Características generales y estudio de los principales autores

1. ESCULTURA DEL QUATROCENTO

2. ➢
Desligada de la arquitectura
➢
Interés por el hombre, “la medida de todas
las cosas”
➢
Reaparece el desnudo
➢
Interés por la anatomía, la
proporcionalidad, canon de 8/9 cabezas.
➢
Naturalismo: en el movimiento y
volúmenes de las figuras.
➢
Temática: cristiana, histórica, mitológica,
retrato… pero con libertad del artista a la hora
de interpretar el tema.
CARACTERÍSTICAS GENERALES

3. ●
Tipos de esculturas:
➢
Estatuas exentas: en “nichos” para
aislarla de la arquitectura, en
plazas y mausoleos.
➢
Relieves: en cantorías, baptisterios…
➢
Medallones o tondos decorados
●
Materiales: mármol, piedra y bronce
sobredorado.
CARACTERÍSTICAS GENERALES

4. ●
Entre 1402 y 1404 viajó a Roma con Brunelleschi, para
estudiar el arte de la Antigüedad. Las construcciones de
Brunelleschi y los monumentos de Donatello fueron la
expresión suprema del espíritu del Renacimiento y ejercieron
una potente influencia en los pintores de esta época.
●
En 1404, Donatello regresó a Florencia, solo para trabajar en el
taller de Lorenzo Ghiberti, donde ayudó en la realización de la
cera para la fundición de los modelos de la puerta norte del
baptisterio . Esta actividad le permitió adquirir los
conocimientos fundamentales de joyería y orfebrería.
DONATELLO (1386-1466)

5. ●
Fue realizada para el palacio de los Médicis.
●
Es la primer estatua situada al margen de una iglesia.
●
Es el primer desnudo desde la época clásica.
●
Inspiración en los modelos de desnudos clásicos: curva
praxiteliana, escorzo, contraposto.
●
Simbología: inteligencia que vence a la fuerza (Florencia vence a
los duques de Milán igual que Israel venció a los Filisteos).
●
No copia a los griegos en su contenido aunque sí algunas formas: no
capta lo ideal sino lo real, no el mito sino lo popular.
●
Figura afeminada, sensual, lírica, frágil pero de mirada reflexiva.
Movimiento relajado
●
Equilibrio físico y espiritual.Contraste con el gesto de Goliat
●
LIRISMO, EROTISMO ADOLESCENTE; MELANCOLÍA HACIA EL
PASADO CLÁSICO
●
Cristianismo reinterpretado a partir del clasicismo
DONATELLO
DAVID

6. Donattello.
David
Primer desnudo masculino
a tamaño natural desde
la Antigüedad
Canon clásico
Contrapposto acentuado
al tener pierna derecha
firmemente apoyada y la izquierda
flexionada y elevada descansando
sobre cabeza de Goliat
Equilibrio de las formas
con brazo derecho tenso
con la espada y el izquierdo
relajado apoyado en ángulo
en la cadera sosteniendo
una piedra
Formas anatómicas
blandas
Giro delicado
de la cabeza
Cuerpo ondulado describe
curva praxiteliana (recordar
escultura griega)
Sombrero adornado
con amarantos típico
de la Toscana
Expresión de
la juventud en
su faceta sensual
y seductora
Contraste pulimentado de piel con
formas rudas de cabeza de Goliath
Temática religiosa tratada con finalidad política
(regreso de Cosme de Médicis a Florencia. Derrota del
duque de Milán, representado en el casco de Goliath)
Abandona modelo medieval
de rey David barbado y con
libros
DONATELLO

7. ●
Se trata de un encargo del gremio de
forjadores de espadas.
●
Estudio del retrato. Recupera la
tradición romana
●
Esquemas compositivos reducidos a
formas geométricamente simples
(triángulo, líneas verticales y
horizontales equilibradas…).
●
Monumentalidad: hombre como centro.
●
Imagen del individuo, no un símbolo
sino un hombre en su forma y expresión.
Ideal del caballero cristiano (valentía,
juventud, fortaleza, razón más que
fuerza)
●
DONATELLO

8. Donatello.
San Jorge
Hombre en
plenitud
Piernas
firmes
Ligero
giro
Escudo
Refuerza estabilidad
Cabeza erguida
Mirada
confiada
Perspectiva
lineal
Schiacciato
o aplastado
Relieve de base
de San Jorge
Organización en tres óvalos:
rostro, pecho y escudo
DONATELLO

9. San Marcos
El profeta Habacuc.
Perfección
técnica
Interés por
figuras individuales
Expresión de
estados de ánimo
y fases de la vida
Contrapposto
Pliegues
tardogóticos
Delgados brazos
asoman por la
gruesa túnica
DONATELLO

10. DONATELLO. El banquete de Herodes
Encargado para una pila bautismal en Siena.
Bajorrelieve. Logró representar una gran
profundidad dentro de un mínimo plano con el
stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado»
consiguiendo la apariencia de tres planos y un
efecto de claroscuro.
Los escorzos hacen más profundo el espacio de lo
que realmente es.
Se acentúan los valores dramáticos: rostros que
muestran una respuesta emocional, ropajes
agitados y representación teatral (nos lleva la vista
de un escenario a otro).

11. La más clásica de sus obras, inspirada en la
estatua de Marco Aurelio.
La espada marca la dirección del jinete.
Curvas, línea cerrada, equilibrio.
Movimiento ondulantes (la figura pasa en el
espacio ante nosotros)
Simbología: la virtud de los clásicos en los
gobernantes renacentistas. Heroicidad
DONATELLO. El gatamelatta

12. Condotiero Gattamelata.
Donatello
Ritmo curvo repetido
formado por cola, grupa y
cuello de caballo
Verticalidad del
condotiero
Dirección del
movimiento marcado
por la diagonal que
forma el bastón de mando
y la funda de la espada
Rostro tranquilo, individualizado
de alguien que pasa a través del
tiempo de forma serena
Inspirado en estatua
ecuestre de Marco Aurelio
Elevado podio que
contiene las cenizas
(relieves hacen alusión
a las puertas del Hades)
Realizado en bronce
en varios trozos que fueron
ensamblados y pulimentadas
las uniones
Armadura de la
época con gorgona alada
Realce vertical
del conjunto
Se recuperan las esculturas
para los espacios públicos
DONATELLO. El gatamelatta

13. Altorrelieve
Friso clásico
Paños
mojados
Escultura ,
arquitectura y
mosaico
combinados.
Movimiento,
profundidad
acentuada por
las columnas
Cantoría de
la catedral de
Florencia
DONATELLO

14. Donatello.
Cantoría del coro.
Catedral de Florencia
Cuerpo rectangular
sobre ménsulas
Riqueza
decorativa
de los marcos
con flores,
plantas, etc.
Tondos
con figuras
negras sobre
fondo rojo
Friso corrido con puttis cantando
y danzando en alegre movimiento
Columnillas pareadas
equilibran con su
estatismo el movimiento
de los personajes
El uso de piezas de
mosaico policromadas
dan a la obra unos
brillos que potencian
su dinamismo
DONATELLO

15. En madera. Muestra psicológica del
tormento interno (expresión más allá de los
cánones) que anuncia la escultura de
Miguel Ángel.
Patetismo y fervor religioso (crisis del
Humanismo en Florencia ante la
intransigencia del dominico Savonarola).
DONATELLO
Magdalena penitente

16. Donatello.
Magdalena penitente
Realizada en madera
Gusto por lo
feo y desagradable
para reflejar angustia
interior
Formas huesudas, pómulos
salientes, boca con comisuras
caídas, cabellos hirsutos,
Desmaterialización
de las formas con zonas
poco trabajadas
Trata de reflejar
cansancio y dolor
que sufre
DONATELLO

17. DONATELLO
Recordar las características de Donatello:
1.Combina el más puro clasicismo con un dramatismo que a finales de la
vida de Donatello estará cercano al feísmo.
2.Muestra la preocupación por la figura humana en todas sus edades ,
expresiones y actitudes.
3. Formas griegas y romanas para retratar al hombre del Renacimiento,
con expresión (retrato individualizado)
4. Antropocentrismo de la corriente humanista (retorno a la medida
humana frente al teocentrismo medieval).

18. CARACTERÍSTICAS GENERALES
●
Cuadros independientes, con temas aislados (desaparece la idea de
retablo).
●
Técnica: fresco (en la pared) y pintura sobre tabla (primero al temple
pero, en la 2ª mitad del s.XVI, óleo por influencia flamenca. Se
introduce también el óleo sobre tela.
●
Temas: paisaje (siempre con figuras), religiosos, mitológicos, históricos,
retrato.
●
Centralismo en la obra: el ojo abarca toda la escena y todo el espacio.
●
Se representa al hombre y todo lo que le rodea (el espacio y la luz)
y no otros detalles.
LA PINTURA DEL QUATROCENTO

19. CARACTERÍSTICAS GENERALES
●
Figura humana bella y proporcionada: reaparece el desnudo. Figuras
con interioridad psicológica, con masa, monumentales, dramáticas
(herencia de Giotto).
●
Libertad para crear imágenes, no encajadas en la arquitectura sino
compuestas.
●
El dibujo predomina sobre el color (dibujos coloreados) pero interés por
la luz y el color.
●
Luz diáfana, transparente, clara, repartida de forma homogénea (luz
cenital).
●
Complementariedad cromática de los colores.
LA PINTURA DEL QUATROCENTO

20. Características generales●
Hallazgos:
– Espacio: perspectiva central (pirámide visual) con escenario arquitectónico o
paisaje. La luz ayuda a crear efectos de perspectiva.
– Composiciones racionales : simetría, compensación de grupos, esquemas
elementales y geométricos.
– Volumen : efecto de modelado de las figuras gracias a las luces ,sombras y
el color. Modelado casi escultórico.
– Relación entre las figuras y el ambiente.
– Expresión.
– Representar la naturaleza no de forma intuitiva como se hacía en el gótico
sino científicamente.
LA PINTURA DEL QUATROCENTO

21. LA PINTURA DEL QUATROCENTO

22. Tendencias de la pintura del Quatrocento
●
1.- Tardo-gótico. Transición al estilo renacentista Con perspectiva,
misticismo, espiritualidad. Fray Angélico (aún hay oros y la gracia
decorativa del gótico).
●
2.- Massacio. Perspectiva. Volumen y corporeidad (al igual que la
arquitectura de Brunellechi y la escultura de Donatello). Herencia de
Giotto.
●
3.- Neoplatonismo. Boticelli. Línea, elegancia de contornos, del color,
del gesto más que de la corporeidad física.
LA PINTURA DEL QUATROCENTO

23. Tardo-gótico. Fray Angélico.
La Anunciación
Temple sobre
tabla

24. Fra Angélico.
Anunciación.
Museo del Prado
Detallismo y minuciosidad en
flores del jardín y en ropajes y
alas del ángel
Colores
rutilantes
Luz uniforme
de fondos claros
Imágenes estilizadas, de piel
nacarada, rubias
Dibujo sinuoso
y aristocrático
Jerarquización de
personajes
Perspectiva lineal de la construcción
que se prolonga en habitación del
fondo
Arquitecturas
renacentistas
Temas religiosos
No retocaba sus
obras pues consideraba
inspiradas por Dios
Predela con episodios de
la vida de la Virgen (nacimiento,
desposorios, visitación, epifanía,
presentación en el templo y tránsito)
Presencia de Dios
mano de la que sale un rayo y
busto en grisalla en medallón central
Aparece expulsión del paraíso
(comienzo del pecado) en tamaño
menor por lejanía en tiempo, frente
a Anunciación (redención del pecado)
a mayor tamaño Uso de colores que simbolizan el lujo
(oro, azul). El azul también representa
el cielo
La
anunciación

25. ●
Fue el primer gran pintor del renacimiento que empleó la teoría de la perspectiva lineal.
Con ella consigue crear la ilusión de profundidad y volumen.
●
Pintor de temas religiosos pero con un lenguaje racional (conciliación razón y fe propia del
humanismo)
●
Se preocupa por la masa y el volumen; monumentalidad en sus composiciones
●
Pintor fuertemente influenciado por Giotto: figuras aplomadas, volumétricas,
monumentales; sobriedad, sencillez, formas simples, tanto en las figuras como en el
paisaje y en los colores; expresión de los sentimientos
Solo vivió 27 años. Pero, pese a su corta carrera, puede considerarse el fundador de la
pintura moderna. Técnicamente, es el primer pintor que construye con el color y se preocupa
de los volúmenes y de los efectos tridimensionales.
Masaccio

26. . La Trinidad (fresco)
●
Sobre muro. Fresco
●
Escena centralizada: el ojo abarca toda la
escena y todo el espacio.
●
Perspectiva lineal: líneas que convergen en
un punto de fuga situado en la base de la
cruz.
●
Composición simétrica, compensación de
grupos, esquemas elementales de forma
triangular o rectangular
●
Colores primarios
Masaccio

27. •Descripción: Dios padre sujeta la cabeza de Cristo y entre las dos
cabezas aparece el Espíritu Santo. Juan Evangelista y María a ambos
lados; arrodillados fuera del marco, los dos donantes. Debajo del
pedestal, el tema de la muerte. Todo queda enmarcado en una
arquitectura clásica (pilastras corintias, columnas jónicas, bóveda
artesonada)
•Parece un espacio abierto en la pared.
• En la parte inferior, una mesa de altar
reproduce el sarcófago de un esqueleto
La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como
la ascensión hacia la salvación eterna, desde el esqueleto
(símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre),
pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los
santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo
crucificado
Masaccio La Trinidad (fresco)

28. Masaccio.
Fresco de la capilla Brancacci
Iglesia Santa María del Cármine (Florencia)
Tributo de la monedaExpulsión del
Paraíso Consiguen la unidad compositiva al utilizar un mismo punto
de vista desde el centro de la sala y las mismas
tonalidades cromáticas
Encargada a Masolino da Panicale, la ejecuta con
su socio Masaccio. Quedó paralizada
y después terminada por Filippino Lippi
Temática sobre San Pedro,
patrón de los marineros y comerciantes del mar
Obras ejecutadas por Masaccio Dividida en dos bandas horizontales y organizada
como si fueran cuadros separados por pilastras fingidas
San Pedro cura
con su sombra
Resurrección del hijo
de Teófilo y San Pedro
en la cátedra
1 2
3 4
1
2
3
4
*
*
MASACCIO
Frescos de la Capilla
Brancacci

29. VOLUMEN: efectos de modelado de las figuras gracias a las luces y sombras y al color; modelado casi
escultórico y tridimensional.
RELACIÓN entre las figuras y el ambiente.
EXPRESIÓN: las figuras presentan una interioridad psicológica, cierto dramatismo y monumentalidad.
Tres escenas:1,2,3
2
1 3
Paisajes
pobres
Perspectiva
lineal
Figuras
volumétricas
Espacios mensurables.
Matemáticos
Actitudes
expresivas
Contrastes
colores
Masaccio El tributo de la moneda (fresco de la capilla Brancacci)

30. - Perspectiva horizontal no vertical como en "La Trinidad" y en sus contemporáneos
- Cabezas a igual altura (isocefalia) pero se disponen en el espacio en planos distintos.
- Tres escenas - centro: Cristo es requerido por el recaudador de impuestos para entrar a
Cafarnaum - izquierda: Le dice a San Pedro que vaya al mar y pesque un pez en cuyo
interior encuentra una moneda - derecha: Se la entrega al recaudador
- Las figuras están colocadas en hemiciclo en torno a Cristo.
- Los apóstoles y Cristo poseen un volumen y un relieve tridimensionales, acentuados por la
simplicidad de la estructura geometrizante de sus cuerpos
- Aparece un marco arquitectónico y paisajístico
Masaccio El tributo de la moneda (fresco de la capilla Brancacci)

31. Masaccio.
Tributo de la moneda
Fresco de la capilla Brancacci
Iglesia Santa María del Cármine (Florencia)
Tres escenas:1 Captura de pez
para extraer moneda, 2 Jesús
envía a Pedro a pescar pez,
3 Pedro paga al recaudador
1
2 3
Paisajes pobres
que no distraen
de asunto principal
Perspectiva
lineal (líneas
confluyen hacia
un punto de fuga)
Figuras volumétricas, con
tendencia a la
monumentalidad (amplios
pliegues pero caen sin
artificiosidad)
Espacios mensurables, matemáticos.
Rodea las figuras de luz y las libera
del fondo, moviéndose libremente por
el espacio. espacio que queda entre
Jesús y los que le rodean
Actitudes
expresivas
Contrastes de colores
que ayudan a conseguir
tridimensionalidad
(colores cálidos primer
término y fríos al fondo)
Se eliminan los
elementos superfluos
(no decorativismo)
Personaje de
espalda aumenta
la profundidad
Empleo de claroscuros
y mediastintas (gradaciones)
Se crea línea de fuerza que
empieza en brazo de Jesús y
se prolonga en el de San Pedro
que nos dirigen hacia el lugar
donde ocurre el milagro
(forma de atraer la atención
sobre el motivo principal
que aparece marginado)
Distribución equilibrada de
los personajes, de acuerdo
a los principios de simetría
Masaccio traslada a la pintura los
estudios perspectívicos de Brunelleschi
en arquitectura, planteando de forma matemática
la perspectiva lineal
MASACCIO
Frescos de la Capilla
Brancacci

32. ●
La mirada del espectador se dirige irremediablemente hacia la figura de
Cristo, cuya respuesta a la petición del recaudador es esperada con
ansiedad por el círculo de discípulos que le acompaña. Su gesto autoritario
es repetido por Pedro
●
Cristo muestra lo que se debe hacer. Pedro lo que, por obediencia, habrá
de cumplir
●
A la derecha, sobre un fondo arquitectónico, la última escena de la
narración aparece ya como el cumplimiento del deber
Masaccio El tributo de la moneda (fresco de la capilla Brancacci)

33. Boticelli (corriente neoplatónica)

34. ●
Trabajó en Roma (Muros de la Capilla Sixtina) aunque la mayor parte de su obra la realizó
en Florencia bajo la protección y mecenazgo de la familia Medici
●
Pintor de temas mitológicos, complejos y de difícil contenido. Introduce el desnudo
femenino en la pintura renacentista
●
En Florencia asimila el ambiente humanista y los postulados del neoplatonismo lo que
le lleva a realizar una serie de cuadros de tema mitológico como La Primavera
●
En su pintura, el dibujo es el gran protagonista y tanto la luz (uniforme y sin matices)
como el color pierden importancia
●
Sus figuras aparecen definidas por líneas curvas, nerviosas que dan lugar a contornos
precisos, muy nítidas
Es un pintor de gran sensibilidad , los rostros de sus figuras son dulces, suaves, con
cierta expresión de melancolía reflejo de la decadencia militar y política de Florencia
en el último tercio del S.XV
Boticelli (Florencia 1455-1510)

35. ●
Con los ropajes consigue sutiles transparencias
●
El resultado de todas estas características es lograr figuras de belleza ideal, alargadas, con
un movimiento suave en los cuerpos y refinada delicadeza, reflejo del lujo de la corte
florentina
●
Solo a partir de 1500, en sus últimas obras (Vida de San Cenobio y la Natividad Mística),
usará el óleo y el lienzo
BOTICELLI . El nacimiento de Venus
Témpera sobre tabla. Tema mitológico. Venus acaba
de nacer y llega montada en su concha y empujada por
los vientos a la isla de Chipre consagrada a su culto.
Línea ondulante, elegancia en los contornos. El color,
el gesto más importante que la corporeidad física.
Composición: esquema sencillo (triángulo) con Venus
en el centro. La primavera se apresura a cubrir a
Venus.
Boticelli (Florencia 1455-1510)

36. DETALLE El nacimiento de Venus (Boticelli)
– Rostro idealizado
– Volumen casi
escultórico
– Retrato psicológico:
melancolía, pureza
El nacimiento de Venus:
•A la derecha, Céfiro abraza a la inocente ninfa Cloris.
•De su unión, nace Flora, que ofrece una túnica a Venus.
•Según la mitología clásica, Venus nació de los testículos
de Urano al contacto con el mar, cuando fue castrado por
Cronos. Ficino, un filósofo neoplatónico de la época,
interpretó el mito como el nacimiento de la Belleza en la
mente del hombre a través de la fertilización de la divinidad
Boticelli (Florencia 1455-1510)

37. El nacimiento de Venus.
Botticelli
Composición equilibrada, Venus como
centro está ligeramente desplazada hacia la derecha
Características generales de Botticelli:
Línea sinuosa negra, canon estilizado, preciosismo
decorativo, teorías neoplatónicas del amor- belleza y
amor intelectual, etc
Tema mitológico
(importancia de cultura
clásica)
Céfiro y Cloris
Formas ondulantes de ropajes
del dios, cabellos de Venus y
manto y ropas de Flora
marcan el sentido del
movimiento pausado y elegante
Ondas marinas reducidas a
simples V, como referencia
a la diosa
Concha trata de armonizar mitología con
religión (nacimiento de la belleza = Venus
es igual que el hombre que llega a la
belleza espiritual a través del bautismo)
Símbolos: rosa=amor que tiene
espinas, guirnalda de mirto = amor
eterno, flores de aciano, etc.
Temple sobre
tela
Suaviza los claroscuros
Boticelli (Florencia 1455-1510)

38. La primavera
Figuras
estilizadas
Rostros
melancólicos
Veladuras
Y transparencias
Colores en
Estratos sucesivos
Detallismo
Reflejos
luminosos
Tema: representación de Venus como
diosa del amor y la suprema armonía
Técnica: tempera sobre tabla
Descripción: Venus, rodeada de
naranjos en el jardín de la eterna
primavera. A la derecha, el viento
Céfiro trata de raptar a una ninfa, y
junto a ellos, Flora esparciendo las
flores que anuncian la llegada de la
nueva estación. En la zona alta, Cupido
trata de disparar un dardo que apunta
hacia las tres Gracias, vestidas muy
ligeramente. En la zona izquierda,
Mercurio está tratando de coger una
naranja, y más hacia el centro
aparecen las tres Gracias, que
representan la castidad, belleza y
amor, como acompañantes de Venus
Boticelli (Florencia 1455-1510)

39. Botticelli.
La primavera
Figuras
estilizadas
Líneas con tinta
Oscura diluida
Rostros
melancólicos
Veladuras
y transparencias
Colores en
estratos sucesivos
Detallismo
Reflejos
luminosos
Mirto símbolo de
amor eterno
Composición
equilibrada
Mercurio
Las tres Gracias
(dar, recibir, agradecer)
Ritmo delicado y
elegante de manos y
cuerpos
Cupido y
Venus
Flora (Hora de
la primavera
Céfiro atrapando a
Cloris que se
transforma en
Flora
Ideal neoplatónico de que belleza
es fruto de la fusión entre
espíritu y materia, la labor intelectual
sobre la naturaleza
Temple sobre
tabla
Boticelli (Florencia 1455-
1510)

40. El Regreso de Judith a Betulia .
Temple sobre tabla.
 Judith porta la espada de Holofernes y una rama de olivo
como símbolo de paz; su criada con la cabeza del tirano.
 Ambas figuras están captadas en movimiento, reforzado
por los pliegues de los paños, pegados a sus cuerpos. Pero
también trasmiten serenidad, siendo dos elementos muy
comunes en la obra
 Las figuras están sabiamente modeladas gracias al empleo
de la luz, destacando su aspecto escultórico
 El efecto de la perspectiva es un importante logro en esta
escena al mostrar un amplio paisaje tras ambos personajes.
Las tonalidades del fondo están en sintonía con el vestido
de Judith, creando un efecto de delicada belleza
Boticelli (Florencia 1455-
1510)

41. La irrupción de Savonarola en la escena política y religiosa de
Florencia influyó de forma decisiva en el cambio que se produjo
en la obra de Botticelli.
Savonarola fue un fraile dominico que predicó contra el lujo y la
opulencia que reinaba en Florencia. Se enfrentó a los
neoplatónicos a los que reprochó “la tontería de querer
comparar a Jesús con Pitágoras, con Platón, con Aristóteles o
con cualquier otro filósofo”.y a los pintores y coleccionistas
de cuadros, a los que acusa de escandalizar al pueblo
(“Mostráis a la Virgen vestida como una alcahueta”, les dice).
En el momento de máxima influencia, llegó a convertir el
carnaval en una fiesta penitencial, donde los flagelantes
sustituyeron a los coros; en 1497, montó una hoguera
piramidal de siete pisos, por los siete pecados capitales, en
la que se quemaron cuadros “impúdicos”.
Boticelli (Florencia 1455-1510)

42. La Natividad Mística
●
Abandona la perspectiva y el realismo, y
vuelve hacia un gusto arcaizante.
●
Contiene rasgos propios de la pintura medieval
como la presentación de las figuras en actitudes
forzadas y poco naturales y las dimensiones de los
personajes no son naturales
●
La virgen María es tan grande que en pie no cabría
bajo el techo del establo
 La danza de los ángeles en torno a una cúpula
dorada parece una cita teatral .
Aunque es difícilmente interpretable, dado que
huye de toda la iconografía clásica de la Navidad,
el tema hace probablemente referencia a la
situación florentina de inicios del siglo XVI.La
expulsión de Pedro de Medici de la señoría de la
ciudad y la toma del poder por el partido de
Girolamo Savonarola.. Quizá Botticelli pintara
este cuadro como ilustración de los sermones de
Savonarola contra la decadencia moral de la
Florencia de los Médicis.
Boticelli (Florencia 1455-
1510)

43. Hay tres ángeles sobre el portal, llevan ramas de
olivo, que dos de ellos han entregado a los hombres
que se abrazan en el primer plano. Estos hombres, así
como los supuestos pastores de la derecha y los
magos con largos ropajes a la izquierda, están todos
coronados con olivo, el emblema de la paz
Boticelli (Florencia 1455-
1510)