Pintura barroca

CARACTERÍSTICAS GENERALES
• S. XVII = siglo de oro de la pintura
europea.
– Rembrandt, Velázquez,
Caravaggio, Rubens…
– Producción rica y abundante,
– Diversidad de tendencias y
focos… pero con rasgos comunes.
• Naturalismo (influencia de la
ciencia).
– Realismo: fidelidad al modelo.
• Vejez, tristeza, lo popular, dolor.
– Simbolismo: los objetos remiten a
una realidad superior y revelan lo
espiritual a través de los sentidos.
• Ej. Bodegones = brevedad de la
vida y la banalidad de las cosas.
Ribera, San Andrés (arriba); Caravaggio,
Bodegón (abajo

• Espacio (¿infinito?)
– Continuum espacial
• Se rompe la barrera
entre la obra de arte y el
mundo real.
• Tema representado en el
mismo espacio que el del
espectador.
• Recursos: gestos,
miradas, decoraciones
ilusionistas, escorzos,
juegos de luces,
espejos...
Rubens, Venus en el baño, 1613-14

• Luz  definición del espacio.
– Tenebrismo: luz que ilumina violentamente la parte más importante
de la escena dejando el resto en la oscuridad.
• Luz = presencia de lo divino.
– Luz intensa y vibrante.
– La luz se subordina a la forma.
Velázquez, Las lanzas Caravaggio, El martirio de San Pedro

• Movimiento
– Escorzos violentos,
diagonales, figuras
inestables…
– Captación del momento
culminante de la acción.
– Reflexión sobre la
transitoriedad y fragilidad
de la vida humana y de la
felicidad.
Rubens, El rapto de las hijas de Leucipo

• Composiciones disimétricas y
atectónicas.
– Líneas diagonales y helicoidales que
se proyectan hacia el infinito.
– Composición atectónica: la escena
continúa fuera del plano de
representación.
Rubens, El descendimiento
Rubens, Narciso

• Técnicas:
– Preferentemente el óleo, sobre lienzo o tabla
– Pintura mural al fresco en paredes, bóvedas y cúpulas.

• Temática
– Religiosa (Cristo, la Virgen y santos), según la Contrarreforma.
• Experiencias místicas, martirios y muertes.
– Mitológica, alegórica o hcos.
Velázquez, La fragua de Vulcano
Caravaggio, La muerte de la virgen

• Temática
– Retrato (individual, de grupo, autorretrato), con triple objetivo:
• Muestra el rostro de la clientela.
• «Doble» del retratado (se inmortaliza).
• Retrato psicológico.
– Paisajes.
Vermeer, Vista de Delft
Rubens, Retrato del duque de Lerma

• Temática
– Pintura de género (escenas de interior que narran acontecimientos
cotidianos y sencillos).
– Bodegones (naturaleza muerta). Para decorar interiores.
• Riqueza: floreros, fruteros, instrumentos, cacharros, mesas con
alimentos…
• Vanitas: intención simbólica al hacernos reflexionar sobre la brevedad
de la vida (calaveras, relojes, joyas…).

ITALIA: LA OBRA DE CARAVAGGIO
• Caravaggio (Milán, 1571- Porto Ercole, 1610).
– Michelangelo Merisi, Caravaggio.
– Interés por su extraordinario valor artístico y por algunos sucesos de
su vida  prototipo de artista maldito, marginal e inadaptado.
• Forma de vida escandalosa (burdeles, bajos fondos, peleas…).
– Rechazado en su tiempo, hoy es valorado como merece.
– Primeras obras: bodegones y pinturas de jóvenes de medio cuerpo
con algún objeto.

• 1595: es acogido por el cardenal Francisco M. del Monte  fama.
• Gran encargo: decoración de la capilla de la familia Contarelli para la
iglesia de San Luis de los Franceses, de Roma, con escenas de la vida
de San Mateo (San Mateo y el ángel, La vocación de San Mateo y El
martirio de San Mateo).

• Iglesia de Santa María del Popolo: La conversión de San Pablo y La
crucifixión de San Pedro.

• A partir de estos momentos trabaja de manera ininterrumpida aunque no
todas sus obras gozarán del mismo reconocimiento: El Santo
Entierro, La Muerte de la Virgen…

• Características de la pintura de Caravaggio
– Temática religiosa:
• Ideas contrarreformistas (escenas sagradas de cotidiana sencillez).
• Rechazadas por el clero oficial, se le acusará de falta de decoro.
• Personajes sencillos, humildes, de los bajos fondos romanos, más
cercanos a la gente del pueblo.
– Pasión por lo real (enorme precisión en los detalles, p. ej. en sus
naturalezas muertas).

• Características de la pintura de
Caravaggio
– Manejo de la luz revolucionario
 tenebrismo.
• Potente foco de luz que ilumina
las figuras aislándolas en un
espacio oscuro, como un gran
vacío.
• Luz, verdadera protagonista de
sus cuadros:
– Modela las figuras.
– Define espacios.
– Simbolismo: luz =
divinidad.

• Características de la pintura de Caravaggio.
– Pinta directamente sobre el lienzo (“arrepentimientos”).
– Estudio de rostros y emociones  gestualidad muy teatral.
– Capta el momento de mayor intensidad emocional y dramática.
– Composiciones abiertas y llenas de dinamismo.

LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. 1598-1600.
CARAVAGGIO. ÓLEO. 3'22 X 3'40 M. IGLESIA DE
SAN LUIS DE LOS FRANCESES, ROMA.

• Pasaje evangélico de la conversión de San Mateo:
– "Pasando Jesús por allí, vio a un hombre sentado en el despacho de
impuestos, de nombre Mateo, y le dijo: Sígueme. Y él levantándose,
le siguió" (San Mateo, 9; 9-10).

• Naturalismo: acercar las escenas sagradas a la gente sencilla.
– Tipos humanos tomados de los barrios romanos que él frecuentaba.
• Luz: papel fundamental al iluminar selectivamente la escena.
– Dirigida.
– Tenebrismo (luz de la Verdad).
• Magnífico estudio de las reacciones de los personajes.

• Composición  aumenta el dramatismo.
– La parte inferior, ocupada por las figuras.
– La superior, casi vacía, intensifica el efecto dramático de la acción.

ITALIA: EL BARROCO CLASICISTA
• En Bolonia  reacción antimanierista e intelectualizada.
– Arte noble y culto (recobra el arte mitológico o alegórico).
• Principales representantes: Anibal Carracci y Guido Reni.
– Estilo clasicista y ecléctico: terribilità de Miguel Ángel + dibujo sobrio
de la escuela romana + color veneciano.
– Crearán el “paisaje histórico/heróico/clasicista” (composiciones
equilibradas, ruinas clásicas).

ITALIA: EL BARROCO DECORATIVISTA
• Basada en la quadratura y trampantojo.
• Destaca Pietro da Cortona, Luca Giordano y Andrea Pozzo
– Movimiento + abundancia de personajes.

FRANCIA
• Tendencia naturalista:
– Georges La Tour: tenebrista, composición equilibrada.
– Hermanos Le Nain: escenas campesinas de tono severo y austero.

FRANCIA
• Tendencia clasicista: Nicolas Poussin
– Influenciado por clasicistas y venecianos, desarrolla un arte refinado
y cortesano, en el que se muestra un claro interés por la naturaleza
con una visión dinámica (filosofía estoica y panteístas).

Pintura flamenca: Rubens (1577– 1640)
• Éxito ininterrumpido hasta su muerte.
• Enorme producción, con temas muy variados: religiosos, hcos,
alegóricos, mitológicos, retratos, paisajes, costumbristas…
• Hombre inmensamente culto.

• Influencias:
– Venecia: color, pincelada amplia
y gusto por la mitología.
– Miguel Ángel: modelos
anatómicos y dramatismo.
– Tiziano: desnudo femenino.
– Al principio: influencia del
tenebrismo; desaparece
después.
• Magnífico intérprete del
catolicismo contrarreformista.
– Concepción aristocrática, lujosa
y deslumbrante de la pintura.

• Composiciones complejas y fastuosas, de efecto escenográfico.
– Esquemas compositivos abiertos: diagonales, elipsis…
– Extraordinario dinamismo.

• Pintura luminosa y rica en
color.
– Paleta muy cálida, pincelada
suelta y amplia.
• Luz intensa que parece surgir
de las propias figuras.
• Maestro en la representación
del cuerpo humano.
• Enorme vitalidad y
optimismo y magnífica
captación de la materialidad.

RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO. 1618-20.
RUBENS. ÓLEO, 2'22 X 2'09 M. MUNICH.
• Papel destacado de la
temática mitológica,
• Tema: rapto de las hijas de
Leucipo, rey de Tebas, por
los Dioscuros, Cástor y
Pólux.
– Cástor levanta desde el
caballo a Hilaria.
– Pólux trata de vencer la
resistencia de Febe.
– Dos amorcillos completan la
escena: uno se aferra al
encabritado caballo de
Pólux, mientras el otro
retiene al caballo de Cástor
por la brida.

• Composición
– Gran dinamismo.
– Líneas de composición
curvas y diagonales.
– Principal: brazo extendido de
Hilaria.
– Otras diagonales acentúan el
ritmo dramático de la obra:
• Línea por las cabezas de los
tres personajes.
• Líneas curvas dibujadas por
los cuerpos de las mujeres
• Todas las figuras se cierran
en un claro círculo.
• Punto de vista bajo 
refuerza el dramatismo.

• Obra que ha abandonado el
tenebrismo de sus inicios.
• Influencia de la pintura
veneciana.
– Luz intensa, que emana de
las figuras.
– Colores brillantes y
luminosos.
• Destacan los tonos
nacarados nórdicos de las
anatomías femeninas, que
reflejan el influjo de Miguel
Ángel.

• Técnica:
– Dibujo potente.
– Pincelada más suelta y amplia
– No pierde el gusto por el
detalle propio de la tradición
flamenca.
• Trenzado del cabello y
adornos de Febe
• Paisaje
• Reflejos de la armadura de
Cástor.

Pintura flamenca: Van Dyck (1599-1641)
Van Dyck,
Retrato de Carlos I
de Inglaterra, 1635

Pintura holandesa: Rembrandt (1606-69)
• Principal representante de la escuela holandesa.
• Extensa obra.
• Refleja la dimensión espiritual del hombre y la presencia del
misterio en el mundo.

• Extraordinario manejo de la luz.
– Su claroscuro no presenta el nítido contraste luces/sombras del
tenebrismo  múltiples intensidades en zonas de sombra.
• Imágenes “misteriosas”.
• Estallidos de luz brillante en un rincón  dimensión poética.

• Composición
– Renuncia a los efectos teatrales, diagonales y círculos.
– Formas partidas (mesas o puertas) para enmarcar las escenas.

• Color
– Primer periodo: predominan los tonos fríos.
– A partir de los años 40: su paleta se enriquece con tonos más cálidos
(espléndidos dorados).

• Pincelada
– Muy audaz, de gruesos empastes (sucesivas capas de color),
sorprendentes en su época.
– Enigmáticos difuminados que prestan a sus personajes una
apariencia especial.

• Temática variada
– Pintura religiosa
• Muy abundante (850 obras) siendo un país calvinista.
• Atmósfera de sosiego + ambientes misteriosos + encuentro
interior del hombre con la divinidad.

– Paisaje
• Muy popular en la pintura holandesa.
• Transparencia del aire (magistral dominio de la luz).

– Retratos (unos 400, casi 2/3 de su obra).
• Autorretratos (60 pinturas, 20 grabados y 10 dibujos).
28 años
34 años
50 años
55 años

– Retratos (unos 400, casi 2/3 de su obra).
• Individuales (Saskia, Hendrickje, Titus). Reflejan el interior de los
personajes, destacando la mirada.
• De grupo (manifestación singular de la pintura holandesa).
Glorificaba el espíritu cívico de los burgueses holandeses.

– Otros: pinturas de género, mitología o historia.
• Importancia de dibujos y grabados.

La ronda de noche. 1642. Rembrandt. Óleo.
3'59 x 4'38 m. Rijkmuseum de Amsterdam.
• Obra bastante oscurecida por la suciedad  Ronda de noche.
• Título original: La Compañía del capitán Frans Banning Cocq y el
teniente Willem van Ruitenburch.

• 1715: recortada para ubicarla en el Ayuntamiento de Amsterdam.

• Sufrió un ataque en 1975.
• Hoy restaurada y en perfecto estado.

• Encargo de un retrato de
un grupo de milicianos
civiles para el gran salón
del Kloveniersloeden,
sede de la sociedad de
arcabuceros.
– Desde finales de la
Edad Media, Amsterdam
contaba con milicias
ciudadanas, formadas
por burgueses.
– Papel importante en el
alzamiento contra la
ocupación española.

• Son 18 miembros de la compañía del capitán Banning Cocq, cuyos
nombres figuran en el escudo superior.
– Hecho verídico: ¿visita oficial de María de Medici a la ciudad en 1638?
• No se ajusta a las convenciones del género:
– Retratados en movimiento.
– Momento en el que van a salir a hacer la ronda por Amsterdam.

• Composición
Aparentemente
desordenada…
Pero modo
racional con un
eje horizontal
(personajes) +
diagonales (lanza
y bandera) +
centro luminoso
(dos
protagonistas).

• Luz

• Color
– Pinceladas
densas, casi con
relieve.
– Destacan los
tonos cálidos:
tierras y ocres,
rojo del echarpe
del protagonista y
del soldado.
– Espléndido el
amarillo oro del
traje del
lugarteniente y la
niña.

Pintura española
• S. XVII = Siglo de Oro de la pintura española.

Pintura española
• Características generales:
– Temática religiosa.

Pintura española
– Contrarreforma y al servicio del poder (escuela madrileña).

Pintura española
– Realismo (retratos, incluso de tipos populares y bodegones).

Pintura española
– Tenebrismo  pintura más colorista y luminosa.

Pintura española
• Focos:
– Escuela madrileña: DIEGO DE SILVA Y VELÁZQUEZ (1559-1660).

Pintura española
• Evolución
Etapa sevillana y
1ª madrileña
(1610-28)
1º viaje a Italia y 2ª
etapa madrileña
(1628-49)
2º viaje a Italia y 3ª
etapa madrileña
(1649-60)
Técnica
Naturalismo tenebrista.
Gran realismo
Técnica más ligera, más
libre, luminosa y
moderna.
Magistral dominio de la
perspectiva aérea
(atmósfera palpable).
Paleta Tonos oscuros y ocres Más clara Enriquecida
Pincelada
Corta, escueta y
compacta
Muy suaves y ligeras
(poco pastosa).
Más suelta y libre
(preimpresionista)
Composición
Gran sencillez y
sobriedad
Más complejas
Muy rítmicas, con varios
planos
Luz
Tenebrista: fuertes
contrastes y “figuras-
esculturas”
Gana espacio la luz.
Diversos focos de luz
que iluminan
escalonadamente la
escena
Ejemplos
El aguador , La vieja
friendo huevos
Cuadros de caza: montes
grises y encinares pardos
"velazqueños”
Meninas, Hilanderas

Pintura española
• Evolución
Etapa sevillana y 1ª
madrileña (1610-28)
Técnica
Naturalismo
tenebrista. Gran
realismo
Paleta
Tonos oscuros y
ocres
Pincelada
Corta, escueta y
compacta
Composición
Gran sencillez y
sobriedad
Luz
Tenebrista: fuertes
contrastes y
“figuras-esculturas”
Ejemplos
El aguador , La
vieja friendo huevos

Pintura española
• Evolución
1º viaje a Italia y 2ª etapa
Técnica
Técnica más
ligera, más libre,
luminosa y
moderna.
Paleta Más clara
Pincelada
Muy suaves y
ligeras (poco
pastosa).
Composición Más complejas
Luz Gana espacio .
Ejemplos
Cuadros de caza:
montes grises y
encinares pardos
"velazqueños”

Pintura española
• Evolución
2º viaje a Italia y 3ª etapa
Técnica
Magistral dominio
de la perspectiva
aérea (atmósfera
palpable).
Paleta Enriquecida
Pincelada
Más suelta y libre
(preimpresionista)
Composición
Muy rítmicas, con
varios planos
Luz
Diversos focos de
luz que iluminan
escalonadamente
la escena
Ejemplos
Meninas,
Hilanderas

Pintura española
• Temática
– Retratos. Excepcionales, captando la personalidad del retratado.
• Retratos reales
– Sin adulación, Felipe IV refleja cierta melancolía  respeto y distancia en el
espectador.

Pintura española
• De corte
– Modelos masculinos, con trajes muy severos, de pie o de perfil sobre fondos
de color gris verdoso. Portan muy pocos accesorios.
– Damas con trajes de gran riqueza y empaque, con compostura y gravedad,
como correspondía a su altísimo rango.
Pablo de Valladolid (1636-37), Góngora (1622), Autorretrato (h. 1640), Isabel de Borbón (1632)

Pintura española
• De corte
Inocencio X (1649-51)

Pintura española
• De caza
– Perros tan importantes para el pintor como sus dueños.
– Aire de la sierra madrileña.
• Ecuestres
– Caballos, con cuerpos enormes, patas finas, cabezas nerviosas.

Pintura española
• De niños
– Modelos preferidos: tonalidades ligeras, refinadas y luminosas; gran armonía
y naturalidad.
• De bufones.
– Dignidad: comprensión y realismo, sin prejuicios. Trabaja con total libertad.

Pintura española
– Mitológicos, aunque con una visión muy personal.
– Otros:
• Bodegones y cuadros de género (en sus primeras obras).
• Históricos (La rendición de Breda).
• Paisajes.
• Temática religiosa (poco importante).

Retrato ecuestre del conde duque de
Olivares. 1634. Velázquez. Óleo. 3'13 x 2'39
m. Prado.
• Gaspar de Guzmán, conde duque
de Olivares, valido de Felipe IV.
– Se inspira en el Retrato del Duque
de Lerma, de Rubens.
• Parte inferior izda.: papel en blanco.
• Revela su fuerte personalidad y
poderosa voluntad (= rey).
– Ataviado de militar: armadura negra
recamada en oro, banda carmesí de
general y bastón de mando.
– A caballo, de perfil, y mirando al
frente, con un gesto orgulloso y
desafiante.
– Actitud briosa del caballo.
– Humo del fondo.

Retrato ecuestre del conde duque de
Olivares. 1634. Velázquez. Óleo. 3'13 x 2'39
m. Prado.
• Composición muy dinámica:
– Postura del caballo que dibuja
una diagonal ascendente.
– Diagonales marcadas por la
espada, el bastón, el humo al
fondo...
• Paisaje típicamente velazqueño:
– Gama de verdes y grises.
– Cielo oscurecido con un humo
gris azulado que se eleva de la
ciudad en llamas.

Las Meninas. 1656. Velázquez. Óleo sobre
lienzo, 3'10 x 2'76 m. Prado, Madrid.

Las hilanderas o La fábula de Aracne. 1657.
Velázquez. Óleo lienzo, 2'20 x 2'89 m Prado.
• Pintada para el montero mayor del rey, Pedro de Arce, en el s.
XVIII llegó a las colecciones reales.
• Afectada por el incendio del Alcázar en 1734, se le añadieron
cuatro franjas en los bordes (p. e. el arco de la habitación).

• Tema:
– Durante años se pensó que representaba una fábrica de tapices.
– Diego Angulo descubrió su significado: el artista quiso ilustrar el mito
de Atenea y Aracne, según nos cuenta Ovidio en Las Metamorfosis.

• En primer término
– De manera contrapuesta, aparecen Atenea como una anciana
(aunque la pierna es de una joven) y la joven Aracne compitiendo.
• Al fondo
– Aparecen tres damas, una de ellas mira hacia el espectador.
– Tras ellas, Palas Atenea y Aracne que:
• Para algunos autores son parte del tapiz en que se representa El Rapto
de Europa de Tiziano (homenaje al pintor veneciano).
• Para otros son personajes reales.

• Uso magistral de la perspectiva aérea
– Capta a la perfección la luz y la sutil vibración del aire.
• Detalles de modernidad:
– Forma de pintar los dedos de la mujer que enrolla la lana.
– Rostro emborronado de la hilandera en segundo término.
– Rueda de la rueca en movimiento.
– Representación de la mano que la ha impulsado como una mancha.

• Significado de la obra  diversas interpretaciones.
– Una de las más aceptadas: alegato a favor de la nobleza de la
pintura a la que se alude al fondo, frente a los oficios manuales,
representados en primer término.

Pintura española
• Focos:
– Escuela de Valencia: JOSÉ DE RIBERA (1591-1652)
El patizambo
Magdalena Ventura con su marido e
hijo
Arquímedes

Pintura española
• Focos:
– Escuela de Valencia: JOSÉ DE RIBERA (1591-1652)
Santa María MagdalenaEl sueño de Jacob
San Onofre

El Martirio de San Felipe. 1639. Ribera. Óleo
sobre lienzo 2'34 x 2'34 m. Museo del Prado.
• Martirio de San Felipe (no el
de San Bartolomé).
– San Felipe, tras la muerte de
Jesús, se desplazó a Frigia
para predicar entre los
paganos que le dieron
muerte atándolo en una cruz.
• Preparación del martirio:
– Los verdugos alzando al
santo que tiene los brazos
atados.
– Un grupo de personajes
observan la escena, entre los
que destaca la figura de una
mujer con un niño en brazos
y que mira al espectador.

• Poderoso dibujo:
– Realismo en la anatomía.
• Composición compleja:
– Cuerpo iluminado del santo
marca una diagonal que es el
eje de la composición.
– Otras líneas refuerzan esta
sensación de dinamismo
vertical (cuerdas o palo
horizontal).
• Tensión dramática:
• Esfuerzo de los verdugos
para levantar al santo.
– Rostro de San Felipe =
sufrimiento y su mirada de
súplica se dirige al cielo.

• La obra no presenta ya el acusado tenebrismo.
– Zonas oscuras pero un luminoso cielo azul y un rojo intenso del
verdugo a la derecha.
• Significación:
– Martirios  despertar la compasión de los fieles y reflejar su
importancia como vía de santidad.

Pintura española
• Focos:
– Escuela sevillana: FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664)

Pintura española
• Focos:
– Escuela sevillana: BARTOLOMÉ MURILLO (1617-1682)

Sagrada Familia del pajarito. Anterior a
1650. Murillo. Óleo. 1'44 x 1'88 m. Prado.

Pintura barroca

Pintura barroca

Más contenido relacionado

La actualidad más candente

Destacado

Similar a Pintura barroca

Más de cherepaja

Pintura barroca