Presentación de la visita realizada al Museo del Prado de Madrid el 14 de enero de 2009, coincidiendo con la exposición de escultura clásica "Entre dioses y hombres".
Este documento presenta un resumen de la historia del arte desde la prehistoria hasta el Renacimiento en Europa. Brevemente describe las principales características, disciplinas, creadores y obras representativas de cada período artístico, incluyendo la prehistoria, Egipto, Grecia, Roma, el Románico, el Gótico y el Renacimiento. El documento ofrece información concisa sobre la evolución del arte a través de los tiempos.
La escultura griega alcanzó su plenitud en los siglos V y IV a.C. con artistas como Fidias, Policleto y Mirón, que crearon obras maestras representando la belleza ideal del cuerpo humano de forma naturalista y equilibrada. En el siglo IV a.C., el clasicismo tardío trajo una mayor expresividad emocional y temas más cotidianos bajo artistas como Praxíteles y Lisipo, quienes desarrollaron nuevos cánones de belleza.
La exposición presenta 46 esculturas clásicas griegas de la colección de Dresde junto a 20 del Museo del Prado. Las piezas, en su mayoría réplicas romanas de originales griegos, testimonian el culto a la belleza en la Antigüedad. En el siglo V a.C. los dioses se representan de forma hierática, mientras que en el siglo IV muestran más naturalidad y gracia. También se exponen relieves funerarios y estatuas de atletas, considerados casi divinos.
Este documento proporciona una introducción general a la escultura griega, describiendo sus características principales, evolución cronológica y obras más representativas. La escultura griega se desarrolló desde el siglo VII a.C. hasta el siglo I d.C., pasando por las etapas arcaica, clásica y helenística. Se caracterizó por principios como el antropocentrismo, la mímesis, el idealismo y la armonía. Los tipos escultóricos más comunes fueron el kouros,
Este documento describe las tres edades de la mirada: la Logosfera (desde la escritura hasta la imprenta), la Grafosfera (desde la imprenta hasta la TV a color) y la Videosfera (desde la TV a color hasta la actualidad). Cada edad se caracteriza por el medio tecnológico dominante y cómo éste influye en la creación y percepción de imágenes.
El documento resume la pintura romana. Describe que la pintura romana descendía de la griega y tenía una técnica depurada. Los romanos tocaban diversos temas como escenas cotidianas, mitológicas y bélicas. También describen los cuatro estilos de pintura romana establecidos en Pompeya y destacan el mosaico de la Batalla de Issos encontrado en Pompeya.
El documento resume las principales características y desarrollos del arte a través de la historia, comenzando con el arte griego y su énfasis en la escultura humanista y la arquitectura de columnas. Luego pasa a discutir el arte romano, paleocristiano, bizantino, románico, gótico, renacentista, barroco y otros períodos, destacando los elementos arquitectónicos, escultóricos y pictóricos más importantes de cada época.
Este documento presenta un resumen de la historia del arte desde la prehistoria hasta el Renacimiento en Europa. Brevemente describe las principales características, disciplinas, creadores y obras representativas de cada período artístico, incluyendo la prehistoria, Egipto, Grecia, Roma, el Románico, el Gótico y el Renacimiento. El documento ofrece información concisa sobre la evolución del arte a través de los tiempos.
La escultura griega alcanzó su plenitud en los siglos V y IV a.C. con artistas como Fidias, Policleto y Mirón, que crearon obras maestras representando la belleza ideal del cuerpo humano de forma naturalista y equilibrada. En el siglo IV a.C., el clasicismo tardío trajo una mayor expresividad emocional y temas más cotidianos bajo artistas como Praxíteles y Lisipo, quienes desarrollaron nuevos cánones de belleza.
La exposición presenta 46 esculturas clásicas griegas de la colección de Dresde junto a 20 del Museo del Prado. Las piezas, en su mayoría réplicas romanas de originales griegos, testimonian el culto a la belleza en la Antigüedad. En el siglo V a.C. los dioses se representan de forma hierática, mientras que en el siglo IV muestran más naturalidad y gracia. También se exponen relieves funerarios y estatuas de atletas, considerados casi divinos.
Este documento proporciona una introducción general a la escultura griega, describiendo sus características principales, evolución cronológica y obras más representativas. La escultura griega se desarrolló desde el siglo VII a.C. hasta el siglo I d.C., pasando por las etapas arcaica, clásica y helenística. Se caracterizó por principios como el antropocentrismo, la mímesis, el idealismo y la armonía. Los tipos escultóricos más comunes fueron el kouros,
Este documento describe las tres edades de la mirada: la Logosfera (desde la escritura hasta la imprenta), la Grafosfera (desde la imprenta hasta la TV a color) y la Videosfera (desde la TV a color hasta la actualidad). Cada edad se caracteriza por el medio tecnológico dominante y cómo éste influye en la creación y percepción de imágenes.
El documento resume la pintura romana. Describe que la pintura romana descendía de la griega y tenía una técnica depurada. Los romanos tocaban diversos temas como escenas cotidianas, mitológicas y bélicas. También describen los cuatro estilos de pintura romana establecidos en Pompeya y destacan el mosaico de la Batalla de Issos encontrado en Pompeya.
El documento resume las principales características y desarrollos del arte a través de la historia, comenzando con el arte griego y su énfasis en la escultura humanista y la arquitectura de columnas. Luego pasa a discutir el arte romano, paleocristiano, bizantino, románico, gótico, renacentista, barroco y otros períodos, destacando los elementos arquitectónicos, escultóricos y pictóricos más importantes de cada época.
El documento resume el arte de la Antigua Grecia, incluyendo la arquitectura, pintura, escultura y cerámica. Destaca los principales estilos arquitectónicos griegos como el dórico, jónico y corintio. También describe las limitaciones en el estudio de la pintura griega y los principales temas y técnicas de la escultura, como el bronce y el mármol. Finalmente, menciona algunos de los artistas más importantes de la literatura, filosofía e historia de la antigua Grecia.
DESCRIBE LAS CARACTERÍSTICAS DEL MOSAICO BIZANTINO Y DE LOS TEMAS ICONOGRÁFIC...Ignacio Sobrón García
DESCRIBE LAS CARACTERÍSTICAS DEL MOSAICO BIZANTINO Y DE LOS TEMAS ICONOGRÁFICOS DEL PANTOCRÁTOR, LA VIRGEN Y LA DEÉSIS, ASÍ COMO SU INFLUENCIA EN EL ARTE OCCIDENTAL. Historia del Arte. 2º de Bachillerato LOMCE
Arte romano. tradición, imitación e innovaciónpedrosevilla81
El documento describe el arte romano, que combinó la tradición, imitación e innovación. Los romanos adoptaron estilos etruscos y griegos pero también desarrollaron nuevas formas como el orden toscano y corintio compuesto. Crearon nuevos géneros como el retrato realista y el relieve histórico en columnas. Sus construcciones como teatros y termas reflejan un enfoque más práctico.
La pintura griega alcanzó su máxima perfección, aunque pocas obras han sobrevivido. Los griegos pintaron murales y usaron técnicas como el fresco y la encáustica. La pintura griega se divide en tres periodos - arcaico de figuras negras, clásico de figuras rojas, y alejandrino helenístico. Ejemplos sobrevivientes incluyen la Tablilla de Pitsa, ánforas como Aquiles y Ayax, y frescos encontrados en tumbas como la de Vergina.
Este documento proporciona una introducción a las principales características del arte clásico griego, incluyendo la arquitectura (órdenes, templos, teatros), la escultura (evolución desde el arcaísmo hasta el helenismo) y algunos de los artistas más importantes como Fidias. También se destaca la Acrópolis de Atenas como ejemplo principal de la arquitectura clásica griega.
El arte griego se caracterizó por buscar la belleza ideal y el equilibrio a través de la proporción y la simetría. Los griegos destacaron en arquitectura y escultura, construyendo templos con órdenes arquitectónicos como el dórico, jónico y corintio. La escultura griega evolucionó desde formas rígidas en la época arcaica a representaciones más realistas pero idealizadas en la época clásica.
El documento proporciona una descripción general de la historia del arte clásico y paleocristiano en Grecia. Explica los períodos arcaico, clásico y helenístico de la antigua Grecia, así como las características de la arquitectura, escultura y ordenes arquitectónicos griegos como el dórico, jónico y corintio. También describe obras maestras de la arquitectura griega como el Partenón y características de la escultura griega en sus diferentes periodos.
Este documento presenta una línea de tiempo y cuadros comparativos sobre la evolución del arte desde el mundo primitivo hasta el arte bizantino. Cubre el arte egipcio, griego, romano, paleocristiano y bizantino, describiendo sus características principales en arquitectura, escultura, pintura y otros medios. El documento analiza la transición de un estilo a otro a través de los períodos históricos.
RESUMEN FUNDAMENTOS ARTE (I) Arte griego, arquitectura, el temploSalvador Guzman Moral
La arquitectura griega se caracterizó por tres órdenes clásicos (dórico, jónico y corintio) definidos por sus proporciones y elementos como las columnas y capiteles. El templo griego más representativo fue el Partenón de Atenas, construido en el siglo V a.C. siguiendo el orden dórico para albergar la gran estatua de Atenea, diosa protectora de la ciudad. Con sus proporciones armoniosas y correcciones ópticas, el Partenón marcó un hito ar
La escultura griega evolucionó desde sus raíces orientales en el período arcaico, pasando por su apogeo en el clásico con maestros como Fidias y Policleto, hasta el naturalismo del helenístico. Se caracterizó por buscar la belleza a través de la proporción y el movimiento, representando de forma idealizada la figura humana en obras como el Doríforo y el Discóbolo. En el helenístico surgió un estilo más emotivo y realista, como se ve en Laocoonte y la Venus de Mil
El documento resume la historia del arte griego desde las culturas prehelénicas hasta el periodo helenístico. Describe las características de la arquitectura, escultura y cerámica griegas, incluyendo los órdenes arquitectónicos, los templos, los estilos escultóricos y los tipos de cerámica. También analiza las obras y estilos de importantes artistas griegos como Fidias, Policleto y Praxíteles.
El documento resume los principales períodos y características del arte griego. Se divide en tres períodos principales: Arcaico, Clásico y Helenístico. Describe los orígenes del arte griego en las civilizaciones cicládica, minoica y micénica. Explica que la arquitectura griega se caracterizó por el uso de proporciones armónicas y la introducción de los órdenes arquitectónicos dórico, jónico y corintio. Los principales tipos de edificios fueron los templos, teat
El documento resume la evolución de la escultura griega desde el período arcaico hasta el helenístico. En el período arcaico, las esculturas eran rígidas y frontales, como los kuroi y korai. En el clásico, se enfocaron en la belleza y proporción ideal del cuerpo humano, como en las obras de Fidias, Policleto y Praxiteles. En el helenístico, adoptaron un realismo más emotivo y dinámico, a veces exagerado.
El documento describe las obras pictóricas realizadas por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina entre 1508 y 1541. Miguel Ángel decoró la bóveda entre 1508 y 1512 con escenas del Génesis y figuras de profetas y sibilas. Más tarde, entre 1536 y 1541, pintó El Juicio Final en la pared del altar. Las obras maestras de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, como La creación de Adán y La expulsión del paraíso, son ejemplos sublimes de la anatomía humana y han
El documento describe obras maestras de la arquitectura y escultura clásicas griega y romana, incluyendo edificios como el Partenón y el Erecteión en Atenas del siglo V a.C., así como esculturas como el Discóbolo de Mirón y la Venus de Milo. También cubre ejemplos de la arquitectura romana clásica como el Templo de Vesta y el Anfiteatro, así como retratos, mosaicos y relieves romanos de los siglos III a.C. al V d.C.
Las edades de la mirada 2013 logosfera obrasMartín Weimer
El documento presenta un resumen de varias obras artísticas trascendentales ordenadas por períodos, incluyendo pinturas rupestres de la Cueva de Altamira del Paleolítico, la Venus de Willendorf del Paleolítico, Stonehenge del Neolítico, estelas mesopotámicas, pirámides y esculturas egipcias, el Partenón y el Laocoonte griegos, el Coliseo y mosaicos romanos, esculturas románicas como el Pantocrátor, catedrales góticas y ret
EL PÓRTICO DE LA GLORIA RECUPERA SU POLICROMÍA ORIGINALAna Rey
El Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela, después de la restauración, Limpieza y recuperación de la policromía original mediante técnicas avanzadas.
El documento describe la escultura romana, incluyendo su cronología, materiales, técnicas y géneros principales como el retrato y el relieve. Los romanos adoptaron los principios básicos de la escultura griega, como el antropomorfismo y la búsqueda de la belleza a través de la armonía de proporciones. Destacaron en el retrato realista y en relieves narrativos para conmemorar victorias militares y emperadores.
El documento resume las principales características del arte griego antiguo, incluyendo la escultura, pintura, arquitectura y sus períodos de desarrollo. El arte griego tuvo un carácter religioso y buscó representar la belleza humana de forma natural e idealizada. Los principales estilos arquitectónicos incluyeron el templo griego y órdenes como el dórico y jónico. El arte griego evolucionó desde formas geométricas hasta alcanzar su madurez en el período clásico bajo figuras
Comenta alguna de estas diez imágenes sectores productivosAlfredo García
Diez ejercicios prácticos de los sectores económicos de España para comentar. Son paisajes agrarios e industriales; gráficos; mapas para localizar y hablar sobre algún aspecto de las distintas actividades económicas.
Calendario movilizaciones IES Dionisio AguadoAlfredo García
El documento resume las movilizaciones y acciones de protesta planeadas por profesores del IES Dionisio Aguado en huelga contra los recortes educativos. Incluye una manifestación masiva el 14 de septiembre en Madrid a la que están convocados profesores, padres y alumnos, así como una huelga de profesores los días 20, 21 y 22 de septiembre. También detalla reuniones informativas con profesores, alumnos y familias para explicar las reivindicaciones y recabar apoyo.
El documento resume el arte de la Antigua Grecia, incluyendo la arquitectura, pintura, escultura y cerámica. Destaca los principales estilos arquitectónicos griegos como el dórico, jónico y corintio. También describe las limitaciones en el estudio de la pintura griega y los principales temas y técnicas de la escultura, como el bronce y el mármol. Finalmente, menciona algunos de los artistas más importantes de la literatura, filosofía e historia de la antigua Grecia.
DESCRIBE LAS CARACTERÍSTICAS DEL MOSAICO BIZANTINO Y DE LOS TEMAS ICONOGRÁFIC...Ignacio Sobrón García
DESCRIBE LAS CARACTERÍSTICAS DEL MOSAICO BIZANTINO Y DE LOS TEMAS ICONOGRÁFICOS DEL PANTOCRÁTOR, LA VIRGEN Y LA DEÉSIS, ASÍ COMO SU INFLUENCIA EN EL ARTE OCCIDENTAL. Historia del Arte. 2º de Bachillerato LOMCE
Arte romano. tradición, imitación e innovaciónpedrosevilla81
El documento describe el arte romano, que combinó la tradición, imitación e innovación. Los romanos adoptaron estilos etruscos y griegos pero también desarrollaron nuevas formas como el orden toscano y corintio compuesto. Crearon nuevos géneros como el retrato realista y el relieve histórico en columnas. Sus construcciones como teatros y termas reflejan un enfoque más práctico.
La pintura griega alcanzó su máxima perfección, aunque pocas obras han sobrevivido. Los griegos pintaron murales y usaron técnicas como el fresco y la encáustica. La pintura griega se divide en tres periodos - arcaico de figuras negras, clásico de figuras rojas, y alejandrino helenístico. Ejemplos sobrevivientes incluyen la Tablilla de Pitsa, ánforas como Aquiles y Ayax, y frescos encontrados en tumbas como la de Vergina.
Este documento proporciona una introducción a las principales características del arte clásico griego, incluyendo la arquitectura (órdenes, templos, teatros), la escultura (evolución desde el arcaísmo hasta el helenismo) y algunos de los artistas más importantes como Fidias. También se destaca la Acrópolis de Atenas como ejemplo principal de la arquitectura clásica griega.
El arte griego se caracterizó por buscar la belleza ideal y el equilibrio a través de la proporción y la simetría. Los griegos destacaron en arquitectura y escultura, construyendo templos con órdenes arquitectónicos como el dórico, jónico y corintio. La escultura griega evolucionó desde formas rígidas en la época arcaica a representaciones más realistas pero idealizadas en la época clásica.
El documento proporciona una descripción general de la historia del arte clásico y paleocristiano en Grecia. Explica los períodos arcaico, clásico y helenístico de la antigua Grecia, así como las características de la arquitectura, escultura y ordenes arquitectónicos griegos como el dórico, jónico y corintio. También describe obras maestras de la arquitectura griega como el Partenón y características de la escultura griega en sus diferentes periodos.
Este documento presenta una línea de tiempo y cuadros comparativos sobre la evolución del arte desde el mundo primitivo hasta el arte bizantino. Cubre el arte egipcio, griego, romano, paleocristiano y bizantino, describiendo sus características principales en arquitectura, escultura, pintura y otros medios. El documento analiza la transición de un estilo a otro a través de los períodos históricos.
RESUMEN FUNDAMENTOS ARTE (I) Arte griego, arquitectura, el temploSalvador Guzman Moral
La arquitectura griega se caracterizó por tres órdenes clásicos (dórico, jónico y corintio) definidos por sus proporciones y elementos como las columnas y capiteles. El templo griego más representativo fue el Partenón de Atenas, construido en el siglo V a.C. siguiendo el orden dórico para albergar la gran estatua de Atenea, diosa protectora de la ciudad. Con sus proporciones armoniosas y correcciones ópticas, el Partenón marcó un hito ar
La escultura griega evolucionó desde sus raíces orientales en el período arcaico, pasando por su apogeo en el clásico con maestros como Fidias y Policleto, hasta el naturalismo del helenístico. Se caracterizó por buscar la belleza a través de la proporción y el movimiento, representando de forma idealizada la figura humana en obras como el Doríforo y el Discóbolo. En el helenístico surgió un estilo más emotivo y realista, como se ve en Laocoonte y la Venus de Mil
El documento resume la historia del arte griego desde las culturas prehelénicas hasta el periodo helenístico. Describe las características de la arquitectura, escultura y cerámica griegas, incluyendo los órdenes arquitectónicos, los templos, los estilos escultóricos y los tipos de cerámica. También analiza las obras y estilos de importantes artistas griegos como Fidias, Policleto y Praxíteles.
El documento resume los principales períodos y características del arte griego. Se divide en tres períodos principales: Arcaico, Clásico y Helenístico. Describe los orígenes del arte griego en las civilizaciones cicládica, minoica y micénica. Explica que la arquitectura griega se caracterizó por el uso de proporciones armónicas y la introducción de los órdenes arquitectónicos dórico, jónico y corintio. Los principales tipos de edificios fueron los templos, teat
El documento resume la evolución de la escultura griega desde el período arcaico hasta el helenístico. En el período arcaico, las esculturas eran rígidas y frontales, como los kuroi y korai. En el clásico, se enfocaron en la belleza y proporción ideal del cuerpo humano, como en las obras de Fidias, Policleto y Praxiteles. En el helenístico, adoptaron un realismo más emotivo y dinámico, a veces exagerado.
El documento describe las obras pictóricas realizadas por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina entre 1508 y 1541. Miguel Ángel decoró la bóveda entre 1508 y 1512 con escenas del Génesis y figuras de profetas y sibilas. Más tarde, entre 1536 y 1541, pintó El Juicio Final en la pared del altar. Las obras maestras de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, como La creación de Adán y La expulsión del paraíso, son ejemplos sublimes de la anatomía humana y han
El documento describe obras maestras de la arquitectura y escultura clásicas griega y romana, incluyendo edificios como el Partenón y el Erecteión en Atenas del siglo V a.C., así como esculturas como el Discóbolo de Mirón y la Venus de Milo. También cubre ejemplos de la arquitectura romana clásica como el Templo de Vesta y el Anfiteatro, así como retratos, mosaicos y relieves romanos de los siglos III a.C. al V d.C.
Las edades de la mirada 2013 logosfera obrasMartín Weimer
El documento presenta un resumen de varias obras artísticas trascendentales ordenadas por períodos, incluyendo pinturas rupestres de la Cueva de Altamira del Paleolítico, la Venus de Willendorf del Paleolítico, Stonehenge del Neolítico, estelas mesopotámicas, pirámides y esculturas egipcias, el Partenón y el Laocoonte griegos, el Coliseo y mosaicos romanos, esculturas románicas como el Pantocrátor, catedrales góticas y ret
EL PÓRTICO DE LA GLORIA RECUPERA SU POLICROMÍA ORIGINALAna Rey
El Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela, después de la restauración, Limpieza y recuperación de la policromía original mediante técnicas avanzadas.
El documento describe la escultura romana, incluyendo su cronología, materiales, técnicas y géneros principales como el retrato y el relieve. Los romanos adoptaron los principios básicos de la escultura griega, como el antropomorfismo y la búsqueda de la belleza a través de la armonía de proporciones. Destacaron en el retrato realista y en relieves narrativos para conmemorar victorias militares y emperadores.
El documento resume las principales características del arte griego antiguo, incluyendo la escultura, pintura, arquitectura y sus períodos de desarrollo. El arte griego tuvo un carácter religioso y buscó representar la belleza humana de forma natural e idealizada. Los principales estilos arquitectónicos incluyeron el templo griego y órdenes como el dórico y jónico. El arte griego evolucionó desde formas geométricas hasta alcanzar su madurez en el período clásico bajo figuras
Comenta alguna de estas diez imágenes sectores productivosAlfredo García
Diez ejercicios prácticos de los sectores económicos de España para comentar. Son paisajes agrarios e industriales; gráficos; mapas para localizar y hablar sobre algún aspecto de las distintas actividades económicas.
Calendario movilizaciones IES Dionisio AguadoAlfredo García
El documento resume las movilizaciones y acciones de protesta planeadas por profesores del IES Dionisio Aguado en huelga contra los recortes educativos. Incluye una manifestación masiva el 14 de septiembre en Madrid a la que están convocados profesores, padres y alumnos, así como una huelga de profesores los días 20, 21 y 22 de septiembre. También detalla reuniones informativas con profesores, alumnos y familias para explicar las reivindicaciones y recabar apoyo.
El documento habla sobre la arquitectura del Movimiento Moderno y compara el racionalismo de Le Corbusier con el organicismo de Frank Lloyd Wright. Menciona varios edificios notables diseñados por Le Corbusier como la Villa Savoye y la Capilla Notre Dame du Haut, así como varias obras de Frank Lloyd Wright como la Casa Robie y la Casa Kaufmann. También incluye imágenes del Museo Guggenheim de Wright.
Juego 2011 de la Prehistoria, Mesopotamia y EgiptoAlfredo García
La prehistoria, Mesopotamia y Egipto fueron temas principales discutidos en el documento. Se mencionaron las civilizaciones antiguas que se desarrollaron en estas regiones y su importancia histórica.
Este documento parece ser un enlace a un sitio web sobre un profesor llamado Alfredo García, que incluye dos direcciones URL para el sitio. No hay más información proporcionada en el documento.
Observa las diez imágenes con detalles de obras de arquitectura, escultura y pintura que hemos visto en esta segunda evaluación.
¿En qué consiste esta vez el juego?
1.- Reconocer el autor, la obra, el estilo y el país de cualquiera de las diez imágenes del Slide.
2.-Dar dos razones argumentadas sobre el porqué atribuirlas a ese estilo o autor basándose en el detalle que se aporta. Me importa el razonamiento, por lo que no daré por correctas aquellas contestaciones que no sean convincentes o que no tengan en cuenta el detalle, aunque se reconozca la obra inicial.
El documento describe las principales corrientes arquitectónicas del siglo XX y XXI. En la primera mitad del siglo XX surgió el Movimiento Moderno, con estilos como el Funcionalismo y el Racionalismo que priorizaban la función sobre la forma a través del uso de nuevos materiales como el hormigón y el vidrio. A partir de los años 1960 surgieron tendencias como el Posmodernismo y la Arquitectura de Autor. Arquitectos clave del Movimiento Moderno fueron Le Corbusier, Mies van der Rohe y Walter Gropius.
Alejandra Caballero. Su mundo particular. Obra entre 2007 2011Alfredo García
Este documento proporciona una lista de obras del artista español Alfredo García, incluyendo títulos, dimensiones y enlaces. Se mencionan pinturas como "Mayo", "Desayuno", "Habitación azul", "Qué comer", "Un Vaso de Leche", "A la mesa", "Rayuela", "Siesta", "Barco azul", "La Cena", "Confitería", "El Ángel del Raval", "La Cita", "Conversación", "Llamada", "Ventana a Barcelona", "Noche. Mirando por la
Diez obras del arte griego por descubrir, 2011.Alfredo García
Diez obras del arte griego por descubrir enumera 10 obras de arte griego que aún no han sido encontradas, incluyendo estatuas, pinturas y relieves que se mencionan en fuentes antiguas pero que permanecen perdidas.
El documento resume las dos principales corrientes arquitectónicas del siglo XX: el racionalismo y el organicismo. El racionalismo, representado por la Bauhaus y Le Corbusier, se basa en la funcionalidad y la geometría, utilizando formas puras y materiales como el hierro y el hormigón. El organicismo de Frank Lloyd Wright busca la armonía con la naturaleza y el bienestar del usuario. Ambas tendencias influyeron en el llamado estilo internacional.
El documento presenta información sobre varios proyectos arquitectónicos contemporáneos en Puebla, México. Incluye descripciones del Centro Comercial Angelópolis, el Centro Comercial Luxury Hall, el Museo Amparo diseñado por Enrique Norten, el conjunto de iglesias Museo Terrazas, la Torre JV III y el proyecto Container City construido con contenedores marítimos reciclados. También presenta detalles sobre el CRIT Puebla diseñado por Sordo Madaleno Arquitectos.
El documento resume cinco obras escultóricas del periodo helenístico: El niño de la espina (siglo II a.C), los Relieves del Altar de Zeus en Pérgamo (190 a.C), el Grupo de Laocoonte y sus hijos (siglos III-II a.C), la Victoria de Samotracia (190 a.C), y la Venus Capitolina (siglos III-II a.C). Todas las obras se caracterizan por su realismo, dramatismo y mezcla de influencias griegas y orientales, reflejando las tendencias artí
El Palacio del emperador Diocleciano en Split, según Robert Adam (1764).Alfredo García
El Palacio de Diocleciano en la ciudad de Split, Croacia, construido a finales del siglo III y terminado el año 305. La obra tal y como la vio, dibujó y reconstruyó Robert Adam el año de 1764.
Para saber más en http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/el-palacio-de-diocleciano-en-split.html
La revolución rusa. La URSS y el stalinismo.Alfredo García
Causas de la revolución rusa.
El proceso revolucionario de febrero y de octubre de 1917
La guerra civil
El nuevo estado socialista. La URSS
Lenin, Stalin y Trosky.
El stalinismo
El documento resume el siglo XVIII, caracterizado por la crisis del Antiguo Régimen y el auge del pensamiento ilustrado. Se describe la agricultura atrasada y la sociedad estamental de la época. También se explica el absolutismo monárquico y cómo pensadores ilustrados promovieron ideas como la razón, la libertad y la igualdad que cuestionaron el statu quo. Finalmente, se analiza brevemente el siglo XVIII en España.
El documento resume los principales eventos del siglo XVIII en Europa y España. Las revoluciones inglesa y americana debilitaron el absolutismo monárquico, mientras que el despotismo ilustrado buscó reformas económicas sin cambios políticos. En España, la guerra de sucesión y las reformas de Carlos III provocaron tensiones internas, aunque también mejoraron la infraestructura y la economía.
Este documento habla sobre el funcionalismo como movimiento arquitectónico. Explica las influencias del CIAM, el concepto de funcionalismo y la arquitectura funcionalista de Le Corbusier. Resume las 5 doctrinas funcionalistas de Le Corbusier, incluyendo pilotes, planta libre y fachada libre.
Tema 12. Regencia de Mª Cristina de Hasburgo (1886-1902)Alfredo García
La regencia de Mª Cristina de Hasburgo (1886-1902). Continúa el turno pacífico de partidos y surgen nuevos movimientos políticos: nacionalismo catalán, vasco, regionalismos y movimientos obreros.
Desarrollo artistico de la civilizacion griegaYBEZITA
Las expresiones artísticas que se desarrollaron en la antigua Grecia tuvieron su origen en la necesidad natural de comunicación entre los humanos, sus dioses y antepasados. Estas expresiones florecieron durante casi 1000 años y se manifestaron en diversas formas de arquitectura, escultura y pintura. La arquitectura griega se caracterizó por el uso de columnas y órdenes arquitectónicos como el dórico, jónico y corintio. El arte griego sentó las bases de la cultura occidental a través de su
El documento describe el arte clásico griego. Señala que los griegos fundaron colonias que transmitieron su cultura y arte. El arte griego se caracteriza por el humanismo, la búsqueda de la belleza ideal y la proporción. La arquitectura griega incluye templos y espacios públicos construidos con columnas de los órdenes dórico, jónico y corintio. La escultura griega evolucionó desde formas rígidas y frontales hacia representaciones naturalistas del cuerpo humano. Las obras maestras incluyen escult
1) El arte prehistórico incluye objetos decorados, esculturas, grabados y arte rupestre que se encuentran principalmente en Europa. 2) Las representaciones de animales en las cuevas se cree que tenían un propósito mágico para dominar a las fieras. 3) Con el tiempo, los motivos realistas de animales en el arte rupestre fueron reemplazados por signos y figuras esquemáticas.
Este documento describe la escultura griega desde el período arcaico hasta el helenístico. Resume las características generales de la escultura griega como los materiales utilizados y su policromía. También describe los principales conceptos aplicados como la proporción armónica y el contraposto. Finalmente, destaca a los principales escultores griegos como Fidias, Policleto, Praxíteles, Lisipo y las escuelas de Pérgamo, Rodas y Alejandría.
En esta presentación power poin se muestras diferentes civilizaciones con su arte, también se muestra diferentes estilos de arte a lo largo de la historia.
El arte griego es el resultado de la mezcla de muchos elementos diferentes. Ellos a lo largo de su historia desarrollaron todos esos elementos y han creado un arte que fue la base de toda la cultura occidental.
Ellos adaptaron la herencia de las culturas anteriores a la griega, y la perfeccionaron con todo sus elementos propios etc., haciéndola suya y creando una nueva y muy excelente cultura y arte.
En este trabajo se ahondará en el arte griego en todas sus expresiones: arquitectura, Escultura, Pintura y cerámica y también se responderán algunas interrogantes acerca del mismo, además de las muestras del arte que serán expuestas al final del mismo.
El documento provee una introducción general a la historia del arte, describiendo cómo clasifica culturas y periodos históricos observando las características artísticas distintivas en cada época. Al apoyarse en diferentes disciplinas y ciencias, la historia del arte permite un estudio más completo de las manifestaciones artísticas a través del tiempo. Además, presenta un índice de contenidos que cubrirá varios periodos y movimientos artísticos importantes.
El documento provee una introducción general a la historia del arte, describiendo cómo clasifica culturas y periodos históricos observando las características artísticas distintivas en cada época. Al apoyarse en varias disciplinas, la historia del arte permite un estudio más completo de las manifestaciones artísticas a través del tiempo. Además, presenta una tabla de contenido con los diferentes temas a tratar, incluyendo periodos como Grecia, Roma, Egipto y corrientes como el Neoclasicismo y el Barroco.
trabajo ppt sobre la representacion de la figura humana en la historia del arte, con obras representativas de cada estilo artistico a lo largo de la historia
El documento resume la historia del arte griego clásico, comenzando con los orígenes en las culturas cretense y micénica. Luego describe la evolución de la arquitectura, escultura y cerámica griegas a lo largo de los períodos arcaico, clásico y helenístico, destacando las características de cada género artístico y los principales artistas y obras representativas de cada época. Finalmente, analiza la influencia del arte griego en la cultura occidental posterior.
El documento habla sobre el arte clásico en la literatura, escultura, arquitectura y pintura. En la escultura clásica, artistas como Fidias se enfocaron en representar cuerpos humanos de forma perfecta y proporcionada. En la arquitectura clásica se empezaron a construir iglesias con bóvedas al estilo del Panteón. La pintura histórica fue el género principal entre los siglos XVII-XIX, donde los pintores representaban hechos del pasado de forma imaginativa.
El documento habla sobre el arte clásico en la literatura, escultura, arquitectura y pintura. En la escultura clásica, artistas como Fidias se enfocaron en representar cuerpos humanos de forma perfecta y proporcionada. En la arquitectura clásica se empezaron a construir iglesias con bóvedas al estilo del Panteón. La pintura histórica fue el género principal entre los siglos XVII-XIX, donde los pintores representaban hechos del pasado basados en relatos de la época.
DESARROLLO ARTISTICO DE LA CIVILIZACION GRIEGAnicolez121326
El documento describe el desarrollo artístico de la civilización griega. La arquitectura griega se caracterizó por su equilibrio y proporciones, utilizando los órdenes dórico, jónico y corintio. La escultura griega buscó representar figuras humanas ideales, evolucionando desde formas rígidas hasta alcanzar la perfección en el periodo clásico. La cerámica griega también fue muy variada y perfecta en sus acabados.
Presentación apra mis alumnos de 2º de Bach. Historia del Arte con las imágenes a comentar del arte griego según los estándares de aprendizaje de la LOMCE, CyL.
El documento describe los objetivos de un segundo semestre de estudios de arte, que incluyen expresar ideas y emociones a través de la observación del entorno natural, evaluar trabajos artísticos, explorar nuevos lenguajes escultóricos, y conocer la escultura como medio de expresión y sus características a través de la historia del arte.
El documento resume los principales períodos y desarrollos del arte de la civilización griega antigua, incluyendo la arquitectura (templos griegos y sus órdenes), escultura (de figuras rígidas a más realistas), cerámica, y pintura. Explica que aunque pocas obras originales permanecen, el arte griego sentó las bases de la estética y cultura occidental.
El documento resume los principales períodos y desarrollos del arte de la civilización griega antigua, incluyendo la arquitectura (templos griegos y sus órdenes), escultura (evolución desde figuras lisas a mayor realismo anatómico), cerámica, pintura y el ideal de belleza que caracterizó el arte griego.
El documento resume los principales períodos y desarrollos del arte de la civilización griega antigua, incluyendo la arquitectura (templos griegos y sus órdenes), escultura (de figuras estilizadas a mayor realismo), cerámica, pintura y el ideal de belleza que perseguía el arte griego.
El documento resume los principales períodos del arte griego antiguo: el arte cicládico, el arte minoico o cretense, el arte micénico, el período geométrico, el período arcaico, la escultura clásica y la escultura helenística. Describe las características y obras representativas de cada período, incluyendo las esculturas cicládicas, el Palacio de Cnosos en Creta, la Puerta de los Leones en Micenas, la cerámica geométrica y esculturas como
Soluciones Examen de Selectividad. Geografía junio 2024 (Convocatoria Ordinar...Juan Martín Martín
Criterios de corrección y soluciones al examen de Geografía de Selectividad (EvAU) Junio de 2024 en Castilla La Mancha.
Soluciones al examen.
Convocatoria Ordinaria.
Examen resuelto de Geografía
conocer el examen de geografía de julio 2024 en:
https://blogdegeografiadejuan.blogspot.com/2024/06/soluciones-examen-de-selectividad.html
http://blogdegeografiadejuan.blogspot.com/
Ofrecemos herramientas y metodologías para que las personas con ideas de negocio desarrollen un prototipo que pueda ser probado en un entorno real.
Cada miembro puede crear su perfil de acuerdo a sus intereses, habilidades y así montar sus proyectos de ideas de negocio, para recibir mentorías .
4. Presentaciones de la exposición en vídeo
Presentación de la exposición
en vídeo del Museo del Prado
Noticia sobre la exposición
de la Agencia EFE
Recorrido en vídeo
por la exposición de
LOGOPRESS / RevistaDeArte
5. La exposición
Con ocasión del cierre temporal del
Albertinum de Dresde, se presenta
esta exposición durante un período de
seis meses. La muestra, que ocupa diez
salas del edificio Villanueva, constituye
un acontecimiento inédito al ofrecer la
posibilidad de contemplar reunidas 46
de las mejores piezas de la colección
de escultura clásica de Dresde junto a
otras veinte importantes esculturas
clásicas del Museo del Prado.
Ambos conjuntos escultóricos son
fruto del coleccionismo barroco y
neoclásico y en los dos se integran
magníficas versiones romanas de
obras griegas clásicas y
helenísticas, además de muchos
originales griegos con policromía Zeus de Dresde,
antigua y un núcleo excepcional de Réplica Romana. Escuela de Fidias. s. V a. C, 212 x 104 x 56 cm
retratos.
6. La exposición
La dirección de las Staatliche
Kunstsammlungen de Dresde ha
cedido generosamente al Prado este
excepcional conjunto de obras, en el
que se incluyen piezas de resonancia
casi mítica como el Zeus de Dresde y el
Efebo de Dresde, réplicas romanas de
la Atenea Lemnia de Fidias y del Sátiro
escanciando vino de Praxíteles, o la
Ménade de Dresde y las dos Mujeres
de Herculano.
La selección incluye también otras
piezas del arte griego de extraordinaria
importancia como tres relieves
sepulcrales áticos, tres terracotas
policromadas de Tanagra, una serie de
esculturas helenísticas de Alejandría y
de otros centros y algunos retratos
romanos de gran calidad. Sileno de Dresde y Ménade de Dresde
Staatliche Kunstsammlungen Dresden
7. Secciones de la exposición
• Belleza y dicha de los dioses clásicos
– Los poderosos dioses
– La condición humana
– Los dichosos dioses
• Sentimiento, sensualidad y alegría festiva en el arte helenístico-romano
– Dioniso y la fiesta
– Afrodita y la hermosura femenina
– Las musas. Teatro y ciencia
• Imágenes del poder. Retratos romanos al final del Imperio
– Políticos y oficiales
– Paganismo y cristianismo
8. Belleza y dicha de los
dioses clásicos
La primera sección presenta -en forma
de réplicas romanas- algunas de las
más afamadas creaciones del arte
clásico griego: del siglo V antes de
Cristo obras de Fidias, Mirón y
Policleto, del siglo IV otras de
Praxíteles y finalmente tres originales
griegos de la misma época. Las
esculturas testimonian el culto griego
a la belleza y la gran capacidad de
invención formal de sus artistas.
Mientras que en el siglo V se presenta
a las divinidades de manera hierática y
solemne, en el siglo IV estas están
caracterizadas con mucha naturalidad
y gracia en sus movimientos y gestos
como expresión de la dicha y de la
gloria de unos seres divinos que viven
completamente separados de los Afrodita y Tritón, Obra helenística-romana. s. II a. C – I d. C.,
hombres una vida gozosa y eterna. 52.5 x 23 x 18. Dresde, Skulpturensammlung Staatliche Kunstsammlungen
9. Belleza y dicha de los
dioses clásicos
En una posición contraria se
encuentran los mortales que admiran
por esa razón a los dioses, pero, a su
vez, se sienten doloridos por la
brevedad y tristeza de su vida.
Por ello, se ha incluido en esta sección
tres relieves sepulcrales, cuyas escenas
de duelo contrastan con las imágenes
de los dioses dichosos.
Sólo los atletas vencedores de las
grandes competiciones griegas tenían
una posición intermedia entre el
hombre común y los dioses. Fueron
considerados casi divinos como los
héroes y se les veneraba con Atletas del siglo V a.C. En primer plano, el Efebo de Dresde.
monumentos y estatuas tan bellas En segundo plano el Diadúmeno del Prado. Sala 3 de la exposición.
como las de los dioses. Muestra de ello
son varias de las esculturas más
conocidas del Albertinum y del Prado.
10. Belleza y dicha de los
dioses clásicos
El arqueólogo alemán Johann Joachim
Winckelmann (1717-1768), que dejó
Dresde para estudiar el arte antiguo en
Roma, fue el primero en reconocer en
estatuas romanas las más famosas
esculturas del arte griego.
Estas reproducciones, como casi todas
las esculturas presentadas en las
primeras cuatro salas de esta
exposición, fueron realizadas durante
la época romana copiando los
originales griegos hoy perdidos. Las
piezas aquí expuestas testimonian el
culto a la belleza en la Antigüedad y la
gran capacidad de invención formal de
los artistas griegos.
En el siglo V a.C. los poderosos dioses
Zeus de Dresde,
se representan de manera hierática y Réplica Romana. Escuela de Fidias. s. V a. C, 212 x 104 x 56 cm
solemne.
11. Belleza y dicha de los
dioses clásicos
Uno de sus más grandes creadores fue
el escultor Fidias (h. 480-420 a.C.), a
quién le fue encargado por el político
ateniense Pericles el proyecto del
Partenón realizando los relieves, toda
la decoración del templo y
monumentales estatuas de culto con
una estética totalmente nueva.
Riqueza de vestimenta, de detalles y
del dibujo en general caracterizan su
estilo sensual y opulento. Sus estatuas
no conocen apenas movimiento y
acción a diferencia de las obras de
Mirón (490-440 a.C.) aquí expuestas;
sus rostros, sin embargo, expresan
benevolencia y protección divina. Este
estilo se observa también en la colosal
Demeter de Eleusis situada en la
'Puerta de Velázquez', cuyo modelo Démeter de Eleusis. Réplica Romana. Escuela de Fidias
fue creado por un alumno de Fidias. s. V a. C. alt.: 208 cm. Madrid, Museo Nacional del Prado
12. Belleza y dicha de los
dioses clásicos
En Grecia la belleza fue considerada un
atributo de los dioses que sólo rara vez
era concedida a un mortal. Atestiguan
los poetas y filósofos que los griegos se
sentían desdichados por la brevedad y
tristeza de su vida en comparación con
la de estos seres inmortales.
Los hombres sólo podían olvidarse de
su situación cuando se sentían
cercanos a los dioses en fiestas
religiosas, en ritos como los
dionisíacos o como iniciados en los
misterios de Eleusis.
Las estelas sepulcrales del siglo IV a.C.
con sus escenas de despedida y duelo
son los típicos monumentos con los
que los ciudadanos áticos pretendían
dejar un recuerdo digno de la Estela sepulcral de la familia de Arquésilas
existencia de sus familias. Original Griego s. IV a. C. 100 x 67 x 36 cm. Dresde.
13. Belleza y dicha de los
dioses clásicos
Otra suerte corrían los ganadores en
los Juegos Panhelénicos de Olimpia,
Delfos y Corinto.
Eran considerados seres casi divinos y
venerados con estatuas de igual
belleza que las de los dioses, como
demuestran las célebres esculturas del
Diadúmeno del Prado o el Efebo de
Dresde.
Así, a los atletas vencedores de las
grandes competiciones griegas les era
concedida la condición de héroes, una
posición intermedia entre hombres y
dioses, por lo que eran venerados con
auténticos rituales.
Efebo de Dresde. Réplica Romana. Escuela Policleto.
S. V a. C. 157 x 48 x 42.5 cm. Dresde.
14. Belleza y dicha de los
dioses clásicos
En el siglo IV a.C. las divinidades se
representan con especial naturalidad y
gracia en sus movimientos y gestos,
expresando así la dicha y la gloria de
unos seres divinos que viven una
gozosa, eterna y completamente
separados de los hombres.
El escultor más famoso de este siglo
fue Praxíteles (h. 385-325 a.C.), del
que se muestran aquí algunas obras.
Artista rico y muy solicitado por sus
obras llenas de belleza y encanto,
entre ellas la primera escultura de una
Afrodita totalmente desnuda de gran
tamaño. Creó esculturas de mármol,
policromadas por los mejores pintores
de su época, que gozaron de especial Sátiros de Praxíteles (detalle). La obra de la izda. de la colección del Museo del Prado,
fama, así como esculturas en bronce, la de la derecha de las Staatliche Kunstsammlungen Dresden.
consideradas todavía más valiosas por
el costoso material empleado.
15. Otras obras de
“Belleza y dicha de los dioses clásicos”
Cabeza de la Afrodita de Cnido. Réplica Romana. Modelo Praxiteles. Relieve de Ménade. Réplica Romana. Modelo Kalímaco.
S. IV a. C. 40 x 30 x 25 cm. Madrid. S. V a. C. 141 x 79 x 12 cm. Madrid.
16. Sentimiento, sensualidad
y alegría festiva en el arte
helenístico-romano
En época helenística (siglos III a I a. C.)
se llega a realizar composiciones
escultóricas más complejas y a aplicar
formulas marcadamente realistas en el
tratamiento de la obra escultórica.
El resultado es una nueva vivacidad en
el movimiento, una expresividad
inmediata y fresca y un resplandor
sensual, dirigidos a los sentimientos y
a los afectos del observador.
Muchas de las esculturas
representadas en esta sección son
originales, incluso algunas conservan
la policromía antigua.
Un tema predilecto del arte de este
período son las fiestas con sus bailes y
Sileno con odre de vino. Obra helenística-romana
sacrificios en honor de Dioniso. S. II a. C. – I d. C. 118.5 x 70.5 x 62 cm. Dresde.
17. Sentimiento, sensualidad
y alegría festiva en el arte
helenístico-romano
La mayoría de las obras como, por
ejemplo, la famosa Ménade de Dresde
tienen un formato más bien pequeño
e íntimo, apto para decorar mansiones
y jardines de particulares en época
tardo-helenística y romana o para
servir como exvoto.
La representación de la belleza
femenina de diosas y mujeres
representa otro tema preferente del
arte de este período. Los artistas no se
cansan de representar a Afrodita
desnuda y a las mujeres con lujosas
vestimentas. También abundan las
esculturas de las Musas
Las esculturas más refinadas proceden
de las ricas metrópolis del Este del
Mediterráneo, y especialmente de Ménade de Dresde. Obra helenística-romana.
Alejandría. S. II a. C. – I d. C. 45.5 x 14 x 14 cm. Dresde.
18. Sentimiento, sensualidad
y alegría festiva en el arte
helenístico-romano
La celebración de la belleza de diosas y
mujeres constituye un tema preferente
del arte helenístico en una época
caracterizada por grandes metrópolis
habitadas por una clase media
acomodada y burguesa.
Después de que Praxíteles hubiese
inventado en el siglo IV a.C. el desnudo
femenino a gran escala con su Afrodita
de Cnido, este tema inspiró a los
artistas posteriores a todo tipo de
variación temática y formal.
Otra herencia de este escultor son las
estatuas femeninas con complicados
vestidos, desarrollando composiciones
muy elaboradas a partir de la Torso de Afrodita del tipo Venus de Medici. Obra helenística-romana del s. II a. C. – I d. C.
estructura de los pliegues, creando así 99 x 37 x 27 cm. Madrid. En segundo plano Gran y pequeña diosas de Herculano.
un estilo típicamente helenístico que
se ha legado a calificar de “barroco”.
19. Sentimiento, sensualidad
y alegría festiva en el arte
helenístico-romano
En Alejandría (Egipto) y en las demás
capitales de los reinos helenísticos
prosperaban las artes -como la
pintura, la escultura, el teatro y la
poesía- y las ciencias, desde la filología
hasta la astronomía y la medicina.
El nuevo símbolo de la época son las
nueve musas, que personificaban un
arte o una ciencia distinta cada una –
como las ocho esculturas romanas que
se pueden observar en la sala 47 la
sala de las Musas del Museo del
Prado- y que eran veneradas con
altares en la Biblioteca de Alejandría.
Del reino de Augusto, que a finales del
siglo I a.C. implantó el helenismo en
Roma, data un singular relieve de
Dresde con la representación Dos musas,
individualizada de un actor. Staatliche Kunstsammlungen Dresden
20. Otras obras de
“Sentimiento, sensualidad y alegría festiva en el arte helenístico-romano”
Gran diosa de Herculano. Obra helenística-romana. Reconstrucción policromada. Obra helenística-romana.
S. II a. C – I d. C. 203.5 x 56 x 45 cm. Dresde. S. II a. C – I d. C. 30 x 25.5 x 25.7 cm. Dresde.
21. Otras obras de
“Sentimiento, sensualidad y alegría festiva en el arte helenístico-romano”
Muchachas, terracota policromada. Obra helenística-romana. Cabeza de anciana. Obra helenística-romana.
S. II a. C – I d. C. 21,6 x 5 x 4.1 cm. Dresde. S. II a.C. – I d. C. 33.5 x 21 x 14.5 cm. Dresde.
22. Imágenes del poder.
Retratos romanos al final
del Imperio
La exhibición de retratos en espacios
públicos y privados es una costumbre
romana muy típica, desde los remotos
tiempos de la República.
No se limita a hombres, como es
habitual en casi todas las culturas, sino
incluye también retratos femeninos e
infantiles. Las obras seleccionadas -
estatuas, estatuillas, bustos y relieves
de mármol y plata- datan de los siglos
II a IV. Están divididas en un grupo con
retratos de mujeres que testifican, con
sus ostentosos peinados, el prestigio
público de la mujer en la sociedad
romana, y niños, muestra del cariño
hacia sus miembros más jóvenes. El
segundo grupo representa retratos de
Vista general de la sala dedicada a
hombres, en su mayoría militares, que Imágenes del poder. Retratos romanos al final del Imperio
ostentan virtudes masculinas como el
valor o la superioridad de espíritu.
23. Imágenes del poder.
Retratos romanos al final
del Imperio
La exposición concluye con obras de la
Antigüedad tardía (siglo IV), una época
en que conviven casi sin enfrentarse el
viejo mundo grecorromano con sus
mitos y ideas y el mundo cristiano con
su creencia nueva, legalizado por
Constantino el Grande.
Junto con los retratos de los
emperadores Constantino y Majencio,
hieráticos y de mirada penetrante, casi
bizantina, se exponen esculturas de
tema pagano de la época del
emperador cristiano Teodosio y el
monumento tal vez más importante y
bello de su reino, el gran Missorium de
plata de la Real Academia de Historia.
El relieve de plata con Teodosio y su
corte rodeados de divinidades paganas
es el ejemplo más insigne de la Missorium de Teodosio. Obra Romana del s. II-IV d. C.
convivencia de estos dos mundos. Diám. 74 cm. Madrid, Real Academia de la Historia.
24. Otras obras de
“Imágenes del poder. Retratos romanos al final del Imperio”
Joven jugadora de tabas con retrato. Obra Romana Sarcófago con la caza de Meleagro. Obra Romana.
S. II – IV d. C. 55.5 x 51 x 43.5 cm. Dresde. S. II-IV d. C. 84,5 x 233 x 11 cm. Dresde.
25. Esculturas relacionadas con la exposición pero en otras salas de la
Colección permanente del Museo del Prado
Copia romana de la Atenea Partenos. 130 - 150 d.C. Venus del delfín. 140 - 150 d.C. 200 cm x 50 cm x 47 cm.
98 cm x 36 cm x 40 cm. Museo del Prado. Museo del Prado.
26. Esculturas relacionadas con la exposición pero en otras salas de la
Colección permanente del Museo del Prado
Copia romana de El baño de Afrodita de Doidalsas de Bitinia. 100 - 120 d.C. Estatua de Afrodita del tipo ''Venus Felix''. Hacia 150 d.C.
64 cm x 34 cm x 45 cm. Museo del Prado. 195 cm x 70 cm x 70 cm. Museo del Prado.
27. Esculturas relacionadas con la exposición pero en otras salas de la
Colección permanente del Museo del Prado
Ofrenda de Orestes y Pílades (Grupo de San Ildefonso). Hacia el 10 a.C. 161 Pedestal de una escultura clásica: la apoteosis de Claudio. Siglo I d.C.
cm x 106 cm x 56 cm. Museo del Prado. 245 cm x 125 cm x 125 cm. Museo del Prado.
28. Esculturas relacionadas con la exposición pero en otras salas de la
Colección permanente del Museo del Prado
Augusto togado. Segundo cuarto del siglo II d.C. Augusto o Tiberio en desnudo heroico. Hacia 50 d.C.
205 cm x 87 cm x 52 cm. Museo del Prado. 218 cm x 105 cm x 80 cm. Museo del Prado.
30. Selección de obras de la Colección Permanente del Museo del Prado
• Debido a la magnitud de las colecciones expuestas y la dificultad para decidir qué ver el Museo del Prado
propone a sus visitantes tres recorridos para conocer sus obras maestras.
• Según el tiempo con el que se cuente para realizar la visita, se han seleccionado 15, 30 y 50 piezas que
recorren los nombres de los pintores más destacados, además de obras excepcionales de orfebrería y
escultura de los fondos del Museo.
• Tres recorridos por las salas, en donde no dejar de ver obras cumbre de los maestros europeos como La
Anunciación de Fra Angélico, El Lavatorio de Tintoretto, El Descendimiento de Roger van der Weyden, El
Jardín de las delicias del Bosco o Las tres gracias de Rubens; junto con obras claves de la escuela española
como Las Meninas de Velázquez, El sueño de Jacob de Ribera o Los Fusilamientos de Goya.
• En nuestro caso nos vamos a limitar en esta ocasión a aquellas obras que nos entren a examen en la
Prueba de Acceso a la Universidad.
31. Hacia 1426
La Anunciación
FRA ANGELICO
Tabla central de un retablo que
muestra bajo el pórtico la Anunciación
del Arcángel Gabriel a María y, a su
izquierda, la expulsión de Adán y Eva
del Paraíso. La condenación y salvación
del hombre. En el banco o predela se
narran escenas de la vida de la Virgen:
Nacimiento de María y los Desposorios
con San José, Visitación de María a su
prima Santa Isabel, Nacimiento del
Niño Jesús, la Presentación del Niño en
el Templo y la Dormición de la Virgen
con Cristo recogiendo su alma.
Fra Angelico es muy minucioso en los
detalles y calidades de los objetos y
personajes representados, aúna en su
estilo la tradición tardogótica italiana
con el nuevo lenguaje renacentista.
Ejemplo de ello es la profundidad
espacial de la arquitectura.
Ampliar imagen
32. Hacia 1435
El descendimiento
VAN DER WEYDEN
Centra la composición en la Compassio
Mariae, la pasión que experimenta la
Virgen ante el sufrimiento y la muerte
de su Hijo. Escoge el momento en que
José de Arimatea, Nicodemo y un
ayudante sostienen el cuerpo de Jesús
y María cae desmayada en el suelo
sostenida por San Juan y una de las
santas mujeres.
Weyden maneja con maestría las
figuras representadas en un espacio
limitado por el fondo dorado y en los
extremos San Juan y la Magdalena
cierran la composición. Sobresale
además el juego de diagonales
paralelas de los cuerpos de Cristo y de
María, poniendo de manifiesto su
doble pasión. Impactan los gestos y la
contención con que se expresan los
sentimientos.
Ampliar imagen
33. 1500 - 1505
El jardín de las delicias
EL BOSCO
En el tríptico abierto se incluyen tres
escenas. La tabla izquierda está
dedicada al Paraíso, con la creación de
Eva y la Fuente de la Vida, mientras la
derecha muestra el Infierno. La tabla
central da nombre al conjunto, al
representarse en un jardín las delicias
o placeres de la vida. Entre Paraíso e
Infierno, estas delicias no son sino
alusiones al Pecado, que muestran a la
humanidad entregada a los diversos
placeres mundanos.
Obra de carácter moralizante, es una
de las creaciones más
enigmáticas, complejas y bellas de El
Bosco, realizada en la última etapa de
su vida. Adquirida en la almoneda del
prior don Fernando, hijo natural del
gran duque de Alba, Felipe II la llevó a
El Escorial en 1593.
Ampliar imagen
34. 1548
El emperador Carlos V
a caballo en Mühlberg
TIZIANO
Retrato ecuestre del emperador Carlos
V (1500-1558) conmemorativo de la
victoria en Mühlberg de las tropas
imperiales sobre las protestantes. La
aparente sencillez de la composición
esconde una compleja simbología que
muestra al Monarca en su doble
condición de caballero cristiano y
heredero de la tradición imperial
romana. Ejemplo de ello es la lanza
que sostiene el Emperador con su
mano derecha y que siendo el símbolo
del poder de los césares, también hace
referencia al arma de San Jorge.
Los antecedentes formales de la
composición se han citado en la
estatua ecuestre romana del
emperador Marco Aurelio (121-
180), en diversos modelos de los
grabados de Alberto Durero.
Ampliar imagen
35. Hacia 1580
El caballero de la
mano en el pecho
EL GRECO
Retrato de personaje
desconocido, vestido con traje negro
de cuello y puños de encaje y luciendo
colgante y espada, detalle que destaca
su condición de caballero. Una de las
obras maestras del Renacimiento
español y una de las más divulgadas de
El Greco. Se distingue por la
expresividad de la mirada que el
personaje mantiene fija en el
espectador y el naturalismo en el
gesto de la mano.
Existen muy diversas interpretaciones
entorno a la identidad del personaje y
al significado del gesto, afirmando
algunos que simboliza diferentes
estados, como arrepentimiento o un
juramento. Se ha llegado a identificar
al caballero con Juan de Silva y
Ribera, III marqués de
Montemayor, alcalde del Alcázar de
Toledo.
Ampliar imagen
36. 1609 - 1628
Adoración de los Magos
RUBENS
A la izquierda de la composición, bajo
una columna clásica, el Niño ayudado
por su madre, juega con los regalos
que le ofrece uno de los Magos. Desde
ese punto hacia la derecha se
representa el resto de las figuras que
componen el cortejo de los Reyes.
En ella se aprecia un primer estilo de
Rubens, influido por su viaje a Italia:
figuras vigorosas, la utilización intensa
de la luz y abigarradas composiciones.
En 1621 la obra pasó a la Colección
Real. Cuando en 1628/1629 Rubens
visitó España amplió la pintura hasta
sus dimensiones actuales. En una
franja superior incluyó dos ángeles de
influencia tizianesca, incorporando
otra franja a la derecha, donde hizo
constar su autoría, autorretratándose
sobre un caballo.
Ampliar imagen
37. Hacia 1635
Las Tres Gracias
RUBENS
Las Gracias, descritas en la Teogonía
de Hesiodo, eran tres: Aglaya, que
significa
resplandeciente, Eufrósine, que quiere
decir gozosa y Talía, que significa
floreciente. Nacidas de uno de los
amores de Zeus, las tres Gracias eran
vírgenes puras que vivían con los
dioses, asistían a los banquetes y
despertaban la alegría de vivir. Estaban
al servicio de Afrodita, diosa del amor.
Las figuras están inspiradas en la
escultura clásica, visible en la
intención de reproducir la frialdad del
mármol en sus carnes. El ritmo circular
y la elegante ondulación son
características habituales en el
artista, aspectos que se unen a las
formas grandilocuentes y los colores
cálidos que incorpora el pintor en las
obras de sus últimos años.
Ampliar imagen
38. 1628 - 1629
El triunfo de Baco
o Los Borrachos
VELÁZQUEZ
El dios del vino, sentado en un
tonel, semidesnudo y tocado con hojas
de vid, corona a un joven soldado
rodeado de un grupo de bebedores. El
tratamiento del tema se aleja de la
tradición ennoblecedora del mito, en
una reinterpretación naturalista no
exenta de paradoja entre la gravedad
casi ritual de las figuras de la izquierda
y la ironía picaresca y el realismo del
grupo de la derecha. Estilísticamente
la obra conserva el gusto naturalista de
su etapa sevillana, junto con la
influencia colorista que Velázquez
asimila de la obra de Rubens y la
pintura veneciana del siglo XVI.
En ella desarrolla un discurso pictórico
sobre las bondades del vino y su
capacidad para consolar a las gentes
de las penalidades de la vida diaria.
Ampliar imagen
39. Hacia 1630
Vista del jardín de la
Villa Medici en Roma
VELÁZQUEZ
Obra maestra de la historia del paisaje
occidental en la que Velázquez plasmó
su idea del paisaje sin una excusa
narrativa que lo justifique.
Probablemente pintada durante el
primer viaje del pintor a Roma, hoy en
día se tiende a pensar que fue
realizada para inmortalizar un
momento concreto y una circunstancia
atmosférica determinada, la tarde.
Esta obra representa un rincón del
jardín de la Villa Medici. Dos hombres
conversan delante de una
serliana, cerrada por tablones de
madera. Sobre la arquitectura un
personaje tiende una sábana. Y, a la
derecha de la composición, puede
distinguirse en un nicho los perfiles de
una de las esculturas que forman la
magnífica colección artística de la villa.
Ampliar imagen
40. Hacia 1630
Vista del jardín de la
Villa Medici en Roma
VELÁZQUEZ
Obra maestra de la historia del paisaje
occidental en la que Velázquez plasmó
su idea del paisaje sin una excusa
narrativa que lo justifique.
Probablemente pintada durante el
primer viaje del pintor a Roma, hoy en
día se tiende a pensar que fue
realizada para inmortalizar un
momento concreto y una circunstancia
atmosférica determinada, el mediodía.
Esta obra representa un rincón del
jardín de la Villa Medici. En este
lienzo, dos hombres conversan en
primer plano mientras un tercero se
asoma a través de una serliana
presidida por una escultura de Ariadna
dormida.
Se trata de uno de los pocos ejemplos
anteriores al siglo XIX de paisaje
directo tomado del natural.
Ampliar imagen
41. Hacia 1632
El conde-duque de
Olivares a caballo
VELÁZQUEZ
El valido de Felipe IV se muestra con
media armadura, sombrero, banda y
bengala de general, remarcando su
condición de jefe de los ejércitos
españoles. Al fondo de un amplio
paisaje, la humareda alude a una
batalla. Se trata de un retrato
eminentemente propagandístico.
Olivares está representado a caballo y
en corveta, posición reservada
tradicionalmente a los más
poderosos, símbolo evidente de poder
y de mando. La agitación del caballo
contrasta con la figura, que vuelve su
arrogante mirada hacia el espectador.
Técnicamente esta composición de
Velázquez destaca la utilización de
colores cálidos aplicados en largas
pinceladas, rápidas y
compactas, formando grandes
manchas de color.
Ampliar imagen
42. 1635
La Rendición de Breda
o Las Lanzas
VELÁZQUEZ
Ambrosio Spínola, general genovés al
mando de los tercios de
Flandes, recibe del gobernador
holandés, Justino de Nassau, las llaves
de la ciudad de Breda, rendida tras un
largo asedio.
La obra, con clara finalidad de
propaganda política, insiste en el
concepto de clemencia de la
monarquía hispánica. Velázquez no se
recrea en la victoria y la batalla sólo
está presente en el fondo humeante.
El cuadro es una excelente muestra del
dominio de todos los recursos
pictóricos por parte del autor:
habilidad para introducir la
atmósfera, la luz y el paisaje en sus
lienzos, maestría retratística y
conocimiento profundo de la
perspectiva aérea.
Ampliar imagen
43. 1640
Francisco Lezcano
el Niño de Vallecas
VELÁZQUEZ
Un personaje, de evidente retraso
mental aparece sentado al abrigo de
una roca. Considerado como Francisco
Lezcano, “el Niño de Vallecas”, la
identificación está basada en la
aparición de un bufón con tal nombre
entre los documentos de palacio
desde 1634 hasta su muerte en 1649.
Con su característica sensibilidad nos
presenta un personaje lleno de
ternura, compañero y entretenimiento
del príncipe Baltasar Carlos, al que
sirvió. Pero más allá de los valores
plásticos se trata de un retrato donde
los elementos iconográficos, como las
cartas, o la localización en un
exterior, recordando los retratos de
anacoretas, sugieren un nuevo juego
metafórico, al que Velázquez era tan
aficionado, y que aún hoy no ha sido
plenamente identificado.
Ampliar imagen
44. Hacia 1656
La familia de Felipe IV
o Las Meninas
VELÁZQUEZ
Retrato de la infanta Margarita, hija de
Felipe IV, rodeada por sus damas de
compañía, las “meninas. Felipe IV y
Mariana de Austria se reflejan en el
espejo del fondo, juego espacial de
extraordinaria complejidad.
Compleja composición construida a
partir de una admirable habilidad para
el uso de la perspectiva, de la
plasmación de la luz y de la
representación de la atmósfera.
Las interpretaciones sobre el tema y la
plasmación del mismo han sido
múltiples. Las más numerosas
subrayan la reivindicación de la
nobleza de la pintura frente a las
prácticas artesanales. Velázquez se
autorretrata pintando el propio cuadro
a la izquierda del lienzo, afirmando así
la supremacía del arte de la pintura.
Ampliar imagen
45. Hacia 1657
La fábula de Aracne
o Las Hilanderas
VELÁZQUEZ
Representación compleja y altamente
intelectual del mito clásico de Aracne.
El mito aparece representado en dos
planos bajo la apariencia de un día
cotidiano en la Fábrica de Tapices de
Santa Isabel. Al fondo de la escena el
rapto de Europa aparece hilado en el
tapiz que cuelga de la pared y, ante él
Atenea, vestida con armadura, castiga
a Aracne. En primer plano se
representaría el desarrollo del
concurso. Atenea, hilando en la rueda
y Aracne devanando una madeja.
La complejidad iconográfica elevaría la
creación pictórica a la altura de otras
artes mejor consideradas en el siglo
XVII, como la poesía o la música, y las
referencias a grandes pintores, como
Tiziano y Rubens elevarían a Velázquez
a la altura de los grandes genios de la
Historia del Arte.
Ampliar imagen
46. 1639
El Martirio
de San Felipe
RIBERA
El Apóstol, santo patrono del rey
Felipe IV, predica en Escytia y en
Hierápolis, ciudad en la que, a los 87
años, es crucificado con cuerdas y
enterrado. Ribera lo representa
desnudo y atado al travesaño en el
momento de ser subido por tres
sayones, ante un grupo de infieles.
Llama la atención, a la izquierda, la
figura femenina con un niño en
brazos, alegoría de la Caridad cristiana.
Considerado durante algún tiempo
como el tormento de San
Bartolomé, es una de las
representaciones de martirio más
inquietantes de la pintura barroca.
Obra característica de la segunda
etapa pictórica de Ribera, en ella
destacan los fondos luminosos, las
tonalidades claras y el dominio de la
diagonal en la composición.
Ampliar imagen
47. Hacia 1660
Bodegón
ZURBARÁN
Cuatro recipientes, uno metálico y tres
de barro, de diferentes formas y
terminación, alineados sobre una
repisa frente a un fondo neutro y
acompañados de dos bandejas
metálicas, sobre las que reposan los
cacharros de los extremos.
Composición extraordinariamente
sencilla, otorga a la luz el
protagonismo absoluto ya que es ella
quien individualiza cada objeto.
Zurbarán pintó muy pocos bodegones
y se recrea en este caso en la pura
técnica pictórica, en las texturas y el
goce estético, sin otorgar a la obra un
segundo significado temporal, a
diferencia de otras representaciones
que suelen incluir flores
muertas, relojes, calaveras o alimentos
como alusión al paso del tiempo.
Ampliar imagen
48. Hacia 1678
La Inmaculada de los
Venerables o de Soult
MURILLO
Retrato de la infanta Margarita, hija de
Felipe IV, rodeada por sus damas de
compañía, las “meninas. Felipe IV y
Mariana de Austria se reflejan en el
espejo del fondo, juego espacial de
extraordinaria complejidad.
Compleja composición construida a
partir de una admirable habilidad para
el uso de la perspectiva, de la
plasmación de la luz y de la
representación de la atmósfera.
Las interpretaciones sobre el tema y la
plasmación del mismo han sido
múltiples. Las más numerosas
subrayan la reivindicación de la
nobleza de la pintura frente a las
prácticas artesanales. Velázquez se
autorretrata pintando el propio cuadro
a la izquierda del lienzo, afirmando así
la supremacía del arte de la pintura.
Ampliar imagen
49. 1777
El Quitasol
GOYA
Cartón para tapiz con una joven
sentada acompañada de un perro y de
un majo que la protege del sol con una
sombrilla.
La perspectiva de abajo arriba y el
formato indican que la pieza estaba
destinada a una sobreventana. La
composición, piramidal, y con las
figuras en primer plano, refleja la
influencia en Goya de la pintura clásica
italiana, así como la maestría del
artista al pintar las luces y sombras.
El tapiz resultante estaba destinado a
colgar en el comedor de los príncipes
de Asturias (el futuro Carlos IV y su
esposa María Luisa de Parma) en el
Palacio de El Pardo.
Ampliar imagen
50. 1800
La Familia de
Carlos IV
GOYA
Retrato de la familia del rey Carlos IV
realizado en 1800, poco después de
ser nombrado Goya primer pintor de
cámara.
Los precedentes de esta compleja
composición son el Retrato de Felipe V
con su familia de Van Loo y Las
Meninas de Velázquez, ambas obras
en el Museo del Prado.
Destaca el cuidado en el diseño de los
trajes, a la última moda, de las joyas, y
de las condecoraciones.
La armoniosa, clara y a un tiempo
compleja composición, revela la
maestría del artista. La sutil definición
de los caracteres atestigua la
capacidad del pintor para analizar al
ser humano.
Ampliar imagen
51. 1814
El 3 de mayo de 1808
o Los Fusilamientos
GOYA
Representación de los fusilamientos de
patriotas de Madrid por el ejército de
Napoleón, represalia al levantamiento
del 2 de mayo de 1808 contra la
ocupación francesa.
Los soldados franceses, de espaldas a
la derecha de la composición, apuntan
a los madrileños que han de morir. El
dramatismo y la tensión de la escena
quedan subrayados por el uso de la
luz, que ilumina fuertemente a los
héroes permitiendo diferenciar sus
caracteres y actitudes en un detallado
estudio psicológico de los personajes.
Esta obra fue realizada junto a su
pareja, El 2 de mayo de 1808 o La
lucha con los mamelucos.
Ampliar imagen
52. 1821 - 1823
Saturno
devorando a un hijo
GOYA
Las pinturas murales que decoraron la
casa de Goya conocida como la
“Quinta del Sordo”, se han
popularizado con el título de Pinturas
Negras por el uso que en ellas se hace
de los pigmentos oscuros y negros y
también por lo sombrío de los temas.
El carácter privado e íntimo de esta
casa, hizo que el artista se expresara
en estas obras con gran libertad.
Saturno, en el momento de devorar a
uno de sus hijos, es una de las
imágenes más expresivas de las
Pinturas Negras.
El dios de la mitología podría ser la
personificación de un sentimiento tan
humano como el miedo a perder el
poder o, simplemente, el pánico ante
los estragos del paso del tiempo.
Ampliar imagen