El documento resume varias obras manieristas clave de pintura, escultura y arquitectura en Italia y Europa entre los siglos XVI y XVII. En pintura, analiza obras de Tintoretto como La última cena y San Marcos liberando al esclavo. También cubre El entierro del conde de Orgaz de El Greco. En escultura, describe obras de Giambologna, Juan de Bolonia y Cellini. Finalmente, presenta ejemplos arquitectónicos italianos como el Palacio Marino y franceses como los castillos de Blo

1. REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACIÓN SUPERIOR
INSTITUTO UNIVERSITARIO POLITÉCNICO “SANTIAGO MARIÑO”
Elementos Manieristas
Realizado:
Samuel García
C.I. 19,806,382
Porlamar, noviembre del 2015

2. PINTURA MANIERISTA
La última cena, es la última gran obra del pintor
italiano Tintoretto, con la que culmina su trayectoria
como pintor. Está realizada en óleo sobre lienzo.
Mide 365 cm de alto y 568 cm de ancho. Fue
pintado en los años 1592-1594, encontrándose en la
Basílica de San Giorgio Maggiore de Venecia, Italia.
La última cena es un tema que el artista
había trabajado en otras ocasiones, y es clásico en
la pintura religiosa católica. Este cuadro, como la
Recogida del maná (1594) y La deposición (1592-
94), fueron realizados para la iglesia y monasterio de
San Giorgio Maggiore, en una pequeña isla de
Venecia. Se encuentra en un muro del presbiterio.
Comparar esta obra con La Última
Cena de Leonardo demuestra de qué forma
evolucionó el arte desde el Renacimiento. En las
manos de Tintoretto, la misma escena aparece
dramáticamente distorsionada, utilizando una muy
original perspectiva oblicua. Las figuras humanas
parecen abrumadas por la aparición de seres
fantásticos. La escena tiene lugar en una taberna
sombría y popular, donde las aureolas de los santos
aportan una luz extraña que subraya detalles
incongruentes. Es una obra oscura, en la que
destaca precisamente el tratamiento que hace de
la luz. Los rostros de los santos se distinguen gracias a
la luz de sus propias aureolas. Hay dos puntos de luz
intensa: uno en alto, a la izquierda, y otra la intensa
aureola de Jesucristo.
La ultima cena, Tintoretto

3. Conocido en italiano como Il miracolo di San Marco o
Il miracolo dello schiavo,
Es uno de los primeros cuadros realizados por
Tintoretto sobre el patrono de Venecia, Marcos el
Evangelista, que según la tradición, predicó en
Alejandría (Egipto). Entre 1548 y 1563, Tintoretto
ejecutó diversos lienzos sobre la vida de san Marcos.
Son representaciones caracterizadas por una acción
vehemente, desconocida hasta entonces en la
pintura veneciana, con violentos escorzosSan Marcos
liberando al esclavo es una obra maestra innovadora
que asienta su estilo y consagró al maestro.
Fue muy celebrada, representando en la actualidad
una de las obras más destacadas de la Galería de la
Academia de Venecia, que la presenta en la misma
sala que Cena en casa de Leví (1573) de Veronés.
Representa un episodio tomado de la Leyenda
dorada de Jacobo de la Vorágine: el servidor de un
caballero provenzal va a ser castigado por haber
venerado las reliquias del santo.1 Se le sometería a
tortura con una máquina que le rompería los huesos y,
además, iba a quedar ciego. La figura sentada en la
parte del lado derecho, vestida de rojo intenso, es el
caballero de provenza, señor de quien va a ser
castigado. Sin embargo, es salvado por la milagrosa
intervención del santo. El santo está pintado en un
sorprendente escorzo, en lo alto, en paralelo al
escorzo de la figura del esclavo que yace en el suelo.
Las figuras se enmarcan en un escenario
arquitectónico. Pueden observarse aquí las diversas
influencias de Tintoretto: por un lado, las anatomías y
los escorzos típicamente miguelangelescos, por otro,
los intensos y vivos colores propios de la escuela
veneciana.
San Marcos liberando al esclavo,
Tintoretto 1548

4. El Greco, 1587
Pintado en estilo manierista por El Greco entre los
años 1586 y 1588. Fue realizado para la parroquia
de Santo Tomé de Toledo, España, y se encuentra
conservado en este mismo lugar. Está considerada
una de las mejores y más admiradas obras del
autor.1
El cuadro representa el milagro en el que, según la
tradición, san Esteban y san Agustín bajaron del
Cielo para personalmente enterrar a Gonzalo Ruiz
de Toledo, señor de la villa de Orgaz, en la iglesia
de Santo Tomé, como premio por una vida
ejemplar de devoción a los santos, su humildad y
las obras de caridad llevadas a cabo.2
El Greco aceptó el encargo de realizar la obra en
1586, algo más de dos siglos y medio después de
los hechos que en ella representó. Recibió
detalladas directrices sobre cómo debía aparecer
el milagro de la zona inferior del lienzo, pero una
vaga descripción de la zona de la Gloria. El pintor
cretense incorporaría a la zona superior la
representación del Juicio y la aceptación en el
Cielo del alma del señor de Orgaz. También
cargaría a la escena del entierro de un aire de
actualidad, retratando a varones de su tiempo
con ropajes del siglo XVI y situando los hechos en
un oficio de difuntos con las características de la
época.

5. ESCULTURA MANIERISTA
El Rapto de las Sabinas, finalizado alrededor de 1582. Al
parecer, la escultura no fue producto de un encargo y se
llevó a cabo por el autor como una demostración de
virtuosismo. Cuando Francisco I de Médici vio la obra se
entusiasmó y ordenó su instalación en la Loggia dei Lanzi,
cerca del Palazzo Vecchio. La presencia allí de la obra
Perseo con la cabeza de Medusa de Benvenuto Cellini, que
representaba el triunfo del bien sobre el mal y el símbolo de
la victoria de los Médici en Florencia después de haber sido
expulsados de la ciudad en 1494, hizo al autor pensó en un
tema relacionado con que bautizar su trabajo,
decidiéndose por la historia del Rapto de las sabinas, ya
una vez colocada la pieza en la plaza
El rapto de las Sabinas, Giambolgna
1581-1582

6. Hércules y el centauro Neso, Juan de
Bolonia, 1599
Este grupo escultórico fue colocado en
primer lugar, en 1599, en la esquina dei
Carnesecchi en Florencia; luego se trasladó
al lado sur de la galería de los Uffizi, y más
tarde se colocó en la plaza que está cerca
del Ponte Vecchio, en la margen izquierda
del Arno. Desde 1812, se encuentra su sede
permanente en la Loggia dei Lanzi en la
Piazza della Signoria.
La escultura se caracteriza por una gran
fuerza plástica expresada por la fuerte
torsión, casi elástica, del cuerpo del
centauro Neso, doblado por la fuerza de
Hércules.

7. Perseo con la cabeza de medusa,
Cellini 1554
Erigida sobre un alto pedestal
decorado con estatuas de bronce la estatua
fue concebida mirando hacia abajo.
La escultura es conformada por dos cuerpos
humanos: un hombre de pie sobre un cuerpo
femenino sin cabeza. El hombre se encuentra
desnudo, tiene el cabello rizado y corto.
Lleva una díadema con alas sobre la
cabeza. Su rostro enojado, mantiene una
dirección recta hacia al suelo, de modo que
el espectador situado ante ella pude
observar claramente su cara . Su mano
derecha porta una espada larga, mientras
que la mano izquierda porta en lo alto la
cabeza de la mujer que aun emana sangre.
El cuerpo femenino, se encuentra desnudo y
acostado con una posición contorsionada,
su ropa se encuentra abajo, entre su cuerpo
y una superficie plana. Y De su cuello
derrama sangre aun.
La escultura, representa a Perseo y Medusa;
Perseo la acaba de decapitar con la espada
que empuña en la mano derecha, mientras
que con la mano izquierda, sostiene
triunfante la cabeza del monstruo tomada
por su cabellera.

8. ARQUITECTURA MANIERISTA
La arquitectura manierista es aquella fase de la arquitectura
europea que se desarrolló entre 1530 y 1610, es decir, entre el
final de la arquitectura renacentista y el comienzo de la
barroca.1
Los historiadores consideran al manierismo como la última fase
del Renacimiento, precedida por las del humanismo florentino y
por el clasicismo romano; sin embargo, si las primeras dos fases
son distinguibles temporalmente, no resulta tan claro con el
clasicismo y el manierismo que coexistieron desde inicios del siglo
XVI.2
El término «maniera», usado ya en el siglo XV para indicar el estilo
de cada artista, fue empleado por Giorgio Vasari en el siglo
posterior para describir uno de los cuatro requisitos de las artes
(orden, medida, diseño y maniera), con particular referencia a
las obras de Miguel Ángel; luego lo utiliza Jacob Burckhardt para
definir de manera peyorativa el arte italiano entre el
Renacimiento y el Barroco. No obstante a inicios de siglo XX, a la
luz de las nacientes culturas surrealistas y expresionistas, la crítica
revaloró la cultura manierista.

9. Proyectado por el arquitecto genovés Galeazzo Alessi,
llamado a Milán por el propio Marino, el palacio se
orientaba hacia la actual plaza llamada San Fedele
(diseño de Bianconi).3
Muchos escultores de la obra de la catedral fueron
movilizados para las esculturas del palacio. Los milaneses
eran generalmente muy críticos respecto al grandioso
proyecto del Marino. Cuando en el 1560 había de hecho
obtenido el permiso para abrir una nueva calle que
partía de la entrada principal del palacio sobre la actual
via Marino (hoy contrada di San Simplicianino) y llevaba
hasta la Plaza Mercanti, el descontento popular paralizó
el proyecto.4
La construcción del palacio continuó con un estilo
representativo en los patios más ricos de toda la
cristiandad:5 en el patio del palacio se representaron las
hazañas de Hércules y las metamorfosis de Ovidio. El
salón de honor (que hoy se llama Salone dell'Alessi) había
pintado sobre el techo las Bodas de Eros y Psique en el
banquete de los Dioses y había realizado los estucos
siempre con historias de Eros y Psique. En los ángulos del
techo Aurelio Busso había pintado Las cuatro estaciones.
Bajo la cornisa las Musas, Baco, Apolo y Mercurio con
frescos de Ottavio Semino, alternados con bajorrelieves
con las historias de Perseo. Sobre las entradas se habían
colocado los bustos de Marte y Minerva.
Palacio Marino, Milán

10. Situado en la comuna de Blois, departamento de Loir-et-
Cher Fue la residencia favorita de los reyes de Francia
durante el Renacimiento. En 1429, Juana de Arco fue
bendecida en su capilla por el arzobispo de Reims,
Renault de Chartres, antes de dirigirse a levantar el sitio
de Orleans.
Si se entra en el castillo por el ala Luis XII, llama la
atención su policromía de ladrillo y piedra. La entrada
está coronada por una estatua ecuestre del soberano.
Esta ala es de estilo gótico como lo atestiguan las
molduras, los tribulados y los pináculos de los tragaluces.
Se pueden encontrar, también, algunos elementos de
estilo renacentista, como un pequeño candelabro.
En el ala Francisco I, la arquitectura y la ornamentación
son de estilo italiano. El elemento central es la
monumental escalera. Adornada con delicadas
esculturas, se ilumina por medio de grandes ventanales
que dan al patio de castillo. Detrás del ala se encuentra
la fachada de las Logias, caracterizada por una serie de
estancias sin comunicación.
La realización del ala Gastón de Orleans fue confiada a
François Mansart. Esta ala ocupa el fondo el patio, frente
al ala Luis XII. La antesala tiene tres tramos en los que se
puede distinguir la superposición de los órdenes dórico,
jónico y corintio.
Castillo de Blois

11. El diseño original del castillo de Chambord fue hecho
por Domenico da Cortona, pero fue cambiado durante
los veinte años de su construcción (1519-1539). Aunque
se cree que Leonardo da Vinci estuvo implicado en el
diseño original siendo invitado por el rey Francisco I. Da
Vincia vivió y trabajo allí los últimos tres años de su vida,
falleciendo en 15193 en el castillo de Clos-Lucé, cerca
de Amboise. Fue enterrado en la capilla de Saint-Hubert
del castillo de Amboise. Los dos castillos se conectan
con un pasadizo subterráneo.
En el castillo se destacan ocho torres inmensas, 440
habitaciones, 365 chimeneas, y 84 escaleras. Cuatro
vestíbulos rectangulares saltados sobre cada piso
forman una forma enfadada, que se encuentra en el
centro. Uno de los toques de luz arquitectónicos muy
famoso entre el gran público, es la hélice doble de la
espectacular escalera abierta donde la gente puede
ascender y descender al mismo tiempo sin toparse con
la otra persona.
El castillo está rodeado por 52,5 km² de árboles, que
forman un bosque de 31 kilómetros. El castillo es un
cuadrilátero en cuyo interior se sitúa el torreón contra el
lado norte. Dentro del torreón, en el cruce de los
grandes vestíbulos perpendiculares a los que dan
aposentos, la escalera de tramos dobles une las
circulaciones verticales y horizontales y le permite subir a
las terrazas o bajar hacia el patio. Al salir de una sala, si
se encuentra en un vestíbulo con ventanas en un
extremo y la gran escalera esta visible.
Castillo de Chambord