El documento describe las características del impresionismo y varios artistas impresionistas y postimpresionistas. Brevemente describe el uso del color, la pincelada pequeña y la representación de la vida cotidiana en el impresionismo. También resume las obras y estilos de Cézanne, Van Gogh, Seurat y Gauguin.
Este documento analiza una obra de Degas que representa una clase de danza en el Teatro de la Ópera de París. El análisis formal destaca la composición basada en verticales y oblicuas que dan estabilidad y dinamismo, la profunda perspectiva obtenida mediante líneas diagonales y la disposición de las figuras, y el uso del color blanco y colores primarios en lazos y cintas. La luz procede de las ventanas y crea una atmósfera difuminando contornos.
El documento describe las características del realismo pictórico en Francia e Inglaterra. En Francia, pintores como Courbet, Millet y Daumier crearon obras que reflejaban temas y escenas de la vida cotidiana de manera objetiva e influenciados por la fotografía, con un enfoque crítico de la sociedad. En Inglaterra, los prerrafaelitas como Millais y Rossetti produjeron obras llenas de simbolismo y significado moral que se alejaban de la realidad en favor de una evasión rom
El documento describe el movimiento artístico del impresionismo. Se define como un movimiento pictórico del siglo XIX que intentaba representar las impresiones producidas en el espectador más que los objetos en sí mismos. Algunas influencias clave fueron el ferrocarril, las pinturas de óleo transportables y la fotografía. El término "impresionismo" se originó de forma peyorativa para describir la obra de Monet "Impresión, sol naciente". Las características incluyen el uso de pinceladas su
El documento resume las características principales del impresionismo. Se originó a finales del siglo XIX con pintores como Monet, Renoir y Degas que buscaban captar la luz y los cambios atmosféricos mediante pinceladas sueltas y colores puros. Algunos de sus cuadros más conocidos son Impresión, sol naciente de Monet y El almuerzo de los remeros de Renoir. El impresionismo también influenció a pintores españoles como Sorolla.
El documento resume las principales vanguardias históricas en la pintura. 1) El Fauvismo se centró en el color puro, sin atenerse a los contornos del modelo. 2) El Cubismo buscó reflejar la estructura interna y externa de los objetos desde múltiples puntos de vista a través de planos geométricos. 3) El Futurismo valoró el dinamismo de los objetos modernos y las máquinas.
Este documento resume las características y principales exponentes de varios movimientos artísticos como el surrealismo, el expresionismo abstracto, el pop art y la abstracción. El surrealismo se caracteriza por plasmar el subconsciente a través de imágenes oníricas y arbitrarias. El expresionismo abstracto surge en EE.UU. durante la segunda guerra mundial y se caracteriza por la pintura de acción. El pop art emplea imágenes populares como anuncios y cómics con el fin de desmitificar la cultura de masas. La abstra
TEMA 22. TENDENCIAS PICTÓRICAS EN LA 2ª MITAD DEL S. XX@evasociales
EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO (J. POLLOCK).
EL INFORMALISMO (M. MILLARES).
EL MINIMAL ART (R. MORRIS).
LAS TENDENCIAS NEOFIGURATIVAS: EL POP-ART (A. WARHOL). EL HIPERREALISMO (ANTONIO LÓPEZ). EL PANORAMA ARTÍSTICO ACTUAL EN CASTILLA Y LEÓN
Material de apoyo para 2º de Bahillerato
El documento resume las características de la pintura renacentista en Italia durante el Quattrocento. Destaca la gran diversidad de artistas y escuelas, con novedades en soportes, técnicas y composición. Se analizan los principales temas tratados, como la naturaleza, el retrato y lo mitológico y religioso. Finalmente, se describen obras representativas de los principales pintores del momento, como Fra Angelico, Masaccio, Uccello, Piero della Francesca y Botticelli.
Este documento analiza una obra de Degas que representa una clase de danza en el Teatro de la Ópera de París. El análisis formal destaca la composición basada en verticales y oblicuas que dan estabilidad y dinamismo, la profunda perspectiva obtenida mediante líneas diagonales y la disposición de las figuras, y el uso del color blanco y colores primarios en lazos y cintas. La luz procede de las ventanas y crea una atmósfera difuminando contornos.
El documento describe las características del realismo pictórico en Francia e Inglaterra. En Francia, pintores como Courbet, Millet y Daumier crearon obras que reflejaban temas y escenas de la vida cotidiana de manera objetiva e influenciados por la fotografía, con un enfoque crítico de la sociedad. En Inglaterra, los prerrafaelitas como Millais y Rossetti produjeron obras llenas de simbolismo y significado moral que se alejaban de la realidad en favor de una evasión rom
El documento describe el movimiento artístico del impresionismo. Se define como un movimiento pictórico del siglo XIX que intentaba representar las impresiones producidas en el espectador más que los objetos en sí mismos. Algunas influencias clave fueron el ferrocarril, las pinturas de óleo transportables y la fotografía. El término "impresionismo" se originó de forma peyorativa para describir la obra de Monet "Impresión, sol naciente". Las características incluyen el uso de pinceladas su
El documento resume las características principales del impresionismo. Se originó a finales del siglo XIX con pintores como Monet, Renoir y Degas que buscaban captar la luz y los cambios atmosféricos mediante pinceladas sueltas y colores puros. Algunos de sus cuadros más conocidos son Impresión, sol naciente de Monet y El almuerzo de los remeros de Renoir. El impresionismo también influenció a pintores españoles como Sorolla.
El documento resume las principales vanguardias históricas en la pintura. 1) El Fauvismo se centró en el color puro, sin atenerse a los contornos del modelo. 2) El Cubismo buscó reflejar la estructura interna y externa de los objetos desde múltiples puntos de vista a través de planos geométricos. 3) El Futurismo valoró el dinamismo de los objetos modernos y las máquinas.
Este documento resume las características y principales exponentes de varios movimientos artísticos como el surrealismo, el expresionismo abstracto, el pop art y la abstracción. El surrealismo se caracteriza por plasmar el subconsciente a través de imágenes oníricas y arbitrarias. El expresionismo abstracto surge en EE.UU. durante la segunda guerra mundial y se caracteriza por la pintura de acción. El pop art emplea imágenes populares como anuncios y cómics con el fin de desmitificar la cultura de masas. La abstra
TEMA 22. TENDENCIAS PICTÓRICAS EN LA 2ª MITAD DEL S. XX@evasociales
EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO (J. POLLOCK).
EL INFORMALISMO (M. MILLARES).
EL MINIMAL ART (R. MORRIS).
LAS TENDENCIAS NEOFIGURATIVAS: EL POP-ART (A. WARHOL). EL HIPERREALISMO (ANTONIO LÓPEZ). EL PANORAMA ARTÍSTICO ACTUAL EN CASTILLA Y LEÓN
Material de apoyo para 2º de Bahillerato
El documento resume las características de la pintura renacentista en Italia durante el Quattrocento. Destaca la gran diversidad de artistas y escuelas, con novedades en soportes, técnicas y composición. Se analizan los principales temas tratados, como la naturaleza, el retrato y lo mitológico y religioso. Finalmente, se describen obras representativas de los principales pintores del momento, como Fra Angelico, Masaccio, Uccello, Piero della Francesca y Botticelli.
Tema 18: TEMA 18: LAS ARTES FIGURATIVAS DE LA SEGUNDA MITAD DEL S.XIX@evasociales
El documento resume los orígenes y características del impresionismo. Los pintores impresionistas buscaban captar la luz y los efectos atmosféricos mediante pinceladas sueltas y colores puros. Rechazaban el academicismo en favor de temas contemporáneos y una pincelada libre que reflejara la instantaneidad del momento. Artistas como Monet, Manet, Renoir, Degas y otros pintaban al aire libre y desarrollaron técnicas para plasmar sus impresiones visuales de una manera espontá
Este documento resume varios artistas españoles de diferentes épocas y estilos pictóricos como el neoclasicismo, romanticismo, realismo e impresionismo. Se destaca la obra de Joaquín Sorolla por su estilo impresionista caracterizado por pinceladas sueltas y el uso de la luz para captar atmósferas.
El documento describe el movimiento artístico del impresionismo. Sus principales características incluyen capturar la luz y lo efímero de la realidad pintando al aire libre, con pinceladas rápidas y colores puros. Artistas clave mencionados son Monet, cuyas series exploraron los efectos de la luz; Manet, conocido por obras polémicas como El almuerzo sobre la hierba; Pissarro, Sisley y Morisot, pioneros femeninos; y Renoir, que enfatizó las fig
Este documento resume los principales movimientos artísticos vanguardistas entre 1905 y la Segunda Guerra Mundial. Se mencionan el fauvismo, el cubismo, el futurismo y el expresionismo, describiendo sus características estilísticas y los artistas más representativos de cada movimiento como Matisse, Picasso, Boccioni y Munch. También se hace referencia al dadaísmo como movimiento antiarte que surgió en 1916 en rechazo a la Primera Guerra Mundial.
Este documento describe diferentes movimientos artísticos vanguardistas como el Dadá, la pintura metafísica y el surrealismo. Explica que el Dadá se proponía destruir el arte establecido a través de obras que incorporaban basura y objetos cotidianos. La pintura metafísica de Chirico presentaba escenas irrealistas inspiradas en los sueños. El surrealismo, con figuras como Magritte, Dalí y Miró, buscaba representar el mundo onírico a través de imágenes inconexas y fantásticas que
Este documento resume las principales vanguardias artísticas del siglo XX hasta la Segunda Guerra Mundial, incluyendo el fauvismo, cubismo y expresionismo. Describe el contexto histórico y las características generales de estas corrientes, como la ruptura con los modelos tradicionales y la experimentación con nuevos materiales y técnicas. Explica los orígenes y características distintivas de cada movimiento, con ejemplos representativos de artistas como Matisse, Picasso, Braque y Boccioni.
El documento describe la evolución del estilo barroco en España y la trayectoria artística de Diego Velázquez. El barroco español estuvo influenciado por el tenebrismo italiano y se caracterizó por un gran naturalismo y el uso de la luz. Velázquez pasó por 6 etapas, desde su formación en Sevilla hasta sus últimos años en la corte, donde evolucionó desde un estilo más tenebrista hacia composiciones más dinámicas y el dominio de la perspectiva, llegando a ser uno de los mayores exponentes de
Este documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XIX como el impresionismo, postimpresionismo y puntillismo. Describe las características del impresionismo como pintar al aire libre y capturar la luz y su influencia en pintores como Monet, Manet, Renoir y Degas. Luego explica cómo Seurat desarrolló el puntillismo y cómo Cézanne, Van Gogh y Gauguin anticiparon los movimientos modernos a través de su énfasis en la forma, color y expresión de ideas respectivamente.
Francisco de Goya vivió en el siglo XVIII y principios del XIX en España, pasando por diferentes etapas artísticas y políticas. Inicialmente se dedicó a la pintura de corte, luego exploró temas más oscuros y visionarios. Más tarde se convirtió en un pintor comprometido que reflejó la guerra de independencia española. En sus últimos años, produjo obras aún más sombrías influenciadas por su enfermedad y el exilio de amigos. Goya evolucionó de un estilo cortesano a uno más personal y polític
El documento describe las características del arte barroco y se enfoca en el pintor italiano Caravaggio. Algunas de sus características principales incluyen el realismo, el uso dramático de la luz y las sombras, y la representación de temas religiosos de una manera naturalista que enfatiza a personas comunes. Caravaggio introdujo el tenebrismo, resaltando figuras mediante fuertes contrastes de luz y oscuridad. Su obra tuvo un gran impacto y revolucionó la pintura italiana del siglo XVII.
El documento describe la pintura barroca europea y sus principales características y escuelas. Se enfoca en el artista italiano Caravaggio y su revolución del naturalismo y el tenebrismo, donde resaltaba figuras mediante efectos de luz. Caravaggio pintó obras religiosas que mostraban gente corriente y escenas cotidianas sin idealización, lo que catapultó su fama aunque dependía de encargos eclesiásticos.
El Neoimpresionismo o Divisionismo nace en Francia en 1884 con artistas como Seurat, Signac y Pissarro. Se basa en la división de los colores en pequeñas pinceladas yuxtapuestas para lograr la mezcla óptica, dando mayor energía y frescura a las obras. La técnica requiere una visión desde cierta distancia. Se fundamenta en teorías científicas sobre el color y la luz. Seurat fue su principal representante y desarrolló la teoría de los contrastes.
El documento describe la evolución del uso del color en el arte a través de los movimientos artísticos, desde los impresionistas que utilizaron manchas de color hasta los expresionistas abstractos estadounidenses que se centraron en el color. Posteriormente, el Pop Art utilizó colores básicos y saturados, mientras que el Op-art y el arte cinético expresaron dinamismo a través de colores contrastados. Finalmente, el Neoexpresionismo se caracterizó por colores básicos muy saturados formando manchas planas.
El documento resume el movimiento artístico del Impresionismo, que surgió en Francia en la década de 1860. Los impresionistas se caracterizaron por pintar al aire libre para captar los efectos de la luz sobre los objetos y paisajes, usando pinceladas sueltas y colores puros yuxtapuestos. Artistas clave como Monet, Renoir, Degas, Pissarro y Sisley buscaban plasmar las impresiones visuales momentáneas. El documento también describe a pintores posimpresionistas como Van G
El Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII como reacción al Barroco, favorecido por la Ilustración. Se crearon academias que dirigieron el arte hacia el clasicismo y el racionalismo. La arquitectura neoclásica se basaba en la simetría, las formas geométricas y los órdenes clásicos. La pintura neoclásica mostraba temas de la antigüedad con luz clara y figuras bien delimitadas.
Paul Cézanne exploró la geometrización de las formas en la naturaleza, reduciéndolas a conos, cilindros y esferas. Utilizó planos de color delimitados por contornos marcados y pinceladas cortas en distintas direcciones, preludiando el Cubismo. Su obra influyó en el desarrollo de estilos como el Fauvismo y el Cubismo.
El documento describe el Pabellón Alemán diseñado por Mies van der Rohe para la Exposición Universal de Barcelona de 1929. El pabellón tenía una estructura de pilares de acero que sostenían paredes de cristal y mármol distribuidas libremente, creando espacios abiertos e indefinidos entre el interior y el exterior. El diseño minimalista y la integración armónica del edificio con el entorno influyeron en el estilo arquitectónico moderno.
Este documento describe las características del estilo barroco y del pintor español José Ribera. Describe que Ribera creó un estilo propio influenciado por Caravaggio y se caracterizó por el naturalismo y el estudio anatómico. Luego analiza varias obras de Ribera destacando elementos como temas religiosos o mitológicos, el uso de la luz y el color, y la representación realista de figuras.
El documento resume la vida y obra de Pablo Picasso, pionero del cubismo. Comienza describiendo las etapas de su vida y obra, incluyendo el Azul, Rosa y el inicio del Cubismo. Luego explica las características del Cubismo en la obra de Picasso, desde sus inicios con Las Señoritas de Avignon hasta el Cubismo Analítico y Sintético, desarrollado con Georges Braque. Finalmente, proporciona una bibliografía y galería de imágenes de obras cubistas emblemáticas de Picasso.
El documento describe la escultura a finales del siglo XIX. Mientras que los pintores impresionistas exploraron capturar lo efímero, los escultores tuvieron más dificultad para innovar debido a su dependencia de los encargos oficiales. Rodin fue el escultor más importante del período, influenciado por Miguel Ángel. Sus obras como "El Pensador" y "Las Puertas del Infierno" mostraban figuras con texturas inacabadas. Su discípula Camille Claudel también representó pasiones desatadas
El documento resume la pintura del siglo XIX en Europa. La pintura neoclásica se desarrolló bajo la influencia de la Revolución Francesa y Napoleón, buscando la belleza ideal y mensajes moralizantes. Jacques-Louis David fue el principal exponente, destacando obras como "El juramento de los Horacios". La pintura romántica emergió luego, enfatizando la subjetividad y las emociones. Gericault y Delacroix fueron importantes pintores románticos franceses, mientras que Constable y Turner lo fueron
Tema 18: TEMA 18: LAS ARTES FIGURATIVAS DE LA SEGUNDA MITAD DEL S.XIX@evasociales
El documento resume los orígenes y características del impresionismo. Los pintores impresionistas buscaban captar la luz y los efectos atmosféricos mediante pinceladas sueltas y colores puros. Rechazaban el academicismo en favor de temas contemporáneos y una pincelada libre que reflejara la instantaneidad del momento. Artistas como Monet, Manet, Renoir, Degas y otros pintaban al aire libre y desarrollaron técnicas para plasmar sus impresiones visuales de una manera espontá
Este documento resume varios artistas españoles de diferentes épocas y estilos pictóricos como el neoclasicismo, romanticismo, realismo e impresionismo. Se destaca la obra de Joaquín Sorolla por su estilo impresionista caracterizado por pinceladas sueltas y el uso de la luz para captar atmósferas.
El documento describe el movimiento artístico del impresionismo. Sus principales características incluyen capturar la luz y lo efímero de la realidad pintando al aire libre, con pinceladas rápidas y colores puros. Artistas clave mencionados son Monet, cuyas series exploraron los efectos de la luz; Manet, conocido por obras polémicas como El almuerzo sobre la hierba; Pissarro, Sisley y Morisot, pioneros femeninos; y Renoir, que enfatizó las fig
Este documento resume los principales movimientos artísticos vanguardistas entre 1905 y la Segunda Guerra Mundial. Se mencionan el fauvismo, el cubismo, el futurismo y el expresionismo, describiendo sus características estilísticas y los artistas más representativos de cada movimiento como Matisse, Picasso, Boccioni y Munch. También se hace referencia al dadaísmo como movimiento antiarte que surgió en 1916 en rechazo a la Primera Guerra Mundial.
Este documento describe diferentes movimientos artísticos vanguardistas como el Dadá, la pintura metafísica y el surrealismo. Explica que el Dadá se proponía destruir el arte establecido a través de obras que incorporaban basura y objetos cotidianos. La pintura metafísica de Chirico presentaba escenas irrealistas inspiradas en los sueños. El surrealismo, con figuras como Magritte, Dalí y Miró, buscaba representar el mundo onírico a través de imágenes inconexas y fantásticas que
Este documento resume las principales vanguardias artísticas del siglo XX hasta la Segunda Guerra Mundial, incluyendo el fauvismo, cubismo y expresionismo. Describe el contexto histórico y las características generales de estas corrientes, como la ruptura con los modelos tradicionales y la experimentación con nuevos materiales y técnicas. Explica los orígenes y características distintivas de cada movimiento, con ejemplos representativos de artistas como Matisse, Picasso, Braque y Boccioni.
El documento describe la evolución del estilo barroco en España y la trayectoria artística de Diego Velázquez. El barroco español estuvo influenciado por el tenebrismo italiano y se caracterizó por un gran naturalismo y el uso de la luz. Velázquez pasó por 6 etapas, desde su formación en Sevilla hasta sus últimos años en la corte, donde evolucionó desde un estilo más tenebrista hacia composiciones más dinámicas y el dominio de la perspectiva, llegando a ser uno de los mayores exponentes de
Este documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XIX como el impresionismo, postimpresionismo y puntillismo. Describe las características del impresionismo como pintar al aire libre y capturar la luz y su influencia en pintores como Monet, Manet, Renoir y Degas. Luego explica cómo Seurat desarrolló el puntillismo y cómo Cézanne, Van Gogh y Gauguin anticiparon los movimientos modernos a través de su énfasis en la forma, color y expresión de ideas respectivamente.
Francisco de Goya vivió en el siglo XVIII y principios del XIX en España, pasando por diferentes etapas artísticas y políticas. Inicialmente se dedicó a la pintura de corte, luego exploró temas más oscuros y visionarios. Más tarde se convirtió en un pintor comprometido que reflejó la guerra de independencia española. En sus últimos años, produjo obras aún más sombrías influenciadas por su enfermedad y el exilio de amigos. Goya evolucionó de un estilo cortesano a uno más personal y polític
El documento describe las características del arte barroco y se enfoca en el pintor italiano Caravaggio. Algunas de sus características principales incluyen el realismo, el uso dramático de la luz y las sombras, y la representación de temas religiosos de una manera naturalista que enfatiza a personas comunes. Caravaggio introdujo el tenebrismo, resaltando figuras mediante fuertes contrastes de luz y oscuridad. Su obra tuvo un gran impacto y revolucionó la pintura italiana del siglo XVII.
El documento describe la pintura barroca europea y sus principales características y escuelas. Se enfoca en el artista italiano Caravaggio y su revolución del naturalismo y el tenebrismo, donde resaltaba figuras mediante efectos de luz. Caravaggio pintó obras religiosas que mostraban gente corriente y escenas cotidianas sin idealización, lo que catapultó su fama aunque dependía de encargos eclesiásticos.
El Neoimpresionismo o Divisionismo nace en Francia en 1884 con artistas como Seurat, Signac y Pissarro. Se basa en la división de los colores en pequeñas pinceladas yuxtapuestas para lograr la mezcla óptica, dando mayor energía y frescura a las obras. La técnica requiere una visión desde cierta distancia. Se fundamenta en teorías científicas sobre el color y la luz. Seurat fue su principal representante y desarrolló la teoría de los contrastes.
El documento describe la evolución del uso del color en el arte a través de los movimientos artísticos, desde los impresionistas que utilizaron manchas de color hasta los expresionistas abstractos estadounidenses que se centraron en el color. Posteriormente, el Pop Art utilizó colores básicos y saturados, mientras que el Op-art y el arte cinético expresaron dinamismo a través de colores contrastados. Finalmente, el Neoexpresionismo se caracterizó por colores básicos muy saturados formando manchas planas.
El documento resume el movimiento artístico del Impresionismo, que surgió en Francia en la década de 1860. Los impresionistas se caracterizaron por pintar al aire libre para captar los efectos de la luz sobre los objetos y paisajes, usando pinceladas sueltas y colores puros yuxtapuestos. Artistas clave como Monet, Renoir, Degas, Pissarro y Sisley buscaban plasmar las impresiones visuales momentáneas. El documento también describe a pintores posimpresionistas como Van G
El Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII como reacción al Barroco, favorecido por la Ilustración. Se crearon academias que dirigieron el arte hacia el clasicismo y el racionalismo. La arquitectura neoclásica se basaba en la simetría, las formas geométricas y los órdenes clásicos. La pintura neoclásica mostraba temas de la antigüedad con luz clara y figuras bien delimitadas.
Paul Cézanne exploró la geometrización de las formas en la naturaleza, reduciéndolas a conos, cilindros y esferas. Utilizó planos de color delimitados por contornos marcados y pinceladas cortas en distintas direcciones, preludiando el Cubismo. Su obra influyó en el desarrollo de estilos como el Fauvismo y el Cubismo.
El documento describe el Pabellón Alemán diseñado por Mies van der Rohe para la Exposición Universal de Barcelona de 1929. El pabellón tenía una estructura de pilares de acero que sostenían paredes de cristal y mármol distribuidas libremente, creando espacios abiertos e indefinidos entre el interior y el exterior. El diseño minimalista y la integración armónica del edificio con el entorno influyeron en el estilo arquitectónico moderno.
Este documento describe las características del estilo barroco y del pintor español José Ribera. Describe que Ribera creó un estilo propio influenciado por Caravaggio y se caracterizó por el naturalismo y el estudio anatómico. Luego analiza varias obras de Ribera destacando elementos como temas religiosos o mitológicos, el uso de la luz y el color, y la representación realista de figuras.
El documento resume la vida y obra de Pablo Picasso, pionero del cubismo. Comienza describiendo las etapas de su vida y obra, incluyendo el Azul, Rosa y el inicio del Cubismo. Luego explica las características del Cubismo en la obra de Picasso, desde sus inicios con Las Señoritas de Avignon hasta el Cubismo Analítico y Sintético, desarrollado con Georges Braque. Finalmente, proporciona una bibliografía y galería de imágenes de obras cubistas emblemáticas de Picasso.
El documento describe la escultura a finales del siglo XIX. Mientras que los pintores impresionistas exploraron capturar lo efímero, los escultores tuvieron más dificultad para innovar debido a su dependencia de los encargos oficiales. Rodin fue el escultor más importante del período, influenciado por Miguel Ángel. Sus obras como "El Pensador" y "Las Puertas del Infierno" mostraban figuras con texturas inacabadas. Su discípula Camille Claudel también representó pasiones desatadas
El documento resume la pintura del siglo XIX en Europa. La pintura neoclásica se desarrolló bajo la influencia de la Revolución Francesa y Napoleón, buscando la belleza ideal y mensajes moralizantes. Jacques-Louis David fue el principal exponente, destacando obras como "El juramento de los Horacios". La pintura romántica emergió luego, enfatizando la subjetividad y las emociones. Gericault y Delacroix fueron importantes pintores románticos franceses, mientras que Constable y Turner lo fueron
El documento describe los materiales y técnicas de construcción utilizados por los romanos, incluyendo el hormigón, ladrillos y piedra. También describe varios tipos de edificios romanos como termas, acueductos, anfiteatros, viviendas y templos. La ciudad romana típica contaba con calles ortogonales, un foro central y edificios públicos alrededor.
Este documento resume las características de la escultura neocásica, romántica y realista. La escultura neocásica se enfoca en temas mitológicos y materiales como el mármol y bronce, siguiendo los ideales de belleza griega. La escultura romántica busca transmitir mensajes a través de composiciones más complejas y dramáticas. La escultura realista se enfoca en plasmar la vida de los obreros de forma realista.
El documento describe la cultura visigoda en la Península Ibérica entre los siglos VI y VII. Inicialmente los visigodos eran arrianos pero se convirtieron al cristianismo en 589 bajo el reinado de Recaredo. Su sociedad estaba dividida entre la élite visigoda y la población hispana. Su arquitectura religiosa seguía modelos paleocristianos y bizantinos y destacan iglesias como San Juan de Baños y Santa María en Quintanilla de las Viñas. La escultura religiosa evolucionó de
El documento describe la arquitectura neoclásica, que se inspiró en los monumentos antiguos griegos y romanos. Se caracteriza por la pureza de las líneas, la simetría y las proporciones matemáticas. Fue influyente en varios países de Europa y Estados Unidos en el siglo XIX. Destacan arquitectos como Soufflot en Francia, Schinkel en Alemania, y Villanueva en España con obras como el Museo del Prado. Más adelante surgió el eclecticismo, que mezclaba distintos
La pintura barroca en España estuvo influenciada por Italia, con un énfasis en el naturalismo y el realismo. Los temas se centraron principalmente en lo religioso, aunque también hubo retratos reales y bodegones. Existieron tres escuelas principales - valenciana, andaluza y madrileña. Artistas como Zurbarán, Murillo y Velázquez se destacaron por plasmar la realidad de una manera vívida a través de la luz, el color y el movimiento.
Este documento describe la arquitectura barroca en Italia entre los siglos XVII y XVIII. Se caracteriza por tener un carácter monumental y buscar efectos escenográficos a través de formas curvas, grandes cúpulas decoradas, y espacios urbanos como plazas y fuentes. Destacan artistas como Bernini, conocido por obras maestras como la Plaza de San Pedro, y Borromini, quien jugaba con volúmenes y dimensiones inusuales para crear dinamismo.
La pintura española del Siglo de Oro estuvo muy influenciada por Italia, especialmente en temas religiosos, mitológicos y retratos. Las principales escuelas fueron la valenciana, andaluza y madrileña. La escuela valenciana, liderada por Ribalta y Ribera, se caracterizó por el uso de la luz tenebrista y el naturalismo influenciado por Caravaggio. La escuela andaluza, con figuras como Zurbarán y Murillo, se distinguió por el realismo, la delicadeza y
Este documento describe la escultura barroca italiana y francesa. Habla sobre los materiales como el mármol y el bronce utilizados en Italia y la madera en España y Alemania. Explica características como el uso de formas abiertas y la búsqueda de movimiento. Luego describe importantes escultores como Bernini y sus obras maestras como el Éxtasis de Santa Teresa y Apolo y Dafne. También habla sobre escultores franceses como Girardon y sus obras neoclásicas que representaban a la monarquía.
El documento describe los estilos y artistas más importantes de la pintura barroca en diferentes países europeos. En Francia destacan el naturalismo de La Tour, el clasicismo de Poussin y Claudio de Lorena, la pintura oficial de Le Brun y el rococó frívolo de Watteau, Boucher y Fragonard. En Flandes sobresalen Rubens con sus grandes composiciones y Van Dyck con sus retratos. En Holanda, Rembrandt utiliza el tenebrismo y Vermeer captura la intimidad doméstica, mientras que Hobbema
Este documento resume las características principales de la pintura barroca en Italia. Se dividen en tres tendencias: el naturalismo de Caravaggio, que se enfoca en la luz y sombras y modelos realistas; el clasicismo de los Carracci, inspirado en el renacimiento con belleza idealizada; y el barroco decorativo con efectos ilusorios en grandes frescos de Pozzo y Cortona. El documento también describe obras representativas de cada artista para ilustrar estas tendencias.
11 escultura barroca en francia y españarurenagarcia
La escultura barroca en Francia e Italia se caracterizó por servir para exaltar la monarquía y transmitir mensajes religiosos. En Francia, Bernini influyó en escultores como Girardon, cuyo Apolo servido por ninfas representaba al rey Luis XIV. En España, la escultura barroca, influenciada por Gregorio Fernández y Montañés, se enfocó en temas religiosos de gran realismo y dramatismo para la Contrarreforma, así como en retablos ostentosos de los Churriguera. Escult
11. arquitectura barroca en francia y españarurenagarcia
El documento describe la arquitectura barroca en Francia y España. En Francia, el barroco se usó para propaganda real y se caracterizó por formas clásicas y materiales ostentosos. Más tarde evolucionó al rococó, con formas más ornamentadas. En España, el barroco se enfocó en la religión y usó materiales más pobres, aunque evolucionó a formas más decorativas como el estilo churrigueresco.
23. Arquitectura BARROCA (Italia, Francia y España) (2º bachillerato).palomaromero
El documento describe las características generales de la arquitectura barroca en Italia, España y Francia entre los siglos XVII y XVIII. Se desarrolló para exaltar el poder de las monarquías absolutistas y la Contrarreforma católica. Se caracteriza por su dinamismo, uso de curvas y contrastes para causar admiración. Destacan arquitectos como Bernini, Borromini y Cortona, quienes diseñaron iglesias y palacios monumentales en Roma con efectos teatrales.
Claude Monet fue el principal promotor del impresionismo, plasmando la luz y el instante fugaz en sus cuadros al aire libre. Nació en 1840 en París y pasó su infancia en Le Havre, donde desarrolló su talento para la caricatura. Más tarde, bajo la influencia del pintor Boudin, comenzó a pintar escenas de playa y marinas, capturando los efectos cambiantes de la luz. Sus obras rechazadas por la academia dieron paso al movimiento impresionista, centrado en representar las atm
El documento describe las características del arte griego y romano y cómo estas influyen en el diseño gráfico. El arte griego se caracterizó por buscar la belleza ideal y la imitación de la naturaleza, con un enfoque en la proporción y el equilibrio. El arte romano tuvo una gran influencia en Europa debido a su énfasis en la armonía, funcionalidad y propaganda. Ambos estilos inspiran principios como la búsqueda de belleza, el uso de diseños abstractos y efectos de realismo que son aplicados en diseño grá
El documento describe el movimiento impresionista en la literatura y la pintura que surgió en Francia a mediados del siglo XIX. Abolió el intelectualismo en favor de las sensaciones. Artistas clave incluyen a Manet, Monet, Degas y Renoir en pintura, y los hermanos Goncourt en literatura. El impresionismo marcó el comienzo del arte moderno al romper con las convenciones y permitir una expresión artística libre.
El Modernismo fue una corriente artística que se desarrolló entre finales del siglo XIX y principios del XX. Se caracterizó por el gusto por las ornamentaciones curvilíneas y motivos vegetales, así como por la adopción de nuevos materiales como el hierro y el cristal. En España, Antoni Gaudí fue su máximo exponente, creando obras únicas como la Casa Milà, La Sagrada Familia y el Parque Güell, que combinaban la funcionalidad con formas orgánicas inspiradas en la naturaleza
El documento describe las características del impresionismo y varios artistas impresionistas como Cézanne, Van Gogh, Gaugin y Seurat. Resume las vidas y estilos de los artistas, incluyendo su uso del color, pinceladas y temas cotidianos. También analiza obras específicas de cada artista.
El documento describe las características y obras clave de varios movimientos artísticos como el impresionismo, postimpresionismo y simbolismo. El impresionismo se caracteriza por representar la vida cotidiana a través de formas simples y colores. Artistas como Monet, Cézanne, Van Gogh y Gauguin desarrollaron este estilo. El postimpresionismo incluye a Seurat y Signac quienes pintaban con puntos de color puro. El simbolismo enfatiza lo espiritual y fantástico y artist
El documento resume las características del surrealismo y la pintura abstracta, incluyendo influencias como el dadaísmo y el psicoanálisis. Describe a varios artistas surrealistas como Joan Miró, Salvador Dalí, René Magritte y Yves Tanguy, así como pioneros de la pintura abstracta como Kazimir Malévich, Piet Mondrian, Wassily Kandinsky y Paul Klee. Explica sus estilos pictóricos únicos y su uso de la forma, el color y la composición para crear mundos oníricos o
Este documento describe las principales vanguardias artísticas del siglo XX en Europa, incluyendo el Fauvismo, el Cubismo, el Futurismo y el Surrealismo. Se caracterizaron por romper con las formas artísticas establecidas a través de la independización de la pintura de las reglas tradicionales, el uso del color y la distorsión de la perspectiva. El Cubismo, en particular, descomponía las formas en múltiples planos y buscaba representar objetos desde múltiples puntos de vista simultáneos.
Las vanguardias artísticas de la primera mitad delsoledadtovar
Este documento resume las principales vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX en Europa, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo y surrealismo. Describe las características y artistas clave de cada movimiento. También analiza brevemente el desarrollo del arte en España durante este periodo, incluyendo la arquitectura modernista catalana.
Este documento describe las características del Impresionismo y Postimpresionismo. Resalta que los impresionistas plasmaron la luz y usaron pinceladas sueltas, mientras que los postimpresionistas experimentaron con nuevas técnicas y temas. Detalla a pintores clave como Monet, Renoir, Van Gogh, Gauguin y Cézanne y sus distintivas aproximaciones al color, forma y composición.
El documento describe la vida y obra del pintor francés Paul Cézanne. Explica que Cézanne pasó por tres etapas estilísticas: una etapa romántica temprana, una etapa impresionista en la que participó en exhibiciones impresionistas, y una etapa constructiva más tardía en la que desarrolló su método único de aplicar el color. El documento también analiza varias obras clave de Cézanne como La casa del ahorcado en Auvers, El Castillo de Médan y Los jugadores de cartas, destacando
El documento resume dos cuadros impresionistas de Pierre-Auguste Renoir: "El Columpio" y "Moulin de la Galette". Ambas obras fueron pintadas al óleo sobre lienzo y se caracterizan por el uso de pinceladas cortas, colores fríos y falta de líneas y contornos definidos. Representan escenas cotidianas de forma figurativa con luz natural y profundidad.
El documento resume dos cuadros impresionistas de Pierre-Auguste Renoir: "El Columpio" y "Moulin de la Galette". Ambas obras fueron pintadas al óleo sobre lienzo y se caracterizan por el uso de pinceladas cortas, falta de líneas y contornos definidos, y énfasis en los juegos de color y luz. Los cuadros capturan escenas cotidianas de forma figurativa con una intención cívica.
La pintura barroca en Europa en el siglo XVII se caracterizó por el uso del claroscuro y composiciones complejas que mostraban movimiento e intensos sentimientos. Los principales estilos incluyeron la Escuela Italiana de Caravaggio y los Carracci, la Escuela Holandesa de Rembrandt, Vermeer y Hals, la Escuela Flamenca de Rubens y la Escuela Española de Velázquez, Murillo y Zurbarán.
Este documento resume los estilos neoclásico y romántico, así como la trayectoria artística de Francisco de Goya. El neoclasicismo se centró en las formas clásicas y la razón, mientras que el romanticismo enfatizó la emoción y la individualidad. Goya representó la transición entre estos estilos, comenzando neoclásico pero volviéndose más romántico y expresionista en obras como las Pinturas Negras. Su obra criticó la sociedad española y anticipó movimientos posteriores como el impres
El impresionismo dejo de ser un estilo homogéneo y se comenzaron a revizar sus postulados. Así el predominio de la luz empezó a ceder terreno ante una progresiva recuperación del valor de la forma. Aunque lo importante de los posimpresionistas es que serán artistas de una personalidad y genio tan acusados que cada uno, por si solo, abrirá nuevos caminos dentro del arte contemporáneo, así Cézanne será el precursor del cubismo, Van Gogh del expresionismo y Gauguin del simbolismo y del Fauvismo.
El documento habla sobre el impresionismo y el postimpresionismo. El impresionismo surgió en París en contra de las reglas académicas, buscando representaciones espontáneas de la realidad a través del color y la luz. Artistas como Monet, Degas y Renoir capturaron escenas de la vida cotidiana. El postimpresionismo derivó luego hacia estilos más personales, con Van Gogh y Gauguin enfocándose en la forma, el color y lo expresivo.
La pintura barroca se caracteriza por el predominio del color sobre el dibujo, el uso de la luz para definir la forma, y composiciones asimétricas. Artistas como Caravaggio, Rubens y Rembrandt destacan por su realismo, uso dramático de la luz y sombras, y por captar la psicología humana. Sus obras reflejan las características barrocas como el movimiento, el dinamismo y el dramatismo.
El documento describe los diferentes elementos técnicos y estilísticos que componen la imagen fílmica, incluyendo los tipos de planos, movimientos de cámara, iluminación, vestuario, decorados, actores, color, y sonido. Explica cómo cada elemento puede usarse para crear efectos particulares o transmitir significados simbólicos en una película.
El documento describe el posimpresionismo y algunos de sus principales exponentes como Cézanne, Gauguin y Van Gogh. Cézanne descompuso la realidad en formas geométricas y sentó las bases del cubismo. Gauguin utilizó colores vibrantes y formas planas que anticiparon el fauvismo. Van Gogh empleó colores puros y contrastados en pinceladas gruesas, siendo precursor del expresionismo.
El documento describe el movimiento impresionista en la pintura que surgió en la segunda mitad del siglo XIX en Francia. Los artistas impresionistas plasmaban la luz y el instante captando impresiones fugaces en lugar de formas definidas. El término "impresionismo" fue acuñado de forma despectiva por la crítica al cuadro Impresión: amanecer de Monet. Figuras clave como Monet, Renoir, Pissarro y Degas desarrollaron un estilo que enfatizaba el color y la luz sobre
El documento resume la pintura del Cinquecento italiano. Destaca el dominio de la perspectiva, la búsqueda de la belleza eterna centrada en el hombre, y el realismo de las posturas y movimientos. Los principales artistas fueron Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel. La Capilla Sixtina de Miguel Ángel es su obra maestra, con figuras musculosas y poderosas en la bóveda narrando historias del Génesis.
Este documento describe las características generales de la pintura del Quattrocento en Italia. Algunas de las características clave incluyen la recuperación de la figura humana como sujeto principal, el uso de la perspectiva lineal para crear profundidad espacial, y el desarrollo de escuelas en Florencia, Umbría y Venecia lideradas por artistas como Masaccio, Fra Angelico, Mantegna y Bellini. Los temas religiosos continuaron siendo comunes pero también surgieron los temas mitológicos y el
El movimiento fauvista se desarrolló entre 1904 y 1908. Se caracterizó por el uso de colores vibrantes y formas simplificadas para expresar sentimientos en lugar de representar la naturaleza de manera naturalista. Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos naturalistas de los impresionistas en favor de colores más intensos. El término "fauvista" fue acuñado por Louis Vauxcelles para describir este estilo. Artistas clave incluyen a Matisse, Derain, Vlaminck y Rouault.
La arquitectura griega se desarrolló desde el periodo arcaico hasta el helenístico. En el periodo arcaico, los templos se construían principalmente de piedra siguiendo las formas de la madera, y se clasificaban por su orden (dórico, jónico o corintio) y disposición de columnas. En la época clásica, los elementos urbanos como el ágora, teatro y estadio florecieron, y los templos como el Partenón en Atenas alcanzaron su máxima elegancia y refinamiento. Finalmente, en
El arte egipcio se desarrolló entre el 1000 a.C. y estuvo estrechamente ligado a la religión y los faraones. La arquitectura incluía complejos funerarios con pirámides, templos y tumbas excavadas en roca, construidos con piedra para simbolizar la inmortalidad. La escultura y pintura se enfocaban en escenas sagradas de dioses y gobernantes, así como en la vida cotidiana, utilizando formas convencionales y colores planos.
Este documento describe el fenómeno de la "tasa rosa", donde los productos destinados al público femenino son más caros que los equivalentes masculinos. Se detalla que el colectivo francés Georgette Sand realizó un estudio encontrando hasta un 75% de diferencia de precios en artículos como abrigos, cuchillas de afeitar y perfumes. Su informe llevó a una investigación gubernamental sobre esta práctica discriminatoria contra las mujeres.
Este documento resume las vidas y obras de varios pintores españoles del siglo XX. Destaca los movimientos artísticos como el expresionismo, el cubismo, el surrealismo e informalismo, y los principales exponentes de cada uno como Joan Miró, Salvador Dalí, Pablo Picasso y Antonio Saura. Asimismo, presenta tres grupos pictóricos importantes de la segunda mitad del siglo: Dau al Set, El Paso y Equipo Crónica.
Este documento describe la arquitectura barroca en Italia. Se caracteriza por tener una naturaleza monumental y buscar efectos escenográficos mediante formas curvas, cúpulas grandes y juegos de luz y sombra. También destaca la importancia de los espacios urbanos como plazas y su integración con edificios notables como iglesias y palacios. Arquitectos como Bernini y Borromini se destacan por sus obras maestras que combinan arquitectura, escultura y pintura en un estilo din
La escultura barroca española se caracterizó por transmitir mensajes religiosos de forma realista e impactante, utilizando materiales pobres. Destacan escultores como Gregorio Fernández, conocido por sus Vírgenes y Cristos, y Martínez Montañés por obras serenas de gran belleza anatómica. También son importantes los retablos de los Churriguera y las figuras de Salzillo para belenes y procesiones, con gran riqueza de detalles.
La pintura veneciana se caracteriza por el uso vibrante del color, pinceladas sueltas y detalles ricos. Los artistas venecianos como Tiziano y Tintoretto crearon obras con varios personajes y movimiento, a menudo con paisajes de fondo. Su técnica evolucionó para usar pinceladas más gruesas. La prosperidad económica de Venecia fomentó el patrocinio del arte.
El documento describe la arquitectura del Renacimiento en Italia. Se caracterizó por tomar los principios clásicos de los griegos y las formas de los romanos. Los arquitectos como Brunelleschi y Alberti aplicaron proporciones matemáticas y perspectiva científica. Diseñaron iglesias, palacios y plazas urbanas con una nueva pureza constructiva y valoración de los efectos espaciales.
La arquitectura del Renacimiento en Italia se caracterizó por tomar los principios clásicos de los griegos y las formas de los romanos. Los arquitectos como Brunelleschi y Alberti aplicaron un enfoque científico y matemático, basado en la simetría y proporciones humanas. Algunos de los edificios más representativos fueron la cúpula y basílicas de Brunelleschi, así como la iglesia de Santa María Novella y el palacio Rucellai de Alberti.
El documento describe la arquitectura renacentista en Italia entre 1500 y 1550. En este período, destacan edificios como la iglesia de San Pietro in Montorio en Roma, diseñada por Bramante y que marcó el estilo del Renacimiento romano, con su planta circular y cúpula inspirada en modelos clásicos. También se mencionan el Palacio Farnesio y diseños de Bramante y Miguel Ángel para la basílica de San Pedro en el Vaticano.
La arquitectura italiana del siglo XV se caracterizó por su clasicismo inspirado en los edificios clásicos griegos y romanos. Los arquitectos como Brunelleschi, Alberti y Michelozzo plantearon sus diseños basándose en principios científicos y proporciones matemáticas. Algunas de sus obras más destacadas fueron la cúpula y basílica de Santa María de las Flores, la iglesia de Santa María Novella y el palacio Medici-Riccardi.
El documento resume la arquitectura hispano-musulmana, describiendo sus características a lo largo de los diferentes periodos históricos. Se destacan elementos como el uso de bóvedas, arcos y decoración geométrica, así como la influencia de culturas como la persa, bizantina y visigoda. También se describen obras importantes como la Mezquita de Córdoba, la Alhambra y el arte mudéjar y mozárabe que fusionaron elementos árabes y cristianos.
El documento resume la historia y características principales del arte árabe desde su origen en Arabia Saudí hasta su expansión por la Península Ibérica. Describe la arquitectura, urbanismo y artes figurativas del arte árabe en general y luego se enfoca en el arte hispano-musulmán, dividiéndolo en cuatro períodos: califal, taifas, almorávides y almohades, y nazarí. También aborda brevemente el arte mozárabe y mudéjar.
El arte bizantino continuó las tradiciones arquitectónicas romanas pero introdujo novedades técnicas como cúpulas más ligeras y elementos de descarga. Los edificios más representativos son San Vital de Rávena, con su planta centralizada, y San Marcos de Venecia. El arte figurativo bizantino se caracterizó por el uso del mosaico y la iconografía cristiana, con figuras estilizadas y fondos planos dorados.
Las pinturas y mosaicos romanos que se conservan en las ruinas de Pompeya y Herculano, atrapadas por la erupción del Vesubio en el siglo I d.C., muestran diferentes estilos a lo largo del tiempo. En Pompeya se distinguen cuatro estilos de pintura al fresco que van desde la imitación de mármoles hasta composiciones más sofisticadas con efectos de profundidad, mostrando temas mitológicos, retratos y escenas de la vida cotidiana. Los mosaicos romanos, por su parte, utilizaban té
La escultura y cerámica griega evolucionó desde formas arcaicas rígidas y estilizadas hacia representaciones más naturalistas del cuerpo humano. En la época clásica, artistas como Fidias y Policleto crearon obras maestras que capturaron la belleza ideal a través de proporciones armoniosas. Más tarde, Praxiteles enfatizó la sensualidad, y Escopas representó emociones más dramáticas. El periodo helenístico vio nuevos temas alegóricos y retratos real
El arte del retrato romano evolucionó a partir de influencias etruscas y griegas. Los romanos desarrollaron retratos en mármol y bronce que representaban a los emperadores de tres formas distintas: con traje militar, con toga o velado, para reflejar sus roles de líder militar, legislativo o religioso. También crearon relieves narrativos monumentales en arcos de triunfo, columnas y altares como el Ara Pacis para conmemorar eventos e ideales.
El documento describe diferentes símbolos cristianos utilizados en el arte paleocristiano y medieval, incluyendo la figura de Dios Padre, el Crismón, el Buen Pastor, Cristo como Orfeo y símbolos como la cruz que se usaron antes del cristianismo pero que luego fueron adoptados por los cristianos.
Este documento presenta información sobre varios arquitectos del Renacimiento italiano como Bramante, Miguel Ángel, Palladio y Vignola. Describe algunas de sus obras más importantes como la Basílica de San Pedro, la Capilla Sixtina y la Villa Rotonda, que ayudaron a definir los estilos renacentista y manierista en la arquitectura.
SEMIOLOGIA DE HEMORRAGIAS DIGESTIVAS.pptxOsiris Urbano
Evaluación de principales hallazgos de la Historia Clínica utiles en la orientación diagnóstica de Hemorragia Digestiva en el abordaje inicial del paciente.
ACERTIJO DESCIFRANDO CÓDIGO DEL CANDADO DE LA TORRE EIFFEL EN PARÍS. Por JAVI...JAVIER SOLIS NOYOLA
El Mtro. JAVIER SOLIS NOYOLA crea y desarrolla el “DESCIFRANDO CÓDIGO DEL CANDADO DE LA TORRE EIFFEL EN PARIS”. Esta actividad de aprendizaje propone el reto de descubrir el la secuencia números para abrir un candado, el cual destaca la percepción geométrica y conceptual. La intención de esta actividad de aprendizaje lúdico es, promover los pensamientos lógico (convergente) y creativo (divergente o lateral), mediante modelos mentales de: atención, memoria, imaginación, percepción (Geométrica y conceptual), perspicacia, inferencia y viso-espacialidad. Didácticamente, ésta actividad de aprendizaje es transversal, y que integra áreas del conocimiento: matemático, Lenguaje, artístico y las neurociencias. Acertijo dedicado a los Juegos Olímpicos de París 2024.
2. •Características
- Representación de la vida
cotidiana, a través de formas
simples y planos de color.
- Pincelada pequeña y
repetitiva.
-Representación de los
objetos desde diferentes
perspectivas
simultáneamente, logrando
un efecto de profundidad.
-Pintura a base de planos.
Decía: “Todo en la
naturaleza puede reducirse
Bodegón con cortina a cilindros, conos y
esferas” precedente del
Cubismo
3. 1.Identificación:
Se encuentra
en Fondo E. G. Bührle
(Zúrich) Suiza
1888-1889
2.Análisis Iconográfico:
-Tema: Es un joven con un
chaleco rojo sentado en
posición de pasividad:
temas cotidianos
El joven del chaleco rojo
4. -Composición: Líneas
curvas y angulares:
dinamismo
-Perspectiva: cierta
profundidad, marcada por las
líneas de la cama
-Figuras: Un joven
sentado, de carácter
naturalista
-El color: Predominan los
colores cálidos, aplicado en
zonas de color
-La luz: natural: eje en la
El joven del chaleco rojo cara y alguna zona blanca
7. Vincent Van Gogh
(1853-1890)
•Vida
- Pintor holandés, conocido por
sus desequilibrios mentales, que
influyeron en el estilo de su
pintura.
- Representó una vía divergente
del impresionismo, acercándose
más al postimpresionismo.
-La calidad de su obra sólo fue
reconocida después de su
muerte considerándose uno de
los grandes maestros de la
pintura.
8. Características de su obra
•Produjo todo su trabajo en diez años. Siempre quiso reflejar la
vida en sus obras. Su carrera pictórica está marcada por los
lugares donde vivió y trabajó. Desarrolló un estilo suelto en
lienzos salpicados de intensos colores.
Los comedores de papas Los girasoles
9. -Su preocupación básica era conseguir a través de la
pintura una forma de comunicación , intentando que
sus pinturas sean siempre “una absoluta y sincera
expresión de sí mismo.”
-Sus constantes son:
• La utilización, a menudo, de contornos marcados
y oscuros
• Preocupación por la textura, para evitar la
monotonía de las superficies uniformes:: pincelada
curva ( Virgule) para el fondo, o ejecutaba
técnicas de punteo que contrastaba con las
anchas pinceladas.
• En otros casos representaba cada forma mediante
La iglesia de Auvers- líneas onduladas que destacaban de manera
sur-Oise especial el contorno. Esto le llevaba a utilizar
pinceles que casi chorreaban color y aplicaba los
pigmentos con mucha pasta.
-Se le considera un precursor del expresionismo por
su fuerza
- Tras una primera etapa caracterizada por el uso de colores oscuros, cambio hacia paleta
de colores muy viva.
-Temas: paisajes, retratos y escenas de la vida cotidiana
10. Comentario de imagen artística
1. Identificación: Jarrón con
doce girasoles (1888). Se
encuentra actualmente en el
Museo Neue Pinakothek de
Múnich.
2. Análisis Iconográfico:
-Tema: Girasoles en las diferentes
etapas de su vida. Temas
cotidianos
Jarrón con doce girasoles
11. 3. -Análisis formal:
• -Composición: líneas horizontales,
verticales y curvas
• -Perspectiva: no tiene: fondo neutro
sobre el que destaca la figura
• -Figuras: jarrón con doce girasoles
• -El color: tonos suaves y la mayoría
cálidos, con muchas tonalidades.
Pinceladas fuertes y agresivas.
• -La luz: intensa y brillante
Jarrón con doce girasoles
12. 1.Identificación:
-Localización actual:
Museo de Arte Moderno.
New York. USA
-Cronología: 1889
2.Análisis Iconográfico:
-Tema: paisaje nocturno
La noche estrellada
13. -Composición: Líneas
curvas
-Perspectiva: : horizonte
muy bajo para dar más
espacio visual al cielo
-Figuras: No
-El color: Predominan
los colores
fríos, compensados con el
cálido de la luna
Pincelada larga -Virgule
-La luz: Tonal
La noche estrellada
14. Botas de Van gogh
•Tema: en el estudio había un par de botas claveteadas llenas de
barro de las que hizo esta pintura, casi naturalista
15. ANÁLISIS FORMAL:
Composición: : Equilibrio:
verticalidad y oblicuidad
•Fondo: suelo de su estudio:
única referencia espacial. Con
profundidad y cierta perspectiva
dentro del fondo neutro
•Figuras: Las botas generan
cierta sensación de soledad
•Color: Se utilizan tonos
oscuros y marrones para las
botas y tonos más amarillentos
para el suelo, todo dentro de los
cálidos, para acercar el tema al
espectador.
Luz: Se aprecian zonas de
claros en el suelo , de gran
luminosidad que generan cierta
profundidad
16. LA SILLA DE Van Gogh
Tema: la silla de paja del pintor es
una muestra de su soledad tras la
discusión con su amigo.
Elementos cotidianos: una silla de
paja sobre la que deposita su vieja
pipa y su rollo de tabaco;
Al fondo podemos contemplar una
caja.
17. ANÁLISIS FORMAL:
•Composición: dominio de líneas
oblicuas y angulares: dinamismo
•Fondo: El artista ha empleado una
perspectiva elevada que genera cierto
desasosiego. Recorte casual en la caja
del fondo
• Color: Utiliza sus tonos preferidos :
amarillos y azules que generan cierta
melancolía y tristeza.
•Luz: se aprecia una imagen clara sin
demasiadas sombras
18. Retrato de DR. Gachet
•Tema: podemos ver al doctor Gachet, el médico que estudió
su enfermedad y con quien convivió en Auvers-sur-Oise.
19. ANÁLISIS FORMAL:
Composición: Oblicuas: dinamismo
•Fondo: Se aprecia una perspectiva
marcada por la mesa que utiliza el doctor
como apoyo posada sobre el suelo y
situada delante de la pared.
•Figuras: Aparece el retrato único del
doctor Gachet, el que trató y con el que
paso los últimos días de su vida el pintor.
•Color: Colorido fuerte con un
planteamiento casi fauvista y una
pincelada violenta, de comas largas
•Luz: refuerza los colores
21. Paul Gaugin (1848-1903)
-Utiliza colores brillantes. Cada
vez más color, tratado con mayor
libertad: precedente del Fauvismo Mujeres de Tahití en la playa
--Vivió en Taití, pintando a las
nativas, con fuerza y candosidad
23. Postimpresionistas
•Los postimpresionistas vuelven al
estudio ( en lugar de al aire libre)
por ser una pintura muy
laboriosa, aunque continúan los
temas típicos del impresionismo .
•Vuelve a cobrar importancia el
dibujo. Continuaron utilizando
colores vivos,
• Pintan a base de puntos de
colores puros que se mezclan en
la retina del espectador.
• Lo practican muy pocos pintores Modelos de
debido a su complejidad. Seurat
24. Georges Pierre Seurat (1859-1891)
-Pintor francés fundador del postimpresionismo
-Se caracteriza por el uso fragmentado de la
línea en puntos de color. Sus puntos son
extremadamente pequeños y sus figuras
geométricas
Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte
26. Paul Signac ( 1863-1935)
.Pinta también a base de
puntos, pero en lugar de usar
solo colores puros utiliza unas
tonalidades más amplias con lo
que disminuye en parte la
dificultad de la obra
Palais des Papes Avignon
“La vela amarilla
27. Pintura Simbolista
-Forman una tendencia dentro de finales del s.
XIX hacia lo espiritual y fantástico, relacionada
aún con el romanticismo- Es una especie de
reacción contra el afán científico y racional del
empirismo y el positivismo.
-Se relaciona también con un cierto
religiosismo o incluso satanismo. Siempre con
un dominio de lo sentimental y lo emotivo
frente a la razón.
con cuadros muy simbólicos con cierto
barroquismo: “La aparición”
28. •Características
-La pintura de Klimt posee notables
ingredientes clásicos, bizantinos y
la influencia del dibujo japonés así
como las modernas linealidades
simbolistas
-A través de un trazo elegante
retratará fascinantes mujeres
-Con un estilo muy
ornamental, también cargado de
simbolismo
29. Comentario de imagen artística
1. Identificación: El beso
(1908). Actualmente se
encuentra en la
Österreichische Galerie
Belvedere de Viena.
2. Análisis iconográfico:
-Tema: representación
simbólica del beso de
Dafne y Apolo. Se
puede considerar como
una visión del amor
El beso
30. 3.- Análisis formal:
• -Composición: líneas verticales
y horizontal, delimitando la
composición central- Figuras
equilibradas, pero desequilibrio en
el pie que se sale de la
composición
• -Perspectiva: no : fondo neutro
que destaca las figuras
• -Figuras: dos
personajes, fundidos en un abrazo
• -El color: uso de dorado intenso
en las túnicas. Preciosismo
Colores de tono oscuro para el
El beso fondo.
• -La luz: luz intensa,
31. Otras Obras de Klimt
Retrato de Adele
Fragmento del friso de Beethoven
32. Maurice Denis (1870-1943)
Forma parte de un grupo denominado
“Los Nabis” ) que significa “Los
profetas”, que sentará las bases del
arte contemporáneo con su famosa n f
rase “un cuadro, antes de ser un
caballo, una batalla, una mujer
desnuda o cualquier otra anécdota es
una superficie cubierta de colores
distribuidos de cierta manera
La Anunciación Las musas