El documento presenta una introducción al arte como manifestación de armonía. Define el arte como belleza y armonía pura que ilumina y eleva. Luego describe los elementos del lenguaje pictórico como la línea, color, luz y composición. También describe los procesos pictóricos como fresco, óleo, témpera y acuarela. Finalmente, presenta los elementos del lenguaje escultórico como volumen, contenido y espacio, y los procesos escultóricos como modelado, talla y vaciado.
El documento describe varias tendencias artísticas, incluyendo sus características fundamentales y el uso del color. El Art Nouveau se adapta a la vida moderna con formas estilizadas y ondulantes en colores pasteles o negro. El surrealismo plasma un mundo ilógico a través del subconsciente y sueños. El futurismo rechaza la tradición y toma como modelo las máquinas con colores vivos. El mudéjar utiliza ladrillos, madera y yeso con blanco, azul, verde y rojos.
El documento resume las principales vanguardias pictóricas, arquitectura y escultura de la primera y segunda mitad del siglo XIX en Europa. En la primera mitad del siglo XIX, el romanticismo se formó en Francia con características como formas dinámicas, uso libre del color y exaltación de los sentimientos. En el resto de Europa, el romanticismo también se caracterizó por colores vibrantes, composiciones difíciles y temas históricos y folclóricos cargados de emoción. La arquitectura introdujo nuevos esp
La pintura es un medio de comunicación visual que ha evolucionado a través de los tiempos. Los artistas usan colores, formas y líneas para expresar sus pensamientos e inspiraciones. La pintura prehistórica usaba símbolos y signos, mientras que la pintura contemporánea usa imágenes llamativas. La pintura ha pasado por varios estilos como la pintura medieval religiosa, el renacimiento con énfasis en la anatomía y la belleza, y la pintura moderna con colores más vivos.
El documento resume brevemente la historia del arte, incluyendo sus elementos y técnicas principales como el espacio, color, forma, textura y línea. Luego describe a tres de los primeros y más influyentes artistas: Pablo Picasso, Giotto di Bondone y Leonardo da Vinci. Finalmente, cubre varias civilizaciones antiguas como los griegos, celtas, romanos, francos y vikingos y su contribución al arte.
El Pensador de Rodín es una escultura de bronce de 1,98 x 1,29 m que representa a un hombre sentado en posición reflexiva. Rodín creó la escultura entre 1880-1900 para representar a Dante meditando ante las puertas del infierno, aunque luego se convirtió en un símbolo de la capacidad humana de pensar. La escultura muestra un cuerpo dinámico y tenso a pesar de la postura sedente, influenciada por Miguel Ángel, y utiliza superficies rugosas que crean efectos de luz y s
El documento define el origen del término "arte" y su evolución para designar disciplinas relacionadas con lo estético y lo emotivo frente a lo técnico. Explica que originalmente se aplicaba a toda producción humana y que con el tiempo se utilizó para referirse específicamente a las artes visuales. También introduce conceptos como iconografía e iconología para la descripción e interpretación de obras de arte.
Este documento discute cómo apreciar y comprender el arte. Explica que el arte no es aburrido y puede ser divertido y útil si sabemos apreciarlo y compartirlo. También analiza cómo hacer preguntas sobre las obras de arte puede ayudarnos a entenderlas mejor y disfrutarlas más, así como a conocernos mejor a nosotros mismos. Finalmente, enfatiza la importancia de evitar prejuicios y juzgar las obras basándonos en la intención del artista en lugar de nuestros propios gustos.
El documento presenta una introducción al arte como manifestación de armonía. Define el arte como belleza y armonía pura que ilumina y eleva. Luego describe los elementos del lenguaje pictórico como la línea, color, luz y composición. También describe los procesos pictóricos como fresco, óleo, témpera y acuarela. Finalmente, presenta los elementos del lenguaje escultórico como volumen, contenido y espacio, y los procesos escultóricos como modelado, talla y vaciado.
El documento describe varias tendencias artísticas, incluyendo sus características fundamentales y el uso del color. El Art Nouveau se adapta a la vida moderna con formas estilizadas y ondulantes en colores pasteles o negro. El surrealismo plasma un mundo ilógico a través del subconsciente y sueños. El futurismo rechaza la tradición y toma como modelo las máquinas con colores vivos. El mudéjar utiliza ladrillos, madera y yeso con blanco, azul, verde y rojos.
El documento resume las principales vanguardias pictóricas, arquitectura y escultura de la primera y segunda mitad del siglo XIX en Europa. En la primera mitad del siglo XIX, el romanticismo se formó en Francia con características como formas dinámicas, uso libre del color y exaltación de los sentimientos. En el resto de Europa, el romanticismo también se caracterizó por colores vibrantes, composiciones difíciles y temas históricos y folclóricos cargados de emoción. La arquitectura introdujo nuevos esp
La pintura es un medio de comunicación visual que ha evolucionado a través de los tiempos. Los artistas usan colores, formas y líneas para expresar sus pensamientos e inspiraciones. La pintura prehistórica usaba símbolos y signos, mientras que la pintura contemporánea usa imágenes llamativas. La pintura ha pasado por varios estilos como la pintura medieval religiosa, el renacimiento con énfasis en la anatomía y la belleza, y la pintura moderna con colores más vivos.
El documento resume brevemente la historia del arte, incluyendo sus elementos y técnicas principales como el espacio, color, forma, textura y línea. Luego describe a tres de los primeros y más influyentes artistas: Pablo Picasso, Giotto di Bondone y Leonardo da Vinci. Finalmente, cubre varias civilizaciones antiguas como los griegos, celtas, romanos, francos y vikingos y su contribución al arte.
El Pensador de Rodín es una escultura de bronce de 1,98 x 1,29 m que representa a un hombre sentado en posición reflexiva. Rodín creó la escultura entre 1880-1900 para representar a Dante meditando ante las puertas del infierno, aunque luego se convirtió en un símbolo de la capacidad humana de pensar. La escultura muestra un cuerpo dinámico y tenso a pesar de la postura sedente, influenciada por Miguel Ángel, y utiliza superficies rugosas que crean efectos de luz y s
El documento define el origen del término "arte" y su evolución para designar disciplinas relacionadas con lo estético y lo emotivo frente a lo técnico. Explica que originalmente se aplicaba a toda producción humana y que con el tiempo se utilizó para referirse específicamente a las artes visuales. También introduce conceptos como iconografía e iconología para la descripción e interpretación de obras de arte.
Este documento discute cómo apreciar y comprender el arte. Explica que el arte no es aburrido y puede ser divertido y útil si sabemos apreciarlo y compartirlo. También analiza cómo hacer preguntas sobre las obras de arte puede ayudarnos a entenderlas mejor y disfrutarlas más, así como a conocernos mejor a nosotros mismos. Finalmente, enfatiza la importancia de evitar prejuicios y juzgar las obras basándonos en la intención del artista en lugar de nuestros propios gustos.
El documento presenta una serie de obras de arte de diferentes épocas y estilos, desde el siglo XIII hasta el siglo XX, incluyendo pinturas, esculturas y arquitectura. Luego discute conceptos fundamentales del arte como lenguaje artístico, tipos de mensajes, valoración de obras y elementos de la pintura, escultura y arquitectura. El objetivo es introducir al lector en el análisis y apreciación visual de obras de arte.
Este documento describe diferentes estilos artísticos como el Renacimiento y el Barroco, con énfasis en la pintura. Define el claroscuro como el uso de luces y sombras para crear efectos atmosféricos que envuelven los cuerpos. Destaca a Rembrandt como un representante prominente que usó fuertes contrastes de claroscuro para introducir al observador en la escena de forma vívida y dramática.
Este documento presenta información sobre el arte urbano 3D y artistas sobresalientes en este campo. Brevemente describe la técnica de la anamorfosis y cómo artistas como Julian Beever, Edgardo Müller y Tracy Lee Stum utilizan esta técnica para crear ilusiones tridimensionales en el pavimento que solo se ven correctamente desde un ángulo. También proporciona biografías resumidas de estos y otros artistas como Rod Tryon y Kurt Wenner, reconociendo a estos últimos pioneros en el arte de la anamorfosis aplicada
El documento resume la historia y función del dibujo a lo largo de la historia del arte. Explica que el dibujo ha sido considerado tradicionalmente como una herramienta fundamental para pintores y escultores, y ha evolucionado de ser una representación básica a formas más complejas y abstractas. También destaca la importancia dada al dibujo por diferentes artistas y teóricos a través de los siglos, y cómo ha sido visto alternativamente como un medio para la expresión del alma o como una habilidad técnica.
El documento presenta varios párrafos que describen conceptos clave para analizar una obra de arte como la técnica, la forma, el contenido y el contexto. También menciona ejemplos de elementos arquitectónicos como aparejos, órdenes clásicos, bóvedas y otros.
El documento describe el proceso de gestación de la pintura abstracta, distinguiendo la vertiente cromática y geométrica. Señala a Vasili Kandinsky como pionero de la abstracción lírica a través de su expresionismo, y destaca corrientes como el Suprematismo ruso y el Neoplasticismo.
El documento habla sobre la forma en el arte. Explica que la forma se refiere a la apariencia de los objetos que vemos y cómo surgen de la interpretación de imágenes. Describe las formas artísticas como la manera en que se organizan los elementos de una obra de arte y cómo varían entre culturas y épocas. También distingue entre formas figurativas y abstractas y analiza conceptos como el contorno, silueta y dintorno.
Este documento describe los elementos fundamentales para analizar una obra de arte, incluyendo el contexto histórico, biográfico y técnico, así como la forma, contenido, color, espacio, movimiento, proporciones, luz y composición. Explica que a través de estos elementos se puede apreciar el pensamiento y la forma de vida de una época reflejados en las obras artísticas.
Las pinturas negras de Francisco de Goya usan la penumbra, en lugar de la luz, para construir las imágenes. La sombra otorga valor estético al revelar sutilmente las formas en lugar de ocultarlas. Las figuras se vinculan armoniosamente con su entorno a través del juego de sombras y luces, creando profundidad en la obra.
El documento describe el lenguaje pictórico y las principales escuelas de la pintura barroca europea. Resalta el realismo, el predominio del color sobre el dibujo, la profundidad continua y la libertad en la composición como características generales. Luego describe las escuelas italiana, holandesa y flamenca, resaltando figuras como Caravaggio, Rembrandt, Rubens y Van Dyck y obras representativas de cada uno.
El documento introduce el tema del arte y los artistas, argumentando que realmente no existe el "Arte" con mayúsculas sino que sólo existen artistas individuales. Explica que los gustos y criterios sobre la belleza varían entre personas y épocas, y que al acercarse por primera vez al arte, la gente suele preferir obras que parecen "reales". También advierte sobre los prejuicios que dificultan el disfrute del arte, y que las obras deben entenderse en su contexto original más que juzgarse por criterios actuales.
Historia de las corrientes artísticas del siglo XIX hasta el siglo XX.
Corrientes artísticas que marcaron el siglo XIX, las que destacaron y tuvieron mucho auge fue el Romanticismo, el Impresionismo, El Postimpresionismo y el simbolismo.
Al inicio del siglo XX tuvo muchas corrientes artísticas, de las cuales son Fovismo, Expresionismo, Cubismo, Futurismo, Dadaísmo y surrealismo. A Finales del siglo XX Las corrientes artísticas fueron Arte Abstracto, Arte Pop, Arte Povera y Arte Conceptual. en esta presentación de diapositivas habla específicamente de concepto, técnica, materiales y Artistas representativos de cada corriente artística, trabajo muy completo y echo con mucho esfuerzo
Este documento presenta conceptos clave sobre el arte y la cultura. Brevemente define el arte como una habilidad que puede limitarse a una técnica o ampliarse a expresar una visión del mundo. Luego distingue entre cultura universal, compartida por la humanidad, y cultura nacional, manejada por la burguesía. Finalmente, describe el arte como forma de conciencia social que refleja la realidad y puede influir en los sentimientos y pensamientos de las personas.
El documento trata sobre la diferencia entre la figuración y la abstracción en el arte. Explica que la figuración implica la representación de objetos reconocibles de la realidad, mientras que la abstracción simplifica o deforma elementos del mundo exterior hasta volverlos irreconocibles, usando líneas y colores como un nuevo lenguaje plástico sin representación. También analiza la evolución del arte abstracto en el siglo XX, desde Kandinsky hasta la Escuela de Nueva York.
La pintura, la música, la danza, el teatro y el cine son diferentes formas de arte que permiten la expresión y comunicación. Mientras que la pintura y el dibujo comparten algunas herramientas, la técnica es diferente ya que la pintura involucra la aplicación de pigmentos y el dibujo se enfoca en la línea. El arte puede ser una forma de crítica o expresión de paz y enriquece el espíritu humano.
El cuadro Interior holandés de 1928 de Joan Miró representa a un guitarrista rodeado de animales y plantas bailando al son de su música. La obra muestra la simplificación de formas y el uso de colores planos típicos del surrealismo de Miró. A través de signos simples pero evocadores, Miró crea un universo onírico propio que expresa su interioridad.
El documento trata sobre la historia del arte y los lenguajes artísticos. Explica las definiciones de arte, su comercialización y protección. También describe los elementos comunes a todas las artes visuales como la época, estilo y autor. Luego detalla los lenguajes específicos de la arquitectura, escultura y pintura como las técnicas, materiales, formas y temas. Finaliza con un glosario de términos artísticos.
Este documento explora la naturaleza y definición del arte. Explica que el arte ha evolucionado a lo largo de la historia desde ser considerado un oficio artesanal hasta ser visto como una actividad intelectual. También discute las diferentes funciones del arte, incluyendo la imitación de la realidad, la expresión de ideas y sentimientos, y la representación del poder y la riqueza. Finalmente, clasifica las obras de arte y analiza conceptos como la personalidad del artista, las ideas de la época, y el estilo artístico.
El documento discute la naturaleza personal de la apreciación del arte y cómo el estudio del arte puede ayudar a comprender mejor las obras de arte al añadir conocimiento a la experiencia individual. También describe cómo un curso de apreciación del arte puede proporcionar herramientas para ver aspectos de las obras de arte que antes no se veían y clarificar el concepto de arte de una persona.
Este documento presenta un resumen de la pintura barroca en Flandes y Holanda. Describe las características estilísticas de la pintura barroca flamenca, incluyendo el uso dinámico del color, el movimiento y la luz. También describe los principales temas y artistas de la pintura holandesa del siglo XVII, como la vida rural, los paisajes y los bodegones. Destaca a artistas como Rubens, Rembrandt y Vermeer y sus contribuciones al desarrollo del arte en esta época.
El documento describe las características de la pintura barroca en Flandes y Holanda. En Flandes, destacan pintores como Rubens, conocido por su estilo dinámico y uso vibrante del color. La pintura holandesa se caracteriza por su realismo, con énfasis en paisajes, retratos y bodegones. Rembrandt se destaca por sus retratos intensos y efectos dramáticos de luz.
El documento presenta una serie de obras de arte de diferentes épocas y estilos, desde el siglo XIII hasta el siglo XX, incluyendo pinturas, esculturas y arquitectura. Luego discute conceptos fundamentales del arte como lenguaje artístico, tipos de mensajes, valoración de obras y elementos de la pintura, escultura y arquitectura. El objetivo es introducir al lector en el análisis y apreciación visual de obras de arte.
Este documento describe diferentes estilos artísticos como el Renacimiento y el Barroco, con énfasis en la pintura. Define el claroscuro como el uso de luces y sombras para crear efectos atmosféricos que envuelven los cuerpos. Destaca a Rembrandt como un representante prominente que usó fuertes contrastes de claroscuro para introducir al observador en la escena de forma vívida y dramática.
Este documento presenta información sobre el arte urbano 3D y artistas sobresalientes en este campo. Brevemente describe la técnica de la anamorfosis y cómo artistas como Julian Beever, Edgardo Müller y Tracy Lee Stum utilizan esta técnica para crear ilusiones tridimensionales en el pavimento que solo se ven correctamente desde un ángulo. También proporciona biografías resumidas de estos y otros artistas como Rod Tryon y Kurt Wenner, reconociendo a estos últimos pioneros en el arte de la anamorfosis aplicada
El documento resume la historia y función del dibujo a lo largo de la historia del arte. Explica que el dibujo ha sido considerado tradicionalmente como una herramienta fundamental para pintores y escultores, y ha evolucionado de ser una representación básica a formas más complejas y abstractas. También destaca la importancia dada al dibujo por diferentes artistas y teóricos a través de los siglos, y cómo ha sido visto alternativamente como un medio para la expresión del alma o como una habilidad técnica.
El documento presenta varios párrafos que describen conceptos clave para analizar una obra de arte como la técnica, la forma, el contenido y el contexto. También menciona ejemplos de elementos arquitectónicos como aparejos, órdenes clásicos, bóvedas y otros.
El documento describe el proceso de gestación de la pintura abstracta, distinguiendo la vertiente cromática y geométrica. Señala a Vasili Kandinsky como pionero de la abstracción lírica a través de su expresionismo, y destaca corrientes como el Suprematismo ruso y el Neoplasticismo.
El documento habla sobre la forma en el arte. Explica que la forma se refiere a la apariencia de los objetos que vemos y cómo surgen de la interpretación de imágenes. Describe las formas artísticas como la manera en que se organizan los elementos de una obra de arte y cómo varían entre culturas y épocas. También distingue entre formas figurativas y abstractas y analiza conceptos como el contorno, silueta y dintorno.
Este documento describe los elementos fundamentales para analizar una obra de arte, incluyendo el contexto histórico, biográfico y técnico, así como la forma, contenido, color, espacio, movimiento, proporciones, luz y composición. Explica que a través de estos elementos se puede apreciar el pensamiento y la forma de vida de una época reflejados en las obras artísticas.
Las pinturas negras de Francisco de Goya usan la penumbra, en lugar de la luz, para construir las imágenes. La sombra otorga valor estético al revelar sutilmente las formas en lugar de ocultarlas. Las figuras se vinculan armoniosamente con su entorno a través del juego de sombras y luces, creando profundidad en la obra.
El documento describe el lenguaje pictórico y las principales escuelas de la pintura barroca europea. Resalta el realismo, el predominio del color sobre el dibujo, la profundidad continua y la libertad en la composición como características generales. Luego describe las escuelas italiana, holandesa y flamenca, resaltando figuras como Caravaggio, Rembrandt, Rubens y Van Dyck y obras representativas de cada uno.
El documento introduce el tema del arte y los artistas, argumentando que realmente no existe el "Arte" con mayúsculas sino que sólo existen artistas individuales. Explica que los gustos y criterios sobre la belleza varían entre personas y épocas, y que al acercarse por primera vez al arte, la gente suele preferir obras que parecen "reales". También advierte sobre los prejuicios que dificultan el disfrute del arte, y que las obras deben entenderse en su contexto original más que juzgarse por criterios actuales.
Historia de las corrientes artísticas del siglo XIX hasta el siglo XX.
Corrientes artísticas que marcaron el siglo XIX, las que destacaron y tuvieron mucho auge fue el Romanticismo, el Impresionismo, El Postimpresionismo y el simbolismo.
Al inicio del siglo XX tuvo muchas corrientes artísticas, de las cuales son Fovismo, Expresionismo, Cubismo, Futurismo, Dadaísmo y surrealismo. A Finales del siglo XX Las corrientes artísticas fueron Arte Abstracto, Arte Pop, Arte Povera y Arte Conceptual. en esta presentación de diapositivas habla específicamente de concepto, técnica, materiales y Artistas representativos de cada corriente artística, trabajo muy completo y echo con mucho esfuerzo
Este documento presenta conceptos clave sobre el arte y la cultura. Brevemente define el arte como una habilidad que puede limitarse a una técnica o ampliarse a expresar una visión del mundo. Luego distingue entre cultura universal, compartida por la humanidad, y cultura nacional, manejada por la burguesía. Finalmente, describe el arte como forma de conciencia social que refleja la realidad y puede influir en los sentimientos y pensamientos de las personas.
El documento trata sobre la diferencia entre la figuración y la abstracción en el arte. Explica que la figuración implica la representación de objetos reconocibles de la realidad, mientras que la abstracción simplifica o deforma elementos del mundo exterior hasta volverlos irreconocibles, usando líneas y colores como un nuevo lenguaje plástico sin representación. También analiza la evolución del arte abstracto en el siglo XX, desde Kandinsky hasta la Escuela de Nueva York.
La pintura, la música, la danza, el teatro y el cine son diferentes formas de arte que permiten la expresión y comunicación. Mientras que la pintura y el dibujo comparten algunas herramientas, la técnica es diferente ya que la pintura involucra la aplicación de pigmentos y el dibujo se enfoca en la línea. El arte puede ser una forma de crítica o expresión de paz y enriquece el espíritu humano.
El cuadro Interior holandés de 1928 de Joan Miró representa a un guitarrista rodeado de animales y plantas bailando al son de su música. La obra muestra la simplificación de formas y el uso de colores planos típicos del surrealismo de Miró. A través de signos simples pero evocadores, Miró crea un universo onírico propio que expresa su interioridad.
El documento trata sobre la historia del arte y los lenguajes artísticos. Explica las definiciones de arte, su comercialización y protección. También describe los elementos comunes a todas las artes visuales como la época, estilo y autor. Luego detalla los lenguajes específicos de la arquitectura, escultura y pintura como las técnicas, materiales, formas y temas. Finaliza con un glosario de términos artísticos.
Este documento explora la naturaleza y definición del arte. Explica que el arte ha evolucionado a lo largo de la historia desde ser considerado un oficio artesanal hasta ser visto como una actividad intelectual. También discute las diferentes funciones del arte, incluyendo la imitación de la realidad, la expresión de ideas y sentimientos, y la representación del poder y la riqueza. Finalmente, clasifica las obras de arte y analiza conceptos como la personalidad del artista, las ideas de la época, y el estilo artístico.
El documento discute la naturaleza personal de la apreciación del arte y cómo el estudio del arte puede ayudar a comprender mejor las obras de arte al añadir conocimiento a la experiencia individual. También describe cómo un curso de apreciación del arte puede proporcionar herramientas para ver aspectos de las obras de arte que antes no se veían y clarificar el concepto de arte de una persona.
Este documento presenta un resumen de la pintura barroca en Flandes y Holanda. Describe las características estilísticas de la pintura barroca flamenca, incluyendo el uso dinámico del color, el movimiento y la luz. También describe los principales temas y artistas de la pintura holandesa del siglo XVII, como la vida rural, los paisajes y los bodegones. Destaca a artistas como Rubens, Rembrandt y Vermeer y sus contribuciones al desarrollo del arte en esta época.
El documento describe las características de la pintura barroca en Flandes y Holanda. En Flandes, destacan pintores como Rubens, conocido por su estilo dinámico y uso vibrante del color. La pintura holandesa se caracteriza por su realismo, con énfasis en paisajes, retratos y bodegones. Rembrandt se destaca por sus retratos intensos y efectos dramáticos de luz.
La pintura barroca española se caracteriza por su equilibrado realismo, la sencillez de sus composiciones y la influencia del tenebrismo; pero también por un sentimiento religioso que, de la mano de la Contrarreforma, invade todos los aspectos de la sociedad.
Es un realismo marcado por la intimidad de sus composiciones y la humanidad de sus personajes. Los momentos y temas más dolorosos y patéticos son tratados sin teatralidad, y se huye de los temas heroicos. El estudio temprano y constante de la luz llevó a la técnica tenebrista que, además, conectaba perfectamente con los valores espirituales de la época.
Los impresionistas llevaron los postulados de paisajistas, realistas y románticos a sus últimas consecuencias, crearon una pintura que trató de captar la realidad tal como era, sin convencionalismos pictóricos ni grandes pretensiones temáticas. Quisieron atrapar el instante en sus obras, pintando al natural y con pinceladas rápidas.
El nuevo estilo fue rechazado y vilipendiado por la crítica y la academia, pero finalmente abrió un nuevo camino en el arte.
La segunda revolución artística llegó de la mano de los pintores realistas que cambiaron la concepción del arte al eliminar los convencionalismo de estilo y de tema que imponía la academia y el arte oficial.
Desde Inglaterra paisajistas como Constable y Tarner trabajan para captar la fugacidad del instante, dejando de lado la artificiosidad de los paisajes idealizados o "pintorescos" aceptados en el Arte.
La figura de Manet aunará las revoluciones estilísticas, técnicas y temáticas de los pintores románticos y realistas. Fue el primer gran pintor moderno y el líder del grupo de los impresionistas.
El documento describe la pintura barroca en España. Se caracteriza por el realismo, el uso del color y la luz, las composiciones asimétricas y el movimiento. Los principales pintores fueron Velázquez, conocido por sus retratos y su obra maestra Las Meninas, y Zurbarán y Ribera, destacados por sus temas religiosos y su técnica tenebrista. La pintura española se distinguió por su énfasis en lo religioso, el equilibrio y la intimidad frente a la teatralidad de otros lugares.
Introducción a los aspectos teóricos del Arte. Trataremos el concepto de arte y la obra artística, así como su evolución a lo largo del tiempo; desde las primeras expresiones artísticas de la prehistoria, hasta el presente.
Estudiamos las influencias recíprocas entre el arte, los artistas y la sociedad (cultura, religión, economía, jerarquías...).
Veremos como los historiadores del arte utilizan el concepto de estilo artístico para analizar la evolución del arte y las características que comparten los artistas de una época.
Finalizaremos repasando los lenguajes artísticos: la arquitectura (arte de la creación de espacios interiores), la escultura (representación de formas tridimensionales) y la pintura (arte de la representación bidimensional). El conocimientos de estos lenguajes, sus características, posibilidades y limitaciones nos permitirán analizar correctamente obras de arte.
Este documento resume las principales características de la pintura barroca. En pocas oraciones, destaca que el siglo XVII fue el siglo de oro de la pintura europea, con artistas como Rembrandt, Velázquez y Caravaggio. Se caracterizó por el naturalismo, el simbolismo, el uso innovador de la luz y el movimiento, y composiciones dinámicas. Los temas incluyeron lo religioso, mitológico y retratos, tratados con gran maestría técnica.
Este documento resume las principales tendencias pictóricas del Barroco en Italia: el naturalismo de Caravaggio, que llevó el realismo a los extremos; el clasicismo de los Carracci y Guido Reni, que se inspiraron en los maestros renacentistas; y el Barroco decorativo o ilusionista, representado por Cortona y Pozzo, cuyas pinturas teatrales y escenográficas pretendían confundir los sentidos del espectador.
Revista Pisteyo es una revista literatura cultural, editada y amparada por EdicionesTecnologicas (ET)
El propósito de la revista es hacer en cada número un objeto que tenga interés literario y en
Artes visuales, para que resulte una experiencia culturalmente fecunda.
En esta revista se incluye trabajos literarios, y creativos, de las más diversas extensiones e inverosímiles del
ingenio como: narrativa, poesía, cine, TV, música, Fotografía, pintura, muralismo, arte urbano,
arquitectura, dibujo, crítica, etc.
Revista Pisteyo es una revista literatura cultural, editada y amparada por EdicionesTecnologicas (ET)
El propósito de la revista es hacer en cada número un objeto que tenga interés literario y en
Artes visuales, para que resulte una experiencia culturalmente fecunda.
En esta revista se incluye trabajos literarios, y creativos, de las más diversas extensiones e inverosímiles del
ingenio como: narrativa, poesía, cine, TV, música, Fotografía, pintura, muralismo, arte urbano,
arquitectura, dibujo, crítica, etc.
Este documento resume las principales características de la pintura barroca en Italia, Flandes y Holanda. En Italia, destaca el tenebrismo de Caravaggio y el clasicismo de la escuela de Bolonia. En Flandes, la obra de Rubens refleja temas religiosos y profanos para la aristocracia católica. En Holanda, la pintura de Rembrandt se caracteriza por la intimidad, sobriedad y realismo de los interiores burgueses.
El documento describe brevemente el romanticismo y el realismo como movimientos artísticos del siglo XIX. El romanticismo valorizó las emociones, la naturaleza y lo nacional sobre la razón. Se caracterizó por composiciones dramáticas y el uso del color. El realismo surgió como reacción, plasmando la realidad sin filtros y a menudo criticando las desigualdades sociales. Artistas clave incluyen a Delacroix, Friedrich, Constable, Turner, Courbet y Millet.
El documento resume los principales estilos artísticos desde el Barroco hasta el Modernismo de los siglos XVIII y XIX. El Barroco se caracterizó por las líneas curvas y figuras complejas, mientras que el Neoclásico buscó recrear la sencillez grecorromana. A finales del siglo XIX, el Impresionismo y Realismo se enfocaron en capturar momentos y la vida cotidiana respectivamente. El Modernismo simplificó las formas y rechazó la ornamentación clásica.
El documento describe el movimiento artístico del realismo en el siglo XIX. Se caracterizó por representar la realidad de forma objetiva y sin idealización, tomando como temas la vida cotidiana y denunciando las desigualdades sociales. Algunas de las principales escuelas fueron el paisajismo de la Escuela de Barbizon en Francia, el realismo social de Courbet y Daumier, y los prerrafaelistas en Inglaterra.
Business Plan -rAIces - Agro Business Techjohnyamg20
Innovación y transparencia se unen en un nuevo modelo de negocio para transformar la economia popular agraria en una agroindustria. Facilitamos el acceso a recursos crediticios, mejoramos la calidad de los productos y cultivamos un futuro agrícola eficiente y sostenible con tecnología inteligente.
ACERTIJO DESCIFRANDO CÓDIGO DEL CANDADO DE LA TORRE EIFFEL EN PARÍS. Por JAVI...JAVIER SOLIS NOYOLA
El Mtro. JAVIER SOLIS NOYOLA crea y desarrolla el “DESCIFRANDO CÓDIGO DEL CANDADO DE LA TORRE EIFFEL EN PARIS”. Esta actividad de aprendizaje propone el reto de descubrir el la secuencia números para abrir un candado, el cual destaca la percepción geométrica y conceptual. La intención de esta actividad de aprendizaje lúdico es, promover los pensamientos lógico (convergente) y creativo (divergente o lateral), mediante modelos mentales de: atención, memoria, imaginación, percepción (Geométrica y conceptual), perspicacia, inferencia y viso-espacialidad. Didácticamente, ésta actividad de aprendizaje es transversal, y que integra áreas del conocimiento: matemático, Lenguaje, artístico y las neurociencias. Acertijo dedicado a los Juegos Olímpicos de París 2024.
2. www.lahistoriayotroscuentos.es 2
Pintura:
Realismo, plasmar la
totalidad de la vida
(también la vejez, el
dolor y la tristeza)
Nuevos temas
Predominio del
color
Movimiento
Paisaje
Bodegones
(naturalezas muertas)
Profundidad
continua
Hegemonía de
la luz
Hegemonía de la luz
Composición
asimétrica y
atectónica (no
subordinada al marco)
Figuras inestables,
escorzos,
ondulaciones...
Desequilibrio
Continuidad más allá del
cuadro
Diagonales
Tenebrismo
5. www.lahistoriayotroscuentos.es 5
Pintura
flamenca:
Influjo de la pintura italiana
(XVI): Leonardo da Vinci
Pedro Pablo
Rubens
Perdida del estilo de
los primitivos
flamencos
Catolicismo
(presencia española)
Bodegones
Optimismo y alegría
Temas costumbristas Fiestas populares
Bodas
Aspectos placenteros
de la vida (vs.
tenbrismo)
Fuerte personalidad
Nueva originalidad
Importancia de la temática
religiosa
Emociones más
comedidas que en España
Piezas de caza
Opulencia en las mesas
Fruta y manjares
Sociedad enriquecida:
comercio de paños
9. www.lahistoriayotroscuentos.es 9
Pedro Pablo Rubens (1577-1640)Pedro Pablo Rubens (1577-1640)
● Viajes constantes:
– Nacido en Alemania pero asentado en Amberes
● Principal puerto de Flandes
– Diplomático en España e Italia
● Reflejo en su arte (clasicismo)
● Estilo barroco de gran vitalidad
– Color: destaca por su gama e intensidad
– Movimiento:
● Dinamismo, diagonales, tensión muscular, formas retorcidas y
ondulantes
– Formas gruesas:
● inclinación por las formas redondas
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a7/Sir_Peter_Paul_Rubens_-
_Portrait_of_the_Artist_-_Google_Art_Project.jpg/250px-Sir_Peter_Paul_Rubens_-
17. www.lahistoriayotroscuentos.es 17
Pintura
holandesa
Presencia del mar
Tierra llana
Tierra baja: ganada y amenazada
por el mar
Pueblo marinero: riqueza y riesgo
Calvinismo
Amor por el detalle
Nueva clientela:
burguesía
Interiores burgueses
Retratos
Retratos de grupo
Amplios horizontes
Cielos nebulosos: tamiza la luz
Poética de la luz: reflejada en mares,
canales y lagunas
Responsabilidad ante el
destino
Templos austeros y sin
imágenes
Reflejo de una
sociedad original
●Burguesa
●República: sin reyes
absolutos
●Sin aristocracia
privilegiada
Paisajes reales: sin
idealizaciones
Arte religioso para
casas particulares
18. www.lahistoriayotroscuentos.es 18
Géneros de la pintura holandesa I
● La vida rural
– Ostade
● Pincelada suelta y efectos de luz
● Fiesta aldeanas y vena satírica
● Los interiores burgueses
– Terboch y Metsu
● Telas, muebles, ambientes refinados
– Vermeer de Delft:
● Sutileza de la luz, figuras silenciosas, objetos cotidianos
● Los paisajes
– Características
● Línea de horizonte baja
● Nubes filtrando la luz
● Presencia del agua
– Ruysdael: tormenta, viento, agua
– Hobbena: sereno, estático, caminos
24. www.lahistoriayotroscuentos.es 24
Géneros de la pintura holandesa II
● Los bodegones
– Claesz y Heda
● Importancia de los objetos frente a los alimentos
● Calidad y textura de los objetos
● El retrato
– Hals
● Pincelada de manchas
● Expresiones intensas y alegría bohemia
– Rembrandt
● Retrato de grupo: estampa social
27. www.lahistoriayotroscuentos.es 27
Rembrandt Van Rijn (1606-1669)
● Biografía complicada
– Desarrolla su vida en Amsterdam
– Muertes de su esposa Saskya, su segunda mujer Hendrikje Stoffels y su hijo Tito
– Del éxito al rechazo social y el aislamiento
● Temática
– Retratos y retratos de grupo: muy realistas
– Religión: emoción y dramatismo
– Paisajes tristes:
● Otoño e invierno
● Visiones oníricas (casi surrealistas en su última época)
– Grabados: efectos de luz y expresiones pensativas
● Características
– Color: manchas gruesas
– Luz:
● Efectos poéticos y focos diversos (intensos, débiles o enfermizos)
● Difundida de forma caprichosa
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bd/Rembrandt_van_Rijn_-_Self-
Portrait_-_Google_Art_Project.jpg/250px-Rembrandt_van_Rijn_-_Self-Portrait_-
38. www.lahistoriayotroscuentos.es 38
Pintura
española
Equilibrado naturalismo y
composición sencilla
Predominio de la
temática religiosa
Intimidad
Humanidad
Escasa teatralidad
No temas heroicos
Ausencia de
sensualidad
Varias escuelas (centros
de trabajo)
Tenebrismo
Representa los valores de la época
(más que una técnica)
Estudio temprano y constante de la luz
Ascetismo y misticismo
Representación del éxtasis (mirada
al cielo y composición ascendente)
Poética de la luz: reflejada en mares,
canales y lagunas
Excepción en Velázquez por
influencia de Rubens
Triunfo del realismo
●Aspectos dolorosos y
patéticos
●Investigación sobre la
luz
Retratos
Bodegones
Velázquez
Fabula pagana
Paisaje
Mitología
Valenciana
Sevillana
Madrileña
Constantes evoluciones y
diferencias entre artistas
39. www.lahistoriayotroscuentos.es 39
José de Ribera (1591-1662)
● Estancia en Roma: Roma y Nápoles
– Influjo de Caravaggio
● Ambiente humildes: mendigos
– Éxito en la Corte de Virrey de Nápoles
● Estilo
– Emoción religiosa (escuela española)
– Dominio del color y la luz (Italia renacentista)
– Tenebrismo
– Realismo
● Elementos desagradables y feos
● Temas:
– Mitológico (con ironía)
– Religioso
46. www.lahistoriayotroscuentos.es 46
Diego de Silva y Velázquez (1599-1660)
● Etapa sevillana:
– Taller de Pacheco
● Importancia del dibujo
– Evolución: realidad, movimiento y expresión
● Influencia tenebrista
– Obra religiosa
– Temas realistas: escenas cotidianas
● Llegada a la Corte: pintor de cámara
– Apoyos:
● Pacheco, Conde Duque de Olivares y Felipe IV
– Mantiene el realismo:
– Temas populares y mitológicos (influencia de Rubens)
– Retratos
http://www.periodicodigitalgratis.com/gratis/imagen/1_20150424030432.jpg
51. www.lahistoriayotroscuentos.es 51
● Viaje a Italia
– Cambios:
● Cambio de color: abandono del tenebrismo
● Aparición del desnudo
● Mitología “humana”
● Perspectiva aérea y profundidad
● Composiciones más dinámicas
● Intensidad expresiva
● Regreso a la Corte
– Grandes retratos
● Omite escenografía (salvo paisajes serranos)
● Acentúa símbolos reales
● Expresión y retrato psicológico
– Retratos de bufones
● Profundo respeto y penetración religiosa
– La rendición de Breda
Diego de Silva y Velázquez (1599-1660)
62. www.lahistoriayotroscuentos.es 62
● Segundo viaje a Italia (1649)
– Compra de cuadros para la Corona
– Retratos
● Inocencio X y Juan de Pareja
– Paisajes: precedente del impresionismo
● Vibración lumínica: toques de pincel
– Presente en sus retratos
● Retorno a la Corte (1651)
– Plenitud del barroco
– Obras maestras:
● Venus del espejo, Las meninas, Las Hilanderas
Diego de Silva y Velázquez (1599-1660)
70. www.lahistoriayotroscuentos.es 70
Escultura
española
Realismo
Temática
Materiales
Escuelas
Escultura en la Corte: realismo
castellano y elegancia andaluza
Escuela castellana: realismo violento
Escuela andaluza: realismo clásico
Murcia: Salzillo
Religiosa: Iglesia como principal
cliente. Retablos y esculturas exenta
Corte: retratos reales
Mitología muy escasa
Madera policromada (tallas)
Refuerza el realismo (no copiar
sino hacer eterno lo efímero)
72. www.lahistoriayotroscuentos.es 72
Imaginería: escuelas
Castellana
● Realismo violento,
hiriente, doloroso
● Patetismo: sentimiento a
flor de piel
● Abandono del “estofado”
● Gregorio Fernández
Andaluza
● Realismo sosegado,
bello, correcto, espiritual
● Belleza y elegancia
● Mantenimiento del
“estofado” de oro
● Juan Martínez
Montañés, Alonso Cano
y Pedro de Mena
87. www.lahistoriayotroscuentos.es 87
Bibliografía
● GOMBRICH, E.H., La historia de arte, Debate,
Madrid, 2006
● VV.AA., Conceptos fundamentales del arte,
Alianza Editorial, 2006.
● VV.AA., Historia del Arte, Vicens Vives,
Barcelona, 1995.