El documento resume las principales características del estilo artístico manierista que se desarrolló en Italia y Europa en el siglo XVI. Explica las definiciones e interpretaciones de estudiosos como Dvorak, Pevsner y Clark, y describe las obras y características distintivas de pintores manieristas clave como Bronzino, Pontormo, Parmigianino, Tintoretto y Arcimboldo.

1. Siglo XVI.

2. Varias definiciones.

3. Se le llama al estilo artístico que predominó en Italia y en el norte de Europa en el siglo XVI. Coincide su nacimiento con la muerte de Rafael en 1520. Se deriva de la palabra italiana “Maniera” que significa “estilo”,

4. Estudiosos del arte manierista

5. Max Dvorak (1920) Walter Friedländer (1925) Herman Voss (1920) Nicolas Pevsner Arnold Hauser (1965)

6. Vasari Craigh Hugh Smyth y John Shearman Kenneth Clark.

7. Herman Voss Fue el que publicó el primer estudio completo acerca de la pintura manierista.

8. Según Vasari. Este biógrafo, pintor, arquitecto, empleó por primera vez italiana “maniera” que significa “estilo” para indicar un arte elegante. Para él, los elegantes en el arte eran: Leonardo Miguel Ángel Rafael

9. Debían tener las siguientes características para considerar a una obra manierista: De Leonardo.- la perfección técnica. De Miguel Ángel.- complejidad torturada. De Rafael.- la belleza

10. Nicolas Pevsner En un ensayo de 1925, identificó de manera muy estrecha el manierismo con el espíritu de la Contrarreforma. Interpretó la complejidad y la confusión del manierismo como un reflejo de la derrota del ideal humanista por las fuerzas religiosas.

11. Debido a este enfoque fue muy criticado, numerosos historiadores alegaron, que sólo un número reducido de artistas manieristas mostró profunda preocupación por la religión.

12. Kenneth Clark Encuentra en las obras manieristas una tendencia a la melancolía, la excentricidad y la violencia. Que el manierismo está relacionado con el interés religioso con el clima de la Contrarreforma.

13. Max Dvorak En 1921 este alemán publicó un libro en el cual clasificaba a los siguientes pintores como manieristas: Agnolo Bronzino Jacopo da Pontormo Rosso Fiorentino Parmigianino de Parma.

14. Los consideró como manieristas por las semejanzas estilísticas entre estos pintores y los expresionistas alemanes.

15. Interpretó al manierismo como una búsqueda de lo espiritual en el arte, en relación al racionalismo y materialismo del Renacimiento . Analizó las obras religiosas del Greco, de Tintoretto y de Miguel Ángel en sus últimas obras.

16. En las obras de estos artistas, descubrió que predominan las deformaciones, estilizaciones, expresividad emocional y espiritual.

17. Opinaba que las tensiones y las inseguridades fueron las características más notables del manierismo. Basa sus estudios sobre el manierismo, en que en el siglo XVI hubo una crisis profesional y que los artistas de la época se sintieron empequeñecidos por los logros de Leonardo, Rafael y Miguel Ángel.

18. Las características

19. Es en la década de los cincuenta del siglo XX, que se acuña el nombre de Manierismo.

20. Las características principales resultan complicadas de definir, aún actualmente. Por lo complicado de definirlo muchos historiadores optan por clasificar este periodo como una continuación del Alto Renacimiento.

21. Hubo una actitud despreciativa hacia el arte de mediados y fines del siglo XVI y que persistió durante la mayor parte de los siglos XIX y XX. A mediados del siglo XX se inició la rehabilitación del arte manierista

22. Esta rehabilitación se llevó a cabo por especialistas que elaboraron unos ensayos analizando el “gusto de este período”.

23. Estilo que se desarrolló en Italia en el siglo XVI. Se caracteriza por el uso de modelos muy plásticos, figuras exageradas, a menudo con posturas forzadas, un irreal tratamiento del espacio, con frecuencia de efectos dramáticos, y una aparente elección arbitraria del color.

24. Supone el rechazo del equilibrio y la claridad del renacimiento en busca de composiciones más dramáticas y complejas, y el deseo de efectos más emotivos, de mayor movimiento y contraste. En este aspecto, anticipó el barroco que se desarrollaría hacia el año 1600.

25. La figura humana siguió teniendo importancia, siendo uno de los temas principales de los artistas, aunque varía la manera de presentarla, ahora asume poses complicadas y extrañas, en algunos casos la forma se distorsiona, incluso la composición pictórica se presenta un tanto forzada, incluso se percibe poco clara.

26. El término deriva de la palabra italiana maniera , en el sentido de modo o manera en que los artistas de segunda fila imitaban la maniera de los grandes. La idea surgió en el siglo XVII con un significado peyorativo, aludiendo al arte manierista como un movimiento de ínfima calidad.

27. No será hasta el siglo XX , con autores como Hauser o Dvorak, cuando se inicie la revisión de este concepto, otorgándole la denominación de estilo artístico y unos valores propios.

28. El manierismo no fue una reacción contra los cánones del renacimiento, sino que creció fuera de él, cultivando casi en exceso el estilo ( maniera, en italiano, palabra utilizada en su origen por Giorgio Vasari).

29. La figura humana era tratada por los últimos maestros italianos como Rafael y Miguel Ángel, cuyas obras proporcionaron el impulso para su desarrollo. Así, el Juicio Final (1536-1541, Capilla Sixtina, Vaticano) de Miguel Ángel coincide con la obra de algunos pintores manieristas.

31. Los testimonios más interesantes de la pintura manierista los ofrecen las ciudades de Florencia, Parma y Venecia.

32. Fue allí donde se presentaron una serie de innovaciones que configuran este estilo pictórico : arbitrariedad en el uso del color y de las proporciones tensos escorzos alargamiento excesivo de las figuras distorsión y dislocamiento

33. trazado serpentiforme. figuras constreñidas por estrechos marcos, expresiones de angustia

34. Los pintores de esta época sintieron que no podían desarrollar más el estilo, que Leonardo, Miguel Ángel y Rafael habían logrado llevar a la perfección.

35. Opinaban que los grandes maestros habían conseguido pintar cuadros que por un lado eran muy naturales y reales, que tenían una composición perfecta.

36. Decían que los pintores del Renacimiento ya habían hecho todo lo que estaba en sus manos.

37. Actitud del pintor manierista.

38. Buscaron nuevos momentos de tensión en el arte. Se revelaron contra el canon artístico tradicional descomponiendo, desfigurando y combinando de nuevo el repertorio de formas que la pintura tradicional había desarrollado.

39. Abandonaron las composiciones piramidales y circulares típicas del Renacimiento. La profundidad en los cuadros es indeterminada, confusa. Las composiciones asimétricas.

40. Pintores manieristas Parmigianino Benvenuto Cellini Giulio Romano Rosso Fiorentino Tintoretto El Greco Federico Zuccaro Agnolo di Cosimo “Bronzino”

41. Pintores Clasificación según Dvorak.

42. Agnolo di Cosimo Il Bronzino “muchachito de bronce”

43. El origen de su apodo se desconoce tal vez por su tez morena. Bronzino estuvo vinculado con Pontormo, su estilo se debe mucho a su maestro. Admiraba el estilo de Rafael y de Miguel Ángel.

44. También fue poeta y diseñador, siendo socio fundador de la Academia del Diseño en 1563.

45. Retrato de dama con cachorro. 1532-36. Óleo sobre tabla. 89 x 70 cm. Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt

46. Sagrada Familia. 1534-1535. Óleo sobre tabla. 117 x 89,5 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia.

47. Alegoría con Venus y Cupido. 1540-1545. Óleo sobre tabla. 146 x 116 cm. The National Gallery. Londres. Inglaterra.

49. Esta pintura fue motivo de inspiración del autor Mario Vargas Llosa “Elogio de la madrastra”. En esta obra hace alusión a su maestría del desnudo, aunque el colorido es poco natural.

50. Se muestra un frío erotismo, es un arte cortesano con influencia francesa.

51. Lucrezia Panchiatichi Óleo 104 x 85 cm 1540 Galería de los Uffizi.

53. Jacopo Carruci “ Il Pontormo”.

54. Fue aprendiz con Leonardo da Vinci. Un pintor precoz que fue alabado por Miguel Ángel.

55. De estilo refinado y extravagante. Fundió las influencias de Andrea del Sarto y de Leonardo.

56. Su estilo: Su estilo está lleno de movimiento, efectos espaciales y desequilibrios, lo consideraron uno de los más vanguardistas pintores manieristas.

57. Mateo el evangelista 1525-1526. Óleo sobre tabla. Santa Felicita. Capilla Capponi. Florencia. Italia.

58. Descendimiento de la Cruz. “ Il Pontormo” 1525-1526. Óleo sobre tabla. 313 x 192 cm. Santa Felicita. Capilla Capponi. Florencia. Italia.

62. Las figuras son alargadas y atenuadas, miembros retorcidos, posturas casi imposibles, caras demacradas, ojos profundos y sombríos.

63. Visitación. 1530 Óleo sobre tabla. 202 x 156 cm Iglesia parroquial de Carmignano, Florencia.

64. Alessandro de'Medici 1534-1535. Óleo sobre tabla. 97 x 79 cm. Colección John G. Johnson. Filadelfia. USA.

65. Parmigianino. 1503 - 1540

66. Tomó las formas ideales de Rafael y las exageró alargando los miembros, los torsos y en especial los cuellos. Estaba obsesionado por la distorsión artística.

67. Antea. 1524-1527. Óleo sobre lienzo. Pinacoteca de Capodimonte. Nápoles. Italia.

68. Autorretrato con espejo convexo 1524. Óleo sobre tabla. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria.

69. Retrato de Gian Galeazzo Sanvitale. 1529. Museo e Gallerie Nazionali di Capodimonte. Nápoles. Italia.

70. La Sagrada Familia con un ángel Tabla 110 x 29 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

71. Cupido fabricando el arco. 1531. Óleo. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria.

72. Madona del cuello largo. 1534-1535. Óleo sobre tabla. 219 x 135 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia.

73. Es una de sus más famosas obras. Está inacabada del lado derecho del cuadro. La virgen está entre sentada y suspendida. No tiene lógica espacial.

74. No es coherente el tamaño del profeta que anuncia la venida de Cristo. La columna no está terminada.

75. Jacopo Robusti. Tintoretto.

76. El apodo es porque su padre era tintorero.

77. De naturaleza difícil e inquieta. Por regla general, sus cuadros reflejan alteración y tormento. Fue el artista más prolífico de su época, poco se sabe de su vida.

78. A los 17 años ingresa como aprendiz en el taller de Tiziano, al que abandonó al poco tiempo, por su complicado carácter.

79. Sus personajes parecen estar movidos por demonios internos, efecto que se ve subrayado por los contrastes de color entre un oscuro tenebroso y un claro fantasmal y escorzos en la perspectiva a causa de vigorosas pinceladas.

80. Utilizaba pequeños modelos de cera con los que experimentaba las composiciones. Admiraba a Miguel Ángel y a Tiziano. En la puerta de su taller estaba el letrero: “ el dibujo de Miguel Ángel y el color de Tiziano”.

81. Minerva y Aracne. 1543-1544. Óleo sobre lienzo. 145 x 272 cm. Pabellón de la Meridiana. Palazzo Pitti. Florencia. Italia.

82. La dama que descubre su seno 1545 Óleo 61 x 55 cm Museo del Prado, Madrid.

83. Venus, Vulcano y Marte. 1551-1552. Alte Pinakothek. Munich. Alemania.

84. La prosperidad o la virtud ahuyentando los males Lienzo. 207 x 140 cm. Museo del Prado. Madrid. España.

85. El origen de la vía láctea. 1570. The National Gallery. Londres. Inglaterra.

89. La Última Cena 1591 Óleo lienzo 365 x 568 cm

90. Giuseppe Arcimboldo 1527 - 1593

91. Se inició como pintor a los 22 años de edad, ayudando a su padre en el diseño de algunos vitrales de la catedral de Milán. Es uno de los pintores más extraños de la historia del arte.

92. Sus cuadros fueron muy imitados a pesar de que la gente los consideraba de mal gusto.

93. Estilo Conocido sobre todo por sus representaciones del rostro humano a partir de flores, frutas, plantas, animales u objetos. Esto es, pintaba representaciones de estos objetos en el lienzo, colocados de tal manera que todo el conjunto tenía una semejanza reconocible con el sujeto retratado .

94. Visionario … Parece anticipar las vanguardias del siglo XX tales como el surrealismo.

95. Autorretrato. 1575. Dibujo a plumilla. Narodni Gallery. Praga. República Checa.

96. Diseño de un vestido para Astrología 1571. Dibujo a Pluma, coloreado de azul a la acuarela. 30 x 20 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia.

97. Diseño de un vestido para Geometría 1571. Dibujo a Pluma, coloreado de azul a la acuarela. 30 x 20 cm. Galería de los Uffizi. Florencia. Italia.

98. El Emperador Rodolfo II como Vertumno. Óleo Castillo de Skokloster, Suecia.

99. Este cuadro es considerado como su más grande obra, un retrato alegórico de Rodolfo II como dios romano de las metamorfosis de la naturaleza y la vida

100. Serie de las cuatro estaciones.

101. Ha representado los rostros de las estaciones mediante los elementos típicos de cada una de ellas. Así, el rostro de la primavera está formado por flores, el verano tiene rostro de frutos y cuerpo de trigo, mientras que el otoño es un curioso compendio de hojas caídas, setas, y frutos de cosecha.

102. La serie concluye con el invierno , tal vez el retrato más complejo y menos descifrable de la serie, en el que se mezclan elementos claramente secos y fríos, como la corteza que forma la cara, con otros más cálidos y vivos, como las hojas de la caballera y las dos frutas que cuelgan del cuello.

103. La Primavera. Óleo 1573.

104. Verano. Óleo. 1573.

105. El otoño. 1572. Óleo sobre lienzo. 76,8 x 56,7 cm. Colección Privada. Bérgamo.

106. Invierno Óleo 1573

107. Los cuatro elementos.

108. La Tierra. 1570. Óleo sobre tabla. 70,2 x 48,7 cm. Colección Privada. Viena. Austria.

109. Agua 1572. Lienzo, 75,5 x 56,5 cm. Valencia, colección privada.

110. El aire Óleo sobre lienzo. 74,5 x 56 cm. Colección Privada. Basilea. Suiza

111. El fuego. 1566. Óleo sobre tabla. 66,5 x 51 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria

112. Retratos.

113. El Bibliotecario. Óleo 1566.

114. Eva con la manzana. 1578. Óleo sobre lienzo. 43 x 35,5 cm. Colección Particular. Basilea. Suíza.

115. Flora. 1591. Óleo sobre tabla. 72,8 x 56,3 cm. Colección Privada. París. Francia.

116. Vitrales.

117. “ El nacimiento de Santa Catalina“. 1551. Vidriera. 116 x 67 cm. Catedral de Milán. Milán. Italia. Cristal número 6 de la 14ava vidriera en el ábside sur. Según diseño de Arcimboldo.

118. "Sta. Catalina habla con el Emperador acerca de la fe verdadera”. 1551. Vidriera. 116 x 67 cm. Catedral de Milán. Milán. Italia. Cristal número 57 de la 14ava vidriera en el ábside sur. Según diseño de Arcimboldo

119. Arquitectura. Manierismo.

120. Se prefieren los espacios longitudinales y las salas estrechas que favorecen la perspectiva, y la decoración llega a cubrir en ocasiones la totalidad del muro, de modo que se desdibuja la función de algunos elementos sustentantes.

121. En ocasiones esa decoración se llena de intencionados ‘errores’, motivos muy exagerados que tienen su paralelo en el alargamiento de las figuras en la pintura.

122. Andrea Palladio Arquitecto.

123. Andrea Palladio. Entre los arquitectos de este periodo, Andrea Palladio (1508-1580) fue el más destacado. Formado como cantero en su nativa Vicenza, se convirtió en arquitecto hacia la mitad de su vida. Además de desarrollar una arquitectura práctica, Palladio escribió tratados, entre los que destaca los Cuatro libros de Arquitectura , que publicó en 1570, a modo de tratado práctico con poco texto y numerosos grabados.

124. Sus obras más destacadas son una serie de villas campestres que construyó próximas a Venecia, en el Véneto. Particularmente significativa es La Rotonda (1551 ), cerca de Vicenza. Construida en un ligero promontorio, el edificio, con cúpula, tiene idénticas fachadas en sus cuatro lados, y se completa con una escalinata y un porche de seis columnas.

125. Más que otros edificios, la villa La Rotonda sirvió de inspiración al estilo neopalladiano, movimiento arquitectónico inglés que dominó el diseño de edificios en el siglo XVIII tanto en Inglaterra como en las colonias angloamericanas, y que llegó a ser considerado estilo nacional, en oposición al barroco que se creaba en los países católicos.

130. El plan de Palladio para la iglesia de Il Redentore (comenzada en el año 1577) en Venecia incluye el uso de órdenes arquitectónicos distintos y de elementos superpuestos (columnas y pilastras) en la fachada, combinación que empezó a ser importante en el siglo XVII.

131. Villa Piovene

132. Jacopo Sansovino. Arquitecto.

133. El arquitecto Iacopo Sansovino (1486-1570) trabajó en Venecia durante pocas décadas antes que Palladio. La Biblioteca Marciana de Sansovino (1536-1588), ubicada en la plaza de San Marcos en Venecia, es el edificio renacentista más admirado de esta época.

135. También en Venecia construyó la loggetta del campanile situada en la base de la catedral de San Marcos, enriquecida con relieves y estatuas obra del propio Sansovino.

136. Giulio Romano. Arquitecto.

137. Giulio Romano fue otro de los grandes arquitectos del momento. Discípulo de Rafael, colaboró junto a este gran pintor en la decoración de las logias del Vaticano, pero pronto abandonó el refinamiento rafaelista para hacer composiciones gigantescas, monumentales, tanto en arquitectura como en pintura.

138. La obra más importante es el palacio del Tè en Mantua, villa suburbana construida para la familia Gonzaga, y cuya decoración realizó él mismo.

140. Vincenzo Scamozzi.

142. Escultura. Manierista.

143. la escultura manierista tiende a quebrantar el ideal clásico de armonía, claridad y simetría. El rasgo más sobresaliente de la escultura de este periodo es la preferencia por el uso de la figura serpentinata, donde esta se contorsiona imitando una ascensión helicoidal.

144. Además, las figuras suelen estar tensas, y no ofrecen un único punto de vista.

145. Benvenuto Cellini Escultor.

146. Fue uno de los máximos escultores y orfebres de finales del renacimiento. Su azarosa vida se detalla en su autobiografía, escrita entre 1538 y 1562.

147. La obra más famosa de Cellini es la escultura en bronce que representa a Perseo (1545-1554, Loggia dei Lanzi, Florencia).

148. El héroe, desnudo y exhibiendo su musculatura, sostiene con su mano la cabeza decapitada y ensangrentada de Medusa.

151. Juan de Bolonia. Escultor flamenco.

152. La obra del flamenco Juan de Bolonia, arquitecto y escultor establecido en Italia, se incluye en el manierismo. El rapto de las sabinas (1583), que permanece expuesto junto al Perseo de Cellini en la Loggia dei Lanzi, está compuesto por tres figuras desnudas entremezcladas que ascienden verticalmente en espiral.

153. En esta escultura, realizada en mármol, Juan de Bolonia evita la frontalidad buscando un efecto de violencia que se pueda observar desde todos sus ángulos.

154. Fuente de Neptuno. 1563 – 1567.

155. Mercurio Bronce 1580 Museo del Bargello, Florencia, Italia.

156. Su escultura en bronce Mercurio , notable por su etérea elegancia, es una pieza significativa de la tradición manierista. Fue esculpida en 1580 y forma parte de la colección del Museo del Bargello, en Florencia, Italia.

157. El rapto de las Sabinas. Mármol.

158. Hércules. Mármol.