de Arte,
de Washington DC en los
Estados Unidos.
Se ilustra en esta escena una de
las apariciones de Jesucristo
tras su resurrección, según la
Biblia. En concreto, en el
capítulo 21 del Evangelio de
Juan se narra esta aparición
que viene seguida por la pesca
milagrosa.

81. La última cena, es la última gran obra del pintor. Está realizada en óleo sobre lienzo. Mide
365 cm de alto y 568 cm de ancho. Fue pintado en los años 1592-1594, encontrándose en
la Basílica de San Giorgio Maggiore de Venecia, Italia.
Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La escena
tiene lugar en una taberna sombría y popular, donde las aureolas de los santos aportan una
luz extraña que subraya detalles incongruentes. Es una obra oscura, en la que destaca
precisamente el tratamiento que hace de la luz. Los rostros de los santos se distinguen
gracias a la luz de sus propias aureolas. Hay dos puntos de luz intensa: uno en alto, a la
izquierda, y otra la intensa aureola de Jesucristo.
El tono es resueltamente barroco.

83.  Nació en Nápoles, Italia. Escultor, arquitecto y diseñador, artista
célebre creador de la escultura estilo Barroco en el siglo 17. Hijo
de un escultor florentino, Bernini consiguió acceso privilegiado
al mundo de las artes y tuvo como patrocinadores a los papas
Pablo V, Urbano VIII y a otros 4 prelados.
Emigró a Roma junto a su padre. Estudios iniciales de la
escultura grecorromana ya existente en el Vaticano y las obras de
Miguel Ángel fueron su fuente de inspiración. Los trabajos que
realizó durante su vida son cuantiosos. Entre ellos se incluyen
fuentes públicas, decoración de iglesias y obras arquitectónicas.
Bernini fue famoso en vida y todas las cortes europeas deseaban
sus servicios. Entre ellos estuvo el rey de Francia Luis XVI que lo
llevó a trabajar a París cuando el artista ya contaba con 69 años
de edad.

84. Constanza Bonarelli
Si el Retrato del cardenal Borghese
(1632) es una obra genial por su
coherencia compositiva, su
tratamiento del mármol y su
captación de los rasgos físico-
psicológicos del personaje, el de esta
joven romana, de la que estaba
fieramente enamorado Bernini, es aún
más inmediato. Captada en la
intimidad, como por sorpresa, su
espontaneidad de gesto y de aspecto
prueban la fresca capacidad de síntesis
plástica de Bernini.

85. El David es una estatua realizada entre 1623
y 1624. Tiene tamaño real y está ejecutada
con mármol. Pasó a formar parte de la
colección de su principal mecenas, el
Cardenal Scipione Borghese, y actualmente
se expone en la Galleria Borghese.
Representa al futuro rey David, uno de los
personajes del Antiguo Testamento, en la
escena en que derrota al gigante Goliat
lanzando una piedra con una honda.
A pesar de la temática cristiana, esta
estatua, entre otras de temas similares, sirve
para rescatar el tema clásico de los jóvenes
atletas griegos, los kuroí.
En comparación con otras versiones pasadas
del tema, como la famosa estatua el David
de Miguel Ángel, se muestran cualidades
paradigmáticas de la escultura del Barroco.
Sobre la placidez clásica y renacentista,
Bernini introduce emoción y dinamismo

86. Apolo y Dafne es una estatua
realizada por el italiano
Bernini entre los años 1621 y
1624. Pertenece al estilo
barroco.
Se trata de una escultura a
tamaño real de mármol,
expuesta en la Galleria
Borghese en Roma.

87.  (Marsella, 1620 - id., 1694), escultor y arquitecto
francés. Se desplazó desde su ciudad natal hasta Roma,
donde tuvo a Pietro da Cortona como maestro entre
1640 y 1643. La potencia de sus modelados, de una
plasticidad cargada de sentimiento, convierte a las
obras de Puget en unas de las más originales de la
escultura barroca francesa. Desarrolló la mayor parte
de su actividad en la corte de París.

88. Cristo en la cruz
Parece que la
representación de Cristo
en la cruz es de origen
bizantino, donde se
comenzó a representar así
para explicar la naturaleza
divina de Cristo en
tiempos de las primeras
herejías sobre el tema.

89. Virgen y niño
En las primeras representaciones la
Virgen se encuentra entronizada, y el
Niño puede estar plenamente consciente,
alzando su mano ofreciendo una
bendición.

90. Hércules Gálico
En 1882, Adolphe-
André Porée descubrió
una estatua perdida
por Puget en terrenos
del castillo en Biéville-
Beuville. Esta estatua
de Hércules matando a
la Hidra de Lerna era
originalmente en el
castillo de Vaudreuil, y
ahora está en el Museo
de Bellas Artes de
Rouen.

91.  Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele
di Francesco de' Cioni, conocido simplemente
como Verrocchio (Florencia, h.1435 - Venecia, 1488)
fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano.
Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia.
Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da
Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero
también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo
serenamente clásico del primer renacimiento
florentino.

92. Lorenzo de Mecini
Se encuentra situada en la catedral
de Badajoz de Lorenzo de Figueroa

93. Cristo terracota
De frente y tamaño poco menor que el
natural, hasta mitad del pecho. Manto
abierto hacia los lados dejando ver la túnica.
Cabeza ligeramente inclinada hacia su
hombro derecho. Peana antigua de doble
ceja en madera dorada y pintada, con letrero
en su frente VERROCCHIVS. Dimensiones:
altura del busto, 510 mm.; altura de la peana,
80 mm; anchura de la peana, 585 mm.

94. Cristo y San Tomas
En 1466 la cofradía de
mercaderes de Florencia le
encargó un grupo en bronce
titulado Cristo y Santo
Tomás para un nicho externo
de la iglesia de
Orsanmichele. La obra se
colocó allí en 1483. Ideó una
composición de dos figuras,
con Cristo en el centro del
nicho, y el Santo estirado
hacia afuera, para evitar una
perspectiva frontal rígida y
para ayudar al espectador a
identificar mejor a los
personajes.

95.  Nació en Florencia, Italia. Gran escultor y orfébre de estilo
manierista. Junto al destacado Giambologna, fueron
herederos artísticos de Miguel Angel, a fines del
Renacimiento. Cellini ocupa un sitial destacado en la
historia de la escultura por la excelencia y perfeccionismo
de sus obras, las que han servido de ejemplo para los
escultores clásicos posteriores a él. Trabajó en Roma,
durante el pontificado de Clemente VII y de Pablo III.
Posteriormente, el rey Francisco I de Francia lo reclutó para
el desarrollo de las artes en su país. Cellini residió en Paris
durante tres años y allí creó sus obras más destacadas. En
esa época se pensaba que después de Miguel Angel no
existiría nadie que lo superara. Sin embargo, aunque no
alcanzó la misma fama, Cellini demuestra en sus esculpidos
que gozaba de tanta habilidad como su célebre maestro.

96. Perseo y la Medusa
Perseo degollando a
Medusa es una obra de
1554. Se encuentra en el
Pórtico de los Lanzi, en la
Piazza della Signoria de
Florencia.

97. Ganímedes
era un héroe divino
originario de la Tróade.
Siendo un hermoso
príncipe troyano, hijo del
mismo epónimo Tros (o
de Laomedonte, según las
fuentes), Ganimedes se
convirtió en el amante
de Zeus y en el copero de
los dioses. Sobre
la etimología de su
nombre Robert
Graves (Los mitos griegos)
propone ganuesthai + med
ea, ‘regocijándose en la
virilidad’.

98. Salero Fernando I
El famoso Salero de Francisco I de
Francia (Kunsthistorisches Museum
de Viena).
Posteriormente, el rey Francisco I de
Francia lo reclutó para el desarrollo
de las artes en su país.
En 1567 Benvenuto interrumpe "La
Vida" (que, por lo tanto, queda
incompleta), y escribe los "Tratados"
de la "Joyería" y de la "Escultura",
cristalinos ejemplos de capacidad
didáctica y conocimiento técnico. Se
casa con Piera de' Parigi (aunque en
1544 había sido ya padre de una niña
nacida de una relación con una
modela) y, tres años más tarde, en
1571, muere en Florencia. Está
enterrado en la iglesia de Santa Maria
Novella.

99.  Nació en York, Inglaterra. Escultor, grabador y dibujante
Neoclásico. Antes de la escultura trabajó en el diseño de
figuras de porcelanas (Wedgwood), donde demostró su
talento y buen gusto como artista gráfico. Enviado a Italia
para representar a su empleador, vive en Roma por siete
años donde su estilo se inspira cada vez más en el arte de la
grecia antigua. Allí Flaxman publica dibujos y grabados que
rápidamente son reconocidos por su alta calidad y le
proporcionan fama y reputación de gran artista.
Al volver a Inglaterra es requerido para esculpir estatuas de
pesonajes, tallar bajorrelieves y realizar grabados sobre
metal que son admirables por la perfección de sus líneas.

100. Furia de Atamás
Hijo de Eolo y de Euarete. Rey de Orcomene,
en Beocia. Por orden de Hera (Juno) se casó
con Néfela, y de ella tuvo dos hijos: Friso y
Hella. Mas él amaba secretamente a una
mortal, Ino, hija de Cadmo, con quien tuvo
otros dos hijos: Learco y Melicerte.
Encolerizadas Hera y Néfela (diosa de las
Nubes) al saber este adulterio, castigaron a
Atamas con una locura furiosa, en uno de
cuyos raptos maté a su hijo Learco,
creyéndole un león. Ino, con su otro
pequeñuelo, se precipitó en el mar. Y ambos
fueron transformados en divinidades
marinas. Ino se llamó Leucotea, y Melicerte,
Palemón. Atamas, como asesino de sus hijos,
fue obligado a huir de Beocia y a establecerse
en la Tesalia. dio su nombre a la ciudad de
Atamania. Según otra leyenda, fue
transformado en río.

101. Horacio Nelson
primer Vizconde Nelson, primer Duque de
Bronté, KB (Burnham Thorpe, Inglaterra; 29
de septiembre de 1758 – Cabo de
Trafalgar, España; 21 de octubre de 1805),
conocido también como almirante Nelson,
uno de los marinos más célebres de la
historia, se destacó durante las Guerras
Napoleónicas y obtuvo su mayor victoria en
la célebre batalla de Trafalgar, en la que
perdió la vida.
Poseía los títulos de duque de Bronte en
el Reino de Nápoles (1799); vizconde Nelson
y barón del Nilo y de Burnham Thorpe
(1798), y barón del Nilo y de Hilborough
(1801) en Inglaterra; caballero de la Orden
del Baño (1797) y vicealmirante de la Marina
Real Británica

102. Abraham Balme
Catedral de Bradford, Bradford,
Inglaterra

103.  Nació en Atenas, Grecia. Artista que por sus obras es
considerado representante emblemático de la escultura
griega. Sus trabajos más importantes y conocidos fueron
realizados para formar parte del templo Partenón, cuya
construcción fue ordenada por Pericles. Fidias fue el
arquitecto y decorador a cargo de este proyecto y para ello
esculpió varias obras que en nuestros días aun son ejemplo
de escultura helénica clásica. Debido a los destrozos y
saqueos causados por invasiones extranjeras, pocos
trabajos originales del maestro se conservan hasta hoy. En
el interior del Partenón creó dos estatuas gigantes cuyos
originales ya no existen y en su exterior labró el mármol en
forma magistral logrando la combinación perfecta de sus
tallados y el estilo Jónico utilizado en las edificaciones
atenienses más refinadas.

104. Atenea
es la diosa de la sabiduría,
la estrategia y la guerra justa. Fue
considerada una mentora de héroes y
adorada desde la Antigüedad como
patrona de Atenas, donde se
construyó el Partenón para adorarla.
Fue asociada por los etruscos con su
diosa Menrva, y posteriormente por
los romanos connMinerva.

105. Tallado en el Partenón
La obra tuvo un gran impacto
entre sus contemporáneos,
hasta el punto de que dio
origen a una tradición de
estatuas criselefantinas, en la
cual encontramos
comprometido de nuevo a
Fidias, con la estatua de Zeus
en Olimpia, y a otros
escultores, en los santuarios
de los siglos V y IV a. C.

106. Mármol estilo Jónico
La arquitectura griega
sienta las bases de lo que
será la arquitectura del
mundo occidental durante
siglos. La codificación de
la edad arcaica en tres
órdenes estéticos
conforme a los cuales
construyeron los antiguos
griegos
(dórico, jónico y corintio)
se convertiría con el
helenismo en un lenguaje
compartido por todo el
mundo mediterráneo.

107.  Nació en Francia. Escultor sobresaliente en mármol y
bronce, artífice de la edad moderna de la escultura.
Impulsó su evolución desde un estilo idealista romántico a
uno crudo y realista llamado naturalismo, que persigue la
expresión más libre e individual.
Este cambio, aunque rechazado por muchos especialistas
de la época, igualmente terminó siendo ejemplo para los
artistas de la escultura moderna que vinieron.
Rodin fue contemporáneo de los célebres impresionistas
Pissarro y Monet que disentían como él, de los cánones
establecidos para el arte, aun influenciado en esa época por
la formas idealistas a manera de Miguel Ángel.

108. El beso
También representada en Las Puertas
del Infierno. Es importante el
movimiento de las obras de Rodin, los
diferentes ángulos y puntos de vista
que nos ofrecen nuevos detalles, más
información sobre la obra (por un lado
parece que se besan, por el otro no).
Uno de los métodos de Rodin era llevar
modelos desnudos a su taller y hacerles
girar y moverse para encontrar la
postura ideal que le inspirase. También
serán importantes las obras
inacabadas, la sensación de
dinamismo, de que todo es cambiante,
de que la obra no es igual según el
lugar desde donde sea apreciada, el
ritmo de la composición (formada con
las posturas, los brazos, cómo éstos se
entrelazan, etc.)

109. Las Puertas del Infierno
es un monumental grupo
escultórico . Mide 6,35 m de
alto, 4 de ancho y 1 de
profundidad. Contiene 180
figuras cuyas dimensiones
fluctúan entre los 15 cm y más
de un 1 m. La iconografía está
basada en La Divina
Comedia de Dante y en los
poemas de Baudelaire de su
obra Las flores del Mal, tratando
de realizar una gran alegoría del
amor y la condena.

110. El pensador
Símbolo de la escultura de Rodín. Aglutina
todas las características del autor. La
escultura llega a traspasar su sentido
literario Trata de expresar algo más universal
y que se identificará con el destino del
hombre. Se trata de un hombre sentado,
reclinado, con la cabeza ladeada hacia abajo,
en una postura de pensamiento, pasividad,
soledad, preocupación, etc. Para ello, Rodin
se inspirará en obras ya existentes (como el
Moisés o la Tumba de Lorenzo de Médici de
Miguel Ángel) clásica, renacentista. Por una
parte vemos una posición descuidada, hay
como un giro de las piernas casual, como si
se sentara a pensar. Pero Rodin va más allá
de la representación idealizada de una
persona para transmitirnos sentimientos,
algo más universal y profundo (soledad,
preocupación del hombre por el devenir del
ser humano,…) toda una carga psicológica
importante. El Pensador está fundido en
bronce.

111.  Nació en Florencia, Italia. Escultor durante la
transición entre el período Gótico y el Renacimiento.
Orfebre de escuela florentina, Ghiberti junto a otros
maestros destacados de la época, como Brunelleschi,
fueron pioneros en la renovación del arte italiano.
Aunque en sus obras se ve con claridad la presencia del
estilo Gótico también se puede observar que sus
trabajos están dotados de alta perfección. Ghiberti
esculpe aplicando técnica impecable y gusto refinado.
Esto se transformó en referente de calidad para los
artistas del Renacimiento que le siguieron.

112. Puertas del Paraíso
se encuentra ubicada frente a
la catedral de Santa María del
Fiore. en 1452 y es su obra
cumbre y una de las obras más
destacadas del Renacimiento.
Completamente dorada, le fue
puesto el sobrenombre de 'del
Paraíso' por Miguel Angel
Buonarroti. Después del aluvión
de Florencia los paneles
originales, fueron restaurados y
se los conserva en el Museo
dell'Opera del Duomo que se
encuentra en las inmediaciones.

113. San Mateo
La escultura de san Mateo
inacabada, se parece a la de
los esclavos, que más tarde,
realizó el escultor para la
tumba de Julio II, parece la
figura surgir de la piedra,
cargada con una gran
emoción que en la época de
Miguel Ángel, describían
como de terribilitá.

114. Estas son las diez escenas que
se representan en la puerta del
paraíso del Baptisterio de
Florencia, obra realizada a
mediados del XV por Ghiberti:
1. Creación de Adán y Eva;
escena del pecado y expulsión
del paraíso. 2.Caín y Abel 3.
Noé: sacrificio y borrachera 4.
Abraham 5. Isaac; Esaú y Jacob
6. José y sus hermanos 7.
Moisés 8. Josué y el paso del
mar Rojo 9. David y Goliat 10.
Salomón y la reina de Saba.
Historia de Esaú y Jacob

115.  Nació en Boloña, Italia. Arquitecto y escultor de obras en
estilo Barroco. Sucesor de Lorenzo Bernini en la corte papal
de León XI. Primeramente estudió con el pintor y
diseñador gráfico boloñes Agostino Carracci para luego
derivar a la escultura con el maestro Conventi. Ya a los 20
años, sus esculturas era requeridas por nobles y religiosos.
Dentro y fuera de Roma le fueron encargados múltiples
trabajos para iglesias. La especialidad de Algardi son las
escenas y alegorías religiosas como también mitológicas.
Célebres son sus estatuas de metal, sobre relieves y bustos
en mármol.
Algardi muestra un estilo particular en sus obras. Exagera
la expresión corporal de sus personajes, logrando un
realismo innovador para su época, cosa que acompaña con
la perfección de formas y detalles.

116. TUMBA DE INOCENCIO X
Desde 1.644 hasta su muerte pasa a ser el escultor de Inocencio X. Aparece la
escultura del Papa y flanqueado por dos alegorías (caridad y justicia) de las virtudes.
Entre ellas un sarcófago de tradición clásica. Además se percibe la composición
triangular, típico del Renacimiento más tranquilo.

117. LA MAGDALENA
Tiene formación clasicista, pero le
influye mucho Bernini. Esto se percibe
aquí. Sin embargo, la postura es
tranquila sin composición complicada
(más clásica).

118. Papa Inocencio
Es en bronce. El Papa aparece con
dinamismo, bendiciendo a los fieles. Se
percibe la influencia de Bernini (Estatua
de Urbano VIII).

119.  Nació en Bruselas, Bélgica. Escultor de raíz flamenca,
activo durante los inicios del período Barroco, también
conocido como Francesco Fiammingo. Fue discípulo de su
padre que era escultor. A los 21 años emigra a Roma, donde
estudia en profundidad la escultura antigua de griegos e
italianos, cuyos estilos en ese momento, eran considerados
caducos por los vanguardistas del Barroco.
Junto a Algardi, otro escultor italiano y la influencia de su
amigo Poussin que era pintor francés, Duquesnoy se alejó
con éxito de la escuela emergente que comandaba el
maestro Bernini. Su disidencia no impidió que la historia le
atribuyera una importancia similar a la de este último.

120. Apolo y Cupido
Cupido un día se enfadó
con Apolo cuando éste
bromeo sobre sus
habilidades como arquero,
así que Cupido hizo que
Apolo se enamorara de la
ninfa Dafne y a ella le
disparó una flecha con
punta de plomo. Dafne rezó
al dios río Peneo pidiendo
ayuda y fue transformada
en un árbol de laurel, que se
consagró a Apolo.

121. Adonis
Originario de Fenicia, Adonis
se extendió a todos los países
del Mediterráneo con
diversas modificaciones, si
bien siempre retuvo aspectos
semíticos, constituyendo una
de las figuras de culto más
complejas de la época clásica.
Tuvo múltiples papeles y su
significado y propósito en
las creencias religiosas
griegas han sido objeto de
mucha investigación a lo
largo de los siglos.

122. Santa Susana
Los expertos han destacado la finura del
acabado de las superficies y la suavidad
y dulzura con la que Duquesnoy dotó a
la estatua. Según Bellori, el artista
trabajó durante años en ella con un
modelo vivo, teniendo como referente la
estatua antigua de Urania del Capitolio.
Duquesnoy consiguió un verdadero
alarde de equilibrio clasicista; la figura
está en un perfecto contrapposto y todo
en ella es grácil elegancia. La santa gira
suavemente el cuello con un
movimiento compensado por la caída de
vestido y manto.

124.  Célebre fotógrafo francés considerado por muchos el
padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea
de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus
"images à la sauvette", que vienen a significar con más
precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de
poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo
momento en el que se desarrolla el clímax de una
acción.
 A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar
a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri
Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto
Guevara.

125. Pescadores tomando un respiro tras un largo día de pesca

126. Pareja de novios
besandose
Libremente en la terraza
de un
bar. Debajo de la mesa
vemos
A un perro observando
atentamente
El beso

127. Fotografía tomada desde arriba de una escalera en forma de caracol.
Vemos también a un ciclista paseando por la calle de piedra.

128.  Reconocido mundialmente como un intrépido reportero de
guerra, realizó su primer reportaje en la guerra civil
española para la revista Life, en esta guerra realizó una de
sus más reconocidas imágenes “Miliciano Herido de
Muerte”.
A partir de ahí, su carrera como reportero fue imparable,
nadie hasta él se había acercado tanto a la acción en el
campo de batalla, Capa solía decir: “Si tus fotografías no
son lo suficientemente buenas es por que no estás lo
suficientemente cerca”.
 En sus imágenes captó algunos de los grandes momentos
de la historia moderna como el desembarco de Normandía
en la II guerra mundial.

129. Esta fotografía se tomó en el frente
de Cerro Muriano, Córdoba, el 5 de
septiembre de 1936. Durante un
tiempo se dudó de que fuese
auténtica, es decir, que estuviese
hecha en al campo de batalla,
aunque posteriormente se ha
verificado su autenticidad e incluso
se ha identificado al miliciano al
que han disparado como Federico
Borrell García. Podéis imaginar los
riesgos que corría Capa si estaba a
esa distancia de las balas.
El Miliciano

130. Fotógrafo retratado, tomándose
un
Descanso. Lo Vemos sonriendo y
sin
Soltar su cámara de fotos, señal
de que
Es feliz realizando su trabajo.

131. Soldado en Vietnan

132.  M.F.I.A.P. – Maestro de la Federación Internacional del
Arte Fotográfico.
PREMIOS: Más de 100 Premios Nacionales e
Internacionales, a destacar:
- Instituto de La Juventud, Ministerio de Cultura.
- Abeja de Oro (Guadalajara).
- Cesar Augusto (Tarragona)
- The Golden (Dinamarca)
- Auteurop, Parìs (Francia)
- Bolbec (Bélgica)
- The dromsgrove Photographic Society (Inglaterra)

133. Una niña es retratada con su perro

134. Dos niños, al parecer musulmanes y comprometidos a casarse por conveniencia

135. Mujer musulmana con su niño en brazos

136.  Nací en Rio Piedras (Puerto Rico) en el 82.
 Me vengo a España a los 5 años. El vicio de la fotografía me viene de mi
padre, él me regaló mi primera cámara a los 18 años, cuando comencé a
estudiar Laboratorio de Imagen en la escuela de imagen y sonido de
Vigo. Desde ese momento he cambiado de cámara varias veces, pero
siempre me acompaña alguna. Actualmente he abandonado
completamente el analógico por el digital, más que nada por
comodidad y rapidez.
En 2004 me trasladé a Madrid a estudiar fotografía profesional en la
escuela Ces.
En 2005 estudio un curso de Operador de cámara y edición de Tv.
En 2007 realizo un taller de fotografía de la mano de Alberto García-
Alix.
Durante todo este tiempo he trabajado como freelance para diferentes
empresas, además de colaborar con diversas publicaciones.

137. Vemos un paisaje oscuro, en el fondo montañas, el cielo cubierto de nubes
y un Rio muy grande.

138. En primer plano vemos una caja de madera. Por detrás una muralla, y al fondo
Dos chimeneas. En general la fotografía representa mucha suciedad.

139. La primera imagen que vemos es una farola que da luz a todo el lienzo, donde
Vemos arboles y varios caminos que se unen en una sola dirección

140. Nace en 1902 en San Francisco (Estados
Unidos), adoptó como tema fotográfico los
paisajes del suroeste de su país.
En 1916 realizó un viaje a Yosemite, California,
donde captó en blanco y negro la
majestuosidad de la naturaleza de Estados
Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme
contraste de sombras y luces, desiertos áridos,
nubes gigantescas y monstruosos árboles.

141. Cactus
Vemos la imagen
de un cactus
En forma de
pulpo.

142. Piedras
Vemos en el fondo
montañas entre las
nubes. En un primer
Plano, vemos muchas
piedras,
curiosamente tienen
el mismo tamaño
Que las montañas
del fondo.

143. Cascada
Vemos en el paisaje una
hermosa
Cascada de fondo. En primer
Plano se ve árboles destruidos
Por la acción de la naturaleza,
no
Por la acción humana.

145. Nació el 1 de diciembre de 1935 en el barrio de Brooklyn, Nueva York, con el
nombre de Allan Stewart Königsberg. Es considerado uno de los principales
directores y guionistas cinematográficos contemporáneos. Proviene de una
familia judía de orígenes ruso-austríacos, a la que el propio Allen define como
«burguesa, bien alimentada, bien vestida, e instalada en una cómoda casa». Sus
padres y su hermana también son neoyorquinos. Woody estudió hasta los ocho
años en una escuela hebrea, y después acudió a la escuela pública de Midwood
High School. Durante su infancia, aprendió a tocar el violín; posteriormente se
convertiría en intérprete de clarinete (que toca con asiduidad en público, junto con
una banda de jazz, The New Orleans Jazz Band), hecho que le ayudaría más tarde
en la elección de las bandas sonoras de sus películas.
Woody Allen

146. Con una evidente influencia de Un
lugar en el sol, de George Stevens,
Allen reflexiona sobre la identificación
fraterna, el deseo y el amor, el
sentimiento de culpa, el azar y el
ascenso social, mostrando su amor por
los temas de Dostoievski, con
alusiones explícitas a Crimen y
Castigo.
El azar como motor de la existencia, el
papel que debe de jugar la ética
cuando ya no existe Dios,
como Nietzsche defendió en su
filosofía. Ya no hay pagador, las buenas
acciones no van seguidas de
recompensa ni las malas de castigo. Un
crimen puede salir impune si el azar
juega en su favor, del mismo modo que
el protagonista de la película no tendrá
que dar cuenta de sus actos.
Punto de partido

147. Es una comedia negra
filmada en blanco y negro.
Con un elenco envidiable y
un guión muy oscuro, la
película tuvo un frío
recibimiento y es
considerado un trabajo
menor en la filmografía de
Allen.
Celebrity

148. Es una comedia de Woody
Allen que entrelaza
situaciones actuales con las
de la antigua Grecia, en una
película que le valió un
premio Oscar a Mira
Sorvino como mejor actriz
de reparto y estuvo también
nominada al mejor guión
original.
A pesar del Oscar para
Sorvino y un cálido
recibimiento por parte de
los incondicionales de
Woody Allen, la película no
recibió buenas críticas.
Poderosa Afrodita

149. Clint Eastwood
Nació en San Francisco y se crió en Oakland, después de ir de una ciudad a otra con
su padre en busca de trabajo durante la Gran Depresión. Éstos no podían permitirse
pagarle estudios superiores, por lo que, tras acabar los estudios primarios, tuvo que
empezar a trabajar en diversas labores como leñador, albañil, pianista, bombero
forestal, limpiapiscinas, obrero del metal y muchos otros más que ejerció para
ganarse la vida. Pero su gran salto a la fama fue en 1964, cuando Richard
Harrison y James Coburn rechazaron el papel protagonista de Magnificent
Stranger de Sergio Leone, rodada en Almería. La película acabó titulándose Por un
puñado de dólares. Anecdóticamente, Eastwood tuvo que aportar su propio vestuario,
comprando el poncho que sería famoso en las siguientes películas de Sergio Leone.
Con los spaghetti westerns Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio (en
Hispanoamérica Por unos dólares más) y El bueno, el feo y el malo, Clint Eastwood se
embolsó la cifra de 270.000 dólares. Eastwood estampa en estos films su clásica figura
de duro y sin piedad.
En 1968 creó su propia productora, The Malpaso Company (más tarde Malpaso
Productions), con la que ha realizado todas sus películas desde entonces.

150. Narra la historia de un
veterano entrenador
de boxeo al final de su
carrera y sus esfuerzos
por ayudar a una
boxeadora a llegar hasta
lo más alto, aunque
entrenar a una mujer
esté contra sus criterios.
Million dollar Baby

151. La película recibió una buena
respuesta por parte de la crítica
cinematográfica, obteniendo un
96% de comentarios "frescos" en
el sitio web Rotten Tomatoes y
una puntuación de 82/100
en Metacritic. La cinta recaudó
más de 100 millones
de dólares en Estados Unidos, y
58 millones de dólares en el
resto del mundo, logrando una
recaudación total de 159
millones.
Fue seleccionada por la
revista Time como una de las
100 mejores películas de todos
los tiempos.
Sin perdón

152. Está basada en una historia
real ocurrida en la década
de1920, los asesinatos del
gallinero de Wineville,
ocurridos en Los
Ángeles, Estados Unidos y
que incluían la desaparición y
el intercambio de niños. Se
estrenó el 24 de
octubre de 2008 en Estados
Unidos y en España el 19 de
diciembre. Participó en la
sección oficial delFestival de
Cannes 2008, donde
Eastwood fue galardonado
con el premio especial del 61º
aniversario ex
aequo con Catherine
Deneuve.
El intercambio

153. Steven Spielberg
Spielberg nació en Cincinnati, Ohio, en una familia judía. Su madre, Leah
Adler fue una pianista de concierto y restauradora, y el padre Arnold
Spielberg fue un ingeniero eléctrico que participo en el desarrollo de las
computadoras. después de mudarse a California, presentó una solicitud
para asistir a la escuela de cine University of Southern California Escuela
de Teatro, Cine y Televisión en tres ocasiones, pero no tuvo éxito. Él era
un estudiante, posteriormente, de la California State University, Long
Beach. Mientras asistía a la Estatal de Long Beach en la década de 1960,
Spielberg se convirtió en miembro de la fraternidad Theta Chi. Su carrera
real comenzó cuando ingresó a los Universal Studios como pasante no
remunerado, siete días a la semana y el invitado del departamento de
edición. Después de Spielberg se hizo famoso, la USC le otorgó un
doctorado honoris causa en 1994, y en 1996 se convirtió en miembro del
consejo de la universidad

154. El concepto de E.T. está basado en
un amigo imaginario de Spielberg,
creado tras el divorcio de sus padres.
En 1980, Spielberg conoció a
Mathison y desarrollaron una nueva
historia a partir de un proyecto
fílmico estancado de ciencia
ficción/horror Night Skies. La película
fue rodada de septiembre a diciembre
de 1981 en California, con un
presupuesto de 10.5 millones
de dólares. A diferencia de la mayoría
de las películas, la película fue rodada
en un aproximado orden cronológico,
con el fin de facilitar las actuaciones
emocionales del joven reparto y que
fuesen más convincentes.
E.T.

155. La película fue concebida
por Stanley Kubrick, quien trabajó
largo tiempo con un grupo de
escritores; pero debido al
fallecimiento de Kubrick, y a que
estuvo durante sus últimos años de
vida envuelto en el proyecto de Eyes
Wide Shut - su última película -, no
llegó a dirigirla.1 En los créditos
Kubrick figura como uno de los
productores, y la película fue
dedicada a él.
En la película aparecen las Torres
Gemelas, pese a haber dejado de
existir desde los atentados del 11 de
septiembre de 2001, pero al contrario
de lo que ocurrió con la película
de Spiderman, en esta se decidió
mantenerlas en el film que se
proyectaría finalmente en los cines.
Inteligencia artificial

156. El teniente coronel castrense Francis Sampson
escribió un libro con sus memorias
llamado Look Out Below!, publicado en 1958,
donde narra sobre la 101ª División
Aerotransportada y sobre el sargento Frederick
Niland, de quien se basaron para crear el
personaje del soldado Ryan.
Según el relato, Niland descendió con algunos
paracaidistas de la 101ª División
Aerotransportada muy lejos del punto de
reunión y marcharon a la localidad
de Carentan para reunirse con el resto de la
división. Allí, el teniente coronel Sampson le
comunicó la muerte de sus tres hermanos (dos
en Normandía y el otro en el Lejano Oriente).
Enterado de la polémica muerte de
los hermanos Sullivan el teniente coronel
Sampson le arregló un viaje a Reino Unido, de
donde posteriormente partió para retornar
a Tonawada, Nueva York y reunirse con sus
padres, Michael y Augusta Niland.
Salvar al Soldado Ryan

157. James Cameron
James Francis Cameron (Kapuskasing, Ontario, Canadá, 16 de agosto de 1954).
En 1977, al ver La Guerra de las Galaxias entendió que lo suyo era el cine y por eso
se dedicó en pleno a ello. A los 25 años, después de varios trabajos poco
importantes, le llegó la oportunidad de dirigir, aunque tal experiencia le
decepcionó un tanto, por esta razón jamás volvió a dirigir una película que no
hubiera sido escrita por él mismo. James Cameron destaca como uno de los
creadores cinematográficos que más y mejor ha aportado a la ciencia ficción. De
sus siete películas (hasta la fecha), seis de ellas pertenecen a este género. Ya desde
sus inicios, Cameron mostró predilección por relatos futuristas. No en vano,
dirigió el cortometraje Xenogenesis, muy influenciado por 2001 y por Star Wars,
un trabajo cuyo mayor mérito consiste en anticipar modelos e ideas que cuajarán
en obras futuras.

158. Los personajes principales y la
historia de amor son ficticios, pero
muchos de los personajes
secundarios (como los miembros de
la tripulación y algunos de los
pasajeros de primera y segunda clase)
están basados en personajes
históricos reales, así como las tomas
del verdadero Titanic hundido en
fondo del Atlántico que abren la
película.
La película tuvo un gran éxito de
crítica y público, ganando 11 Premios
Óscar, incluyendo Mejor Película, y
convirtiéndose en la película más
taquillera de todos los tiempos para
aquella época, con una recaudación
mundial de más de $1,800 millones
de dólares
Titánic

159. es una película Ambientada en el año 2154, los
acontecimientos que narra se desarrollan en Pandora,
una luna del planeta Polifemo habitada por una raza
humanoide llamada na'vi, con la que los humanos se
encuentran en conflicto debido a que uno de sus
clanes se encuentra asentado alrededor de un
gigantesco árbol que cubre una inmensa veta de un
mineral muy cotizado y que supondría la solución a
los problemas energéticos de la Tierra:
el unobtainium. Jake Sully, un marine que quedó
parapléjico, es seleccionado para participar en el
programa Avatar, un proyecto que transporta la
mente de los científicos a unos cuerpos artificiales
de na'vi para que así la comunicación con los nativos
resulte más sencilla. A pesar del fin científico del
proyecto, el coronel Quaritch, quien dirige la defensa
de la base humana en Pandora, convence a Jake para
que le proporcione información sobre los nativos en
caso de que fuera necesario recurrir a la fuerza para
que se marchen. En un principio, Jake cumple
profesionalmente su misión, pero se enamora de una
de las nativas, Neytiri, y se da cuenta de que éstos
jamás renunciarán a su tierra, haciendo inevitable un
conflicto armado; en él deberá decidir de qué lado
está.3
Avatar

160. significó un punto de inflexión en el
mundo de las películas de ciencia ficción y
en el cine en general por los mencionados
efectos especiales, los cuales fueron idea y
obra de Stan Winston, productor y
diseñador de robots para películas: formó
parte del equipo en la 2ª, 3ª y 4ª parte
de Terminator.
El diseño del endoesqueleto
de Terminator fue realizado en metal y
necesitó de un mando a distancia para
poder controlarlo. En las escenas que se ve
al robot de cuerpo entero, éste estaba
animado mediante la técnica de stop-
motion.
Terminator

161. Billy Wilder
Samuel Wilder, más conocido como Billy Wilder (Sucha, Polonia, 22 de
junio de 1906 - Hollywood, Estados Unidos, 27 de marzo de2002) fue
un director de cine y productor estadounidense de origen austriaco. Su primer
trabajo fue como cronista en el periódico austriaco Juranek. Continuó
trabajando como cronista en Berlín, y tuvo que alternar esta ocupación con otras
para sobrevivir. Allí se aficionó al cine, tras ver diversas películas que le
impresionaron hondamente. Una de ellas fue El acorazado Potemkin, de Sergéi
Eisenstein. Entró a trabajar para la UFA, donde conoció a los grandes directores
del momento. Como guionista, Wilder escribió 60 películas. Como director,
realizó 26 películas. Fue galardonado con cinco Óscar tras haber sido nominado
en 21 ocasiones.
Lápida de Billy Wilder en Westwood Memorial con el texto: "I'm a writer but
then nobody's perfect" ("Soy escritor, pero nadie es perfecto").
En 1981 dirigió su última película, Aquí, un amigo.

162. Baxter es un empleado
contable de una gran
empresa de seguros en
Nueva York. Ha
descubierto la forma de
"ascender" en la
empresa, que consiste en
ceder su apartamento
por horas a varios
directivos, para que ellos
lleven a sus amantes de
turno. Tiene que
solucionar los pequeños
problemas que le
ocasionan los usuarios
del apartamento y se
enamora de la amiga de
su jefe. Un día se le
presenta un problema
difícil de resolver.
El apartamento

163. En la secuencia de apertura, durante la cual se
muestran los títulos de crédito, aparece la silueta
de un hombre, vestido con abrigo y sombrero,
que avanza caminando con unas muletas en
dirección a la cámara, hasta cubrir toda la
pantalla (como se ha señalado, esta silueta puede
ser tanto la de la víctima del asesinato, el señor
Dietrichsson, como la de su asesino, Walter
Neff1 ). Hay un fundido encadenado y se muestra
una oscura y lluviosa calle de Los Ángeles, de
madrugada. Un automóvil (un Dodge de 1938) se
salta un semáforo en rojo y está a punto de chocar
con una camioneta de reparto del periódico Los
Angeles Times. El coche se detiene finalmente
frente a un edificio de oficinas, y de él sale,
moviéndose con cierta dificultad, el vendedor de
seguros Walter Neff (Fred MacMurray). Neff
llama y es abierto por el vigilante nocturno y
ascensorista del edificio. Mientras suben en el
ascensor, conversan de temas banales:
posiblemente, sin embargo, al vigilante le
sorprende el aspecto de Neff, ya que es
seguramente él quien avisa luego a Keyes.
Perdición

164. Don Birman es un escritor
dipsomaníaco que no puede vencer sus
arrebatos alcohólicos a causa de los
cuales se ha convertido en un hombre
arruinado física, moral y
económicamente, totalmente
desprovisto de personalidad. Para
lograr dinero que le permita seguir
bebiendo es capaz de cometer
cualquier acción, llegando incluso a
robar a sus amigos, sin excluir a Helen
St. James, una hermosa mujer que,
enamorada de él, intenta regenerarlo.
Don sustrae el abrigo de pieles de
Helen y lo lleva a una casa de empeños.
Con el dinero obtenido, compra un
revólver. A pesar de este lamentable
incidente, Helen le sigue ayudando y
animando para que escriba una novela
que relate su tragedia personal.
Días sin huella