El documento resume la obra "La crucifixión de San Pedro" de Caravaggio, describiendo su tema, composición, uso de la luz y perspectiva, y retrato realista de las figuras. Caravaggio representa el momento de máxima tensión de la crucifixión de San Pedro, usando líneas diagonales para crear movimiento y contrastes de luz y sombra para enfocar la atención en zonas específicas. Sus figuras, a diferencia del idealismo renacentista, muestran rostros y cuerpos comunes que causaron controversia

1. «la crucifixión
de san pedro»
De Caravaggio

2. Índice:
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Ficha técnica †
Tema †
Composición †
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Línea y color †
La luz †
La perspectiva †
Las figuras †

3. Ficha técnica:
• Nombre original: Crocifissione di San Pietro.
• Autor: Michelangelo Merisi da Caravaggio.
• Material: oleo sobre lienzo.
• Dimensiones: 230 x 175 cm.
• Localización: Iglesia de Santa María del Popolo de Roma.
• Época: 1601 (Barroco).

4. Tema:
Caravaggio toma el texto evangélico al pie de la letra, cuando San Pedro
pide que, si va a ser crucificado, lo sea cabeza abajo, como signo de
modestia, para no igualarse con Cristo.
El autor, en una característica típicamente barroca, busca el momento de
mayor tensión, con los soldados tirando de las cuerdas mientras San
Pedro intenta levantarse de la cruz. De esta manera crea un fuerte
dramatismo en toda la escena.

5. Composición:
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Es típica del barroco, una doble diagonal formando un aspa. Junto a
estas líneas fundamentales existen otras secundarias que también
vuelven a ser diagonales. Esta composición la repetirán numerosos
autores barrocos, como Rubens o Bernini.
La insistencia en las diagonales en el barroco es clara. Esta línea crea
movimiento y tensión (frente a las horizontales y verticales
renacentistas que buscan la tranquilidad y la armonía).

6. Las líneas horizontales y verticales representan tranquilidad y armonía.
Líneas diagonales mostrando tensión

7. Línea y color:
Aún predomina la línea sobre el color (será uno de los pocos rasgos
barrocos que aún no utilizará Caravaggio). Los colores (menos algunos
verdes muy apagados) son cálidos (rosados, anaranjados, rojos). La
mayor importancia de los cálidos se vuelve a utilizar para hacer más
intensa la imagen, impactando en las emociones del espectador.

8. La luz:
Si comparas la luz de esta imagen las del Renacimiento Podrás ver la
diferencia entre una luz representativa (aquella que sólo intenta crear
claroscuros para darle volumen a las imágenes) y la expresiva que
intenta crear fuertes contrastes que den más intensidad a la imagen,
dejando ciertas zonas casi en total oscuridad mientras se destacan otras
(a eso se le llama tenebrismo). De esta manera Caravaggio nos va
conduciendo por el cuadro a través de la luz.

9. La perspectiva:
Debido al tenebrismo, el paisaje ha desaparecido. Por ello
Caravaggio utiliza otros trucos para crear el espacio el cuadro,
especialmente escorzos (líneas de profundidad) del brazo de San
Pedro, la propia colocación de todos los personajes que se adentran
hacia el fondo…

10. Las figuras:
Las figuras son tremendamente expresivas en caras y brazos (a lo que
se añade el momento elegido, el de mayor tensión). Sin embargo lo
más relevante en la pintura de Caravaggio será el gran realismo de
sus figuras.
Nosotros tal vez no nos hagamos idea hoy de lo que pudo significar
este cambio, pero en su momento causó grandes polémicas.
Caravaggio se cargó de un plumazo toda la tradición renacentista
que buscaba la belleza, la armonía, la perfección, y puso caras
corrientes a los personajes sagrados.

11. Cara y cuerpo corriente de San Pedro
Cara divina en el Renacimiento

12. «Fin»
Rubén Balmaseda Riega 4ºA