Que es el arte

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-ESCUELA SUPERIOR DE TAPACHULA
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1Es un grupo de reglas básicas en la mezcla de percepción de
colores para conseguir el efecto deseado combinando colores de
luz o combinando colores reflejados en pigmentos.
en el ámbito práctico del uso del color, el conocimiento que
tenemos y hemos adquirido sobre éste hace referencia al color
pigmento y proviene de las enseñanzas de la antigua academia
francesa de pintura que consideraba como colores primarios
(aquellos que por mezcla producirán todos los demás colores) al
rojo, el amarillo y el azul.
al tenor de este conocimiento práctico vemos que en realidad existen dos sistemas de
colores primarios: colores primarios luz y colores primarios pigmento.
la teoría del color es una guía que pretende estandarizar los conocimientos (con definiciones,
categorías, relaciones y efectos) sobre los colores para su aplicación práctica en diversas
áreas como puedan ser las artes visuales o el diseño gráfico.
Teoría del color tradicional
Las bases de la teoría del color artística tradicional son anteriores a los descubrimientos del
siglo XX.
Principales características de la teoría del color tradicional:
 El color se estudia como una experiencia sensorial abstracta ideal. No se distingue
entre colores luz y colores pigmento. Entre el comportamiento de la síntesis aditiva y
sustractiva.
 Colores primarios propuestos en el siglo XVIII: amarillo, rojo y azul. Se cree que a
partir de estos tres colores primarios es posible crear todos los demás colores.
 Dominan los espacios de representación del color bidimensionales como las escalas
tonales y el círculo cromático
1 http://arte.about.com/od/Que-es-el-arte/fl/Teoria-del-color.htm

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Teoría del color moderna
La teoría del color moderna ha evolucionado a partir de la teoría del
color tradicional y, aunque se ha ido actualizando con los
conocimientos científicos de finales del siglo XIX y del siglo XX,
mantiene algunos de sus principios anacrónicos.
Principales características que diferencian la teoría del color
moderna de la tradicional:
 Se tiene en cuenta la influencia de las leyes físicas en el comportamiento y percepción
de la luz y el color.
 Se distinguen diferentes colores primarios (con comportamientos distintos) según su
contexto: colores luz, colores pigmento y colores psicológicos.
 Énfasis en las tres dimensiones del color de Albert Munsell (1858-1918): tono,
saturación y valor.
Temas de la teoría del color
Algunos de los temas básicos que se incluyen en la teoría del color artística son:
Los colores
Todos los colores: Azul | Rojo | Verde | Amarillo | Púrpura | Naranja | Rosa | Marrón |
Gris | Negro | Blanco.
Vocabulario y definiciones sobre el color
Color, Círculo cromático, Colores complementarios, Color luz, Color pigmento, Colores
cálidos, Colores fríos, Color plano, Color local, Tono, Saturación, Valor, Escala de grises,
Monocromático, Acromático, Policromía.

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Historia del arte contemporáneo
El nacimiento del arte contemporáneo se sitúa en los primeros
años del siglo XX, momento en el que el arte se ve inundado por
una gran eclosión de experimentación artística y de creatividad,
este es el momento de las vanguardias históricas o vanguardias
artísticas.
Es una época en la que toda una serie de movimientos se van
influenciando entre ellos, aportando a la Historia del arte
múltiples y singulares formas de expresión. Plantean una total
libertad a la hora de interpretar la realidad, así como una
búsqueda de la originalidad y una conciencia revolucionaria, y proponen una nueva actitud
del espectador ante la obra de arte. Tras la Segunda Guerra Mundial surge el auge de la
abstracción. El expresionismo abstracto de los Estados Unidos se va haciendo un hueco. El
informalismo europeo de la posguerra se convirtió en el equivalente al expresionismo
abstracto en Estados Unidos. Más tarde llegará la abstracción postpictórica, el Op Art, los
Nuevos Realistas o el Pop Art y las tendencias conceptuales, como el happening,
performance, arte Minimal Povera, Antiform, Body Art, Land Art, Arte conteptual lingüístico.
Se llama arte contemporáneo a aquellas expresiones artísticas originadas durante el decurso
del siglo XX. Si bien el criterio de contemporaneidad es de uso dispar, las producciones del
arte durante el siglo pasado tienen una serie de rasgos comunes que entran en franco
contraste con aquellos provenientes de épocas precedentes. Así, es posible referirse al arte
del siglo XX como a un bloque, soslayando las siempre presentes diferencias que existen en
este. Las principales características que pueden señalarse con respecto al arte producido
en ese siglo son aquellas que hacen a una innovación en las normas a seguir, como así
también el uso de patrones antiguos que están utilizados con una significación distinta a la
original.
Cabe antes que nada dar un breve repaso de algunas concepciones vigentes al momento
de finalizar el siglo XIX. Hasta ese momento, pese a las enormes diferencias que se habían
gestado en lo que respecta a definir el valor y los alcances del arte, siempre prevaleció una
intención de lograr belleza a través de este. En este sentido, pude decirse que siempre

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subyació un elemento platónico en la mentalidad artística anterior al siglo XX, aspecto al que
pudo haber contribuido el cristianismo.
Basta con recordar que muchos
expertos definen la existencia de
períodos cíclicos en la historia del arte.
Así, el Renacimiento exhibió un intenso
aspecto platónico en el cual se
rescataron variables típicas de la
cultura grecorromana, con respeto por
la simetría, los patrones clásicos de
belleza y la figura humana. Estas
características son llamadas apolíneas
(en referencia al dios griego de la
belleza, Apolo). El Renacimiento fue sucedido por el Barroco, un período breve,
profundamente explosivo y plagado de creatividad, en el cual estos cánones se relativizaron
para incluir también parámetros más aleatorios e incluso sombríos. Estas características
suelen definir como dionisíacas (por el dios griego del vino, Dionisio). El neoclasicismo y el
romanticismo representan dos etapas posteriores y homólogas del Renacimiento y el
Barroco, en ese orden.
De igual forma, con la consolidación de la Revolución Industrial primero, y luego de la
Primera Guerra Mundial, la postura apolínea fue abandonándose en pos de una más
relativista, hasta el punto de llegar a negar a la belleza como finalidad del arte. Así, serán las
vanguardias las que pretenderán “liberarse” de concepciones pasadas, bogando por estilos
nuevos y experimentales. Más allá de que no lograron prosperar, dejaron su impronta en el
decurso del siglo, relativizando la noción de belleza. En muchos sentidos contribuyeron a
estas novedades en el arte moderno la posibilidad de la rápida incorporación de parámetros
artísticos de otras regiones del mundo (en especial, el Asia y los pueblos originarios de
América) y, en muchos casos, los fenómenos experimentales con alucinógenos utilizados
en la década de 1960.
Asimismo, vale recordar que el siglo XXI ha incorporado al arte moderno el concepto
asociado de arte digital, en el cual muchos creadores aplican tecnologías informáticas para

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dar lugar o complementar otro tipo de obras, ya sea de índole gráfico o musical. Los recursos
digitales han llegado para quedarse en forma definitiva en el mundo del arte actual, con un
mayor o menor grado de influencia que depende de la disponibilidad y variables culturales
propias del artista y su entorno social.
Ciertamente, puede señalarse una cuota de subjetividad a la hora de evaluar una obra en
particular. No obstante, el cuestionamiento extremo de pautas que eran respetadas hasta
fines del siglo XIX conllevo a una banalización del arte. En efecto, si la belleza es relativa,
entonces cualquier elemento es bello, y si el arte no tiene por qué atenerse a criterios
estéticos, entonces cualquier expresión es artística. El tratamiento de estas cuestiones será
capital para definir el futuro de la cultura. La vitalización del arte ha convertido en realidad a
cada usuario en una suerte de crítico de mayor o menor idoneidad, por lo cual los gustos y
placeres asociados con el arte moderno pueden disfrutarse de un modo personalizado y con
gran posibilidad de elección por parte de cada individuo.

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Que Es El Arte
El arte es el conjunto de disciplinas que se orientan
a una finalidad expresiva y estética. Si bien es cierto
que un gran número de actividades humanas
guardan relación con la capacidad de expresión y
la estética, solo en el arte estas características se
presentan como sentido y razón de ser. También es cierto que el concepto de estética ha
sido ampliamente debatido, más nunca fue definitivamente eliminado.
Si bien suele asociarse el concepto de arte con el e una cultura desarrollada, lo cierto es que
ya desde los inicios de la humanidad pueden encontrarse expresiones artísticas, motivo que
hace suponer que la vocación expresiva es innata a la raza humana. Siguiendo con esta
idea, es posible encontrar pinturas en las cavernas que utilizaban hombres prehistóricos y
que nos relatan a su manera los avatares de su vida cotidiana. Esta forma de expresión que
hoy llamamos arte rupestre, es una de las primeras registradas de nuestro paso por el
mundo.
Ahora bien, ateniéndonos a criterios más modernos, es posible segmentar la esfera del arte
en disciplinas particulares. Así, el arte estaría compuesto por diversas actividades, entre las
que se destaca la arquitectura, que se aboca a la construcción de edificios; la danza, que
consiste en la ejecución de movimientos del cuerpo al son de un ritmo; la escultura, que se
orienta a moldear y tallar diversas figuras; la música, que organiza sonidos y silencios
armoniosamente; la pintura, que es la representación gráfica mediante pigmentos; y
finalmente, la literatura, que se vale del uso de la palabra. Hay
quienes también otorgan gran importancia a la cinematografía y a la
fotografía.
A pesar de estas limitadas aproximaciones, hay que tener en cuenta
que el concepto de arte dista de estar cerrado, pudiendo encontrarse
otras variantes y reflexiones en torno a éste. Lo cierto es que más
allá de toda discrepancia, las obras que nos legaron innumerables
artistas hacen más gustosa nuestra existencia.

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Que Es El Arte
(León NikolayevitchTolstoi. (2002). que es el arte.
2012) Desde el punto de vista subjetivo, lo que
llamamos belleza es incontestablemente todo lo que
nos produce un placer de determinada especie.
Mirándolo desde el punto de vista objetivo, damos el
nombre de belleza a cierta perfección; pero claro es
que lo hacemos porque esa perfección nos produce
cierto placer, de modo que nuestra definición
objetiva no es más que una nueva forma de la
definición subjetiva. En realidad, toda noción de belleza se reduce para nosotros a la
recepción de determinada dosis de placer.
Teniendo esto en cuenta, sería natural que la estética renunciara a la definición del arte
fundado sobre la belleza, y que buscara otro más general, pudiendo aplicarse a todas las
producciones artísticas y permitiendo distinguir lo que depende o no del dominio de las artes.
Pero ninguna definición parecida se ha formado aún, conforme puede haber visto el lector.
Todas las tentativas hechas para definir la belleza absoluta, o no definen nada o sólo definen
algunos rasgos de ciertas producciones artísticas, y no se extienden a todo cuanto se
considera y se ha considerado como formando parte del dominio artístico.
No hay una sola definición objetiva de la belleza. Las que existen, así metafísicas como
experimentales, llegan todas a la misma definición subjetiva, que quiere que el arte sea lo
que exterioriza la belleza, y que ésta sea lo que gusta, sin excitar el deseo. Muchos
tratadistas de estética comprenden la insuficiencia de tal definición, y para darle una base
sólida, han estudiado los orígenes del placer artístico. Han convertido así la cuestión de la
belleza en cuestión de gusto. Pero esto les resulta tan fácil de definir como la belleza, pues
no hay ni puede haber explicación completa y seria de lo que hace que una cosa guste a un
hombre y disguste a otro, o viceversa. De esta manera la estética, desde su fundación hasta
nuestros días, no ha conseguido definir las cualidades y las leyes del arte, ni lo bello, ni la
naturaleza del gusto. Toda la famosa ciencia estética consiste en reconocer como artísticas
algunas obras por la sencilla razón de que nos gustan, y en combinar luego toda una teoría
de arte que pueda adaptarse a todas esas obras. Se da por bueno un canon de arte, según

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2el cual se reputan obras artísticas aquellas que tienen la dicha
de gustar a ciertas clases sociales, las de Fidias, Rafael,
Ticiano, Bach, Beethoven, Sófocles, Homero, Dante,
Shakespeare, Goethe, etc.; y a consecuencia de ello, las leyes
de la estética deben componérselas de tal modo, que
abarquen la totalidad de esas obras.
Un tratadista alemán de estética, de quien leí hace poco un
libro, Fólgeldt, discutiendo los problemas del arte y de moral,
afirmaba que era locura querer buscar moral en el arte.
¿Sabéis en que fundaba su argumentación? En que si el arte debía ser moral, ni Romeo y
Julieta de Shakespeare, ni el Wilhelm Meister de Goethe, serían obras de arte; y no pudiendo
dejar de ser esos libros obras de arte, toda la teoría de la moralidad en el arte se derrumbaba.
Fólgeldt buscaba una definición de arte que pudiera comprender esas dos obras y esto lo
conducía a proponer, como fundamento del arte, la "significación".
Sobre este plan están edificadas todas las estéticas existentes. En vez de dar una definición
del arte verdadero y decidir luego lo que es o no es buen arte, se citan a priori, como obras
de arte, cierto número de obras que, por determinadas razones, gustan a una parte del
público, y después se inventa una definición de arte que pueda comprender todas estas
obras. Así el estético alemán Múther, en su "Historia del arte del siglo XIX", no sólo no
condena las tendencias de los prerrafaelistas, decadentes y simbolistas, sino que trabaja
para ensanchar su definición de arte, de modo que pueda comprender están nuevas
tendencias. Sea cual fuera la nueva insania que aparezca en el arte, en cuento la adoptan
las clases superiores de nuestra sociedad, se inventa una teoría para explicarla y
sancionarla, como si nunca algunos grupos sociales hubieran tomado por arte verdadero lo
que era arte falso, deforme, vacío de sentido, y que no dejo huellas ni discípulos en pos de
sí.
La teoría del arte fundado sobre la belleza, tal como nos la expone la estética, no es, en
suma, otra cosa que la inclusión en la categoría de cosas "buenas" de una cosa que nos
agradó o nos agrada aún.
2 http://www.definicionabc.com/comunicacion/arte-contemporaneo.php

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Para definir una forma particular de la actividad humana, precisa antes de comprender el
sentido y el alcance de ella. Para conseguirlo, es necesario examinar tal actividad en sí
misma, luego en sus relaciones con sus causas y efectos, y no sólo desde el punto de vista
del placer personal que pueda hacernos sentir.
Si decimos que el fin de cierta forma de actividad consiste en nuestro placer y definimos esta
actividad por el placer que nos proporciona, tal definición será forzosamente inexacta. Esto
es lo que ha ocurrido cada vez que se trató de definir el arte. Por lo que hace a la
alimentación, a nadie se le ocurriría afirmar que su importancia se mide por la suma de placer
que nos procura. Todos comprendemos y estimamos que no puede admitirse eso, y que no
tenemos, por lo tanto, el derecho de decir que la pimienta de la Guayana, el queso de
Límberg, el alcohol, etc., a los que estamos acostumbrados, y que nos gustan, forman la
mejor de las alimentaciones.
Así ocurre con el arte. La belleza, o lo que nos gusta, no puede servirnos de base para una
definición del arte, ni los muchos objetos que nos producen placer han de considerarse como
modelo de lo que debe ser el arte. Buscar el objeto y el fin del arte en el placer que nos
producen, es imaginar, como los salvajes, que el objeto y el fin de la alimentación están en
el placer que nos producen.

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