Este documento contiene información sobre el estilo artístico del Manierismo entre los siglos XVI y XVII. El Manierismo se desarrolló en Italia como un período de transición entre el Renacimiento y el Barroco, caracterizado por figuras serpentinadas y una énfasis en lo subjetivo sobre lo verosímil. También incluye breves descripciones de obras pictóricas y escultóricas emblemáticas de este estilo como La última cena de Tintoretto y Perseo con la cabeza de Medusa de Cellini.

1. REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
MINISTERIO DE EDUCACION SUPERIOR
INSTITUTO UNIVERSITARIO POLITECNICO
“SANTIAGO MARIÑO”
EXTENSION BARINAS
manierismo
ANTONIO TIELVE
17.626.108
junio 2014

2. MANIERISMO
Tal denominación es aplicada al arte florido al período de transición entre la
crisis de los primeros años del Cinquecento y los primeros desarrollos del barroco, del
1520 al 1600. Y un período de crisis histórica y religiosa en que el costal de Roma del 1527,
el asedio de Florencia del 1530, la llegada de la Contrarreforma son todos factores que
determinarán en la conciencia de los artistas un sentido de descontento.
El manierismo es el nombre que se da al estilo artístico que se inicia en Italia en
la tercera década del siglo XVI, y que se intuye en las últimas obras de Miguel Ángel y de
Rafael (como en la Piedad Rondanini)
Es el momento en que se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza clásica:
proporciones, armonía, serenidad, equilibrio.
El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos,
alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en
escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se disponen en
sentido helicoidal
ascendente

3. PINTURA

4. SUSANA Y LOS VIEJOS
Es uno de los cuadros más conocidos del
pintor Italiano Tintoretto. Está realizado en óleo sobre
lienzo. Mide 147 cm de alto y 194 cm de ancho. Fue
pintado en 1560-1565,1 encontrándose actualmente en
el Kunsthistorisches de Viena, Austria. La obra
representa a Susana, cuya historia es narrada en la
versión griega del Libro de Daniel, capítulo 13
La historia de Susana es la de una joven «muy bella y temerosa de Dios», esposa del rico Joaquín, a
quienes dos viejos espían en el baño. La intentan obligar a tener relaciones sexuales con ellos, diciéndole que, si
no accede, dirán que se ha quedado sola, sin sus doncellas, para estar con un joven. Susana no cede a sus
amenazas. Entonces los viejos la acusan de adulterio y consiguen que se la condene a muerte. Interviene
entonces el profeta Daniel quien, interrogando a los ancianos, acaba probando la falsedad de la imputación, con
lo que Susana se salvó y los ancianos fueron ejecutados.
A diferencia de las tendencias moralizantes, Tintoretto eligió representar no el momento dramático
en el que los dos viejos se manifiestan abiertamente ante Susana, ni tampoco el castigo de los viejos lascivos sino
otro, aún sereno, de la protagonista que se mira en un espejo en el interior de un jardín idílico, concentrándose
así en el contenido erótico de la escena.
Aunque ocupe la mitad derecha del cuadro, el personaje de Susana es el centro de atención, con una
blancura deslumbrante bañada de luz. Es una joven de encantos en plena madurez, desnudo femenino
intermedio entre Miguel Ángel y Rubens.

5. BAUTISMO DE CRISTO
Es un cuadro pintado por El Greco (Domenikos Theotokopoulos,
1541-1614). Este óleo sobre tela mide 350 centímetros de alto y 144 cm de
ancho, y fue ejecutado entre 1596 y 1600, siendo una obra realizada para el
retablo del Colegio de Agustinas de doña María de Aragón, en Madrid.
Actualmente dicho edificio es sede del Senado y el cuadro se conserva en el
Museo del Prado de Madrid, España.
La composición se divide en dos planos. Una inferior, terrenal, y
en la que Juan el Bautista está bautizando a Jesucristo, y otra superior,
celestial, en la que aparece Dios Padre. Ambas están separadas por la figura
del Espíritu Santo en forma de paloma.
En la zona terrenal puede verse a ángeles que sostienen un
manto rojo por encima de la figura de Cristo. San Juan está derramando agua
con una venera sobre la cabeza de Jesús, mientras que su otra mano adopta
una postura típica de El Greco: unión de los dedos anular y corazón. En la
zona celeste hay otros ángeles pequeños que ascienden en un movimiento
centrífugo; se retuercen en distintas posturas, con lo que consiguen dar
dinamismo a la composición.
Pintor manierista, El Greco conserva aquí influencias de Miguel
Ángel en la musculatura de los cuerpos. No obstante, estos adoptan ya la
estilización típica del pintor.
El centro del cuadro está dominado por el monumental cuerpo
de Cristo, representado según las proporciones tradicionales y alejado de la
estilización de las figuras que dominan en obras posteriores de El Greco.

6. LA ULTIMA CENA
Es la última gran obra del pintor italiano
Tintoretto, con la que culmina su trayectoria como
pintor. Está realizada en óleo sobre lienzo. Mide 365
cm de alto y 568 cm de ancho. Fue pintado en los años
1592-1594, encontrándose en la Basílica de San
Giorgio Maggiore de Venecia, Italia.
La última cena es un tema que el artista
había trabajado en otras ocasiones, y es clásico en la
pintura religiosa católica. Este cuadro, como la
Recogida del maná (1594) y La deposición (1592-94),
fueron realizados para la iglesia y monasterio de San
Giorgio Maggiore, en una pequeña isla de Venecia. Se
encuentra en un muro del presbiterio
Comparar esta obra con La Última Cena de Leonardo demuestra de qué forma evolucionó el arte desde
el Renacimiento. En la obra de Leonardo, los discípulos se sitúan alrededor de Jesús con una simetría casi
matemática. En las manos de Tintoretto, la misma escena aparece dramáticamente distorsionada, utilizando una
muy original perspectiva oblicua. Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La
escena tiene lugar en una taberna sombría y popular, donde las aureolas de los santos aportan una luz extraña que
subraya detalles incongruentes. Es una obra oscura, en la que destaca precisamente el tratamiento que hace de la
luz. Los rostros de los santos se distinguen gracias a la luz de sus propias aureolas. Hay dos puntos de luz intensa: uno
en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola de Jesucristo.

7. ESCULTURA

8. Perseo con la cabeza de Medusa
También denominada el Perseo de Cellini, es una escultura
realizada en bronce por Benvenuto Cellini, considerada una de las obras
cumbres de la escultura manerista italiana y una de las estatuas más famosas
de la Piazza della Signoria en Florencia, Italia.
Expuesta en la Loggia dei Lanzi, un histórico pórtico de Florencia,
la escultura representa a Perseo de pie sobre el cuerpo de Medusa; apenas la
acaba de decapitar con la espada que empuña con la mano derecha, mientras
que con la mano izquierda sostiene triunfante la cabeza del monstruo tomada
por su cabellera.
Erigida sobre un alto pedestal decorado con estatuas de bronce
de fina hechura (actualmente copias de los originales, conservados en el
Museo Bargello), la estatua fue concebida mirando hacia abajo, de modo que
el espectador situado ante ella puede observar su cara claramente.
Junto con el grupo del Rapto de las Sabinas, de Giambologna, es la única estatua conservada en la Loggia della
Signoria que fue concebida especialmente para dicho sitio. En la nuca de la estatua, en posición extremadamente rara, se
puede observar un autoretrato doloroso de Cellini. El pedestal, reemplazado en el siglo XX por una copia, es en sí mismo una
gran obra: en el refinamiento de los pequeños bronces de las divinidades relacionadas con el mito de Perseo se manifiesta a
pequeña escala toda la habilidad que Cellini posee como orfebre.
La escultura de Perseo fue encargada por Cósimo I después de su toma de posesión como duque de la ciudad;
fue realizada entre 1545 y 1554. Al contrario que su pedestal, la estatua que se observa en la actualidad es la original, que solo
fue trasladada en 1998 para realizarle una profunda limpieza y restauración.
Directamente relacionada con el tema de la escultura vecina Judith y Holofernes de Donatello, en la realidad
difiere profundamente de las obras de comienzos del Renacimiento, adhiriendo el titanismo típico del período manierista,
cuando los escultores imitaron las grandes obras de Miguel Ángel.

9. Fuente de Neptuno
Es una fuente monumental que se
encuentra en Bolonia en la plaza Neptuno, adyacente a
la Plaza Mayor. Debido a sus dimensiones, los boloñeses
la llaman afectuosamente "il Gigante“.
La estatua fue promovida por el Cardenal
Legado de Bolonia Carlos Borromeo, el cual deseaba
reordenar el área de la Plaza Mayor, con la ayuda del
obispo Pier Donato Cesi. La obra fue proyectada por el
arquitecto y pintor palermitano Tommaso Laureti en
1563 y fue coronada por la imponente estatua en
bronce del dios Neptuno del escultor manierista
flamenco Jean de Boulogne da Douai, llamado Juan de
Bolonia, quien deseaba redimirse luego de la derrota en
el concurso por la Fuente de Neptuno en la Plaza de la
Señoría de Florencia.
Para la construcción de la fuente (terminada en 1565) fue derribada entera una cuadra (manzana urbana) de la
ciudad, y los gastos fueron repartidos entre las casas y las bodegas adyacentes.
El suministro de agua de la fuente tomó lugar con la construcción de la obra de captación de los bagni di Mario (cisterna
subterránea con decoraciones renacentistas, hoy extremadamanete deteriorada) y potenciada reestructurando la antigua
fonte Remonda (que funciona aún bajo el convento de San Michele in Bosco) y convergiendo sus aguas hacia la plaza.

10. Hércules y el centauro
Neso
Es una gran obra del escultor Juan de Bolonia, que
se encuentra en Florencia.
Giambologna es el nombre italianizado de Jean
Boulogne (Douai 1529 - Florencia 1608) fue un escultor de origen
flamenco que llegó a Roma hacia el 1550. Se consideraba
profundamente italiano por espíritu y educación, fue capaz de
aceptar la lección de Miguel Ángel y encontrar la medida del
manierismo.
Este grupo escultórico fue colocado en primer lugar,
en 1599, en la esquina dei Carnesecchi en Florencia; luego se
trasladó al lado sur de la galería de los Uffizi, y más tarde se
colocó en la plaza que está cerca del Ponte Vecchio, en la margen
izquierda del Arno. Desde 1812, se encuentra su sede
permanente en la Loggia dei Lanzi en la Piazza della Signoria.
La escultura se caracteriza por una gran fuerza
plástica expresada por la fuerte torsión, casi elástica, del cuerpo
del centauro Neso, doblado por la fuerza de Hércules.

11. ARQUITECTURA

12. PALACIO DEL TÉ
Es un palacio en las afueras de Mantua, Italia. Es
un buen ejemplo del manierismo en la arquitectura, la obra
maestra reconocida de Giulio Romano.
Es un edificio de planta cuadrada, construido
entre 1524 y 1534 para Federico II Gonzaga, marqués de
Mantua. Decidió en 1524 construir un palacio de recreo, o
Villa Suburbana.
La estructura del palacio se erigió en el plazo de
dieciocho meses. Es básicamente una casa cuadrada erigida
alrededor de un patio en forma de claustro. Un jardín formal
complementaba la casa. Este se encontraba rodeado por un
exterior en forma de columnata terminada en forma
semicircular conocida como 'Esedra'.
Una vez que estuvo terminada la estructura del edificio, durante diez años un equipo de escayolistas,
tallistas y fresquistas trabajaron, hasta que a duras penas ninguna superficie de las galerías y los salones quedaron sin
decorar. Bajo la dirección de Giulio Romano trabajaron pintores decorativos locales como Benedetto Pagni y Rinaldo
Mantovano. Estos frescos permanecen actualmente y son el rasgo más destacado del palacio. Los temas van desde los
banquetes del Olimpo en la Sala di Psiche y los estilizados caballos de la Sala dei Cavalli a los más inusuales de todos —
gigantes y grotescos causando el caos, furia y ruina alrededor de las paredes de la Sala dei Giganti.

13. El Palazzo Farnesio
La Villa Farnesio o Palazzo Farnesio es un
importante ejemplo de residencia renacentista construida
para la familia romana de los Farnesio en Caprarola, Italia.
La villa fue una de las muchas moradas
señoriales construidas por los Farnese en sus propios
dominios. El proyecto para una fortaleza defensiva fue
preparado originalmente por Antonio de Sangallo el Joven.
En 1559, por voluntad del cardenal Alejandro Farnesio, el
proyecto fue modificado, aunque manteniendo la planta
pentagonal, y la dirección de los trabajos fue encomendada a
Vignola.
La construcción se transformó en un imponente palazzo renacentista, como residencia veraniega del
cardenal y de su corte. En los bastiones de los vértices el arquitecto insertó amplias terrazas abiertas sobre la campiña
circundante, y talló la colina en forma de escalinatas de modo de aislar el palazzo y al mismo tiempo insertarlo
armoniosamente con el entorno. En el paseo de acceso se abrió una calle rectilínea, de forma de relacionar
visualmente al edificio con la ciudad, convirtiéndolo en el hito que sobrepasa y domina toda la zona. Al centro de la
residencia se abre un patio circular en dos plantas, con el nivel superior ligeramente retirado.

14. El Castillo de Blois
Fue la residencia de diferentes reyes de
Francia. Juana de Arco fue bendecida en él por el arzobispo
de Reims antes de su partida para llevar a cabo el asedio
de Orleans.
Ala Luis XII
Si se entra en el castillo por el ala Luis XII, llama la atención
su policromía de ladrillo y piedra. La entrada está coronada
por una estatua ecuestre del soberano. Esta ala es de
estilo gótico, como lo atestiguan las molduras, los tribulados
y los pináculos de los tragaluces. Se pueden encontrar,
también, algunos elementos de estilo renacentista, como un
pequeño candelabro.
Ala Francisco I
En el ala Francisco I, la arquitectura y la ornamentación son de estilo italiano. El elemento central es la monumental
escalera. Adornada con delicadas esculturas, se ilumina por medio de grandes ventanales que dan al patio de
castillo. Detrás del ala se encuentra la fachada de las Logias, caracterizada por una serie de estancias sin
comunicación.
Ala Gastón de Orleans
La realización del ala Gastón de Orleans fue confiada a François Mansart. Esta ala ocupa el fondo el patio, frente al
ala Luis XII. La antesala tiene tres tramos en los que se puede distinguir la superposición de los
órdenes dórico, jónico y corintio.

15. Parque de los Monstruos
El conjunto monumental se encuentra dispuesto
en las laderas de un anfiteatro natural, y se caracteriza por la
forma caprichosa (grotesca) en que, de entre los
árboles, parterres y arroyos, surge a la vista del paseante una
fabulosa sucesión de desmesuradas esculturas talladas en
roca, de aspecto terrible o absurdo, que representan
personajes míticos y seres fantásticos.
Su construcción se inició hacia 1550 bajo la
dirección de los arquitectos manieristas Pirro
Ligorio y Jacopo VignoLa, entre otros; atendiendo a los
extravagantes deseos del propietario, Pierfrancesco II Orsini,
que estaban motivados por el reciente fallecimiento de su
esposa, Giulia Farnese.
La novela histórica Bomarzo, de Manuel Mujica
Láinez, está ambientada en ese contexto. El mismo autor
escribió el libreto de una ópera de Alberto Ginastera con el
mismo tema y título. En 2007 se filmó en los escenarios
originales de Bomarzo una versión libre experimental de esa
ópera (Bomarzo 2007).