Arte Barroco. Comentario: La muerte de la Virgen (CARAVAGGIO). IES Lacimurga 2º Bachillerato. javirunners

1. Historia del Arte (BCS2)
ARTE DEL BARROCO
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La muerte de la Virgen (Caravaggio)
Caravaggio, pintor maldito por una vida agitada y una obra rebelde, muestra un estilo claramente influido por la obra de
Miguel Ángel en el modelado escultórico de los cuerpos. Caravaggio creó su propio estilo tenebrista, basado en el uso del
claroscuro para dar expresión a los sentimientos; las composiciones en diagonal; la austeridad que rechaza los elementos
superfluos; el naturalismo en la plasmación de los personajes; y el tratamiento desacralizado de los temas religiosos, como si
fueran escenas de la vida cotidiana. Su huella es evidente en primeras figuras de la pintura como Rembrandt y Velázquez.
1. Identificación.
Nombre: La muerte de la Virgen.
Autor: M. A. Caravaggio.
Estilo: Barroco italiano.
Cronología: 1605 - 1606.
Localización: Roma (Italia).
Técnica: óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 3,65 x 2,45 mt.
Localización actual: Museo del Louvre (París).
Tema: Religioso. La Virgen, madre de Cristo acaba de morir. Los
apóstoles y María Magdalena la acompañan y sufren. La Virgen en su
lecho de muerte, aparece con una vestimenta roja, los pies descalzos,
el pelo alborotado, sus manos inertes, el cuerpo hinchado y una
finísima aureola divina sobre su cabeza. A su lado, María Magdalena,
llora desconsolada y apoya su cabeza sobre las rodillas. Los apóstoles
descalzos, muestran diferentes actitudes frente a esa muerte, San
Juan erguido reflexiona, otros sollozan, secan sus lágrimas u ocultan
sus ojos, como muestra de dolor. Toda la escena se desarrolla en una
estancia austera, oscura, de cuyo techo cae un denso telón rojo.
2. Análisis formal.
Elementos plásticos.
La muerte de la Virgen es un claro exponente del tenebrismo de Caravaggio. Juega
abiertamente con el claroscuro, es decir, el contraste de luces y sombras que, a
voluntad del artista, ilumina claramente aquello que le interesa y sume en la oscuridad
aquello que considera menos importante. Así, el rayo de luz, símbolo de la gracia
divina, se convierte en el verdadero estructurador del cuadro. Cruza la escena en
diagonal e ilumina las cabezas de los personajes, inclinadas por el dolor, mientras
mantiene sus mundanos cuerpos en la penumbra. Caravaggio utilizó además un
segundo componente para acentuar el dramatismo: el color. El pintor se decantó por
una paleta de color saturado, que es la que mejor casaba con su temperamento.
Composición.
El cuadro se estructura a partir del rayo de luz que llega desde lo alto de la ventana
colocada en la parte superior izquierda. Este mantiene una trayectoria oblicua que
atraviesa toda la tela, destaca la cabeza de los apóstoles e ilumina el cuerpo tendido de
la Virgen. El haz de luz también revela la existencia de una cortina de color rojo intenso
que constituye el único elemento decorativo de la escena. Esta cortina evoca el telón
de un teatro y confiere a la escena un sentido dramático.
3. Análisis iconográfico.
Contenido.
Los destinatarios del cuadro, los monjes de la iglesia de Sta. Mª de la Scala, rechazaron “La muerte de la
Virgen”, pues consideraban que la imagen de la Virgen había sido tratada indignamente. Parece ser que
Caravaggio tomó como modelo el cadáver de una mujer ahogada en el río Tíber, cuyo cuerpo, plasmado con el
máximo realismo, muestra la rigidez de la muerte, el vientre hinchado y los pies amoratados.
Aquellos religiosos no fueron capaces de captar el auténtico sentimiento que transpira la escena. No captaron
el profundo sentido religioso, desnudo de convencionalismos que, junto a la mujer que yacía en un sencillo
banco de madera, desprendían aquellos hombres. Hombres vulgares, despeinados y con los pies sucios, pero
desbordados por el dolor que siente cualquier ser humano por la muerte de un ser querido.
1 IES Lacimurga C. I.
Javier Pérez (IES Lacimurga)

2. Historia del Arte (BCS2)
ARTE DEL BARROCO
Este desprecio hacia sus obras no era una novedad para el autor,
en un momento en el que la pintura italiana religiosa seguía los
estrictos preceptos de la Contrarreforma. La obra del pintor no
cumplía con el sentimiento religioso que exigía la Iglesia. Se podría
pensar que los personajes humildes de Caravaggio llegarían a la
gente sencilla; sin embargo, incluso ésta prefería las
representaciones idealizadas basadas en los modelos clásicos de
belleza a la cruda realidad que exhibía el pintor.
2 IES Lacimurga C. I.
Javier Pérez (IES Lacimurga)