El documento describe la obra pictórica "El grito" de Eduard Munch. En menos de 3 oraciones:
La obra muestra a una figura angustiada en primer plano sobre un puente con vista a un fiordo, reflejando el estado emocional del artista ante la muerte y soledad del ser humano moderno. Munch pintó varias versiones de la obra en la década de 1890, influyendo en el movimiento expresionista alemán con su uso del color y la deformación para transmitir sentimientos. "El grito" se ha convertido en un icono reconoc
El documento describe el movimiento romántico en la pintura durante la primera mitad del siglo XIX. El romanticismo surgió como reacción al clasicismo y enfatizó las emociones, la intuición y la libertad individual del artista. Los pintores románticos utilizaron colores vibrantes y pinceladas expresivas para representar temas como la naturaleza, la historia y las revoluciones políticas. Los principales exponentes fueron Delacroix, Géricault y Constable en Francia e Inglaterra respectivamente.
Elaborada a partir de la presentación de Tomás Pérez Molina (www.slideshare.net/tomperez).
Las fuentes de los recursos utilizados figuran en la última diapositiva.
Este documento proporciona una guía para analizar obras pictóricas. Explica cómo clasificar las obras en términos de si son figurativas o abstractas, determinar su temática, ubicación espacio-temporal y técnicas utilizadas. También describe los elementos formales como líneas, colores, forma, volumen, luz, ritmo y composición. Finalmente, analiza el contexto histórico y significado de las obras.
Resumen. Explica la renovación temática, técnica y formal de la escultura en ...Ignacio Sobrón García
Resumen. Explica la renovación temática, técnica y formal de la escultura en la primera mitad del siglo XX. Historia del Arte. 2º de Bachillerato LOMCE
Presentación elaborada y utilizada en el IES Las Musas de Madrid para reforzar los contenidos de Historia del Arte. Incluye video https://www.youtube.com/watch?v=fNZSUTrUbEA
Goya fue un pintor español del siglo XVIII que destacó por su talento y su obra crítica de la sociedad de su época. Tras estudiar en Zaragoza y Madrid, alcanzó éxito como pintor de la corte pero enfermó y quedó sordo en 1792, lo que marcó un cambio en su estilo más oscuro y expresivo. Capturó los problemas de España a través de retratos, pinturas religiosas e históricas con sátira social. Su obra reflejó los cambios políticos entre el Antiguo
El expresionismo surgió en Europa a comienzos del siglo XX como respuesta artística a la Primera Guerra Mundial y el derrumbe de la civilización occidental. Busca expresar las emociones y visión subjetiva del artista a través de formas distorsionadas y colores intensos. Sus principales representantes fueron los pintores alemanes de Die Brücke como Kirchner y los noruegos como Munch, conocido por su obra "El Grito".
El documento describe las principales vanguardias artísticas del siglo XX en Europa, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo y surrealismo. Surgen tras la Primera Guerra Mundial como ruptura con los estilos artísticos tradicionales. Los movimientos se caracterizan por el uso del color, la distorsión de formas, y la representación subjetiva de temas como la modernidad, guerra, y crisis social.
El documento describe el movimiento romántico en la pintura durante la primera mitad del siglo XIX. El romanticismo surgió como reacción al clasicismo y enfatizó las emociones, la intuición y la libertad individual del artista. Los pintores románticos utilizaron colores vibrantes y pinceladas expresivas para representar temas como la naturaleza, la historia y las revoluciones políticas. Los principales exponentes fueron Delacroix, Géricault y Constable en Francia e Inglaterra respectivamente.
Elaborada a partir de la presentación de Tomás Pérez Molina (www.slideshare.net/tomperez).
Las fuentes de los recursos utilizados figuran en la última diapositiva.
Este documento proporciona una guía para analizar obras pictóricas. Explica cómo clasificar las obras en términos de si son figurativas o abstractas, determinar su temática, ubicación espacio-temporal y técnicas utilizadas. También describe los elementos formales como líneas, colores, forma, volumen, luz, ritmo y composición. Finalmente, analiza el contexto histórico y significado de las obras.
Resumen. Explica la renovación temática, técnica y formal de la escultura en ...Ignacio Sobrón García
Resumen. Explica la renovación temática, técnica y formal de la escultura en la primera mitad del siglo XX. Historia del Arte. 2º de Bachillerato LOMCE
Presentación elaborada y utilizada en el IES Las Musas de Madrid para reforzar los contenidos de Historia del Arte. Incluye video https://www.youtube.com/watch?v=fNZSUTrUbEA
Goya fue un pintor español del siglo XVIII que destacó por su talento y su obra crítica de la sociedad de su época. Tras estudiar en Zaragoza y Madrid, alcanzó éxito como pintor de la corte pero enfermó y quedó sordo en 1792, lo que marcó un cambio en su estilo más oscuro y expresivo. Capturó los problemas de España a través de retratos, pinturas religiosas e históricas con sátira social. Su obra reflejó los cambios políticos entre el Antiguo
El expresionismo surgió en Europa a comienzos del siglo XX como respuesta artística a la Primera Guerra Mundial y el derrumbe de la civilización occidental. Busca expresar las emociones y visión subjetiva del artista a través de formas distorsionadas y colores intensos. Sus principales representantes fueron los pintores alemanes de Die Brücke como Kirchner y los noruegos como Munch, conocido por su obra "El Grito".
El documento describe las principales vanguardias artísticas del siglo XX en Europa, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo y surrealismo. Surgen tras la Primera Guerra Mundial como ruptura con los estilos artísticos tradicionales. Los movimientos se caracterizan por el uso del color, la distorsión de formas, y la representación subjetiva de temas como la modernidad, guerra, y crisis social.
El documento proporciona información sobre diferentes movimientos artísticos del siglo XIX como el romanticismo, el realismo, el impresionismo y el modernismo. Se describen las características y obras representativas de pintores como Delacroix, Courbet, Monet, Renoir, Degas, Gaudí y Rodin.
El documento describe el movimiento artístico del realismo en el siglo XIX. Se caracterizó por representar la realidad de forma objetiva y sin idealización, tomando como temas la vida cotidiana y denunciando las desigualdades sociales. Algunas de las principales escuelas fueron el paisajismo de la Escuela de Barbizon en Francia, el realismo social de Courbet y Daumier, y los prerrafaelistas en Inglaterra.
El documento resume la vida y obra del pintor medieval holandés Hieronymus Bosch. Describe algunas de sus obras más famosas como El jardín de las delicias y Los siete pecados capitales, en las que representaba de forma fantástica y moralizante temas religiosos y sociales de su época a través de visiones oníricas repletas de criaturas.
El documento describe el movimiento artístico del realismo en la segunda mitad del siglo XIX. El realismo rechazaba la idealización en favor de retratar la realidad cotidiana de forma objetiva. Los principales pintores realistas fueron Gustave Courbet, Honoré Daumier y François Millet, conocidos por sus retratos de la clase trabajadora y temas rurales. El paisajista Jean-Baptiste-Camille Corot también contribuyó al realismo con sus paisajes que capturaban la luz y atmósfera de forma naturalista.
Este documento proporciona una guía para analizar imágenes de diferentes movimientos artísticos y períodos históricos, incluyendo el surrealismo, el art deco, el arte durante la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial. Incluye preguntas sobre el autor, fecha, estilo, técnicas, elementos formales y significado histórico de obras de arte como pinturas, esculturas, fotografías, películas y diseño de diferentes artistas como Dalí, Miró, Disney y Hitchcock.
Esta escultura de Bernini representa a un David adulto y realista en el momento preciso de lanzar la honda contra Goliat, mostrando gran dinamismo y dramatismo típicos del estilo barroco. Muestra tensión en todo el cuerpo a través de torsiones y escorzos, así como un tratamiento anatómico muy naturalista. Es un claro ejemplo de las características principales de Bernini como el movimiento, el realismo y el uso de la luz y las sombras.
La Lección de Anatomía del Doctor Tulp es un óleo sobre lienzo de Rembrandt de 1632 que representa una lección de anatomía impartida por el doctor Nicolaes Tulp sobre un cadáver, rodeado por otros cirujanos. Rembrandt transforma el tradicional retrato de grupo en una escena teatral con expresivas figuras iluminadas dramáticamente, reflejando la nueva cultura científica protestante de Holanda en el siglo XVII.
Historia del Arte y el diseño gráfico: Del Renacimiento hasta la Secesión vie...CamilaBages
El documento describe la evolución de la imprenta y la tipografía desde su invención por Johannes Gutenberg en 1450 hasta el siglo XVIII. Algunos hitos clave incluyen la apertura de la primera imprenta de Nicolas Jenson en 1468, el establecimiento de la imprenta Aldina por Aldo Manucio en 1490 y el desarrollo de la letra bastardilla por Claude Garamond en 1501. El documento también cubre el Renacimiento, el Humanismo, la Reforma Protestante y el desarrollo de estilos artísticos como el Manierismo y el
El documento resume la pintura "El gran masturbador" de Salvador Dalí. La obra surrealista de 1929 representa las obsesiones sexuales y el encuentro del artista con Gala a través de símbolos como una langosta y figuras humanas en la playa. La pintura detalla las influencias psicoanalíticas en Dalí y cómo expresó sus complejos personales como el Edipo a través de un autorretrato onírico y detallado.
Este cuadro representa a un caminante de pie en lo alto de una montaña, mirando hacia un mar de nubes. Fue pintado por Caspar David Friedrich en 1818 y muestra su estilo romántico, con la pequeña figura del caminante aislada en la inmensidad de la naturaleza. El cuadro utiliza colores fríos como el azul y gris y una pincelada ligera para capturar la soledad y melancolía del caminante contemplando el más allá.
Este documento resume la arquitectura romántica en España durante el siglo XIX, destacando la construcción de importantes teatros como el Teatro Romea en Murcia, el Teatro Falla en Cádiz y el Teatro Campoamor en Oviedo. También menciona otros edificios notables de la época como el Arco del Triunfo y el Palacio de Justicia en Barcelona.
Este documento explica las características generales del expresionismo y las diferencias entre los grupos alemanes El Puente y El Jinete Azul. El expresionismo surgió en Alemania en 1905 como un arte experimental y contestatario que rompía con las convenciones tradicionales para maximizar la expresión interior del artista a través de la distorsión de formas, colores estridentes y temas oscuros que reflejaban las angustias de la época moderna. Mientras que ambos grupos buscaban la expresión emocional, El Jinete Azul
El documento resume la obra del artista renacentista Lorenzo Ghiberti y sus contribuciones más importantes como la Puerta Norte del Baptisterio de Florencia y las Puertas del Paraíso. Ghiberti ganó un concurso en 1401 para decorar las puertas del baptisterio y pasó el resto de su carrera trabajando en este proyecto monumental, perfeccionando su técnica de fundición de bronce y creando escenas bíblicas de gran belleza y realismo. Sus últimas puertas, conocidas como las Puertas del Paraíso,
La escultura neoclásica se caracteriza por retomar los ideales de belleza de la antigua Grecia y Roma a través de temas mitológicos y retratos idealizados. Su máximo representante fue el italiano Antonio Canova, cuyas obras muestran figuras serenas y equilibradas que evitan el dramatismo barroco. Otras figuras importantes fueron Bertel Thorwaldsen y Jean Antoine Houdon.
El documento describe el movimiento artístico del Impresionismo en Francia a finales del siglo XIX. Se centra en los principales pintores impresionistas como Monet, Renoir, Degas, Pissarro y otros, y explica sus técnicas pictóricas para capturar los efectos de la luz y plasmar la percepción visual del momento, en contraposición a la representación exacta de las formas. También resume las obras más representativas de cada artista y los temas que solían plasmar.
a) Describe las características principales del Expresionismo.
b) ¿En qué contexto surge? ¿Cómo se relaciona este con lo que expresan sus caras?
c) Mencione seis artistas e incluya una obra de cada uno.
d) ¿Qué diferencias hay con el fauvismo?
El documento resume el movimiento artístico del expresionismo que surgió a finales del siglo XIX en Alemania. Se caracterizó por reflejar las emociones subjetivas en lugar de representar la realidad de forma objetiva, distorsionando formas y colores. Los principales exponentes fueron los grupos Die Brücke y Der Blaue Reiter, así como artistas como Munch, Van Gogh, Kirchner y Kokoschka. El expresionismo también influyó en la literatura y el cine alemán de la época.
El documento proporciona información sobre diferentes movimientos artísticos del siglo XIX como el romanticismo, el realismo, el impresionismo y el modernismo. Se describen las características y obras representativas de pintores como Delacroix, Courbet, Monet, Renoir, Degas, Gaudí y Rodin.
El documento describe el movimiento artístico del realismo en el siglo XIX. Se caracterizó por representar la realidad de forma objetiva y sin idealización, tomando como temas la vida cotidiana y denunciando las desigualdades sociales. Algunas de las principales escuelas fueron el paisajismo de la Escuela de Barbizon en Francia, el realismo social de Courbet y Daumier, y los prerrafaelistas en Inglaterra.
El documento resume la vida y obra del pintor medieval holandés Hieronymus Bosch. Describe algunas de sus obras más famosas como El jardín de las delicias y Los siete pecados capitales, en las que representaba de forma fantástica y moralizante temas religiosos y sociales de su época a través de visiones oníricas repletas de criaturas.
El documento describe el movimiento artístico del realismo en la segunda mitad del siglo XIX. El realismo rechazaba la idealización en favor de retratar la realidad cotidiana de forma objetiva. Los principales pintores realistas fueron Gustave Courbet, Honoré Daumier y François Millet, conocidos por sus retratos de la clase trabajadora y temas rurales. El paisajista Jean-Baptiste-Camille Corot también contribuyó al realismo con sus paisajes que capturaban la luz y atmósfera de forma naturalista.
Este documento proporciona una guía para analizar imágenes de diferentes movimientos artísticos y períodos históricos, incluyendo el surrealismo, el art deco, el arte durante la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial. Incluye preguntas sobre el autor, fecha, estilo, técnicas, elementos formales y significado histórico de obras de arte como pinturas, esculturas, fotografías, películas y diseño de diferentes artistas como Dalí, Miró, Disney y Hitchcock.
Esta escultura de Bernini representa a un David adulto y realista en el momento preciso de lanzar la honda contra Goliat, mostrando gran dinamismo y dramatismo típicos del estilo barroco. Muestra tensión en todo el cuerpo a través de torsiones y escorzos, así como un tratamiento anatómico muy naturalista. Es un claro ejemplo de las características principales de Bernini como el movimiento, el realismo y el uso de la luz y las sombras.
La Lección de Anatomía del Doctor Tulp es un óleo sobre lienzo de Rembrandt de 1632 que representa una lección de anatomía impartida por el doctor Nicolaes Tulp sobre un cadáver, rodeado por otros cirujanos. Rembrandt transforma el tradicional retrato de grupo en una escena teatral con expresivas figuras iluminadas dramáticamente, reflejando la nueva cultura científica protestante de Holanda en el siglo XVII.
Historia del Arte y el diseño gráfico: Del Renacimiento hasta la Secesión vie...CamilaBages
El documento describe la evolución de la imprenta y la tipografía desde su invención por Johannes Gutenberg en 1450 hasta el siglo XVIII. Algunos hitos clave incluyen la apertura de la primera imprenta de Nicolas Jenson en 1468, el establecimiento de la imprenta Aldina por Aldo Manucio en 1490 y el desarrollo de la letra bastardilla por Claude Garamond en 1501. El documento también cubre el Renacimiento, el Humanismo, la Reforma Protestante y el desarrollo de estilos artísticos como el Manierismo y el
El documento resume la pintura "El gran masturbador" de Salvador Dalí. La obra surrealista de 1929 representa las obsesiones sexuales y el encuentro del artista con Gala a través de símbolos como una langosta y figuras humanas en la playa. La pintura detalla las influencias psicoanalíticas en Dalí y cómo expresó sus complejos personales como el Edipo a través de un autorretrato onírico y detallado.
Este cuadro representa a un caminante de pie en lo alto de una montaña, mirando hacia un mar de nubes. Fue pintado por Caspar David Friedrich en 1818 y muestra su estilo romántico, con la pequeña figura del caminante aislada en la inmensidad de la naturaleza. El cuadro utiliza colores fríos como el azul y gris y una pincelada ligera para capturar la soledad y melancolía del caminante contemplando el más allá.
Este documento resume la arquitectura romántica en España durante el siglo XIX, destacando la construcción de importantes teatros como el Teatro Romea en Murcia, el Teatro Falla en Cádiz y el Teatro Campoamor en Oviedo. También menciona otros edificios notables de la época como el Arco del Triunfo y el Palacio de Justicia en Barcelona.
Este documento explica las características generales del expresionismo y las diferencias entre los grupos alemanes El Puente y El Jinete Azul. El expresionismo surgió en Alemania en 1905 como un arte experimental y contestatario que rompía con las convenciones tradicionales para maximizar la expresión interior del artista a través de la distorsión de formas, colores estridentes y temas oscuros que reflejaban las angustias de la época moderna. Mientras que ambos grupos buscaban la expresión emocional, El Jinete Azul
El documento resume la obra del artista renacentista Lorenzo Ghiberti y sus contribuciones más importantes como la Puerta Norte del Baptisterio de Florencia y las Puertas del Paraíso. Ghiberti ganó un concurso en 1401 para decorar las puertas del baptisterio y pasó el resto de su carrera trabajando en este proyecto monumental, perfeccionando su técnica de fundición de bronce y creando escenas bíblicas de gran belleza y realismo. Sus últimas puertas, conocidas como las Puertas del Paraíso,
La escultura neoclásica se caracteriza por retomar los ideales de belleza de la antigua Grecia y Roma a través de temas mitológicos y retratos idealizados. Su máximo representante fue el italiano Antonio Canova, cuyas obras muestran figuras serenas y equilibradas que evitan el dramatismo barroco. Otras figuras importantes fueron Bertel Thorwaldsen y Jean Antoine Houdon.
El documento describe el movimiento artístico del Impresionismo en Francia a finales del siglo XIX. Se centra en los principales pintores impresionistas como Monet, Renoir, Degas, Pissarro y otros, y explica sus técnicas pictóricas para capturar los efectos de la luz y plasmar la percepción visual del momento, en contraposición a la representación exacta de las formas. También resume las obras más representativas de cada artista y los temas que solían plasmar.
a) Describe las características principales del Expresionismo.
b) ¿En qué contexto surge? ¿Cómo se relaciona este con lo que expresan sus caras?
c) Mencione seis artistas e incluya una obra de cada uno.
d) ¿Qué diferencias hay con el fauvismo?
El documento resume el movimiento artístico del expresionismo que surgió a finales del siglo XIX en Alemania. Se caracterizó por reflejar las emociones subjetivas en lugar de representar la realidad de forma objetiva, distorsionando formas y colores. Los principales exponentes fueron los grupos Die Brücke y Der Blaue Reiter, así como artistas como Munch, Van Gogh, Kirchner y Kokoschka. El expresionismo también influyó en la literatura y el cine alemán de la época.
El expresionismo surgió a finales del siglo XIX y principios del XX como una reacción contra el naturalismo. Se caracterizó por la subjetividad, la deformación intencional de la realidad y la primacía de las emociones. En la pintura destacaron grupos como Die Brücke y Der Blaue Reiter, así como artistas como Munch, Kirchner y Van Gogh. La literatura expresionista criticó la sociedad burguesa y la alienación individual, mientras que el cine expresionista alemán utilizó decorados distorsionados para refle
El documento presenta información sobre el movimiento expresionista en diferentes áreas como la pintura, escultura, literatura y cine. Se describe el surgimiento del expresionismo a finales del siglo XIX como reacción al naturalismo, destacando artistas como Munch, Van Gogh, Kirchner y grupos como Die Brücke y Der Blaue Reiter. También se resumen las características de este movimiento y su desarrollo en literatura, con autores como Wedekind, y en el cine alemán de principios del siglo XX.
El documento proporciona información sobre el movimiento expresionista en diferentes áreas como la pintura, la escultura, la literatura y el cine. Resalta que surgió a finales del siglo XIX como reacción al naturalismo y que se caracterizó por la subjetividad, la deformación de la realidad y la expresión de emociones como el pesimismo. Menciona a varios artistas importantes como Munch, Kirchner, Van Gogh y sus obras representativas. También analiza la escultura expresionista y las películas pioneras del
El documento describe el expresionismo como un movimiento artístico que buscaba expresar los sentimientos y emociones del artista más que representar la realidad objetiva. Tuvo varias generaciones, destacando la primera a principios del siglo XX liderada por Edvard Munch, cuyo cuadro más famoso es El Grito. La segunda oleada incluyó los grupos Die Brücke y Der Blaue Reiter, con figuras como Kirchner y Kandinsky. Tras la Primera Guerra Mundial surgió una tercera generación como Otto Dix que refle
El documento describe el movimiento expresionista en el arte. Busca la expresión de sentimientos y emociones más que la representación objetiva de la realidad. Tuvo su epicentro en Alemania entre 1900 y la Primera Guerra Mundial. Artistas como Munch, Ensor, los miembros del grupo Die Brücke como Kirchner, y Nolde utilizaron colores intensos y formas distorsionadas para transmitir angustia y pesimismo. Su obra fue reprimida por el régimen nazi.
El documento describe el contexto artístico del siglo XX y el surgimiento de las vanguardias. Las guerras mundiales y el horror atómico llevaron a cuestionar la seguridad y el progreso de la sociedad occidental. Artistas como los fauvistas, cubistas, expresionistas y surrealistas crearon nuevos lenguajes artísticos que rompían con la tradición académica, usando el color y la forma de manera libre para expresar emociones e ideas. Las vanguardias marcaron el camino de la innovación en las
Oskar Kokoschka fue un pintor y escritor austriaco expresionista. Comenzó su carrera en Viena en 1907 estudiando arte decorativo. Más tarde se unió al movimiento expresionista y pintó retratos intensos y cuadros alegóricos políticos. Tuvo que exiliarse de Austria después de que los nazis declararan su obra "arte degenerado". Continuó pintando y expresando sus opiniones políticas en obras que criticaban la guerra hasta su muerte en 1980.
El documento proporciona información sobre el expresionismo y varios artistas expresionistas como Van Gogh, Edvard Munch y otros. Explica que el expresionismo busca expresar las emociones del artista más que representar la realidad objetivamente. Luego resume brevemente la biografía y obras clave de Van Gogh y Munch, incluidos cuadros como La noche estrellada y El grito. También cubre otros pintores expresionistas como Kokoschka, Gutiérrez Solana y sus obras representativas.
El documento describe el movimiento artístico del expresionismo en el siglo XX, incluyendo sus características, precedentes como Edvard Munch y James Ensor, y representantes importantes como Vincent van Gogh y el mismo James Ensor. El expresionismo se basó en la deformación de la realidad para expresar emociones de forma subjetiva y criticar a la sociedad burguesa.
Ernst Ludwig Kirchner fue un importante pintor alemán del expresionismo. Fundó el grupo Die Brücke en 1905 que buscó liberar el arte alemán del academicismo. Pintó escenas de la vida urbana en Dresden y Berlín con colores vibrantes y formas angulares. Más tarde se mudó a Davos, Suiza, donde desarrolló un estilo más abstracto y tranquilo influenciado por el paisaje alpino. Kirchner sufrió una crisis nerviosa durante la Primera Guerra Mundial y se suicidó en 1938 luego
El documento resume brevemente la historia de las primeras vanguardias artísticas del siglo XX, incluyendo el Fauvismo, el Expresionismo y los artistas clave de estos movimientos como Matisse, Derain, Vlaminck, Kirchner y Ensor. Explica las características y obras representativas de cada movimiento, destacando su rechazo a la tradición académica y su énfasis en la expresión subjetiva y el uso del color.
El documento resume la historia de las vanguardias artísticas del siglo XX, comenzando con una introducción sobre el contexto histórico y el concepto de vanguardia. Luego describe los principales movimientos como el Fauvismo, Expresionismo y las obras y características de sus principales exponentes como Matisse, Derain, Vlaminck, Munch y Kirchner.
Este documento resume los principales movimientos artísticos vanguardistas europeos entre 1905 y 1945. Menciona el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el dadaísmo y el surrealismo. Describe sus características y los artistas más representativos de cada movimiento, como Matisse, Munch, Kandinsky, Picasso y Dalí. Resalta que estas vanguardias rompieron con el arte tradicional e introdujeron nuevos lenguajes artísticos a través de la experimentación con la forma, el color y los materiales.
El documento describe las principales vanguardias artísticas del siglo XX en Europa, incluyendo el fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo y surrealismo. Resalta las características y artistas clave de cada movimiento, como el uso del color en el fauvismo, la expresión subjetiva en el expresionismo alemán, y la descomposición de formas en el cubismo de Picasso y Braque.
El documento resume el expresionismo alemán y sus principales exponentes como Munch, Kirchner, Nolde y Kandinsky. Munch influyó con su obra El Grito, que expresaba la angustia existencial. Grupos como El Puente y El Jinete Azul rechazaron el impresionismo, distorsionando formas y usando el color de manera emotiva. Kandinsky desarrolló el expresionismo abstracto buscando que la pintura, como la música, conmoviera sin necesidad de narrar. Picasso también tuvo etapas expresionistas como en
El documento resume las características del Romanticismo y el Realismo en el arte del siglo XIX. En el Romanticismo, los pintores se enfocaron en temas históricos, literarios y exóticos, usando colores vibrantes y composiciones desequilibradas para expresar emociones. Artistas como Turner, Friedrich y Delacroix fueron representantes destacados. El Realismo surgió luego, reflejando la realidad social de forma precisa a través de pintores como Courbet, quien retrató escenas rurales y de la vida cotidiana.
El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania a comienzos del siglo XX. Dos de los grupos más importantes fueron Die Brücke y Der Blaue Reiter. Die Brücke se centró en plasmar las angustias interiores del hombre a través de formas angulosas y colores oscuros. Der Blaue Reiter fue más subjetivo y espiritual, creyendo que el significado de una obra depende del espectador. Artistas como Munch, Kirchner y Nolde fueron pioneros del expresionismo, buscando transmit
El documento proporciona instrucciones para realizar una presentación sobre una obra de arte en 5 diapositivas. La Diapositiva 1 incluye información básica sobre la obra. Las Diapositivas 2-4 describen el análisis iconográfico, composición y otros aspectos formales. La Diapositiva 5 se centra en el análisis de las figuras. El expositor solo mostrará la Diapositiva 1 y describirá oralmente los otros puntos para los compañeros.
La iglesia de Santa María de Yermo data de los siglos XII-XIII y fue construida por el arquitecto Pedro Quintana. Es un edificio románico de una sola nave con ábside semicircular y decoraciones bíblicas en los capiteles. Se encuentra localizada en Yermo, Cantabria y conserva sus características arquitectónicas originales del románico como vanos pequeños y espacios diferenciados.
El documento describe la economía, sociedad y cultura de Al-Andalus. La economía se basaba en la agricultura con nuevas técnicas de regadío y cultivos como el arroz y la naranja, así como en el comercio con Oriente y Europa. La sociedad estaba dividida entre árabes conquistadores, hispanos conversos, mozárabes y judíos viviendo en barrios separados. La cultura era una mezcla del mundo clásico con influencias bizantinas y árabes, destacando la escuela de traductores de Toledo y
El documento resume las diferentes etapas de Al-Andalus desde la conquista musulmana en el 711 hasta la caída del último reino nazarí de Granada en 1492. Incluye fechas clave, hechos históricos, desarrollo económico y social, y logros arquitectónicos para cada periodo, desde el emirato omeya hasta el esplendor del califato de Córdoba, la fragmentación en reinos taifas, la llegada de los almorávides y almohades, y la supervivencia final del reino n
El documento analiza la obra "El descendimiento" de Roger Van der Weyden realizada en la técnica al temple sobre tabla. Se describe la escena religiosa representada que muestra el momento del descendimiento de Cristo de la cruz con varios personajes bíblicos. Se analizan aspectos técnicos, iconográficos, formales y figurativos de la obra para comprender el significado y el contexto en el que fue realizada.
El documento presenta un análisis detallado del cuadro El matrimonio Arnolfini de Jan Van Eyck. Se analizan aspectos técnicos, iconográficos y formales de la obra, así como su contexto histórico y artístico. El cuadro representa aparentemente una ceremonia matrimonial y contiene varios símbolos y detalles que aluden al matrimonio y a la fidelidad conyugal. Recientemente, algunos estudios cuestionan la identidad tradicional de los personajes representados.
La época del Gótico entre los siglos XII y XIII fue una era de renacimiento urbano en Europa, marcada por cambios en el arte, la cultura y la arquitectura. Nuevos edificios como palacios, lonjas y universidades surgieron para servir a una variedad de clientes artísticos como la nobleza, el clero y la burguesía emergente, mientras que órdenes religiosas mendicantes como los franciscanos y dominicos desempeñaron un papel importante junto con los nuevos ayuntamientos.
Las primeras universidades surgieron en el siglo XII debido a la necesidad de los reyes de formar profesionales para la administración y el deseo de los grupos sociales más pudientes de acceder a la cultura. Inicialmente existían escuelas catedralicias y municipales, pero se crearon las universidades para ganar independencia del control eclesiástico y ofrecer un acceso más amplio a la educación superior a través de estudios como el trivium, el cuadrivium y otras materias.
Este documento contiene un plan de trabajo sobre la época gótica dividido en 8 actividades. Las actividades se centran en identificar los elementos arquitectónicos y escultóricos característicos del estilo gótico, comparar las diferencias entre el estilo románico y gótico, y analizar ejemplos de pintura gótica. El equipo de estudiantes deberá completar las actividades para aprender sobre las características definitorias del arte gótico.
El documento resume los aspectos generales del arte gótico, incluyendo su cronología y origen geográfico en Francia durante los siglos XII-XVI. Describe las características arquitectónicas como el uso de piedra, pilares y arcos ojivales para soportar bóvedas y contrarrestar su empuje. Explica que la escultura gótica se realizaba principalmente en piedra y se ubicaba en las fachadas de las catedrales, mientras que la pintura perdió importancia debido al desarrol
En el siglo XIII se produjo el resurgir de las ciudades europeas. El comercio floreció gracias a mejoras agrícolas y nuevas rutas comerciales, aumentando la población urbana. Las ciudades se expandieron de forma caótica dentro de sus murallas, y surgieron gremios que regulaban cada oficio artesanal. A su vez, los monarcas reforzaron su poder centralizando la administración y derrotando a los señores feudales, obteniendo apoyo de las ciudades en expansión.
La crisis agraria del siglo XIV en Europa provocó malas cosechas, hambre y epidemias como la Peste Negra, lo que resultó en una gran mortandad en el campo y las ciudades. La Peste Negra tuvo consecuencias como el abandono de tierras cultivadas, la disminución de las rentas de los señores feudales y el aumento de impuestos, lo que generó escasez de trabajo y alimentos y miseria entre las clases populares.
El resurgir de las ciudades en el siglo XIII se debió al aumento de la agricultura y el comercio, lo que impulsó el crecimiento de la población urbana. Las ciudades se expandieron más allá de sus murallas originales y contenían barrios, plazas y calles estrechas. Los gremios de artesanos se fortalecieron y definieron roles como maestros y aprendices. Además, los monarcas reforzaron su poder convocando cortes o parlamentos y creando ejércitos profesionales
El documento describe varias iglesias románicas en Cantabria, incluyendo su ubicación, historia, características arquitectónicas y esculturas. Se pide a los estudiantes que localicen las iglesias en un mapa, investiguen cuando se construyeron y a quien estaban dedicadas, identifiquen los materiales y elementos arquitectónicos utilizados, y analicen las esculturas y su significado.
El documento presenta información sobre el arte románico en España entre los siglos XI y XII. Explica que el estilo románico se desarrolló en un contexto de cultura religiosa durante esta época y describe aspectos de la arquitectura, escultura y pintura románicas como las iglesias de piedra con bóvedas de cañón, la escultura en tímpanos y capiteles con temas bíblicos y la pintura al fresco en los ábsides con figuras rígidas e inexpresivas.
La cristiandad en la Edad Media europea se extendió a través de la cristianización de pueblos germanos, eslavos y de los Balcanes y Rusia por los católicos alemanes y ortodoxos bizantinos. La Iglesia regulaba todos los aspectos de la vida privada y tenía gran poder económico, social y político. Las herejías cuestionaban la jerarquía y riqueza de la Iglesia, mientras que las Cruzadas entre los siglos XI y XIII buscaban recuperar los Santos Lugares de manos
1) Napoleón da un golpe de estado en 1799 y establece el Consulado, asumiendo el poder ejecutivo como primer cónsul. 2) Implementa reformas administrativas, legales y educativas que fortalecen el poder del Estado. 3) En el extranjero, logra victorias militares que expanden el control francés sobre Europa hasta 1812, cuando su desastrosa invasión a Rusia marca el inicio del declive napoleónico.
El documento describe la Revolución Francesa desde los Estados Generales de 1789 hasta el establecimiento del Consulado de Napoleón en 1799. Los Estados Generales fracasaron en satisfacer las demandas del Tercer Estado, llevando al Juramento del Juego de la Pelota y el inicio de la Asamblea Nacional Constituyente. La Asamblea abolió el feudalismo y creó una constitución que estableció una monarquía constitucional. Esto condujo a mayores disturbios populares y la formación de la Convención, la cual proclamó la República y
El Anfiteatro Flavio, también conocido como el Coliseo, fue construido en Roma entre los años 72-80 d.C. bajo el mandato del emperador Vespasiano. Con una planta ovalada y cuatro niveles de graderío, el Coliseo podía albergar a unos 50.000 espectadores y fue utilizado para celebrar combates de gladiadores y espectáculos con animales.
3. TÍTULO: El grito
AUTOR: Eduard Munch (1863-1944)
CRONOLOGÍA: 1893
TÉCNICA: Óleo y temple sobre cartón
MOVIMIENTO: Precedente del expresionismo
LOCALIZACIÓN: Galería Nacional de Oslo
(existen alrededor de unas 50 copias)
FICHA TÉCNICA
4. • Una figura en primer plano se lleva las manos al
rostro y parece gritar angustiada.
• Elementos que le acompañan:
Dos figuras al fondo que parecen pasear ajenas
al drama del personaje (le dan la espalda).
Una barandilla a la izquierda del personaje y que
se proyecta en perspectiva hacia el fondo. Parece
indicarnos que estamos en un puente.
Un posible fiordo al fondo en que se encuentran
dos barcos.
Silueta de una iglesia a la derecha.
• El grito parece propagarse por la naturaleza circundante
en forma de ondas de color.
• El grito es un reflejo del mundo interior del artista que
entronca con la soledad del ser humano en la civilización
moderna.
ANÁLISIS
ICONOGRÁFICO I
La escena se desarrolla a las afueras de Oslo, en uno
de los lugares favoritos de la burguesía local y de las
parejas de enamorados, que iban a pasear allí los
domingos. Munch convierte, así, un lugar de encuentro y
esparcimiento en un espacio de pesadilla.
5. • “Iba caminando con dos amigos por el paseo -el sol se
ponía- el cielo se volvió de pronto rojo – me paré -
cansado me apoyé en una baranda – sobre la ciudad y
el fiordo azul oscuro no veía sino sangre y lenguas de
fuego – mis amigos continuaban su marcha y yo seguía
detenido en el mismo lugar temblando de miedo – y
sentía que un alarido infinito penetraba toda la
naturaleza”.
• Puente y agua: símbolos del paso del tiempo, de la
fugacidad de la vida, algo que siempre atormentó a
Munch por su temprana experiencia con la muerte (su
madre y su hermana fallecieron cuando él era todavía un
niño)
• ¿Cabría relacionar los naranjas tan intensos casi rojos
del cielo con la sangre, sangre que él tuvo que asociar
con la tuberculosis que causó la muerte de su hermana y
su madre?
• Figuras del fondo: simbolizan junto a la figura principal
la soledad del hombre moderno ante sus angustias
personales. Permanecen ajenas al drama interior que
vive el protagonista.
ANÁLISIS
ICONOGRÁFICO II
6. • La figura principal ocupa el eje central del
cuadro pero se sitúa en la parte inferior
dejando un espacio superior amplio que
permite la identificación del estado del
personaje con el estado de la naturaleza
que lo rodea.
• Contraste entre:
Las líneas curvas que definen al
personaje y que se propagan a su
alrededor como eco de su estado
vital. Serían el ámbito de la psique
del personaje: su visión
atormentada de la naturaleza.
Las líneas rectas de la barandilla
del puente, del suelo y de los
personajes del fondo (casi simples
líneas verticales). Serían el ámbito
de lo real.
• La baranda separa:
– Las figuras humanas que se
encuentran en el puente.
– La naturaleza que actúa como eco
de la angustia vital del personaje.
• Las líneas diagonales de la baranda y del
suelo vienen hacia nosotros, inciden en la
figura del primer plano.
• Esas líneas cortan la figura principal
ANÁLISIS FORMAL I
La composición
7. • Dibujo: líneas muy marcadas que, junto
al color, transmiten el estado de ánimo
del personaje.
• Color:
– Tonalidades irreales de rojo, azul
y negro que intensifican el
sentimiento de angustia del
personaje.
– El personaje principal, las dos
figuras del fondo y el paisaje
terrenal se representan con
colores fríos, fundamentalmente
un azul casi negro. (1)
– Azul también en los bordes del
fiordo. (2)
– El cielo con trazos de colores más
cálidos, anaranjados y
amarillos, que parecen extender
como arrebato pasional el estado
de ánimo del protagonista. El
naranja del horizonte adquiere
casi tintes de una hemorragia en
el cielo. (3)
– Ese naranja se continúa en la
baranda.
– Marrones y naranjas del suelo del
puente (4)
ANÁLISIS
FORMAL II
9. • El personaje principal presenta un aspecto
andrógino. Figura incompleta, sólo interesa su
rostro.
• El malestar vital del protagonista se exterioriza a
través de las curvas presentes por todo el cuadro.
– Más allá del puente todo parece solidarizarse
con la figura principal, pues adquiere la misma
sinuosidad que él.
• Los rasgos deformados del personaje parece
pudieron inspirarse en los de una momia peruana
expuesta en el Museo del Hombre de París.
• La boca exageradamente abierta es el centro de la
expresión angustiada.
• El protagonista permanece estático mientras los dos
personajes del fondo pasean indiferentes al fondo.
• El suelo del puente marca como una especie de
movimiento hacia el personaje principal.
ANÁLISIS FIGURATIVO
10. • Su vida marcada por la tragedia: temprana muerte de su madre y una hermana de tuberculosis (él mismo la
padeció con trece años). Otra hermana sería ingresada en un psiquiátrico.
• La enfermedad, la muerte y la locura fueron, pues, una constante en su vida y en su obra.
• Su concepción trágica de la vida bebe también en fuentes no pictóricas: las obras de teatro de Ibsen, las novelas
de Dostoievski y las teorías filósoficas de Nietzsche y Kierkegaard.
• Después de iniciar estudios de ingeniería en 1880 decide dedicarse a la pintura.
• Desde muy joven entra en el círculo de la bohemia de Oslo. Allí se rechazaba la sociedad del momento y se
abogaba por una liberación del ser humano de todo aquello que le reprimía.
• En 1885 hace su primer viaje a París donde conoce la obra de los impresionistas.
• En la segunda década de los 80 comienzan a vislumbrarse en su obra las preocupaciones ya mencionadas y que
serán una constante en su obra.
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Trayectoria artística I
La niña enferma (1885-86)
Obra en la que Munch evoca la temprana
muerte por tuberculosis de su hermana
Sophie.
Temprano ejemplo de la constante
presencia de la enfermedad y la muerte en
la obra del artista.
11. • En 1889, becado por el gobierno noruego,
viaja a Francia donde conocerá las obras de
Van Gogh, Gauguin y Toulouse-Lautrec.
• En 1892 expone en Berlín. Sus obras
causan gran polémica y son retiradas a la
semana de la inauguración.
• A pesar de todo, la celebridad que le da este
hecho le lleva a instalarse en Berlín, lo que
explicará la influencia que su obra tendrá en
la pintura alemana del momento.
• En 1895 vuelve a París donde la obra de
Gauguin con sus figuras silueteadas y sin
modelado comenzarán a sentar las bases de
su estilo más característico.
Melancolía (1892-93)
La pubertad (1894)
Cuadro en el que Munch plasma su visión
inquietante de la sexualidad (obsérvese la
sombra que parece acechar a la joven
desnuda)
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Trayectoria artística II
12. • En torno al cambio de siglo
abandona los trazos sinuosos y
comienza una etapa de pinceladas
más anchas y muy largas con un
uso arbitrario del color.
• A esta época pertenecen los
diversos cuadros que pintó como
variantes del tema de El asesino.
• A partir de 1910 su obra ya
alcanzará un reconocimiento
internacional que no evitará sus
frecuentes crisis nerviosas y su
muerte en soledad.
El asesino (1910)
Asesinato en la alameda (1919)
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Trayectoria artística III
13. • La obra la expuso por primera vez en 1893 y
formaba parte de una colección de varias pinturas
bajo el título de “El friso de la vida”,donde Munch
quería mostrar las diferentes etapas de un
romance.
• El cuadro no gustó al público del momento siendo
calificado como un arte demente. Un crítico
consideró la obra en general y El Grito en
particular, tan perturbador que aconsejaba que no
fueran a verlo las mujeres embarazadas.
Realizó cuatro versiones del cuadro y una
litografía que permitió imprimirlo en revistas y
periódicos.
• En los últimos años se afirma que El grito no fue
pintado en 1893 sino en 1910.
LA OBRA EN SU CONTEXTO
14. Primera generación expresionista o precursores.
• Munch es considerado el padre del expresionismo (primera
generación, movimiento artístico muy vinculado a Alemania y a
las teorías de Nietzsche y Freud. Sus características fueron:
– Visión pesimista de la vida.
– Transmisión de sentimientos y emociones mediante la
deformación de la realidad a través del color y el dinamismo
– Exaltación de la libertad individual y el irracionalismo.
– Rechazo a la sociedad industrial contemporánea.
– Aplicación violenta de la materia pictórica.
– Predominio de la línea curva, de las formas ondulantes.
– Antinaturalismo: deformación de objetos y rostros.
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Munch y el expresionismo I
La calle (1913)Muchacha bajo paraguas japonés (1908)
Segunda generación expresionista: Die Brucke (El
puente):
Fundado por Kirchner en 1905.
Temas de la vida cotidiana en la que
queden patentes la soledad y el miedo
del ser humano contemporáneo.
Formas esperpénticas, colores
violentas y trazos gruesos.
Figuras aristadas, quebradas
(influencia del cubismo)
Contornos muy marcados.
15. • Der blaue reiter (Jinete azul)
Segundo grupo expresionista alemán.
Estilo visionario orientado hacia el mundo interior de
los seres humanos.
El tema ya no es fundamental.
El artista se libera de los lazos que le unen a la
naturaleza llegando a la abstracción.
Máximo representante: Kandinsky (1866-1944)
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Munch y el expresionismo II
Kandinsky: Otoño en Bavaria (1908)
Kandinsky: Improvisación
(1910)
Franz Marc: El sueño (1912)
16. • James Ensor (1860-1949)
Autor flamenco que transmite una visión subjetiva de su propio sufrimiento a través de un colorido festivo,
alegre.
Temas: autorretratos, máscaras, esqueletos y escenas religiosas.
Sus distorsiones llegan a lo caricaturesco poniendo el acento en los defectos morales del ser humano.
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Munch y el expresionismo III
Entrada de Cristo en Bruselas (1888-1889)
Esqueletos tratándose de calentar (1889)
17. • Emil Nolde (1867-1956):
Expresionismo ligado a un fuerte sentimiento religioso.
Colores estridentes aplicados en pinceladas cortas.
La Última Cena (1900) Cristo y los niños (1914)
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Munch y el expresionismo IV
18. El viejo rey (1937)
• Georges Roualt (1871-1958)
Pintor francés de temas religiosos, payasos, jueces,
prostitutas.
Líneas gruesas que encierran los colores al modo de
las vidrieras medievales.
Payaso (1912)
Cristo en la cruz (1914)
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Munch y el expresionismo V
19. Tercera generación expresionista
Oscar Kokoschka:
Temas principales: retratos
Colorido sobrio y triste aplicados con espátula o directamente tal
y como sale del tubo.
Figuras retorcidas.
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Munch y el expresionismo VI
Kokoschka: La novia y el viento (1914)
Retrato de mujer (1913)
20. Warhol: El grito (1983-84)Los Simpsons
EL GRITO
Un icono del siglo XX
21.
22. TÍTULO: Mujer de la raya verde
AUTOR: Henri Matisse (1869-1954)
CRONOLOGÍA: 1905
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
MOVIMIENTO: Fauvismo
LOCALIZACIÓN: Museo Real de Bellas
Artes de Copenhague
FICHA TÉCNICA
24. • Composición: La raya verde actúa como
eje de simetría y divide el rostro en dos
mitades:
– Una de color naranja.
– Otra de color rosa.
• Dibujo: esquemático y geométrico
• Color:
– Saturación de color, como es propio
de los fauvistas.
– Utiliza colores absolutamente
irreales.
– Colores fuertes, contrastados.
– Enfrenta el rojo y las tonalidades
anaranjadas con su complementario
el verde que ocupa la zona central
del rostro.
– Colores planos aplicados con
pinceladas sueltas.
• Espacio:
– Fondo también antinaturalista,
geometrizado con tres zonas de
color diferentes.
– Fondo plano, ausencia de
perspectiva y de referencias
espaciales.
• Luz:
– No existe protagonismo de la luz,
aunque la raya verde separa el
espacio iluminada del sombreado.
– El lado de tonos fríos simula la parte
en sombras.
– El lado de colores cálidos simula la
parte iluminada.
– El color configura los planos y el
espacio.
– El modelado ha desaparecido.
ANÁLISIS FORMAL
25. • Absolutamente antinaturalista.
• No existe el menor interés en captar
la psicología del personaje: la pintura
debe liberarse de todo tipo de
ataduras.
ANÁLISIS FIGURATIVO
26. • Matisse expuso en 1905 junto con Derain, Vlaminck y otros pintores en el Salón de Otoño de París.
• La reacción de los críticos fue airada hasta afirmar: “Se ha lanzado un bote de colores a la cara del público”.
• El crítico Louis Vauxcelles se refirió a ellos despectivamente como les fauves (las fieras salvajes), apodo del que
se apropiaron los propios pintores para dar nombre a su movimiento: EL FAUVISMO.
• Características de ese movimiento:
– Liberación absoluta del color conseguida mediante:
• Uso de colores irreales.
• Paleta de gran viveza y llena de contrastes.
• Rechazo a los matices del impresionismo.
– Ruptura con las leyes de perspectiva y la rigidez del dibujo que constriñen la libertad creadora del artista.
LA OBRA EN SU CONTEXTO
El fauvismo
Derain: Puerto de Londres (1906)
Vlaminck: Retrato de mujer (1906)
27. • Estudios con Moreau,
maestro del simbolismo.
• Influencia inicial de
Gauguin, Van Gogh,
Cezanne y del
neoimpresionismo.
Lujo, calma y
voluptuosidad (1905):
síntesis de la técnica
de Signac y la
composición de Los
bañistas de Cezanne.
LA OBRA EN SU CONTEXTO
La evolución pictórica de Matisse I
MATISSE: Lujo, calma y voluptuosidad (1904-05)
28. • Periodo clásico fauvista:
Mujer con sombrero (1906) y La raya verde (1906) son los dos cuadros-manifiesto del fauvismo.
Otras obras de su periodo clásico: El lujo II (1907-08), Danza (1909), Música (1910)
LA OBRA EN SU CONTEXTO
La evolución pictórica de Matisse II
Mujer con sombrero (1906)
La danza (1909)
29. • En este mismo periodo:
Experimenta con el principio del color único.
Armonía en rojo y Los postres.
LA OBRA EN SU CONTEXTO
La evolución pictórica de Matisse III
Armonía en rojo (1908)
30.
31. TÍTULO: La persistencia de la memoria (popularmente conocido
como Los relojes blandos)
AUTOR: Salvador Dalí (1904-1989)
CRONOLOGÍA: 1931
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
MOVIMIENTO: Surrealismo
LOCALIZACIÓN: MoMA (Nueva York)
FICHA TÉCNICA
32. • La escena se ubica en un fondo con:
Playa desierta.
Mar, que se confunde con el cielo.
Cala rodeada de acantilados.
Algunos identifican la cala con la bahía de Port Lligat.
ANÁLISIS
ICONOGRÁFICO I
33. • Una cabeza que reposa o duerme sobre la arena con ojo
de enormes pestañas, nariz, gran lengua.
Recuerda la forma de un pájaro.
Cuello diluido en la oscuridad.
Sobre la cabeza hay un reloj blando que parece
derretirse.
Para algunos sería un autorretrato del pintor.
ANÁLISIS
ICONOGRÁFICO II
34. • Mesa a la izquierda.
En ella dos relojes:
Uno grande, blando, que se dobla sobre uno
de los laterales de la mesa, como
escurriéndose por él. (1)
Tiene una mosca sobre él.
Otro de bolsillo, cerrado. No es blando. (2)
Sobre él se mueven las hormigas.
Árbol sin hojas con el tronco y una rama. (3)
De su única rama cuelga también otro reloj
blando. (4)
ANÁLISIS
ICONOGRÁFICO III
35. • Relojes blandos: decía Dalí que se había
inspirado en el queso camembert. Según él, una
noche, después de ver el queso derretirse,
estuvo pensando qué pintar y se acordó de él
con imágenes derritiéndose.
Significado simbólico:
Paso del tiempo y cómo estamos
doblegados a él.
Hay quien lo interpreta en un sentido
menos dramático, más lúdico (el
tiempo, juguetón, se deshace, se
derrite)
Otros lo vinculan a la teoría de la
relatividad de Einstein.
ANÁLISIS
ICONOGRÁFICO IV
36. • Hormigas:
Frecuentes en las obras de Dalí (El gran masturbador)
Significado simbólico:
Hacen referencia al sexo. Por ello se sitúan sobre el reloj
de bolsillo, que se guarda en el bolsillo, cerca de los
genitales.
También son símbolo de putrefacción y muerte, lo que los
relacionaría de forma inequívoca con los relojes (paso del
tiempo, fugacidad de la vida)
Otros apuntan a que representarían los temores del Dalí
niño (¿la muerte y el sexo?)
ANÁLISIS
ICONOGRÁFICO V
37. • Composición:
Centro: figura humana tumbada.
Dos líneas horizontales: playa y rama seca del árbol.
La horizontal del mar divide el cuadro en dos mitades
desiguales pero armoniosas.
Diagonales de la mesa y la cabeza, que marcan la profundidad.
Verticalidad del tronco del árbol.
Líneas curvas de los relojes y de la figura central.
ANÁLISIS FORMAL:
La composición
Desequilibrio compositivo
consciente:
Mesa, árbol y tres relojes se
concentran en espacio
reducido del lateral izquierdo.
De ahí hacia la derecha
domina el paisaje, sólo
interrumpido por la gran figura
central.
38. • Dibujo:
Académico, líneas puras. Dalí, gran dibujante.
• Color:
Brillante y luminoso.
Contraste entre tonos cálidos (ocres, marrones y amarillos) y fríos (azules, grises y blancos).
• Luz:
Potente fuente de luz que ilumina el fondo (¿amanecer o anochecer?). Luz blanca e irreal.
Primer plano en penumbra, con suave foco de luz a la derecha.
Piedra redondeada que proyecta su sombra sobre la playa.
• Espacio:
Perspectiva, profundidad conseguida fundamentalmente a través de la mesa.
ANÁLISIS
FORMAL:
Otros
aspectos
39. • Los objetos se representan de forma absolutamente realista,
fotográfica, aunque desfigurados.
No usa ni la abstracción o geometrización de las formas
típicas del cubismo.
• Cuadro que genera cierta angustia, desazón:
Playa desierta con cabeza tumbada.
Árbol sin hojas, seco.
ANÁLISIS FIGURATIVO
40. Hay quien ve en esta obra una reflexión sobre la juventud y el paso del tiempo.
Se dice que fue pintado en un momento en que, a causa de Gala, Dalí se peleó con su padre, que no toleraba su
relación con una mujer casada.
Relación con El gran masturbador (1929)
Similitud evidente entre la figura acostada en la playa y parte de ese personaje femenino tan extraño.
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Relación con otros cuadros del pintor I
41. LA OBRA EN SU CONTEXTO
Relación con otros cuadros del pintor II
El momento sublime (1938)
Árbol a la izquierda.
El reloj es sustituido por el teléfono.
Playa y acantilados a la derecha.
42. LA OBRA EN SU CONTEXTO
Relación con otros cuadros del pintor III
Reloj blando en el momento de su primera explosión (1954)
Mesa a la izquierda (1).
El reloj blando (2).
Insectos (3)
Playa y acantilados a la derecha (4).
43. LA OBRA EN SU CONTEXTO
Relación con otros cuadros del pintor IV
Desintegración de la persistencia de la memoria (1952-54):
Todos los motivos están relacionados.
Ejemplo claro del último periodo de Dalí en el que su
interés puramente mercantil le llevó a reinterpretar
sus cuadros más famosos.
44. • Estudió en la Academia de Bellas Artes de Madrid y
vive en la Residencia de Estudiantes con Lorca y
Buñuel.
• Desde muy joven se interesa por el mundo de las
vanguardias, destacando en los años 20 su relación
con el precubismo de Cezanne y, obviamente, con el
cubismo de Picasso.
• En 1926 realiza un viaje a París e inicia su amistad
con Picasso y Miró.
• Primera etapa: paisajes de Cadaqués, Retratos y
Muchacha en la ventana (1925).
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Trayectoria artística de Dalí I
Port Alger en Cadaqués (1924)
Muchacha en la ventana (1924)
Autorretrato cubista (1923)
45. • Etapa surrealista:
– En 1929 se instala definitivamente en París, contactando con el grupo
surrealista de Andre Breton.
– Estilo propio:
Imágenes irreales en paisajes desnudos.
Imágenes oníricas, tomadas del sueño (influencia de Freud y el
psicoanálisis)
Erotismo
Método criticoparanoico: “sistema espontáneo de conocimiento
irracional basado en los fenómenos del delirio”. Con este sistema
Dalí suspende conscientemente el control de la razón para pintar y
dar salida a sus sueños, sus obsesiones y sus delirios.
Formas blandas, anamorfas.
Figuras en doble sentido: Mae West (1934-35)
El gran masturbador (1929)
El espectro del sex-appeal (1932)
LA OBRA EN SU
CONTEXTO
Trayectoria artística de
Dalí II
46. • En 1940 se trasladó a Estados Unidos al ser expulsado del
movimiento surrealista por sus ideas filofascistas.
• Su pintura se pliega a los intereses comerciales.
• Desintegración de sus obras más características.
• Cuadros de temática frecuentemente religiosa.
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Trayectoria artística de Dalí III
Leda atómica (1949)
La Última Cena (1955)
47. • El surrealismo nace en 1924 a raíz de un manifiesto publicado
por Andre Breton:
Omnipotencia del sueño y la imaginación.
Valoración del subconsciente sobre la razón (¿ésta
supeditada a aquél?)
Inicialmente fue un estilo literario pero llegaría a afectar a
todas las artes.
• Dos tendencias:
Surrealismo figurativo
Escenas con objetos o seres reconocibles pero
asociados de forma delirante.
Dalí, Magritte, Delvaux.
MAGRITTE
Castillo en los Pirineos (1959)
DELVAUX
La ciudad dormida (1938)
LA OBRA EN SU CONTEXTO
El surrealismo I
48. Surrealismo abstracto:
Universos personales.
Tanguy, Miró, Matta..
TANGUY: Je vous attends (1935)
TANGUY: La rapidez del sueño (1945)
MATTA: El pecador justificado (1952)
LA OBRA EN SU CONTEXTO
El surrealismo II
49.
50. • TÍTULO: El carnaval del Arlequín.
• AUTOR: Joan Miró (1893-1983).
• TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
• CRONOLOGÍA: 1924-25.
• ESTILO: Surrealismo.
• LOCALIZACIÓN: Galería de Arte Albright (Nueva York)
FICHA TÉCNICA
51. • Serpentina central blanca y brazo negro acabado en mano (1):
Sueño de una mujer, de cuerpo sinuoso en forma de
arabesco blanco enrollándose en autómata femenina y con
largo brazo negro acabado en mano que parece agarrar la
escalera.
Parece surgir de una botella reducida a las mismas formas
sinuosas en blanco y negro de la mujer (2).
Imagen onírica de una mujer con la que el pintor sueña
mientras mira a la autómata, después de haber bebido
alcohol.
ANÁLISIS
ICONOGRÁFICO
Mujer y
autómata
• Autómata guitarrista:
Esqueleto estilizado (1).
Busto de rojo (2).
Cabeza de amarillo (3).
Brazo derecho en azul
con bandera española. (4)
Brazo izquierdo con
guitarra siguiendo el
pentagrama de forma
conjunta con el pájaro o
libélula azul. (5)
Sexo-araña (6) en el que
hunde su pico un Ave
Fénix (7), inspirado en el
Bestiario románico (patas
amarillas, tronco negro y
alas verdes) que pone dos
huevos, el primero (8)
convertido en sol araña
(9).
52. Insecto, cogido del bigote del
Arlequín (7), del que manan
sangre y tres huevos.
¿Símbolo del sufrimiento
asociado a la maternidad?
Insecto que sale de un dado y
juega con una pelota (8).
Simbolizaría, en contraste con
el anterior, la vida alegre,
regida por el azar y la
diversión.
Recuerda los muñecos
de resorte de las cajas
infantiles de sorpresa.
ANÁLISIS
ICONOGRÁFICO
Arlequín
• ARLEQUÍN:
Protagonista del cuadro. Única figura humana.
Representado con bigotes (muy parecido al campesino catalán), pipa,
sombrero, corbata y sexo enhiesto. (1)
Mano izquierda: paleta triangular de pintor. (2)
Mano derecha: flauta (3), que se transforma en vela encendida cuyo
humo se transforma en un monstruo onírico, un dragón chino (4) que
parece jugar con dos pelotas.
Agujero en el centro (¿alusión al hambre: estómago vacío?) (5)
53. • ¿Símbolo de la evasión del
pintor, a través de un camino de
la tierra al cielo?
• ¿Acceso a una realidad superior
sin renunciar a la realidad
cotidiana, “terrestre”?
• Parte superior: oreja y ojo (1).
• Por encima:
Dos peces voladores
que buscan dos astros
(2) en forma de cometa.
Se han interpretado
como sirenas.
Y como símbolos
sexuales masculinas
al encuentro de sus
homólogos
femeninos (astros)
Cartabón u ojo-paleta
del pintor (3) (artista-
medium o artista-Dios).
• Centro: gran esfera (4)
(equilibra las abundantes
formas esféricas del centro e
izquierda del cuadro)
• Parte inferior: pájaro
esquematizado (5) entre las
patas de la escalera.
¿Símbolo nuevamente de
la elevación del cuerpo o
el alma hacia lo celeste?
• Objetos geométricos en el
suelo (6).
ANÁLISIS
ICONOGRÁFICO
La escalera
54. • Dos gatos se disponen a cada lado de la plata de la mesa y deshacen un ovillo de lana.
El de la derecha (1), más naturalista, estaría inspirado en el que tenía el pintor.
El de la izquierda (2) aparece travestido de Arlequín.
• Pájaro-líbélula de azul (3):
Surge de unos huevos gigantescos (4).
Se ha asociado tradicionalmente al elemento femenino de la Creación (media luna asociada a la Diosa
lunar)
ANÁLISIS
ICONOGRÁFICO
Los gatos y la ¿libélula?
55. • Mesa azul (1):
Asentada sobre una única pata (2).
Globo terráqueo (3) atravesado por una flecha: alusión al afán del pintor de dar a conocerse a nivel
mundial.
Dos frutas (4), una germinada, con sus hojas.
Un pez (5).
Un mantel (6). Hay quién quiere ver en él una paloma.
Un libro (7).
ANÁLISIS
ICONOGRÁFICO
La mesa
56. • Alrededor de la ventana:
Un gusano blanco (1).
Un cartabón u ojo-paleta (2).
• A través de la ventana se observa:
Una luna-araña (otros ven un sol) (3).
Un árbol rojo de formas femeninas (otros ven una llama) (4).
Una forma cónica de color negro (estilización de la Torre Eiffel que Miró veía desde su ventana) (5)
• Hay quien relaciona este motivo con la torre Eiffel que aparece en el cuadro de Delauney Una ventana.
ANÁLISIS
ICONOGRÁFICO
La ventana
• Ventana abierta al exterior
del taller del pintor:
• El motivo de la ventana
muy recurrente en los
pintores surrealistas
(ventana que comunica la
vigilia con el sueño,
espacio interior-exterior)
57. • Eje central vertical compuesto por el autómata y la serpentina blanca.
• Eje horizontal por el largo brazo en negro.
• Dos grandes figuras a cada lado del eje vertical:
El arlequín.
La especie de mariposa o libélula que toca la guitarra.
• A lo largo de toda la obra se repite la disposición de los ejes centrales, es decir, se trata de combinar
continuamente los impulsos verticales con los horizontales.
• La escalera de la izquierda se compensa a la derecha con la mesa y la ventana (1).
ANÁLISIS FORMAL
La composición
58. • Los objetos parecen flotar en el espacio al estar colocados no en una superficie, sino en una habitación en la que
el suelo y la pared están realizados en perspectiva.
• Una ventana abierta al exterior muestra un paisaje típico de Miró que parece ser, según sus palabras, una
recreación de lo que él veía desde la ventana de su habitación en París (la Torre Eiffel, aquí reducida a un simple
triángulo negro)
ANÁLISIS FORMAL
El espacio
59. • Colores vivos, alegres, acorde con el motivo lúdico representado.
• Distribuidos de forma equilibrada por todo el cuadro: amarillos (1), rojos (2), azules (3), blancos (4), negros (5).
• Tres colores de fondo:
Marrón en el suelo (sugiriendo la tierra)
Gris suave con matices en la pared frontal.
Negro en la pared de la izquierda.
ANÁLISIS FORMAL
El color
La combinación blanco-negro es
fundamental en el cuadro:
Son los colores
utilizados en los que
hemos señalado como
eje vertical y eje
horizontal.
Comparten la cromía
de algunos objetos. (6)
60. • Lenguaje figurativo que sugiere ensoñación, ingenuidad, fantasía y ambigüedad.
• Mezcla miniaturas de objetos reales con signos inventados.
• Ambiente festivo, propio del carnaval.
• Son típicas sus figuras alargadas, agusanadas.
• Miró siempre rechazó el calificativo de abstracta para su pintura, pero lo cierto es que a lo largo de su trayectoria
artística los motivos figurativos que emplea se irán simplificando hasta convertirse en auténticos ideogramas.
ANÁLISIS
FIGURATIVO
• Hay un dinamismo muy
característico en la obra (y
adecuado al tema representado):
Ritmos serpenteantes.
Predominio de elementos o
motivos curvos.
Utiliza las distorsiones
infantiles, las metamorfosis
61. • Miró dijo, refiriéndose a los dibujos preparatorios del cuadro, que le fueron inspirados por “los terribles delirios del
hambre”.
• “Intenté plasmar en carnaval de Arlequín las alucinaciones que me producía el hambre que pasaba. No es que
pintara lo que veía en sueños, como propugnaban entonces Breton y los suyos, sino que el hambre me
provocaba una especie de trance parecido al que experimentaban los orientales. Entonces realizaba los dibujos
preparatorios del plan general de la obra, para saber en qué sitio debía colocar cada cosa. Después de haber
meditado mucho lo que me proponía hacer comencé a pintar y sobre la marcha introducía todos los cambios que
creía convenientes”.
LA OBRA EN SU CONTEXTO:
Origen del cuadro
62. Influencias literarias:
Se ha mencionado el texto de Cocteau Le coq et l
´Arlequin.
Y algunas imágenes del Ubú rey de Alfred Jarry.
Inspiración en:
Según Alberto Costa una tela pintada del lago Sentani
(Nueva Guinea)
Según Elsa Adamowicz máscaras esquimales usadas en
danzas tribales.
Arte románico: motivos como el Ave fenix y la repetición
de los ojos.
Peter Brueguel y su Combate de Cuaresma y Carnaval.
Según algunos en El Bosco, pero él lo niega.
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Las influencias I
PETER BRUEGUEL: Combate entre Carnaval y Cuaresma (1559)
63. Más probable Jan Brueguel y su Alegoría del oído, el tacto y
el gusto(1618-1623):
• Dorso del sillón en el centro que se eleva en espiral,
dividiendo el espacio en dos mitades: en la izquierda hay
formas de instrumentos musicales (semejantes a los del
cuadro de Miró). También hay una mesa que sería el
referente de la mesa del carnaval, una ventana abierta y
una luz se proyecta formando un triángulo como el de la
torre Eiffel en el cuadro de Miró.
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Las influencias II
64. Jan Brueguel: Alegoría del oído:
• La influencia más clara: analogía en la división espacial
y la riqueza iconológica de sus múltiples elementos:
instrumentos musicales, partituras, relojes, animales ….
LA OBRA EN SU CONTEXTO
Las influencias III
65. • Sus inicios están influidos por el fauvismo y la obra de
Cezanne.
– Ciurana (1917)
• Llegada a París donde conoce a Picasso
– Influencia del cubismo: Desnudo con espejo
(1919)
• Posteriormente comienzan a aparecer los motivos
más personales en contextos todavía realistas:
– La masía (1922)
LA OBRA EN SU CONTEXTO
La evolución pictórica de Miró I
Ciurana (1917)
Desnudo con espejo (1919)
La masía (1922)
66. LA OBRA EN SU CONTEXTO
La evolución pictórica de Miró II
• Etapa surrealista:
– Consecuencia de sus contactos con André Breton.
– La obra comentada supone el final de su “periodo de formación” para adoptar ya un estilo absolutamente
personal dentro de la estética surrealista
– Objetos y seres reconocibles pero mutados por su particular visión del mundo.
• En la década de los 30 realiza litografías y aguafuertes y trabaja sobre soportes diferentes al lienzo:
• Mural en mosaico para el pabellón español en la Exposición Universal de 1937: El segador.
Retrato de la señora Mills en 1750 (1929)
Interior holandés (1928)
67. • La guerra civil, como a Picasso, también afectará a su
pintura:l:
– Mujer y perro frente a la luna (1936)
– Bodegón con zapato viejo (1937)
Mujer y perro frente a la luna (1936)
Naturaleza muerta con zapato viejo (1937)
LA OBRA EN SU CONTEXTO
La evolución pictórica de Miró III
68. • Etapa más abstracta: posterior a 1945. Simplificación
máxima de las formas que son prácticamente signos.
– Constelaciones.
– Mujer y pájaro en la noche.
– Pinta sobre grandes superficies sin renunciar su
mundo personal.
– Mural de El sol y la noche (1955-58).
– Mayo 68 (1973)
Constelación (1944)
Mayo 68 (1973)
LA OBRA EN SU CONTEXTO
La evolución pictórica de Miró IV
69. LA OBRA EN SU CONTEXTO
El surrealismo I
• El surrealismo nace en 1924 a raíz de un manifiesto publicado por
Andre Breton:
– Omnipotencia del sueño y la imaginación.
– Valoración del subconsciente sobre la razón (¿ésta supeditada
a aquél?)
– Inicialmente fue un estilo literario pero llegaría a afectar a todas
las artes.
MAGRITTE
Castillo en los Pirineos (1959)
DELVAUX
La ciudad dormida (1938)
• Dos tendencias:
– Surrealismo figurativo
• Escenas con objetos o seres
reconocibles pero asociados
de forma delirante.
• Dalí, Magritte, Delvaux.
70. LA OBRA EN SU CONTEXTO
El surrealismo II
Surrealismo abstracto:
Universos personales.
Tanguy, Miró, Matta..
TANGUY: Je vous attends (1935)
TANGUY: La rapidez del sueño (1945)
MATTA: El pecador justificado (1952)