El documento describe brevemente el estilo artístico del Manierismo entre los siglos XVI y XVII, caracterizado por figuras alargadas y poses estilizadas que rompían con la armonía del Renacimiento. Se menciona la Virgen del Cuello Largo de Parmigianino como ejemplo emblemático, así como obras escultóricas de Cellini y Giambologna que ilustran esta tendencia a exagerar los movimientos y proporciones.

1. MANIERISMO
Republica Bolivariana de Venezuela
Ministerio del poder popular para educación
I.U.P Santiago Mariño
Alumno:
Eugenio Berroteran – 25107350
Valencia, 27 de enero del 2017

2. Manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo
artístico que se sitúa convencionalmente en las décadas centrales y finales
del siglo XVI , como parte última del Renacimiento . Su caracterización es
problemática, pues aunque inicialmente se definió como la imitación de
la maniera de los grandes maestros del Alto Renacimiento (por ejemplo, el
propio Tintoretto pretendía dibujar como Miguel Ángel y colorear
como Tiziano), posteriormente se entendió como una reacción contra el idel
de belleza clasicista y una complicación laberíntica tanto en
lo formal (línea serpentinata, anamorfosis, exageración de los movimientos,
los escorzos, las texturas, los almohadillados, alteración del orden en
los elementos arquitectónicos) como en lo conceptual (forzando el decorum y
el equilibrio alto-renacentistas, una "violación de la figura"),11 que prefigura el
"exceso"característico del Barroco.
MANIERISMO

3. Esta magnífica Virgen con Niño, ángeles y san Jerónimo -
más conocida como la Madonna del largo cuello - es la obra más
interesante de la producción del Parmigianino ya que recoge su
manera de entender el Manierismo y resume su lenguaje pictórico, en
el que emplea figuras alargadas al máximo debido al empleo de
lentes aberrantes y lleva la anatomía al extremo de la verosimilitud.
Estas imágenes serán admiradas por El Greco, como fuente de sus
figuras estilizadas. La figura de María sujeta en su regazo a un
estilizado Niño Jesús, que llega incluso a la deformidad, mientras los
ángeles que contemplan la escena muestran un canon similar. La
figura de la Virgen es más elegante y en ella destaca su alargada
mano de finísimos dedos. El fondo parece sacado de una obra
surrealista: una columna aislada a cuyos pies contemplamos a san
Jerónimo, quien lleva en sus manos la traducción de las Sagradas
Escrituras. La iluminación crea contrastes que refuerzan el volumen
de los personajes, empleando la "técnica de los paños mojados" que
pega las telas al cuerpo para mostrar su anatomía. El resultado es
una elegante composición donde podemos encontrar algún elemento
simbólico que ha permanecido oculto hasta hoy día.
VIRGEN DEL CUELLO LARGO

4. VIRGEN DEL CUELLO LARGO
Posiciones alargadas.
No tiene
proporciones
humanas.Las figuras se
representan como
a punto de caer.
Las poses muy
estilizadas y falta de
perspectiva clara
Esta composición se
aparta de la solución
clásica de perfecta
armonía y equilibrio

5. La obra representa en el plano central la
figura de Jesucristo muerto sostenido por Dios Padre,
sobre ellos y completando la Santísima Trinidad la
paloma que encarna al Espíritu Santo. Las figuras centrales
están flanqueadas por ángeles con dramáticos gestos. La
escena se desarrolla en un espacio celestial donde las
figuras parecen apoyarse en una grandiosa nube grisácea
que cubre el cielo azul, mientras en la zona superior una
luz dorada proporciona a la escena un espectro divino y
celestial.
LA TRINIDAD (EL GRECO)
En la obra se hace patente la influencia de Miguel
Ángel en la monumentalidad de las figuras y la deuda de la
escuela veneciana en el moldeado a base de color que el artista
combina con líneas serpentinata –véase el cuerpo lánguido y sin
vida de Jesucristo- típicas de la tendencia manierista. Igual de
manierista es el ángel que dando la espalda al espectador se
centra en la escena principal del cuadro, los colores
fuertemente contrastados y las formas alargadas de las figuras.
La postura de Cristo incita al movimiento mientras
que el resto de personajes lo hace a través de los potentes
y dramáticos gestos empleados. La figura de Dios Padre
aparece desplazada hacia la derecha rompiendo el eje de
simetría con el resto de las figuras de la Trinidad.

6. Ya en el estudio de las Manos de Santo
Domingo encontramos la ardua historia que llevó a Durero
a realizar su gran obra maestra, la Fiesta del Rosario.
Dentro de los dibujos preparatorios que el artista llevó a
cabo se encuentra este espontáneo retrato. En el cuadro
aparecen representados los miembros más importantes de
la colonia alemana en Venecia, que eran los que acudían a
las fiestas citadas. Así pues, este personaje es uno de ellos,
retratado directamente del natural, lo que atestiguan el
trazo inacabado y vigoroso, los cabellos despeinados y la
incisiva pero amable mirada del modelo. Probablemente se
trata del arquitecto del Fondaco dei Tedeschi, sede
veneciana de los comerciantes alemanes, el maestro
Hieronymus.
EL RETRATO DE AUGSBURGO

7. Se trata de un grupo escultórico de mármol datado entre
los años 1579 y 1583, y realizado por el escultor Giovanni
de Bologna, también conocido como Giambologna.
La obra es un ejemplo prototípico del estilo manierista,
esa corriente artística que desde mediados del siglo XVI
sirvió de puente entre las formas más clásicas
del Renacimiento y el emergente dinamismo del Barroco.
De hecho, el Rapto de las Sabinas de Giovanni da
Bologna junto al Perseo de Cellini son las obras
escultóricas más emblemáticas del Manierismo, y
curiosamente ambas las podemos observar en el mismo
emplazamientos: la Loggia dei Lanzi en la ciudad
de Florencia.
EL RAPTO DE LAS SABINAS DE
GIAMBOLOGNA

8. Esta obra considerada una de los mejores ejemplos de la
escultura manierista italiana y fue encargada por Cósimo I de
Médicis en conmemoración de su toma de posesión como Duce de la
ciudad de Florencia.
Tras su inauguración en la Loggia de los Lanzi, en la Piaza de la
Signoria donde sigue colocada en la actualidad, se convierte en una
advertencia para los enemigos de la dinastía Médicis. Perseo, hijo de
Zeus y Danae, siempre se ha considerado un modelo de fuerza,
juventud y belleza que con su astucia pudo vencer a la temible Medusa
y rescatar a la bella Andrómeda.
La escultura está realizada en bronce fundido a la cera perdida, una
técnica que ya parecía olvidada en la Italia del siglo XVI y sobre la que
Cellini tuvo que realizar varios ensayos y bocetos preparatorios que
todavía se conservan.
Se ha comprobado que el fundido de la figura principal no es perfecto
y de ello sabemos por el propio artista que cuenta en su
"Autobiografía" como esta escultura fue sobre todo un desafío
técnico. Tuvo muchos problemas durante su fundición, realizada en un
sólo bloque, e incluso tuvo que fundir varias piezas de su vajilla para
conseguir la consistencia adecuada.
PERSEO. BENVENUTO CELLINI.
La técnica implicaba un gran esfuerzo,
primero se trabajaba la figura en cera con la máxima
perfección y después se cubría con una capa de yeso
o barro. Debía colocarse respiraderos para dejar
salir la cera y un orificio en la parte superior por
donde verter el bronce derretido. Después debía
repasarse la pieza con un cincel para marcar los
detalles.
El resultado final de este Perseo con Medusa
supone un logro de la escultura en bronce, siendo la
mayor pieza realizada desde la Antigüedad,
consagrando a su autor en uno de los mejores
escultores de la Historia del Arte.

9. PERSEO. BENVENUTO CELLINI
Gesto desmedido
y poco coherente
Tema
mitológico
Materiales
como bronce
Músculos muy
estilizados
Recuperación
del desnudo

10. Se trata de una encantadora escultura realizada
en bronce en el año 1567 por el artista Jean de Bologne,
un escultor de origen flamenco que hizo prácticamente
toda su carrera artística en Italia, donde era conocido
como Giambologna o Giovanni da Bologna.
Esta es un obra muy del gusto de la época, en plena
corriente manierista, e incluso la forma de presentar al
personaje tiene mucho que ver con las propias cualidades
de Mercurio, el veloz mensajero de los dioses romanos,
por eso aparece corriendo, casi desafiando las leyes de la
gravedad, dando la sensación de volar en vez de correr.
MERCURIO - JUAN DE BOLONIA

11. El riquísimo banquero de Siena Agostino
Chigi encargó a su paisano Baldassarre
Peruzzi, que había comenzado su carrera
como pintor y lo mismo que Rafael ejerció
luego la arquitectura, la construcción y
decoración de la Villa Farnesina, así
denominada cuando fue adquirida por los
Farnesio.
VILLA FARNESINA
Es una de las casas o villas de recreo más
singulares del Renacimiento, con sus
fachadas fajadas por pilastras de
gusto albertiano, especialmente la que da al
jardín, con sus dos torres salientes y la
espaciosa logia, enriquecida por los
admirables frescos de Rafael, que aquí
desarrolló un hermoso programa alegórico
en tomo a Galatea, Psique y Cupido,
también del propio Peruzzi, Sodoma,Perin
del Vaga y otros, que la convierten en
mitológico poema amoroso

12. PALACIO CHIERICATI
Una de las primeras construcciones
de Andrea Palladio es este Palacio Chiericati
de Vicenza que, sobre un ancho pórtico adintelado de
columnas toscanas ofrece la novedad de sus tribunas en
los extremos, y la alternancia de acróteras geométricas y
esculturales. Pilastras gigantes, como las empleadas
por Miguel Angel en el Vaticano, utiliza en el Palacio
Valmarana, así como serán columnas gigantes en la
cúbica Loggia del Capitanio, de concesiones plásticas al
gusto de Sansovino en la Librería, o en el Palacio Porto,
cuyo diseño quedaría sin completar.

13. El Palacio del Té es una villa suburbana
construida en el siglo XVI por el artista italiano
Giulio Pippi, más conocido con el sobrenombre
de Giulio Romano (1499 – 1546). Éste fue un
afamado pintor, decorador y arquitecto que
comenzó su carrera como aprendiz en el taller de
Rafael de Sanzio; junto con el de Urbino, un
jovencísimo Giulio Romano trabajó en la
decoración o construcción de importantísimas
obras. A la muerte de su maestro el artista
concluyó algunos de los encargos que aún le
quedaron inconclusos a Rafael, gestándose así su
propia corte de comitentes y clientela dentro de
las esferas más poderosas de Roma.
PALACIO DEL TÉ

14. Este palacio mostraba una
interesante novedad respecto a la tradicional
tipología palaciega veneciana al incorporar
dos cuerpos avanzados con loggia sobre la
fachada, cuerpos que fueron modificados en
el siglo XIX. Una elegante ventana corrida
culmina la portada mientras que en el piso
noble se abre un pórtico de arcos góticos
sobre columnas con capiteles corintios. El
resultado es un original palacio propiedad de
una familia maldita en Venecia, ya que uno de
sus miembros, Marino Falier, alcanzó el cargo
de dux pero fue decapitado en 1354 por
fomentar una conjura.
PALAZZO CANOSSA