Arte neoclásico, estándares de aprendizaje EBAU. Presentación interactivaIgnacio Sobrón García
Arte neoclásico, estándares de aprendizaje EBAU. Presentación interactiva. Historia del arte 2º de Bachillerato. Contiene: Presentaciones, Comentarios de obras de arte en texto y Comentarios de obras de arte en vídeo
Características de la arquitectura rococó e imágenes de las ares decorativas que le acompañan. El Rococó en Francia, en Baviera y sur de Alemania e Imperio Autriaco. El rococó en España.
Arte neoclásico, estándares de aprendizaje EBAU. Presentación interactivaIgnacio Sobrón García
Arte neoclásico, estándares de aprendizaje EBAU. Presentación interactiva. Historia del arte 2º de Bachillerato. Contiene: Presentaciones, Comentarios de obras de arte en texto y Comentarios de obras de arte en vídeo
Características de la arquitectura rococó e imágenes de las ares decorativas que le acompañan. El Rococó en Francia, en Baviera y sur de Alemania e Imperio Autriaco. El rococó en España.
esta es una presentacion acerca de arquitectura rococo va dirigido a estudiantes de arquitectura o al publico en general que le interese o necesite saber del tema.
Una aproximación a las características generales de la arquitectura barroca, desde el análisis de algunas de las obras más significativas del barroco italiano y europeo.
Elaborada a partir de la presentación de Tomás Pérez Molina (www.slideshare.net/tomperez).
Las fuentes de los recursos utilizados figuran en la última diapositiva.
Arquitectura del Renacimiento italiano: ESPECIFICA LAS CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA RENACENTISTA ITALIANA Y EXPLICA SU EVOLUCIÓN, DESDE
EL QUATTROCENTO AL MANIERISMO. Historia del Arte 2º de Bachillerato LOMCE
esta es una presentacion acerca de arquitectura rococo va dirigido a estudiantes de arquitectura o al publico en general que le interese o necesite saber del tema.
Una aproximación a las características generales de la arquitectura barroca, desde el análisis de algunas de las obras más significativas del barroco italiano y europeo.
Elaborada a partir de la presentación de Tomás Pérez Molina (www.slideshare.net/tomperez).
Las fuentes de los recursos utilizados figuran en la última diapositiva.
Arquitectura del Renacimiento italiano: ESPECIFICA LAS CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA RENACENTISTA ITALIANA Y EXPLICA SU EVOLUCIÓN, DESDE
EL QUATTROCENTO AL MANIERISMO. Historia del Arte 2º de Bachillerato LOMCE
2. CARACTERÍSTICAS GENERALES
• S. XVII = siglo de oro de la pintura
europea.
– Rembrandt, Velázquez,
Caravaggio, Rubens…
– Producción rica y abundante,
– Diversidad de tendencias y
focos… pero con rasgos comunes.
• Naturalismo (influencia de la
ciencia).
– Realismo: fidelidad al modelo.
• Vejez, tristeza, lo popular, dolor.
– Simbolismo: los objetos remiten a
una realidad superior y revelan lo
espiritual a través de los sentidos.
• Ej. Bodegones = brevedad de la
vida y la banalidad de las cosas.
Ribera, San Andrés (arriba); Caravaggio,
Bodegón (abajo
3. CARACTERÍSTICAS GENERALES
• Espacio (¿infinito?)
– Continuum espacial
• Se rompe la barrera
entre la obra de arte y el
mundo real.
• Tema representado en el
mismo espacio que el del
espectador.
• Recursos: gestos,
miradas, decoraciones
ilusionistas, escorzos,
juegos de luces,
espejos...
Rubens, Venus en el baño, 1613-14
4. CARACTERÍSTICAS GENERALES
• Luz definición del espacio.
– Tenebrismo: luz que ilumina violentamente la parte más importante
de la escena dejando el resto en la oscuridad.
• Luz = presencia de lo divino.
– Luz intensa y vibrante.
– La luz se subordina a la forma.
Velázquez, Las lanzas Caravaggio, El martirio de San Pedro
5. CARACTERÍSTICAS GENERALES
• Movimiento
– Escorzos violentos,
diagonales, figuras
inestables…
– Captación del momento
culminante de la acción.
– Reflexión sobre la
transitoriedad y fragilidad
de la vida humana y de la
felicidad.
Rubens, El rapto de las hijas de Leucipo
6. CARACTERÍSTICAS GENERALES
• Composiciones disimétricas y
atectónicas.
– Líneas diagonales y helicoidales que
se proyectan hacia el infinito.
– Composición atectónica: la escena
continúa fuera del plano de
representación.
Rubens, El descendimiento
Rubens, Narciso
8. CARACTERÍSTICAS GENERALES
• Temática
– Religiosa (Cristo, la Virgen y santos), según la Contrarreforma.
• Experiencias místicas, martirios y muertes.
– Mitológica, alegórica o hcos.
Velázquez, La fragua de Vulcano
Caravaggio, La muerte de la virgen
9. CARACTERÍSTICAS GENERALES
• Temática
– Retrato (individual, de grupo, autorretrato), con triple objetivo:
• Muestra el rostro de la clientela.
• «Doble» del retratado (se inmortaliza).
• Retrato psicológico.
– Paisajes.
Vermeer, Vista de Delft
Rubens, Retrato del duque de Lerma
10. CARACTERÍSTICAS GENERALES
• Temática
– Pintura de género (escenas de interior que narran acontecimientos
cotidianos y sencillos).
– Bodegones (naturaleza muerta). Para decorar interiores.
• Riqueza: floreros, fruteros, instrumentos, cacharros, mesas con
alimentos…
• Vanitas: intención simbólica al hacernos reflexionar sobre la brevedad
de la vida (calaveras, relojes, joyas…).
11. ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO
• Caravaggio (Milán, 1571- Porto Ercole, 1610).
– Michelangelo Merisi, Caravaggio.
– Interés por su extraordinario valor artístico y por algunos sucesos de
su vida prototipo de artista maldito, marginal e inadaptado.
• Forma de vida escandalosa (burdeles, bajos fondos, peleas…).
– Rechazado en su tiempo, hoy es valorado como merece.
– Primeras obras: bodegones y pinturas de jóvenes de medio cuerpo
con algún objeto.
12. ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO
• 1595: es acogido por el cardenal Francisco M. del Monte fama.
• Gran encargo: decoración de la capilla de la familia Contarelli para la
iglesia de San Luis de los Franceses, de Roma, con escenas de la vida
de San Mateo (San Mateo y el ángel, La vocación de San Mateo y El
martirio de San Mateo).
13. ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO
• Iglesia de Santa María del Popolo: La conversión de San Pablo y La
crucifixión de San Pedro.
14. ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO
• A partir de estos momentos trabaja de manera ininterrumpida aunque no
todas sus obras gozarán del mismo reconocimiento: El Santo
Entierro, La Muerte de la Virgen…
15. ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO
• Características de la pintura de Caravaggio
– Temática religiosa:
• Ideas contrarreformistas (escenas sagradas de cotidiana sencillez).
• Rechazadas por el clero oficial, se le acusará de falta de decoro.
• Personajes sencillos, humildes, de los bajos fondos romanos, más
cercanos a la gente del pueblo.
– Pasión por lo real (enorme precisión en los detalles, p. ej. en sus
naturalezas muertas).
16. ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO
• Características de la pintura de
Caravaggio
– Manejo de la luz revolucionario
tenebrismo.
• Potente foco de luz que ilumina
las figuras aislándolas en un
espacio oscuro, como un gran
vacío.
• Luz, verdadera protagonista de
sus cuadros:
– Modela las figuras.
– Define espacios.
– Simbolismo: luz =
divinidad.
17. ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO
• Características de la pintura de Caravaggio.
– Pinta directamente sobre el lienzo (“arrepentimientos”).
– Estudio de rostros y emociones gestualidad muy teatral.
– Capta el momento de mayor intensidad emocional y dramática.
– Composiciones abiertas y llenas de dinamismo.
18. LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. 1598-1600.
CARAVAGGIO. ÓLEO. 3'22 X 3'40 M. IGLESIA DE
SAN LUIS DE LOS FRANCESES, ROMA.
19. LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. 1598-1600.
CARAVAGGIO. ÓLEO. 3'22 X 3'40 M. IGLESIA DE
SAN LUIS DE LOS FRANCESES, ROMA.
• Pasaje evangélico de la conversión de San Mateo:
– "Pasando Jesús por allí, vio a un hombre sentado en el despacho de
impuestos, de nombre Mateo, y le dijo: Sígueme. Y él levantándose,
le siguió" (San Mateo, 9; 9-10).
20. LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. 1598-1600.
CARAVAGGIO. ÓLEO. 3'22 X 3'40 M. IGLESIA DE
SAN LUIS DE LOS FRANCESES, ROMA.
• Naturalismo: acercar las escenas sagradas a la gente sencilla.
– Tipos humanos tomados de los barrios romanos que él frecuentaba.
• Luz: papel fundamental al iluminar selectivamente la escena.
– Dirigida.
– Tenebrismo (luz de la Verdad).
• Magnífico estudio de las reacciones de los personajes.
21. LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. 1598-1600.
CARAVAGGIO. ÓLEO. 3'22 X 3'40 M. IGLESIA DE
SAN LUIS DE LOS FRANCESES, ROMA.
• Composición aumenta el dramatismo.
– La parte inferior, ocupada por las figuras.
– La superior, casi vacía, intensifica el efecto dramático de la acción.
22. ITALIA: EL BARROCO CLASICISTA
• En Bolonia reacción antimanierista e intelectualizada.
– Arte noble y culto (recobra el arte mitológico o alegórico).
• Principales representantes: Anibal Carracci y Guido Reni.
– Estilo clasicista y ecléctico: terribilità de Miguel Ángel + dibujo sobrio
de la escuela romana + color veneciano.
– Crearán el “paisaje histórico/heróico/clasicista” (composiciones
equilibradas, ruinas clásicas).
23. ITALIA: EL BARROCO DECORATIVISTA
• Basada en la quadratura y trampantojo.
• Destaca Pietro da Cortona, Luca Giordano y Andrea Pozzo
– Movimiento + abundancia de personajes.
24. FRANCIA
• Tendencia naturalista:
– Georges La Tour: tenebrista, composición equilibrada.
– Hermanos Le Nain: escenas campesinas de tono severo y austero.
25. FRANCIA
• Tendencia clasicista: Nicolas Poussin
– Influenciado por clasicistas y venecianos, desarrolla un arte refinado
y cortesano, en el que se muestra un claro interés por la naturaleza
con una visión dinámica (filosofía estoica y panteístas).
26. Pintura flamenca: Rubens (1577– 1640)
• Éxito ininterrumpido hasta su muerte.
• Enorme producción, con temas muy variados: religiosos, hcos,
alegóricos, mitológicos, retratos, paisajes, costumbristas…
• Hombre inmensamente culto.
27. Pintura flamenca: Rubens (1577– 1640)
• Influencias:
– Venecia: color, pincelada amplia
y gusto por la mitología.
– Miguel Ángel: modelos
anatómicos y dramatismo.
– Tiziano: desnudo femenino.
– Al principio: influencia del
tenebrismo; desaparece
después.
• Magnífico intérprete del
catolicismo contrarreformista.
– Concepción aristocrática, lujosa
y deslumbrante de la pintura.
29. Pintura flamenca: Rubens (1577– 1640)
• Pintura luminosa y rica en
color.
– Paleta muy cálida, pincelada
suelta y amplia.
• Luz intensa que parece surgir
de las propias figuras.
• Maestro en la representación
del cuerpo humano.
• Enorme vitalidad y
optimismo y magnífica
captación de la materialidad.
30. RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO. 1618-20.
RUBENS. ÓLEO, 2'22 X 2'09 M. MUNICH.
• Papel destacado de la
temática mitológica,
• Tema: rapto de las hijas de
Leucipo, rey de Tebas, por
los Dioscuros, Cástor y
Pólux.
– Cástor levanta desde el
caballo a Hilaria.
– Pólux trata de vencer la
resistencia de Febe.
– Dos amorcillos completan la
escena: uno se aferra al
encabritado caballo de
Pólux, mientras el otro
retiene al caballo de Cástor
por la brida.
31. RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO. 1618-20.
RUBENS. ÓLEO, 2'22 X 2'09 M. MUNICH.
• Composición
– Gran dinamismo.
– Líneas de composición
curvas y diagonales.
– Principal: brazo extendido de
Hilaria.
– Otras diagonales acentúan el
ritmo dramático de la obra:
• Línea por las cabezas de los
tres personajes.
• Líneas curvas dibujadas por
los cuerpos de las mujeres
• Todas las figuras se cierran
en un claro círculo.
• Punto de vista bajo
refuerza el dramatismo.
32. RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO. 1618-20.
RUBENS. ÓLEO, 2'22 X 2'09 M. MUNICH.
• Obra que ha abandonado el
tenebrismo de sus inicios.
• Influencia de la pintura
veneciana.
– Luz intensa, que emana de
las figuras.
– Colores brillantes y
luminosos.
• Destacan los tonos
nacarados nórdicos de las
anatomías femeninas, que
reflejan el influjo de Miguel
Ángel.
33. RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO. 1618-20.
RUBENS. ÓLEO, 2'22 X 2'09 M. MUNICH.
• Técnica:
– Dibujo potente.
– Pincelada más suelta y amplia
– No pierde el gusto por el
detalle propio de la tradición
flamenca.
• Trenzado del cabello y
adornos de Febe
• Paisaje
• Reflejos de la armadura de
Cástor.
34. Pintura flamenca: Van Dyck (1599-1641)
Van Dyck,
Retrato de Carlos I
de Inglaterra, 1635
35. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)
• Principal representante de la escuela holandesa.
• Extensa obra.
• Refleja la dimensión espiritual del hombre y la presencia del
misterio en el mundo.
36. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)
• Extraordinario manejo de la luz.
– Su claroscuro no presenta el nítido contraste luces/sombras del
tenebrismo múltiples intensidades en zonas de sombra.
• Imágenes “misteriosas”.
• Estallidos de luz brillante en un rincón dimensión poética.
37. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)
• Composición
– Renuncia a los efectos teatrales, diagonales y círculos.
– Formas partidas (mesas o puertas) para enmarcar las escenas.
38. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)
• Color
– Primer periodo: predominan los tonos fríos.
– A partir de los años 40: su paleta se enriquece con tonos más cálidos
(espléndidos dorados).
39. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)
• Pincelada
– Muy audaz, de gruesos empastes (sucesivas capas de color),
sorprendentes en su época.
– Enigmáticos difuminados que prestan a sus personajes una
apariencia especial.
40. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)
• Temática variada
– Pintura religiosa
• Muy abundante (850 obras) siendo un país calvinista.
• Atmósfera de sosiego + ambientes misteriosos + encuentro
interior del hombre con la divinidad.
41. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)
• Temática variada
– Paisaje
• Muy popular en la pintura holandesa.
• Transparencia del aire (magistral dominio de la luz).
42. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)
• Temática variada
– Retratos (unos 400, casi 2/3 de su obra).
• Autorretratos (60 pinturas, 20 grabados y 10 dibujos).
28 años
34 años
50 años
55 años
43. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)
• Temática variada
– Retratos (unos 400, casi 2/3 de su obra).
• Individuales (Saskia, Hendrickje, Titus). Reflejan el interior de los
personajes, destacando la mirada.
• De grupo (manifestación singular de la pintura holandesa).
Glorificaba el espíritu cívico de los burgueses holandeses.
44. Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)
• Temática variada
– Otros: pinturas de género, mitología o historia.
• Importancia de dibujos y grabados.
45. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo.
3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
• Obra bastante oscurecida por la suciedad Ronda de noche.
• Título original: La Compañía del capitán Frans Banning Cocq y el
teniente Willem van Ruitenburch.
46. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo.
3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
47. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo.
3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
48. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo.
3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
• 1715: recortada para ubicarla en el Ayuntamiento de Amsterdam.
49. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo.
3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
• Sufrió un ataque en 1975.
• Hoy restaurada y en perfecto estado.
50. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo.
3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
• Encargo de un retrato de
un grupo de milicianos
civiles para el gran salón
del Kloveniersloeden,
sede de la sociedad de
arcabuceros.
– Desde finales de la
Edad Media, Amsterdam
contaba con milicias
ciudadanas, formadas
por burgueses.
– Papel importante en el
alzamiento contra la
ocupación española.
51. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo.
3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
• Son 18 miembros de la compañía del capitán Banning Cocq, cuyos
nombres figuran en el escudo superior.
– Hecho verídico: ¿visita oficial de María de Medici a la ciudad en 1638?
• No se ajusta a las convenciones del género:
– Retratados en movimiento.
– Momento en el que van a salir a hacer la ronda por Amsterdam.
52. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo.
3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
53. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo.
3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
• Composición
Aparentemente
desordenada…
Pero modo
racional con un
eje horizontal
(personajes) +
diagonales (lanza
y bandera) +
centro luminoso
(dos
protagonistas).
54. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo.
3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
• Luz
55. La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo.
3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
• Color
– Pinceladas
densas, casi con
relieve.
– Destacan los
tonos cálidos:
tierras y ocres,
rojo del echarpe
del protagonista y
del soldado.
– Espléndido el
amarillo oro del
traje del
lugarteniente y la
niña.
63. Pintura española
• Evolución
Etapa sevillana y
1ª madrileña
(1610-28)
1º viaje a Italia y 2ª
etapa madrileña
(1628-49)
2º viaje a Italia y 3ª
etapa madrileña
(1649-60)
Técnica
Naturalismo tenebrista.
Gran realismo
Técnica más ligera, más
libre, luminosa y
moderna.
Magistral dominio de la
perspectiva aérea
(atmósfera palpable).
Paleta Tonos oscuros y ocres Más clara Enriquecida
Pincelada
Corta, escueta y
compacta
Muy suaves y ligeras
(poco pastosa).
Más suelta y libre
(preimpresionista)
Composición
Gran sencillez y
sobriedad
Más complejas
Muy rítmicas, con varios
planos
Luz
Tenebrista: fuertes
contrastes y “figuras-
esculturas”
Gana espacio la luz.
Diversos focos de luz
que iluminan
escalonadamente la
escena
Ejemplos
El aguador , La vieja
friendo huevos
Cuadros de caza: montes
grises y encinares pardos
"velazqueños”
Meninas, Hilanderas
64. Pintura española
• Evolución
Etapa sevillana y 1ª
madrileña (1610-28)
Técnica
Naturalismo
tenebrista. Gran
realismo
Paleta
Tonos oscuros y
ocres
Pincelada
Corta, escueta y
compacta
Composición
Gran sencillez y
sobriedad
Luz
Tenebrista: fuertes
contrastes y
“figuras-esculturas”
Ejemplos
El aguador , La
vieja friendo huevos
65. Pintura española
• Evolución
1º viaje a Italia y 2ª etapa
madrileña (1628-49)
Técnica
Técnica más
ligera, más libre,
luminosa y
moderna.
Paleta Más clara
Pincelada
Muy suaves y
ligeras (poco
pastosa).
Composición Más complejas
Luz Gana espacio .
Ejemplos
Cuadros de caza:
montes grises y
encinares pardos
"velazqueños”
66. Pintura española
• Evolución
2º viaje a Italia y 3ª etapa
madrileña (1649-60)
Técnica
Magistral dominio
de la perspectiva
aérea (atmósfera
palpable).
Paleta Enriquecida
Pincelada
Más suelta y libre
(preimpresionista)
Composición
Muy rítmicas, con
varios planos
Luz
Diversos focos de
luz que iluminan
escalonadamente
la escena
Ejemplos
Meninas,
Hilanderas
67. Pintura española
• Temática
– Retratos. Excepcionales, captando la personalidad del retratado.
• Retratos reales
– Sin adulación, Felipe IV refleja cierta melancolía respeto y distancia en el
espectador.
68. Pintura española
• De corte
– Modelos masculinos, con trajes muy severos, de pie o de perfil sobre fondos
de color gris verdoso. Portan muy pocos accesorios.
– Damas con trajes de gran riqueza y empaque, con compostura y gravedad,
como correspondía a su altísimo rango.
Pablo de Valladolid (1636-37), Góngora (1622), Autorretrato (h. 1640), Isabel de Borbón (1632)
70. Pintura española
• De caza
– Perros tan importantes para el pintor como sus dueños.
– Aire de la sierra madrileña.
• Ecuestres
– Caballos, con cuerpos enormes, patas finas, cabezas nerviosas.
71. Pintura española
• De niños
– Modelos preferidos: tonalidades ligeras, refinadas y luminosas; gran armonía
y naturalidad.
• De bufones.
– Dignidad: comprensión y realismo, sin prejuicios. Trabaja con total libertad.
72. Pintura española
– Mitológicos, aunque con una visión muy personal.
– Otros:
• Bodegones y cuadros de género (en sus primeras obras).
• Históricos (La rendición de Breda).
• Paisajes.
• Temática religiosa (poco importante).
73. Retrato ecuestre del conde duque de
Olivares. 1634. Velázquez. Óleo. 3'13 x 2'39
m. Prado.
• Gaspar de Guzmán, conde duque
de Olivares, valido de Felipe IV.
– Se inspira en el Retrato del Duque
de Lerma, de Rubens.
• Parte inferior izda.: papel en blanco.
• Revela su fuerte personalidad y
poderosa voluntad (= rey).
– Ataviado de militar: armadura negra
recamada en oro, banda carmesí de
general y bastón de mando.
– A caballo, de perfil, y mirando al
frente, con un gesto orgulloso y
desafiante.
– Actitud briosa del caballo.
– Humo del fondo.
74. Retrato ecuestre del conde duque de
Olivares. 1634. Velázquez. Óleo. 3'13 x 2'39
m. Prado.
• Composición muy dinámica:
– Postura del caballo que dibuja
una diagonal ascendente.
– Diagonales marcadas por la
espada, el bastón, el humo al
fondo...
• Paisaje típicamente velazqueño:
– Gama de verdes y grises.
– Cielo oscurecido con un humo
gris azulado que se eleva de la
ciudad en llamas.
75. Las Meninas. 1656. Velázquez. Óleo sobre
lienzo, 3'10 x 2'76 m. Prado, Madrid.
76. Las hilanderas o La fábula de Aracne. 1657.
Velázquez. Óleo lienzo, 2'20 x 2'89 m Prado.
• Pintada para el montero mayor del rey, Pedro de Arce, en el s.
XVIII llegó a las colecciones reales.
• Afectada por el incendio del Alcázar en 1734, se le añadieron
cuatro franjas en los bordes (p. e. el arco de la habitación).
77. Las hilanderas o La fábula de Aracne. 1657.
Velázquez. Óleo lienzo, 2'20 x 2'89 m Prado.
• Tema:
– Durante años se pensó que representaba una fábrica de tapices.
– Diego Angulo descubrió su significado: el artista quiso ilustrar el mito
de Atenea y Aracne, según nos cuenta Ovidio en Las Metamorfosis.
78. Las hilanderas o La fábula de Aracne. 1657.
Velázquez. Óleo lienzo, 2'20 x 2'89 m Prado.
• En primer término
– De manera contrapuesta, aparecen Atenea como una anciana
(aunque la pierna es de una joven) y la joven Aracne compitiendo.
• Al fondo
– Aparecen tres damas, una de ellas mira hacia el espectador.
– Tras ellas, Palas Atenea y Aracne que:
• Para algunos autores son parte del tapiz en que se representa El Rapto
de Europa de Tiziano (homenaje al pintor veneciano).
• Para otros son personajes reales.
79. Las hilanderas o La fábula de Aracne. 1657.
Velázquez. Óleo lienzo, 2'20 x 2'89 m Prado.
• Uso magistral de la perspectiva aérea
– Capta a la perfección la luz y la sutil vibración del aire.
• Detalles de modernidad:
– Forma de pintar los dedos de la mujer que enrolla la lana.
– Rostro emborronado de la hilandera en segundo término.
– Rueda de la rueca en movimiento.
– Representación de la mano que la ha impulsado como una mancha.
80. Las hilanderas o La fábula de Aracne. 1657.
Velázquez. Óleo lienzo, 2'20 x 2'89 m Prado.
• Significado de la obra diversas interpretaciones.
– Una de las más aceptadas: alegato a favor de la nobleza de la
pintura a la que se alude al fondo, frente a los oficios manuales,
representados en primer término.
81. Pintura española
• Focos:
– Escuela de Valencia: JOSÉ DE RIBERA (1591-1652)
El patizambo
Magdalena Ventura con su marido e
hijo
Arquímedes
82. Pintura española
• Focos:
– Escuela de Valencia: JOSÉ DE RIBERA (1591-1652)
Santa María MagdalenaEl sueño de Jacob
San Onofre
83. El Martirio de San Felipe. 1639. Ribera. Óleo
sobre lienzo 2'34 x 2'34 m. Museo del Prado.
• Martirio de San Felipe (no el
de San Bartolomé).
– San Felipe, tras la muerte de
Jesús, se desplazó a Frigia
para predicar entre los
paganos que le dieron
muerte atándolo en una cruz.
• Preparación del martirio:
– Los verdugos alzando al
santo que tiene los brazos
atados.
– Un grupo de personajes
observan la escena, entre los
que destaca la figura de una
mujer con un niño en brazos
y que mira al espectador.
84. El Martirio de San Felipe. 1639. Ribera. Óleo
sobre lienzo 2'34 x 2'34 m. Museo del Prado.
• Poderoso dibujo:
– Realismo en la anatomía.
• Composición compleja:
– Cuerpo iluminado del santo
marca una diagonal que es el
eje de la composición.
– Otras líneas refuerzan esta
sensación de dinamismo
vertical (cuerdas o palo
horizontal).
• Tensión dramática:
• Esfuerzo de los verdugos
para levantar al santo.
– Rostro de San Felipe =
sufrimiento y su mirada de
súplica se dirige al cielo.
85. El Martirio de San Felipe. 1639. Ribera. Óleo
sobre lienzo 2'34 x 2'34 m. Museo del Prado.
• La obra no presenta ya el acusado tenebrismo.
– Zonas oscuras pero un luminoso cielo azul y un rojo intenso del
verdugo a la derecha.
• Significación:
– Martirios despertar la compasión de los fieles y reflejar su
importancia como vía de santidad.