El arte abandona la galería y se dirige hacia espacios virtuales como galerías en línea y revistas digitales. Esto ha llevado a que la industria del arte se enfoque más en los derechos de exhibición y propiedad intelectual de las imágenes, socavando el potencial crítico del arte visual. Algunos artistas buscan sacar sus obras de la galería e instalarlas directamente en la realidad para fomentar debates socialmente relevantes. El negocio del arte se ha vuelto un sistema de celos donde las obras compiten por
El documento presenta las perspectivas de varios autores sobre el papel del artista en la sociedad. Algunos ven al artista como un agente interno que vive en el contexto social y contribuye a los procesos de cambio de forma crítica o constructiva. Otros argumentan que el artista debe cuestionar nuestras convicciones y hacer que reflexionemos sobre nuestra realidad, aunque esto ya no es tan común. Finalmente, se destaca que el artista debe comprometerse con la sociedad y plasmar una manifestación de vida a través de su arte.
El poema "Hombre de la paz" de Mario Benedetti describe el derrocamiento y asesinato de Salvador Allende en Chile. El poema usa metáforas para mostrar la sensibilidad humana frente a estos eventos políticos. Ernst Cassirer argumenta que el arte intensifica la realidad enfatizando los comportamientos humanos. El documento explora la relación entre arte, política e ideología, y cómo el arte puede influir e incluso generar ideologías. Según Cassirer, el hombre vive en un universo simbólico definido por el
El arte ha tenido una función social a lo largo de la historia, reflejando y afirmando el orden social de cada época. En el Renacimiento, el arte cristiano estaba financiado por la Iglesia y también se desarrolló el arte de las monarquías. Más recientemente, Hollywood ha usado el cine para justificar el discurso militarista de Estados Unidos. En México, el Muralismo puso en imágenes la historia y clases sociales del país después de la revolución.
Este documento discute la decadencia y el fracaso de las vanguardias artísticas del siglo XX. Argumenta que las vanguardias dejaron de lado la idea del arte como expresión de los tiempos cambiantes y la mímesis, lo que llevó a una ruptura entre el artista y el público. También señala que el arte de vanguardia se volvió minoritario e inadecuado para la economía de masas.
El documento presenta una definición de contracultura como expresiones culturales juveniles que rechazan la cultura dominante e institucional. Explica que la contracultura surge como respuesta a una cultura excluyente y deshumanizante. Incluye diferentes movimientos contraculturales como anarco-punks y emos, cada uno con su propia estética y expresiones artísticas como música y ropa. También señala que la contracultura no promueve el caos sino que busca dar lugar a distintas sensibilidades humanas para expres
El documento analiza el rechazo y controversia generada por el Monumento a Domingo F. Sarmiento realizado por Auguste Rodin en París e inaugurado en Buenos Aires en 1900. Las posibles razones del rechazo fueron que la cabeza de Sarmiento en la escultura no era reconocible y no cumplía con la función de materializar el mito de Sarmiento para la construcción de la nacionalidad argentina. Además, el estilo innovador de Rodin, alejado de la mímesis, chocaba con la estética de la época
Este documento resume las ideas de Walter Benjamin sobre el cambio en la naturaleza del arte con la introducción de la reproducción mecánica. Benjamin argumenta que la reproducción técnica elimina el "aura" única de una obra de arte al hacerla accesible a las masas. También discute cómo los medios como el cine y la radio pueden ser usados para la emancipación de las masas o para su manipulación, como en el caso de la propaganda fascista.
El documento presenta las perspectivas de varios autores sobre el papel del artista en la sociedad. Algunos ven al artista como un agente interno que vive en el contexto social y contribuye a los procesos de cambio de forma crítica o constructiva. Otros argumentan que el artista debe cuestionar nuestras convicciones y hacer que reflexionemos sobre nuestra realidad, aunque esto ya no es tan común. Finalmente, se destaca que el artista debe comprometerse con la sociedad y plasmar una manifestación de vida a través de su arte.
El poema "Hombre de la paz" de Mario Benedetti describe el derrocamiento y asesinato de Salvador Allende en Chile. El poema usa metáforas para mostrar la sensibilidad humana frente a estos eventos políticos. Ernst Cassirer argumenta que el arte intensifica la realidad enfatizando los comportamientos humanos. El documento explora la relación entre arte, política e ideología, y cómo el arte puede influir e incluso generar ideologías. Según Cassirer, el hombre vive en un universo simbólico definido por el
El arte ha tenido una función social a lo largo de la historia, reflejando y afirmando el orden social de cada época. En el Renacimiento, el arte cristiano estaba financiado por la Iglesia y también se desarrolló el arte de las monarquías. Más recientemente, Hollywood ha usado el cine para justificar el discurso militarista de Estados Unidos. En México, el Muralismo puso en imágenes la historia y clases sociales del país después de la revolución.
Este documento discute la decadencia y el fracaso de las vanguardias artísticas del siglo XX. Argumenta que las vanguardias dejaron de lado la idea del arte como expresión de los tiempos cambiantes y la mímesis, lo que llevó a una ruptura entre el artista y el público. También señala que el arte de vanguardia se volvió minoritario e inadecuado para la economía de masas.
El documento presenta una definición de contracultura como expresiones culturales juveniles que rechazan la cultura dominante e institucional. Explica que la contracultura surge como respuesta a una cultura excluyente y deshumanizante. Incluye diferentes movimientos contraculturales como anarco-punks y emos, cada uno con su propia estética y expresiones artísticas como música y ropa. También señala que la contracultura no promueve el caos sino que busca dar lugar a distintas sensibilidades humanas para expres
El documento analiza el rechazo y controversia generada por el Monumento a Domingo F. Sarmiento realizado por Auguste Rodin en París e inaugurado en Buenos Aires en 1900. Las posibles razones del rechazo fueron que la cabeza de Sarmiento en la escultura no era reconocible y no cumplía con la función de materializar el mito de Sarmiento para la construcción de la nacionalidad argentina. Además, el estilo innovador de Rodin, alejado de la mímesis, chocaba con la estética de la época
Este documento resume las ideas de Walter Benjamin sobre el cambio en la naturaleza del arte con la introducción de la reproducción mecánica. Benjamin argumenta que la reproducción técnica elimina el "aura" única de una obra de arte al hacerla accesible a las masas. También discute cómo los medios como el cine y la radio pueden ser usados para la emancipación de las masas o para su manipulación, como en el caso de la propaganda fascista.
El documento describe las principales características y corrientes de la vanguardia literaria del siglo XX, incluyendo el cubismo, el futurismo, el surrealismo y el creacionismo. Se caracterizó por ser experimental, crítico e innovador, rompiendo con las convenciones literarias y artísticas tradicionales a través de técnicas como la destrucción de la sintaxis, el uso de la metáfora y la imaginación. Algunas de sus figuras claves fueron Vicente Huidobro, impulsor del creacionismo.
Este documento resume las principales vanguardias artísticas históricas desde mediados del siglo XIX hasta principios del siglo XX. Explica el concepto de vanguardia y las causas de su desarrollo, describiendo los movimientos impresionista, postimpresionista, fauvista, cubista y expresionista. Resalta la búsqueda de innovación y ruptura con el pasado que caracterizó estas corrientes pioneras, que marcaron un antes y un después en la historia del arte moderno.
El documento discute la relación entre el arte moderno y la cultura de masas en el siglo XIX y XX. Aborda temas como el impacto de la reproducción técnica de imágenes, el surgimiento de nuevas audiencias de clase media y el desarrollo de industrias culturales. También analiza cómo las vanguardias históricas respondieron a estos cambios y la tensión entre sus proyectos de transformación social y la lógica del mercado de masas.
Este documento discute el potencial de las imágenes como documentos históricos en el aula. Señala que las imágenes son cada vez más importantes en la cultura contemporánea y en la historiografía, y pueden motivar el aprendizaje de los estudiantes. Sin embargo, tradicionalmente solo se han usado como ilustraciones. Para usarlas como documentos históricos, es necesario contextualizarlas estableciendo convenciones artísticas, intención y autor/destinatarios, ya que esto provee información rica sobre el contexto. Las
Este documento discute el surgimiento de nuevas formas relacionales en el arte de los años 90. Explica que los artistas de esta época exploran formas interactivas, sociales y relacionales que desafían las categorías tradicionales de la crítica de arte. También argumenta que las relaciones humanas se han cosificado y estandarizado en la sociedad contemporánea, por lo que el arte busca generar nuevas formas de relacionarse con el mundo. El documento concluye que la tarea crítica es comprender estas nuevas prácticas artísticas en
El documento discute diferentes aspectos de la exposición de obras de arte, incluyendo la historia de los espacios de exhibición, los modelos espaciales comunes, y los desafíos en planificar y montar exposiciones efectivas que equilibren la obra y el espacio. También analiza cómo los museos a menudo se ubican en edificios reutilizados y las dificultades en armonizar el arte con la arquitectura preexistente.
Este documento presenta un dossier sobre arquetipos femeninos en el cine clásico americano. Incluye artículos que analizan las representaciones de mujeres como inocentes, fatales, o perversas en películas de Hollywood de las décadas de 1920 y 1930. También incluye entrevistas con los artistas Francesc Torres y Jorge Macchi sobre sus obras que reinterpretan estas figuras femeninas arquetípicas. El dossier explora cómo estas películas reflejaban valores patriarcales y estereotipos de género de la época.
El documento presenta diferentes definiciones de arte. Define arte como la aplicación de habilidad y gusto para crear obras según principios estéticos. También lo define como la facultad humana de imitar o expresar lo material o inmaterial a través de medios como la materia, sonido o expresión corporal. El arte es una expresión personal sobre la realidad o lo imaginado.
1) Las vanguardias artísticas a partir de 1900 rompen con el realismo e investigan nuevos lenguajes visuales, materiales y conceptos sobre el arte.
2) Se caracterizan por su pluralidad de estilos, aunque comparten el carácter innovador y rupturista con la tradición.
3) Los principales movimientos vanguardistas como el fauvismo, cubismo, futurismo, dadaísmo y surrealismo se ven influenciados por acontecimientos históricos como las guerras mundiales y teorías como el psicoan
El documento resume las diferentes funciones que ha tenido el arte a lo largo de la historia, desde una función práctica y religiosa en las primeras sociedades hasta una función más estética y expresiva en épocas posteriores. También describe cómo el arte ha servido a diferentes instituciones como la iglesia, la monarquía y la ilustración en distintos períodos.
Este documento describe los componentes institucionales que configuran el sistema del arte, incluyendo la obra de arte, el artista, y la crítica de arte. Explica que para que algo sea considerado una obra de arte necesita aceptación institucional, intencionalidad artística, y autonomía de sentidos. También resume cómo los aspectos que determinan la categoría de obra de arte han cambiado de objetualidad a crisis del objeto, de espiritualidad a carácter mundano, y de unidad a serialidad.
Este documento explora las estéticas relacionales, definidas por Nicolás Bourriaud como prácticas artísticas que generan relaciones intersubjetivas. Se analizan referentes históricos como Fluxus, Beuys y Klein, y su implementación en Latinoamérica por artistas como Cildo Meireles y Vito Acconci. También se discute la pertinencia de trabajar con estéticas relacionales en El Salvador, considerando sus particularidades y el rol de instituciones y artistas en estos procesos.
Este documento contiene 21 posibles preguntas para un examen parcial sobre diversos temas como la cultura Moche y su concepción del cosmos, la inmigración en Argentina y las respuestas de la élite, el papel de la escuela pública en la formación de identidad nacional, la definición de mito, ritual y lenguaje simbólico, la concepción del arte como materialización del mito y ritual, el nacionalismo como mito, el papel de la estatuaria pública en relación a la nacionalidad argentina, la def
El documento describe el estudio de la sociología del arte y su enfoque para analizar la dimensión social de los hechos humanos. Explica que la obra "Las Meninas" de Diego Velázquez permaneció oculta al público por más de 40 años y que este trabajo busca indagar los motivos de esto a través de un análisis sociológico.
El documento define el origen del término "arte" y su evolución para designar disciplinas relacionadas con lo estético y lo emotivo frente a lo técnico. Explica que originalmente se aplicaba a toda producción humana y que con el tiempo se utilizó para referirse específicamente a las artes visuales. También introduce conceptos como iconografía e iconología para la descripción e interpretación de obras de arte.
Este documento describe varios movimientos culturales a través de la historia, incluyendo el Renacimiento, Barroco, Ilustración, Romanticismo, Realismo, Posmodernismo, Modernismo, Dadaísmo, Cubismo y Futurismo. Define cada movimiento brevemente y menciona algunos de sus exponentes más importantes o características distintivas.
El documento resume las vanguardias artísticas que surgieron principalmente en Europa en el siglo XX. Señala que las vanguardias buscaban crear un arte radicalmente nuevo que rompiera con el realismo, a través de la internacionalización, el antitradicionalismo y la búsqueda de la originalidad. Menciona varios movimientos vanguardistas clave como el futurismo, el cubismo, el dadaísmo, el expresionismo y el surrealismo. También analiza brevemente obras literarias importantes de la época y el contexto histórico
Este documento presenta una lista de 15 alumnos inscritos en un curso de arte contemporáneo, seguido de un resumen de temas relacionados con la negación de las formas del pasado y el mito de lo moderno en el arte del siglo XX. Explica cómo las vanguardias históricas rompieron con la tradición a través de diversas tendencias experimentales y cómo la arquitectura moderna rechazó el ornamento en favor de formas racionales basadas en la función y la tecnología.
Este documento describe el desarrollo del arte contemporáneo desde 1945 hasta la década de 1960. No hubo una ruptura total con las vanguardias históricas, sino que surgió una línea divisoria entre ellas y las nuevas tendencias posvanguardistas. El expresionismo abstracto dominó inicialmente, pero luego surgió el Pop Art en respuesta a su academicismo, usando imágenes de la cultura de masas. El galerista Leo Castelli y la ciudad de Nueva York fueron fundamentales para el auge de este nuevo movimiento en los Estados Unidos.
El documento describe las principales características y corrientes de la vanguardia literaria del siglo XX, incluyendo el cubismo, el futurismo, el surrealismo y el creacionismo. Se caracterizó por ser experimental, crítico e innovador, rompiendo con las convenciones literarias y artísticas tradicionales a través de técnicas como la destrucción de la sintaxis, el uso de la metáfora y la imaginación. Algunas de sus figuras claves fueron Vicente Huidobro, impulsor del creacionismo.
Este documento resume las principales vanguardias artísticas históricas desde mediados del siglo XIX hasta principios del siglo XX. Explica el concepto de vanguardia y las causas de su desarrollo, describiendo los movimientos impresionista, postimpresionista, fauvista, cubista y expresionista. Resalta la búsqueda de innovación y ruptura con el pasado que caracterizó estas corrientes pioneras, que marcaron un antes y un después en la historia del arte moderno.
El documento discute la relación entre el arte moderno y la cultura de masas en el siglo XIX y XX. Aborda temas como el impacto de la reproducción técnica de imágenes, el surgimiento de nuevas audiencias de clase media y el desarrollo de industrias culturales. También analiza cómo las vanguardias históricas respondieron a estos cambios y la tensión entre sus proyectos de transformación social y la lógica del mercado de masas.
Este documento discute el potencial de las imágenes como documentos históricos en el aula. Señala que las imágenes son cada vez más importantes en la cultura contemporánea y en la historiografía, y pueden motivar el aprendizaje de los estudiantes. Sin embargo, tradicionalmente solo se han usado como ilustraciones. Para usarlas como documentos históricos, es necesario contextualizarlas estableciendo convenciones artísticas, intención y autor/destinatarios, ya que esto provee información rica sobre el contexto. Las
Este documento discute el surgimiento de nuevas formas relacionales en el arte de los años 90. Explica que los artistas de esta época exploran formas interactivas, sociales y relacionales que desafían las categorías tradicionales de la crítica de arte. También argumenta que las relaciones humanas se han cosificado y estandarizado en la sociedad contemporánea, por lo que el arte busca generar nuevas formas de relacionarse con el mundo. El documento concluye que la tarea crítica es comprender estas nuevas prácticas artísticas en
El documento discute diferentes aspectos de la exposición de obras de arte, incluyendo la historia de los espacios de exhibición, los modelos espaciales comunes, y los desafíos en planificar y montar exposiciones efectivas que equilibren la obra y el espacio. También analiza cómo los museos a menudo se ubican en edificios reutilizados y las dificultades en armonizar el arte con la arquitectura preexistente.
Este documento presenta un dossier sobre arquetipos femeninos en el cine clásico americano. Incluye artículos que analizan las representaciones de mujeres como inocentes, fatales, o perversas en películas de Hollywood de las décadas de 1920 y 1930. También incluye entrevistas con los artistas Francesc Torres y Jorge Macchi sobre sus obras que reinterpretan estas figuras femeninas arquetípicas. El dossier explora cómo estas películas reflejaban valores patriarcales y estereotipos de género de la época.
El documento presenta diferentes definiciones de arte. Define arte como la aplicación de habilidad y gusto para crear obras según principios estéticos. También lo define como la facultad humana de imitar o expresar lo material o inmaterial a través de medios como la materia, sonido o expresión corporal. El arte es una expresión personal sobre la realidad o lo imaginado.
1) Las vanguardias artísticas a partir de 1900 rompen con el realismo e investigan nuevos lenguajes visuales, materiales y conceptos sobre el arte.
2) Se caracterizan por su pluralidad de estilos, aunque comparten el carácter innovador y rupturista con la tradición.
3) Los principales movimientos vanguardistas como el fauvismo, cubismo, futurismo, dadaísmo y surrealismo se ven influenciados por acontecimientos históricos como las guerras mundiales y teorías como el psicoan
El documento resume las diferentes funciones que ha tenido el arte a lo largo de la historia, desde una función práctica y religiosa en las primeras sociedades hasta una función más estética y expresiva en épocas posteriores. También describe cómo el arte ha servido a diferentes instituciones como la iglesia, la monarquía y la ilustración en distintos períodos.
Este documento describe los componentes institucionales que configuran el sistema del arte, incluyendo la obra de arte, el artista, y la crítica de arte. Explica que para que algo sea considerado una obra de arte necesita aceptación institucional, intencionalidad artística, y autonomía de sentidos. También resume cómo los aspectos que determinan la categoría de obra de arte han cambiado de objetualidad a crisis del objeto, de espiritualidad a carácter mundano, y de unidad a serialidad.
Este documento explora las estéticas relacionales, definidas por Nicolás Bourriaud como prácticas artísticas que generan relaciones intersubjetivas. Se analizan referentes históricos como Fluxus, Beuys y Klein, y su implementación en Latinoamérica por artistas como Cildo Meireles y Vito Acconci. También se discute la pertinencia de trabajar con estéticas relacionales en El Salvador, considerando sus particularidades y el rol de instituciones y artistas en estos procesos.
Este documento contiene 21 posibles preguntas para un examen parcial sobre diversos temas como la cultura Moche y su concepción del cosmos, la inmigración en Argentina y las respuestas de la élite, el papel de la escuela pública en la formación de identidad nacional, la definición de mito, ritual y lenguaje simbólico, la concepción del arte como materialización del mito y ritual, el nacionalismo como mito, el papel de la estatuaria pública en relación a la nacionalidad argentina, la def
El documento describe el estudio de la sociología del arte y su enfoque para analizar la dimensión social de los hechos humanos. Explica que la obra "Las Meninas" de Diego Velázquez permaneció oculta al público por más de 40 años y que este trabajo busca indagar los motivos de esto a través de un análisis sociológico.
El documento define el origen del término "arte" y su evolución para designar disciplinas relacionadas con lo estético y lo emotivo frente a lo técnico. Explica que originalmente se aplicaba a toda producción humana y que con el tiempo se utilizó para referirse específicamente a las artes visuales. También introduce conceptos como iconografía e iconología para la descripción e interpretación de obras de arte.
Este documento describe varios movimientos culturales a través de la historia, incluyendo el Renacimiento, Barroco, Ilustración, Romanticismo, Realismo, Posmodernismo, Modernismo, Dadaísmo, Cubismo y Futurismo. Define cada movimiento brevemente y menciona algunos de sus exponentes más importantes o características distintivas.
El documento resume las vanguardias artísticas que surgieron principalmente en Europa en el siglo XX. Señala que las vanguardias buscaban crear un arte radicalmente nuevo que rompiera con el realismo, a través de la internacionalización, el antitradicionalismo y la búsqueda de la originalidad. Menciona varios movimientos vanguardistas clave como el futurismo, el cubismo, el dadaísmo, el expresionismo y el surrealismo. También analiza brevemente obras literarias importantes de la época y el contexto histórico
Este documento presenta una lista de 15 alumnos inscritos en un curso de arte contemporáneo, seguido de un resumen de temas relacionados con la negación de las formas del pasado y el mito de lo moderno en el arte del siglo XX. Explica cómo las vanguardias históricas rompieron con la tradición a través de diversas tendencias experimentales y cómo la arquitectura moderna rechazó el ornamento en favor de formas racionales basadas en la función y la tecnología.
Este documento describe el desarrollo del arte contemporáneo desde 1945 hasta la década de 1960. No hubo una ruptura total con las vanguardias históricas, sino que surgió una línea divisoria entre ellas y las nuevas tendencias posvanguardistas. El expresionismo abstracto dominó inicialmente, pero luego surgió el Pop Art en respuesta a su academicismo, usando imágenes de la cultura de masas. El galerista Leo Castelli y la ciudad de Nueva York fueron fundamentales para el auge de este nuevo movimiento en los Estados Unidos.
El documento describe la evolución del arte y su relación con la propaganda a través de la historia. El arte ha servido para persuadir y narrar historias de imperios, estando sujeto al estado, la religión y otros sistemas. En la Edad Media, el arte estuvo fuertemente influenciado por la Iglesia Católica. En la era moderna, la religión perdió importancia mientras surgían nuevas tendencias como el humanismo. El cine ha sido un vehículo efectivo para la propaganda debido a su capacidad de llegar a grandes audiencias y contar
Este documento presenta información sobre el arte a través de la historia. Explica que el arte es la expresión del alma humana y puede tomar diversas formas como la pintura, la escultura y la arquitectura. También define y describe varios estilos y períodos artísticos como el arte moderno, el arte contemporáneo, el arte antiguo y más. Incluye imágenes para ilustrar algunos de los conceptos.
Este documento presenta información sobre el arte a través de la historia. Explica que el arte es la expresión del alma humana y puede tomar diversas formas como la pintura, la escultura y la arquitectura. También describe el arte moderno, el arte contemporáneo y el arte antiguo, resaltando sus características principales y los movimientos artísticos asociados a cada periodo.
El multiculturalismo se ubica dentro de la filosofía antisimilacionista del pluralismo cultural, es tanto una situación de hecho como una propuesta de organización social.
Función social del arte en américa latina (1)Eva María
Este documento presenta una introducción a un libro sobre arte popular y sociedad en América Latina. Resume que en las últimas décadas ha habido un cuestionamiento de la concepción moderna del arte individualista a favor de una visión más colectiva y participativa. También describe el surgimiento reciente de más de 100 grupos teatrales populares, el cine documental y de ficción comprometido socialmente, y nuevas formas de arte que buscan públicos más amplios. Concluye que estos cambios en el arte y la sociedad requieren repensar las categorías
El arte posmoderno se caracteriza por el eclecticismo y la mezcla de estilos del pasado, rechazando la idea de progreso e innovación de las vanguardias modernas. Los artistas posmodernos toman libremente referencias de otros estilos y épocas para crear obras que carecen de un mensaje conceptual claro, asumiendo el arte como un fin en sí mismo más que un vehículo para transmitir ideas. A diferencia del arte moderno, el posmoderno no busca la integración del arte con la sociedad sino que refleja el aspecto plural y globalizado del mundo a
El arte posmoderno se caracteriza por el eclecticismo y la mezcla indiscriminada de estilos y temas del pasado, rechazando la idea de progreso e innovación del arte moderno. Los artistas posmodernos recurren libremente a referencias de diversos períodos y movimientos artísticos, combinando elementos clásicos con cultura popular en obras que carecen de mensaje o significado más allá del arte como objeto en sí mismo.
Síntesis histórica de la función del arte en la sociedadCelesteJuan
El documento discute la función del arte y el papel del artista en la sociedad a lo largo de la historia. Ha pasado de tener una función mágico-religiosa en las primeras sociedades, a servir a la Iglesia y el Estado en la Edad Media y posteriormente. Con el Renacimiento, el artista adquirió más prestigio pero dependía del mecenazgo. Las vanguardias del siglo XX buscaron la libertad de expresión frente al mercado del arte.
Síntesis histórica de la función del arte en la sociedadJessie86
El documento discute la función del arte y el papel del artista en la sociedad a lo largo de la historia. Ha pasado de tener una función mágico-religiosa en las primeras sociedades, a servir como propaganda política y religiosa para los grupos dominantes. Con el Renacimiento, el artista adquirió más prestigio e independencia, aunque seguía al servicio de la iglesia y la nobleza. En los tiempos modernos, el artista busca la libertad de expresión y el "arte por el arte", alejándose de las limitaciones impuest
El documento describe la evolución del arte y su relación con la propaganda a través de la historia. El arte ha servido para persuadir y narrar historias de imperios, estando sujeto al estado, la religión y otros sistemas. En la Edad Media, el arte estuvo fuertemente influenciado por la Iglesia católica. En la era moderna, el arte perdió importancia religiosa y ganó un enfoque más humanista y científico. El cine ha sido un vehículo efectivo para la propaganda debido a su capacidad de contar historias e invol
El documento resume la evolución de las funciones del arte y el papel del artista en la sociedad a lo largo de la historia. Inicialmente, el arte tenía una función mágico-religiosa y los artistas eran artesanos anónimos. Más tarde, el artista adquirió prestigio social durante el Renacimiento al servir a la nobleza y la iglesia. En la actualidad, el artista goza de mayor independencia pero debe responder a las leyes del mercado del arte. Las funciones del arte han cambiado y ahora se centran más en la libre
El arte a lo largo de la historia ha servido como instrumento de persuasión y propaganda para estados, religiones e ideologías. El arte medieval estuvo fuertemente influenciado por la religión católica. El arte paleocristiano representó la nueva religión cristiana en el Imperio Romano. En la Edad Moderna, el humanismo y el descubrimiento de América transformaron el arte y la cultura.
El documento resume varias corrientes artísticas del siglo XX como el arte bin, arte de acción, arte digital, arte feminista, arte postmoderno, arte sonoro, artivismo, geoarte, instalación artística, land art y movimiento transrealista. Explica brevemente el objetivo o enfoque de cada corriente.
Posmodernidad Fria en Europa y Estados UnidosCristian
Este documento resume el surgimiento del simulacionismo y posapropiacionismo en Estados Unidos entre 1985-1990. Se describe como los artistas se vieron influenciados por el pensamiento posmoderno francés, especialmente de Roland Barthes y Jean Baudrillard, adoptando conceptos como simulación e hiperrealidad. Las galerías como Ileana Sonnabend promovieron este nuevo arte, aunque también fue criticado. Los museos como el Institute of Contemporary Art de Boston también exhibieron estas obras. Finalmente, el documento explica cómo este movimiento se difundió a Europa.
Este documento resume el discurso colonizador y descolonizador en el arte. Explica cómo la descolonización afectó la creación artística al reconocer la existencia de culturas no occidentales. También analiza exposiciones como "Magiciens de la Terre" y "The Other Story" desde una perspectiva colonizadora al considerar el arte no occidental como primitivo. Finalmente, destaca proyectos descolonizadores como la Bienal de La Habana de 1984 y la exposición "Cartographies" curada por Ivo Mesquita, que promov
El documento define el arte como cualquier actividad o producto creado con una finalidad estética y comunicativa para expresar ideas, emociones y una visión del mundo. Explica que la definición de arte ha variado a lo largo del tiempo y culturas, y actualmente existe una visión más subjetiva e individual del arte. También describe los elementos clave del arte como el artista, la obra de arte y el público.
Este documento discute el arte conceptual y el arte objetual. Resalta que el arte conceptual enfatiza las ideas sobre la realización material, y que una idea puede ser una obra de arte aunque no se concrete. También explora cómo el arte conceptual ha influido en la evolución del arte contemporáneo, desplazando el énfasis del objeto a la concepción y cuestionando el estatuto del arte como objeto.
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Ciudad, diáspora y cronotopias de la intimidad
Ciudades del anonimato; diáspora, fronteras y cronotopías |
Dr. Adolfo Vásquez Rocca
Ciudades del anonimato; diáspora, fronteras y cronotopías. Dr. Adolfo Vásquez Rocca.Pontificia Universidad Católica deValparaíso –Universidad Complutense de Madridadolfovrocca@gmail.com1.-Espacios públicos y figuras del anonimato.Todos aquellos espectadores, ansiosos de intimidades que asaltaban los museos antiguos como quien allana una vivienda burguesa, todos aquellos decepcionados por el lenguaje plano y discreto de la pintura abstracta, todos los espectadores corrientes del arte moderno se quedan sin palabras ante la patética soledad de los personajes que pululan en obras como las de EdwardHooper.Aunque tal vez Hopper mismo no lo supiese, lo que pintaba era un mundo sin salida, donde sus habitantes estaban atrapados. Todos sus cuadros parecen encerrarse en una impotencia tranquila, resignada, que fluye desde el rostro de las figuras solitarias o se disemina por las escenas urbanas, de gasolineras abandonadas. De los perfiles velados por la melancolía y el clima, de la “American Scene”, fría e impersonal, como si el lienzo fuera el registro agujereado por la descarga a quemarropa de dos gangstersal amanecer1. Nunca un espacio público apareció tan desolado. La vulnerable intimidad de los “Halcones de la noche”nunca fue más vacía, nunca el espacio público estuvo habitado por fantasmas de una identidad más declinada
EN TORNO AL DISEÑO DE LO HUMANO EN SLOTERDIJK: DE LA ONTOTECNOLOGÍA A LAS FUE...Adolfo Vasquez Rocca
Resumen: La presente investigación apunta a dilucidar problemas ligados al posthumanismo, consideraciones en torno al diseño de 'lo humano' y la determinación de una 'ontotecnología', como indagación en torno al estatuto óntico y epistemológico de los medios técnicos –y las antropotecnias– en el marco de las propuestas de Peter Sloterdijk –así como la de sus antecesores, entre ellos Heidegger–, desarrollos y fundamentaciones que rondan en torno al deslinde entre lo natural y lo artificial. Desde el trasplante o la prótesis, hasta el proceso neuro-telepático, desde la hiperconectividad hasta la circulación de la información, se observa la necesidad de trazar límites en el vínculo hombre-máquina. Para estos propósitos se examinará el dualismo sujeto-objeto, proponiendo una suerte de indisolubilidad entre los dos términos al interior de la inmanencia del deseo y de sus conexiones maquínicas. Se asiste, como se propone, a una era proteica, artificial, a los tiempos del devenir de los nuevos mutantes, fabricados en serie en la profilaxis de los quirófanos, a través de una estética clínica que acerca a la máquina y aleja al cuerpo bastardo y perenne.
SLOTERDIJK, AGAMBEN Y NIETZSCHE: BIOPOLÍTICA, POSTHUMANISMO Y BIOPODER. Dr. ...Adolfo Vasquez Rocca
Este documento discute las ideas de Sloterdijk y Agamben sobre la biopolítica y el humanismo a la luz de las concepciones de Nietzsche. Ambos autores coinciden en la importancia de repensar el humanismo a partir del conflicto entre animalidad y humanidad, ubicando a Nietzsche en el centro de este debate. Sloterdijk analiza las nociones de cría y domesticación en Platón para rastrear los orígenes de la concepción nietzscheana del hombre. Esto permite entender al ser humano como un animal que puede ser domesticado
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Se expone la metafórica de las Espumas con la que Sloterdijk cierra su trilogía Esferas. Mediante esta figura ¿la de de la implosión de las esferas¿ se intenta dar cuenta del carácter multifocal de la vida moderna, de los movimientos de expansión de los sujetos que se trasladan y aglomeran hasta formar espumas donde se establecen complejas y frágiles interrelaciones, carentes de centro y en constante movilidad expansiva o decreciente.
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Nómadas. Critical Journal of Social and Juridical Sciences 2006, 13 (1) Universidad Complutense de Madrid.
Escrito con ocasión del simposio sobre Pataphysica celebrado en la Facultad de Bellas Artes de Madrid en octubre de 2005 (29 de haha de 8479). Simposio que recogió la participación de la Sociedad de Neopataphysica de Madrid, eme=M, arte ácaro (Mad/Gi/Bs. aires), el Otro Ilustre Colegio de Pataphysica (Uburriana y Valencia), Ecrevisse (Zaragoza), Pepitas de Calabaza (La Rioja) y Oscar Dedos Agujereados (Palencia). El Simposio logró reunir a fracciones importantes que se relacionan a la pataphysica, colectivos que aún sin aclamar la oficialidad de su dedicación ni su exclusividad no dejan de tener relevancia imaginaria.
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Resumen.Este trabajo propone un análisis de las transformaciones contemporáneas de laidea de música y su incidencia en la evolución del pensamiento contemporáneo ydel correspondiente debate filosófico. Se exploran así las transformaciones de lavertiente experimental de la música contemporánea -con particular atención a laobra de John Cage- así como del cruce de discursos y disciplinas que intentan darcuenta del alcance estético, sociológico y terapeútico de dichas transformaciones.Todo esto a la luz del pensamiento del filósofo alemán Peter Sloterdijk quienesboza en sus obras una lectura del mundo como sistema polifónico de sonidos ala vez que establece una original e interesante analogía entre la música y la vida humana en nuestras sociedades exhaustas.
LA CUESTIÓN DEL SUJETO: PSICOPATOLOGÍAS DEL YO Y LA TRANSFORMACIÓN BIOPOLÍTIC...Adolfo Vasquez Rocca
“LA CUESTIÓN DEL SUJETO: PSICOPATOLOGÍAS DEL YO Y LA TRANSFORMACIÓN BIOPOLÍTICA DE LA SUBJETIVIDAD”, Dr. Adolfo Vásquez Rocca, REVISTA NÓMADAS Nº 42 - 2015, Universidad Central de Colombia, IESCO Facultad de Ciencias Sociales, Humanidades y Arte. http://www.scielo.org.co/pdf/noma/n42/n42a04.pdf
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ONTOLOGÍA DEL CUERPO Y ESTÉTICA DE LA ENFERMEDAD EN JEAN-LUC NANCY; DE LA TÉC...Adolfo Vasquez Rocca
ONTOLOGÍA DEL CUERPO Y ESTÉTICA DE LA ENFERMEDAD EN JEAN-LUC NANCY; DE LA TÉCHNE DE LOS CUERPOS A LA APOSTASÍA DE LOS ÓRGANOS.
Dr. Adolfo Vásquez Rocca. http://revistadefilosofia.com/44-04.pdf
EL HIPERTEXTO Y LAS NUEVAS RETORICAS DE LA POSTMODERNIDAD. TEXTUALIDAD, REDES...Adolfo Vasquez Rocca
- VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, EL HIPERTEXTO Y LAS NUEVAS RETÓRICAS DE LA POSTMODERNIDAD. TEXTUALIDAD, REDES Y DISCURSO EX-CÉNTRICO [331 – 350], en REVISTA PHILOSOPHICA N º 27 (2004) PUCV, Universidad Católica de Valparíso.
http://media.wix.com/ugd/b554c2_5666d6daad10143586ec56533c516020.pdf
DR.ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
El hipertexto y las nuevas retóricas de la postmodernidad. Textualidad, redes y discurso ex-céntrico [pp. 331 - 350]
https://dl.dropboxusercontent.com/u/62941780/Hipertexto.Avr.pdf
DERRIDA: DECONSTRUCCIÓN, DIFFÉRANCE Y DISEMINACIÓN DR. ADOLFO VASQUEZ ROCCAAdolfo Vasquez Rocca
Resumen
La deconstrucción irrumpe en el pensamiento de la escritura, como una escritura de la escritura, que por lo pronto obliga a otra lectura: no ya imantada a la comprensión hermenéutica del sentido que quiere-decir un discurso, a su fondo de ilegibilidad y de deseo de idioma–, a las fuerzas no intencionales inscritas en los sistemas significantes de un discurso que hacen de éste propiamente un “texto”, es decir, algo que por su propia naturaleza o por su propia ley se resiste a ser comprendido como expresión de un sentido, o más bien “expone” éste como efecto –y con su legalidad y necesidad específica– de una ilusión para la conciencia.
Abstract
Deconstruction breaks at the thought of writing a script writing, that for now forces another read: no longer magnetized to the hermeneutic understanding of meaning he wants-make a speech, his background and desire illegibility of language-, to registered unintentional forces signifying systems of discourse that make this really a "text", ie, something that by its nature or by its own law refuses to be understood as an expression of sense, or rather "exposed" as-and this effect with its legality and necessity of an illusion specifically for consciousness.
Palabras clave
Deconstrucción, huella, texto, différance, gramatología, presencia, logocéntrico, epistemología, margen, hermenéutica, arqui-escritura, des-sedimentar, diseminación.
Keywords
Deconstruction, footprint, text, differance, grammatology, presence, logocentric, epistemology, margin, hermeneutics, archi-writing, de-settling, spread.
Revista Observaciones Filosóficas - Nº 19 / 2014
“Una buena traducción debe ser abusiva”1
Derrida
ACÉPHALE GEORGES BATAILLE Y PIERRE KLOSSOWSKI, FEROZMENTE RELIGIOSOS. DR. ADO...Adolfo Vasquez Rocca
- Georges Bataille y Pierre Klossowski fundaron la revista Acéphale en 1936 junto con otros pensadores para oponerse a limitar al hombre a una existencia racional y promover una vida más intensa y religiosa.
- La revista tuvo sólo 4 números y duró hasta 1939, pero generó gran controversia por su postura antirracionalista y su rechazo a la modernidad. Promovía una vida más intensa bajo el signo de Nietzsche.
- Aunque recibió críticas de fascista, la revista en realidad denostaba al fascismo como
El documento describe la antipoesía de Nicanor Parra y sus "artefactos", poemas breves acompañados de objetos. Parra utiliza lenguaje coloquial y símbolos de la cultura de masas para criticar la política, religión e ideologías. Sus artefactos buscan provocar al lector mediante la yuxtaposición inesperada de palabras y objetos. Parra también explora su potencial como artista visual, presentando sus artefactos como anti-instalaciones que cuestionan aspectos de la sociedad.
DerridaDERRIDA: DECONSTRUCCIÓN, DIFFÉRANCE Y DISEMINACIÓN; UNA HISTORIA DE PA...Adolfo Vasquez Rocca
Resumen
La deconstrucción irrumpe en el pensamiento de la escritura, como una escritura de la escritura, que por lo pronto obliga a otra lectura: no ya imantada a la comprensión hermenéutica del sentido que quiere-decir un discurso, a su fondo de ilegibilidad y de deseo de idioma–, a las fuerzas no intencionales inscritas en los sistemas significantes de un discurso que hacen de éste propiamente un “texto”, es decir, algo que por su propia naturaleza o por su propia ley se resiste a ser comprendido como expresión de un sentido, o más bien “expone” éste como efecto –y con su legalidad y necesidad específica– de una ilusión para la conciencia.
Abstract
Deconstruction breaks at the thought of writing a script writing, that for now forces another read: no longer magnetized to the hermeneutic understanding of meaning he wants-make a speech, his background and desire illegibility of language-, to registered unintentional forces signifying systems of discourse that make this really a "text", ie, something that by its nature or by its own law refuses to be understood as an expression of sense, or rather "exposed" as-and this effect with its legality and necessity of an illusion specifically for consciousness.
Dr. Adolfo Vásquez Rocca
Revista Observaciones Filosóficas - Nº 19 / 2014
http://www.observacionesfilosoficas.net/derridadeconstruccion.htm
DERRIDA: DECONSTRUCCIÓN, DIFFÉRANCE Y DISEMINACIÓN; UNA HISTORIA DE PARÁSITOS...Adolfo Vasquez Rocca
La deconstrucción de Derrida caracteriza un ethos de la lectura que se enfoca en aquello que ha sido marginado o reprimido por verdades dominantes. Cada verdad esconde un secreto oscuro y depende de lo distinto para existir. La deconstrucción pone en movimiento una desjerarquización del significado al revelar las presuposiciones y contradicciones inherentes a todo sistema de pensamiento. Derrida apunta a una textualidad general indiferenciada y ve la deconstrucción como una estrategia sin finalidad de situarse en la inseg
SEMÁNTICA DE LOS MUNDOS POSIBLES By Adolfo Vásquez Rocca PHD.
- VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, "SEMÁNTICA DE LOS MUNDOS POSIBLES", En CUADERNO DE MATERIALES Nº 21 - UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID, ISSN: 1138-7734. pp. 59 a 66. http://www.filosofia.net/materiales/num/num21/semantica.htm
SEMÁNTICA DE LOS MUNDOS POSIBLES. El estatuto ontológico de los mundos posibles y la identidad transmundana. Enunciados modales o la ficción como campo de proyección de la experiencia. Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
Muchas de las cuestiones epistemológicas más relevantes, como veremos, sólo pueden ser comprendidas a partir de la naturaleza mediadora y autogenerativa del signo[1]: La profusión hipertextual y la fragmentación, la refutación de las convenciones epistemológicas, la disolución de la subjetividad, la coautoría y la cooperación textual, la duda sobre las interpretaciones profundas y las visiones globales, la crisis de la totalidad histórica y las temporalidades narrativas.
Ahora bien, creo que esto no es todavía suficientemente clarificador, es necesario considerar la narrativa hipertextual desde la experimentación literaria, que construye y deconstruye mundos a partir de nuevos parámetros lógicos, desde lógicas paraconsistentes. Si las incompatibilidades lógicas de una historia son sancionadas en un mismo itinerario de lectura, la narrativa multiforme hipertextual está permitiendo a los nuevos autores la creación de mundos alternativos, mundos posibles e incluso mundos imposibles; "imposibles" para un observador situado en este estado de cosas y, por lo tanto, subordinado a esta moral provinciana que es la lógica del principio de identidad y de no contradicción, propia de las exigencias de todo relato unilineal. Hoy es posible, como lo hace Raúl Ruiz en su cine, multiplicar las identidades y llevar hasta los límites –y más allá de ellos– el problema de la alteridad, el tema del otro, o del doble –como Ruiz prefiere llamarle–; como el mismo ha señalado, "en mis películas muere mucha gente, pero no importa demasiado, si luego resucitan…". También se posibilita la proliferación ilimitada en el espacio y en el tiempo de senderos que se bifurcan. Habrá que examinar cómo los escritores del hipertexto son capaces de aprovechar ese nuevo estatuto de lo finito ilimitado, cómo trabajan desde ese código propio del hipertexto, generador de miles de variantes, de múltiples posibilidades. Esto, en el entendido que toda narración es siempre relatar en el tiempo una serie de acontecimientos de los que se puede incidir en su lógica temporal o bien en su ficcionalidad dando lugar así a dos o más modelos de prescripción narrativa que están también en la base de toda creación artística. El tiempo unilineal puede disolverse para generar la divergencia y la alteridad de, ahora sí, otros mundos posibles que paradójicamente se pueden dar a la vez, con desenlaces diferentes de la historia.
Estos problemas de
Articulo biopolitica foucault y nietzsche _ del yo psicológico a un yo ne...Adolfo Vasquez Rocca
Este documento discute la biopolítica y cómo ha cambiado la comprensión moderna del yo de uno psicológico a uno neuroquímico. También explora la influencia de Nietzsche en el concepto de biopolítica de Foucault y cómo la vida está atravesada por relaciones de poder. Finalmente, analiza cómo los nuevos saberes biomédicos gobiernan estas nuevas formas de subjetividad somática.
'ACÉPHALE': GEORGES BATAILLE Y PIERRE KLOSSOWSKI, FEROZMENTE RELIGIOSOSDr. A...Adolfo Vasquez Rocca
'ACÉPHALE': GEORGES BATAILLE Y PIERRE KLOSSOWSKI, FEROZMENTE RELIGIOSOS
Acéphale; Georges Bataille y Pierre Klossowski, ferozmente religiosos.Dr. Adolfo Vasquez Rocca
- Acéphale
Georges Bataille, Roger Caillois, Pierre Klossowski,
André Masson, Jules Monnerot, Jean Rollin y Jean Wahl.
Caja Negra, 2005.
LA INFLUENCIA DE NIETZSCHE EN BATAILLE Y KLOSSOWSKY
'ACÉPHALE': GEORGES BATAILLE Y PIERRE KLOSSOWSKI, FEROZMENTE RELIGIOSOSDr. A...
El arte abandona la galería ! ¿a dónde va?
1. Réplica21: Adolfo Vazquez Rocca: El arte abandona la galeria
http://www.replica21.com/archivo/articulos/u_v/542_vazq...
Thomas Hisrshhorn. Stand Alone.
Adolfo Vásquez Rocca
¡El arte abandona la galería! ¿a dónde va?
El negocio del arte es un sistema de celos
El registro, la documentación y el tránsito de obras se ha emancipado del
fetiche sacralizador del Museo. La consigna de Adorno del museo como
mausoleo anunciaba ya la puesta en circulación de las obras, su operación
de fuga o salida hacia el público por otro medio, hacia la interactividad
que la Web posibilita; la de sus galerías virtuales, sus espacios
telemáticos, sus portales de arte y revistas digitales.
Esta insubordinación de las obras, y el abandono del museo, ha
radicalizado la desconfianza de la institucionalidad del Arte sobre los
medios y tecnologías digitales. De allí que la industria cultural haya
tomando recaudos respecto de los derechos a la exhibición, la propiedad
intelectual de las imágenes –sometiendo cada vez más a la cultura a una
lógica mercantil y del espectáculo– socavando con ello el potencial crítico
de la producción visual, convirtiéndola en una práctica soft y cosmética,
políticamente correcta. La institucionalidad cultural se dota así de sus
sistemas inmunológicos para reeducar el exabrupto y librarse de las
cáusticas estrategias con la que los artistas han querido instalar debates
política y socialmente relevantes en la agenda iconográfica del
inconsciente colectivo del continente.
Théodor Adorno (Ilustración de: www.marxists.org)
Pese a todo –no somos ingenuos– el negocio del arte es un sistema
de celos. En él la función de las obras consiste en convertirse en
objetos de deseo[1]. En cuanto una obra atrae el deseo, aparecen a
su lado las rivales queriendo apropiarse del anhelo de que disfruta.
En todos los objetos brilla el anhelo de los otros. El mercado los
hace sensuales, el hambre de deseo los hace bellos, la obligación
de llamar la atención genera lo interesante.
Desde hace dos siglos está en marcha el aburguesamiento de la
codicia. Tras la alta burguesía, esa codicia también ha abierto una
creciente sensualidad a las clases medias.
Desde sus inicios, y de acuerdo a este sistema de seducción, el
Museo de arte ha coexistido con las exposiciones de mercancía. En
el siglo XIX son pocas las diferencias entre aquellas estrategias
expositivas utilizadas en museos, pasajes comerciales y
Exposiciones Universales.
Ante esto algunos artistas han estado especialmente interesados en provocar una ruptura respecto de las habituales actividades de
la producción, contemplación y apreciación artísticas[2]. Abogando por un decidido rechazo de los aspectos mercantiles del
consumo de arte[3] al mismo tiempo que muchos de ellos intentan imbricar su actividad artística en un contexto más amplio de
preocupaciones sociales, políticas y ecológicas opuestos a la producción de objetos diseñados según criterios utilitaristas y
funcionales del establishment cultural.
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2. Réplica21: Adolfo Vazquez Rocca: El arte abandona la galeria
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El arte contemporáneo surge del desmantelamiento de los
conceptos de autenticidad, originalidad y autoría como práctica
compartida por las instituciones del museo y la Historia del Arte. A
lo largo del siglo XIX todas estas instituciones aunaron sus esfuerzos
para encontrar en la firma, en el certificado del original, la
garantía que asegure la propiedad. La deconstrucción de las
nociones de autoría y originalidad provocó un cisma en el estatuto
mercantil del arte, sustrayendo ciertas obras y autores del régimen
de la seducción.
Con los mencionados gestos de deslegitimación, empezaba la
disolución de la frontera entre la antigua cultura de elite y la
cultura popular, no sólo como fenómeno estético sino como síntoma
del posicionamiento del artista en un nuevo orden y dentro de la
nueva naturaleza consumista del capital.
Este proceso de dislocación encuentra su punto de mayor alcance
en la formulación del concepto ampliado de arte. “Esta formula la
practicó Joseph Beuys cuando quiso articular vitalmente lo ético, lo
político y lo artístico, la practicó Marcel Duchamp cuando afirmó su
idea de arte como filosofía crítica y la explotó Andy Warhol gracias
a su prodigiosa habilidad para disolver todo gesto artístico en la
esfera de las comunicaciones y el mercado o, en otra palabras,
volver mercancía a la obra de arte”[4].
Marcel Duchamp
Ese proceso de disolución de la estética moderna, que había sido intelectualmente estratificada e integrada a un orden socioeconómico específico, absorbió y aún sigue coptando a un gran cúmulo de artistas modernos que no atinaron a tomar la suficiente
distancia sobre su propio oficio, para comprender los modos en que su práctica artística encaja en el gran andamiaje de la
economía política moderna.
La cuestión ya no es la de ser pintor, vídeoartista o instalador, la de manejar los medios del arte, sino que la cuestión es la del
estar-presente y más aún, de ser visible en la escena de los medios. De este modo, tenemos que la posmodernidad no produce
tanto un nuevo arte como arte para un nuevo medio.
Thomas Hirshhorn. Stand Alone
Paralelo a estas elitistas prácticas
mercantiles y al obsceno gusto decorativo
e indigesto en auge, se produce una
tendencia a aligerar el Arte de su
contenido
crítico,
de
su
actitud
transgresora,
innovadora
y
–por
momentos– corrosiva, se trata de una
particular tendencia a despolitizar y
abaratar
conceptualmente
el
Arte,
restándole toda fuerza de ruptura e
innovación. El arte contemporáneo ha
dejado de ser cáustico como lo fueron las
vanguardias de principios del siglo XX. No
debemos ser ingenuos y pensar que el arte
de hoy ha
roto radicalmente con la
tradición sacralizadora de las Bellas Artes
del siglo pasado, hacerlo significaría
subestimar cándidamente la habilidad con
que
el
sistema
de
convenciones
institucionales ha logrado reingresar
constantemente el gesto iconoclasta al
inventario calculado (razonado) de las
desviaciones permitidas, para neutralizar
el ademán irreverente y reeducando el
exabrupto[5].
Aquel artista consciente de esas estrategias mercantiles y que se adhiere al programa de la continuidad arte-vida, opera bajo
diversas estrategias para perpetrar el atentando cultural por antonomasia: poner las obras en libertad, en libre circulación. De esta
manera las obras abandonan la galería para actuar directamente en la realidad gracias a una disposición artística y política
determinada. Este es el sentido de la proposición horizontal de Joseph Beuys: “cada hombre es un artista” [6], opera la apertura de
la experiencia estética creadora en el espacio público horizontal, legitimando las capacidades de mucha gente que –teniendo
voluntad expresiva y sensibilidad artística- no se veían a sí mismos como artistas. El arte adquiere así un alcance social y una
dimensión político-espiritual, de prodigalidad extrema, íntimamente socializadora.
En estas transformaciones del estatuto de lo artístico también ha entrado en crisis la noción misma de autor y el arte se ha vuelto
difuso como oficio o actividad específica ejercida sólo por artistas y virtuosos. Se desvanece así la utopías de trascendencia
mediante el arte y se desarticula desde dentro del sistema de las artes el proyecto mismo de monumentalidad sistemática en la
obra de arte.
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3. Réplica21: Adolfo Vazquez Rocca: El arte abandona la galeria
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La inflación de las exposiciones: la feria de arte
La estrategia institucional de distribución del arte ha devenido en una
estetización de lo banal amparada por un proceso de masificación del
gusto y del juicio estéticos y en la perdida de sentido histórico hasta
convertir las obras en mercancías y ornamentos superficiales, averiados
en su sentido; el proceso de globalización del consumo de arte, donde
el gusto se da como "elitismo de masas" que consumen información
artística pero con una actitud de shopping propia de la sociedad del
espectáculo y el imperio de la moda, devorando las producciones
artísticas, sobre todo
el de las formas audiovisuales (video,
cortometraje) que exigen un menor esfuerzo.
Prolifera así una estética que reivindica el "mundo del arte", es decir,
"todo lo que tiene que ver con el arte exceptuando el arte mismo"[7]: la
empresa cultural que gira en torno al artista, desde los críticos
conciliadores, los curadores convertidos en súper-estrellas, pasando por
los compradores hasta los snobistas, la farándula y los pseudointelectuales. Como sucede en la democracia electorera, en el mercado
del arte hay una delegación explícita de la responsabilidad
interpretativa en el Otro que, a fin de cuentas, no tiene ningún interés
en que la teoría entorpezca el espectáculo.
Erwin Wurm
El comisario o curador se ha convertido en el maestro de ceremonias, cobrando un excesivo protagonismo. Más que de curatorias,
habría que hablar de estrategias curatoriales. En los noventa se implementó la figura del mediador, en gran parte como figura de
legitimación institucional. Por eso, habría que diferenciar entre el comisario-creador y el comisario funcionario, aunque luego las
posiciones siempre resulten más híbridas. No hay que olvidar que hasta la invención del museo de arte moderno habían sido los
propios artistas quienes se encargaban de articular exposiciones.
El discurso contemporáneo en torno al arte nace, no de la historia o la filosofía y la investigación, sino de la prensa: el reino de la
opinión enlatada. El reino de "los que no tienen tiempo". Y es éste el tipo de discurso emocional que nutre la fundamentación
"conceptual" que se exige dentro del escaparate posmoderno. Desde el Salón hasta el Premio. Desde el aula hasta el bar. Desde la
indagación del profesor al interrogatorio del curador y la beca. La prensa esnobista es la sangre que corre por las venas del "arte
contemporáneo".
La crítica disfuncional
Resulta imposible organizar tal compendio de informaciones dispersas como cuerpo
teórico, como construcción que escamotea a la razón para convertirse en discurso
del balbuceo y los lugares comunes de las Bellas Artes. Con exclamaciones que
mientras más vehementes son, cuanto más "ruido" hacen, cuanto más teatrales y
afectadas, más logran ocultar la pobre formación estética y el casi analfabetismo
filosófico e histórico de los administradores de la cultura –incapaces de entender y
valorar el sentido de la producción cultural de los “artistas contemporáneos". Pese
a todo cabe consolarse pensando que esta opinión que predomina suele ser la
opinión de una generación –la del político (con su “inteligencia funcionaria”)– que
se está desvaneciendo.
La "responsabilidad" de intentar adquirir una solidez teórica es hoy una empresa
imposible en un universo cultural y académico que solo expone e inaugura
muestras con sensibilidad de folletín, con delicados sentimientos y un sutil toque
de hipocresía, con licencias para la opinión generosa y condescendiente ante el
“buen tono rupturista”, ante el exabrupto calculado... como ademán y simulacro
de la trasgresión real.
Dragon Ball
En las últimas décadas hemos visto el agravamiento de una cultura espectacular y mediática que ha abandonado cualquier tipo de
política cultural que guardara relación con la producción y transmisión de la complejidad social, y con la toma de conciencia
crítica de los fallos y faltas de nuestra sociedad. Produciéndose así una dimisión generalizada de todo tipo de compromiso cultural,
un compromiso que ha de ser siempre un compromiso político. La gente se confunde cuando piensa que lo político en el arte es
únicamente una estetización de los síntomas de los males de la sociedad y de los conflictos que la articulan. Una visualidad
híbrida, difuminada en los titubeos de la democracia de los consensos, rendida al nuevo estatus galerístico del paraíso neoliberal,
al arte de formulario, el de los fondos y becas “concursables”.
Mientras a comienzos del siglo XXI un amplio sector del mundo del arte se alineó con esa espectacularidad, homogeneidad y
evanescencia de la cultura dominante, existen otras prácticas, que aunque al margen del poder, de los circuitos y de las
instituciones de “La Cultura”, tienen un auspicioso futuro en razón de su heterogeneidad y su carácter horizontal y socializante. La
cuestión es, sin embargo, cómo asegurar la existencia de estas prácticas en términos de producción, en términos de información,
de presentación y de encuentro con públicos variados, públicos socialmente diferenciados y mercados alternativos, a los cuales
acceder mediante una suerte de procedimiento alternativo de circulación de bienes, al modo de las licencias abiertas que hoy
ponen en jaque a la industria musical.
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4. Réplica21: Adolfo Vazquez Rocca: El arte abandona la galeria
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Ante la ambigüedad, inmediatez y sensualidad de la producción
artística el curador –el administrador de la “conciencia del arte"–
ejerce la función de hermeneuta y editor de la obra expuesta,
produciendo el texto para un catálogo, una cartografía de la
exposición, un texto para la prensa, un acta para un jurado, uno
para la institución, otro para la pedagogía y la sociología del
gusto, finalmente un texto para autentificar una obra; en suma,
una estrategia de mercadeo a través de una amplia gama de
producciones textuales -en un comercio de frases- cuyo objetivo
tácito es el de publicitar: hacer publico y formar un público para
la obra. A menudo los curadores arman -trazan- una narrativa
propia en la que las obras tienen apenas el papel de ilustración,
un pequeño papel en la gran novela del arte donde el propio
'comisario-escritor' oficia de editor, esto es, establece las
condiciones adecuadas de producción de obras, las que luego
valida sobre la base de estos mismos criterios -a los que el cuando
actúa de ventrílocuo del artista- llama diagrama de trabajo.
Iole de Freitas. Vista interior
Una lectura política es aquella que señala las condiciones de
producción de la escena referida por unos agentes. De tal
manera, la lectura del libro me obliga a declarar cuál es la
plataforma desde la que sostengo la lectura, pero al mismo
tiempo, habilita la investigación sobre la política de lectura que
el editor del libro ejerce desde su propio diagrama de trabajo.
Pero en su fuero íntimo las obras desean sustraerse al régimen de visibilidad,
es decir, replegarse sobre sí misma. Casi nada en ella ofrece superficies
vulnerables a la mirada. La obra permanece plegada, enrollada en sí misma,
encuadernada en sí misma, por así decirlo, cerrada. Su día de exposición y
despliegue no es hoy, tal vez ya no lo sea, tal vez no lo sea nunca. No
obstante tiene una forma de existencia, aunque no una del tipo habitual. La
presencia de la obra no es ni la presencia de su valor ni de aquello que
contiene de visible. No se revela en su plenitud, se mantiene en un ángulo
agudo respecto al mundo, la curiosidad no puede leerla hasta el final y
consumirla, la mirada choca con las cubiertas. En algunos casos el pliegue es
tan denso que uno ni siquiera puede convencerse de si en realidad hay obras
en el interior. Uno vacila involuntariamente entre dos hipótesis: dentro hay
algo, dentro no hay nada”[8].
La idea de pliegue y repliegue remite a la estrategia que a partir de la década
del 80' diversos artistas conceptuales latinoamericanos (entre ellos Eugenio
Dittborn) empiezan a utilizar para poner en circulación sus obras. Renuncian
a la pintura, al grabado y a la escultura tradicionales y se apropian de los
procedimientos trazados por la neovanguardia, a saber, la combinación y la
interacción multimedia (fotografía, grabado, serigrafía, vídeo etc.) en el
intento de recontextualizar el arte latinoamericano, en el caso de Dittborn a
partir de las denominadas Pinturas Aeropostales, serie realizada en técnica
mixta, en un soporte especialmente configurado para ser doblado y enviado
en sobres dibujados por el propio artista. Esas obras sólo se concretizan
después de un cuidadoso proceso de pliegues y de su envío a diferentes
ciudades del mundo a través de la red internacional de correos, trasladándose
de un lado a otro como si fueran simples cartas. Cuando llegan a sus destinos
las Pinturas Aeropostales son desdobladas y expuestas junto a sus sobres en
diversos contextos y espacios expositivos. Así estas obras asumen plenamente
la globalización de la cultura y apuntan a la reconstrucción crítica del canon
occidental del arte.
Iole de Freitas. Vista exterior
Pese a estas estrategias para burlar los sistemas de distribución y tránsito de “bienes culturales”, las inversiones de los artistas en
sus obras son altas y esto hay que tenerlo en cuenta. En estos objetos que llamamos “obras de arte” están sedimentados vida,
ideas, tensiones. ¿Dónde está la pared blanca en la que pueda ser extendida la totalidad de superficies plegadas? ¿No sería bueno
que existiera una pared así? ¿O esas obras han rehusado por su cuenta dicha pared? ¿Se han resignado ante su imposibilidad de ser
descubiertas? ¿Están enfadas con la pared blanca? En aquella otra pared hay un cuadro blanco sobre fondo blanco o sólo un
espacio, el vacío de un cuadro robado por su propio pintor?
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5. Réplica21: Adolfo Vazquez Rocca: El arte abandona la galeria
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Sloterdijk: ¡El Arte abandona la galería! ¿A dónde va?
Las obras no dejan percibir nada sobre sus experiencias con
paredes y galerías. Su historia previa cuenta poco en el
momento. Su estar por ahí tiene algo de repentino y casual.
Ahora permanecen plegadas en sí mismas ante nosotros, no
alegan nada en su defensa, no muestran enojo, no toman
ninguna iniciativa contra sí mismas, se preservan. Reclaman
algo de espacio al margen, sin jactarse de su existencia. Están
en el margen, humildes como estanterías en una bodega;
puestas, no expuestas; colocadas unas junto a otras, no
presentadas en primer plano[9].
¿Están tristes esas obras? ¿Tienen nostalgia de las grandes
paredes vacías? ¿Se sienten no realizadas en su íntimo
ser-para-la-compra? ¿Simulan ante las grandes exposiciones
una capacidad para el exilio de la que se arrepienten
secretamente?
¿Pueden los artistas ensimismarse y convertirse en autistas,
abandonar el arte sin exponer? Pero qué es lo que tendrían
que abandonar realmente, tal vez sólo el sistema de galerías y
visualidad social. Es decir aquello en lo que ya no está el arte,
sino más bien donde se le encubre y enmascara.
Joseph Beuys
Este fue, sin duda, el sentido del gesto iconoclasta de Beuys[10]
(1921-1986) con su declaración de abandono del arte, con el que puso
en operación el sueño vanguardista de la disolución del arte en la
vida. Quizás haya que poder fracasar como artista para avanzar como
hombre. Quizás deban descansar incluso los mismos poderes creadores
de obras como terrenos ya demasiado explotados durante largo
tiempo. Los desmontajes de la felicidad creativa muestran al arte la
dirección para hacerse a un lado.
A Beuys, precisamente, no le interesaba exponer. Para Beuys exhibir
fue siempre sólo una excusa para hablar de la utopía del Arte ante
audiencias numerosas. Aunque su obra fue asimilidad por la
institucionalidad artística, Beuys fue un ácido crítico el sistema del
Arte y se resistía a que su obra quedara confinada a galerías, museos
y páginas culturales de la prensa del espectáculo.
Pese a la apuesta absoluta de Beuys por la utopía del continuo
arte-vida, éste no es un tiempo del cual esperar mucho.
Pronto saldremos también de la sala de Exposición y ninguna distancia
hablará ebria de una futura gran felicidad. Pero lo visto es lo visto.
¿Qué es visibilidad? Quizás la cotidianeidad de la revelación. ¿Qué es
entonces revelación? Que algo nos ilumine con su visibilidad. Cuando
estamos al aire libre. Cuando estamos tan afuera del marco de lo
institucional que el mundo se muestra.
Joseph Beuys
NOTAS
[1] SLOTERDIJK, Peter, “El arte se repliega en sí mismo”, En Revista Observaciones Filosóficas, Sección Estética, 2007.
http://www.observacionesfilosoficas.net/elarteserepliega.html
[2] BATTCOCK, Gregory, La idea como arte; documentos sobre el arte conceptual, Editorial Gustavo Gili, S.A., Barcelona, 1987, p. 9
[3] VASQUEZ ROCCA, Adolfo, "Baudrillard; cultura, narcisismo y régimen de mortandad en el sistema de los objetos" , en Revista Almiar, Margen
Cero (Madrid; España) / Nº 31 / diciembre 2006 - enero 2007, http://www.margencero.com/articulos/articulos3/baudrillard.htm
[4] VALENCIA CARDONA, Mario A., “Los orígenes del arte crítico: La metáfora Rothko”, En Revista de Ciencias Humanas, UTP, 2005.
[5] VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, "La crisis de las Vanguardias artísticas y el debate Modernidad-Posmodernidad", En Revista Arte, Individuo y
Sociedad. Revista Científica de la Facultad de Bellas Artes, UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID – Año 2005 – Vol. 17. ISSN 1131-5598 pp. 133
– 154. http://www.ucm.es/BUCM/revistas/bba/11315598/articulos/ARIS0505110135A.PDF
[6] BEUYS, Joseph, BODENMANN-RITTER Clara, Joseph Beuys: cada hombre, un artista: conversaciones en Documenta 5-1972, Editorial Visor,
Madrid, 1995.
[7] GARDNER, James, ¿Cultura o Basura?, Acento Editorial, Madrid, 1996, p. 24.
[8] SLOTERDIJK, Peter, “El arte se repliega en sí mismo”, Documenta XI. Kassel, En Revista Observaciones Filosóficas, Sección Estética, 2007.
http://www.observacionesfilosoficas.net/elarteserepliega.html
[9] SLOTERDIJK, Peter, “El arte se repliega en sí mismo”, Documenta XI. Kassel, En Revista Observaciones Filosóficas, Sección Estética, 2007.
http://www.observacionesfilosoficas.net/elarteserepliega.html
[10] Beuys el utopista, el pintor, el escultor, el diseñador gráfico, el performer, el teórico del arte, el político, el poeta, el dandy, el hombre de
las cavernas, el profesor, el líder carismático, el chamán, el padre de familia, el héroe de guerra incombustible, condecorado dos veces con la
Cruz de Hierro, el que se reconvirtió en político pacifista y militante del partido verde alemán.
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