Este documento analiza la cosmovisión chamánica andina representada en el arte textil. Examina cómo las obras de arte textil materializan y simbolizan las creencias míticas, con el tejido actuando como un mito tangible. También revisa la evolución de los diseños textiles a través de las culturas Paracas, Nasca, Moche, Wari, Tiwanaku, Chimú y cómo reflejan su visión del mundo. Finalmente, proporciona una bibliografía de fuentes teóricas y prácticas sobre el arte textil andino
¿Qué es la filosofía del arte? Va más allá de lo estético, se ocupa de la reflexión en torno a la producción artística, obra y estilo de los distintos artistas, sus procesos y significados a partir del impacto que provoque en cada uno.
¿Qué es el arte? Son las creaciones que el hombre realiza y se pueden dividir en 5 categorías llamadas Bellas Artes y son las ARTES AUDITIVAS: MUSICA; ARTES VISUALES: PINTURA, ESCULTURA, ARQUITECTURA, FOTOGRAFIA, LITERATURA; ARTES MIXTAS: CINE.
Estas expresan sentimientos, estados de ánimo, incluso nos pueden expresar sus ideales que se tienen de acuerdo a la época en la que se está viviendo, contexto histórico- cultural
Hay 3 formas de cómo se puede interpretar:
• Teoría fundamental: Tiene por objeto el estudio de la esencia y la percepción de la belleza (es más estético) es solo una parte de la filosofía del arte, ya que ésta solo se basa digamos en lo material, en lo físico.
Se pueden separar en dos:
FORMALISTAS: Que decían que el fin del arte era copiar la naturaleza y por lo tanto se tenían que representar las cosas naturales.
INFORMALISTAS: El arte no debe ser copiada de la naturaleza, ellos decía que el arte debía ser creación, por tanto originalidad absoluta, no debe de ser imitación, sino creación.
• ARTE COMO EXPRESION: Es lo que ya se había mencionado, que a través del arte expresamos lo que sentimos.
• ARTE COMO SIMBOLO: Yo creo que se puede interpretar como algo que ya está ahí plasmado, algo representativo y que es cuestión de encontrar el significado
METODOLOGIA:
La filosofía del arte se encarga como ya habíamos mencionado de estudiar el proceso de la creación del arte, basándose en:
EL ASUNTO: Por asunto podemos decir que es de lo que trata una obra de arte, digamos su tema
REPRESENTACION: Lo que se puede admirar según el conocimiento
SIGNIFICADO: Depende del efecto que produce se le da un significado.
FINALIDAD:
La finalidad del arte no es la imitación exacta de la realidad, por ejemplo podemos observar una estatua que es del mismo color por todas partes, los ojos carecen de pupilas, se puede imitar pero no todo. En las artes hace resaltar lo más bello que se tiene.
Por lo tanto la filosofía del arte descubre por medio de numerosas comparaciones y eliminaciones progresivas, los caracteres comunes que corresponden, sus rasgos distintivos que diferencian las obras de arte de los demás productos de la esencia del humano
ORIGEN:
Mundo griego arte techne Romanos heredaron el concepto ars
¿Qué es la filosofía del arte? Va más allá de lo estético, se ocupa de la reflexión en torno a la producción artística, obra y estilo de los distintos artistas, sus procesos y significados a partir del impacto que provoque en cada uno.
¿Qué es el arte? Son las creaciones que el hombre realiza y se pueden dividir en 5 categorías llamadas Bellas Artes y son las ARTES AUDITIVAS: MUSICA; ARTES VISUALES: PINTURA, ESCULTURA, ARQUITECTURA, FOTOGRAFIA, LITERATURA; ARTES MIXTAS: CINE.
Estas expresan sentimientos, estados de ánimo, incluso nos pueden expresar sus ideales que se tienen de acuerdo a la época en la que se está viviendo, contexto histórico- cultural
Hay 3 formas de cómo se puede interpretar:
• Teoría fundamental: Tiene por objeto el estudio de la esencia y la percepción de la belleza (es más estético) es solo una parte de la filosofía del arte, ya que ésta solo se basa digamos en lo material, en lo físico.
Se pueden separar en dos:
FORMALISTAS: Que decían que el fin del arte era copiar la naturaleza y por lo tanto se tenían que representar las cosas naturales.
INFORMALISTAS: El arte no debe ser copiada de la naturaleza, ellos decía que el arte debía ser creación, por tanto originalidad absoluta, no debe de ser imitación, sino creación.
• ARTE COMO EXPRESION: Es lo que ya se había mencionado, que a través del arte expresamos lo que sentimos.
• ARTE COMO SIMBOLO: Yo creo que se puede interpretar como algo que ya está ahí plasmado, algo representativo y que es cuestión de encontrar el significado
METODOLOGIA:
La filosofía del arte se encarga como ya habíamos mencionado de estudiar el proceso de la creación del arte, basándose en:
EL ASUNTO: Por asunto podemos decir que es de lo que trata una obra de arte, digamos su tema
REPRESENTACION: Lo que se puede admirar según el conocimiento
SIGNIFICADO: Depende del efecto que produce se le da un significado.
FINALIDAD:
La finalidad del arte no es la imitación exacta de la realidad, por ejemplo podemos observar una estatua que es del mismo color por todas partes, los ojos carecen de pupilas, se puede imitar pero no todo. En las artes hace resaltar lo más bello que se tiene.
Por lo tanto la filosofía del arte descubre por medio de numerosas comparaciones y eliminaciones progresivas, los caracteres comunes que corresponden, sus rasgos distintivos que diferencian las obras de arte de los demás productos de la esencia del humano
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Describe el proceso de gestación de la pintura abstracta, distingue la vertie...Ignacio Sobrón García
Describe el proceso de gestación de la pintura abstracta, distingue la vertiente cromática y geométrica, y especifica algunas de sus corrientes más significativas, como el Suprematismo ruso o el Neoplastiscismo.
Historia del Arte, 2º de Bachillerato LOMCE
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Describe el proceso de gestación de la pintura abstracta, distingue la vertiente cromática y geométrica, y especifica algunas de sus corrientes más significativas, como el Suprematismo ruso o el Neoplastiscismo.
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El presente estudio se convirtió en investigación por una motivación personal y profesional del autor que, desde su formación profesional y experiencias a las visitas a museos e iglesias del cantón de Loja; reconoció la carencia de elementos de descodificación e interpretación de la simbología cristiana. A partir de esta carencia surge la necesidad de realizar un diagnóstico e interpretación simbólica de las obras pictóricas del cantón de Loja de la época colonial, todo este patrimonio artístico pictórico que es tan numeroso en nuestro territorio y tan ligado a los eventos del pasado histórico, a las estéticas artísticas, y las emociones que se presenta al espectador cuando observa pero dejando un vacío en la interpretación.
El Museo del Palacio de Bellas Artes presenta la exposición “Arte de los pueb...Pablo Carrillo
El Museo del Palacio de Bellas Artes presenta la exposición “Arte de los pueblos de México. Disrupciones indígenas”
El Museo del Palacio de Bellas Artes presenta la exposición “Arte de los pueblos de México. Disrupciones indígenas” La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal), a través del Museo del Palacio de Bellas Artes, presentan la muestra “Arte de los pueblos de México. Disrupciones indígenas”, la cual reúne más de 500 piezas en seis núcleos temáticos, bajo el concepto curatorial de Juan Rafael Coronel Rivera —poeta, fotógrafo, narrador, crítico e historiador del arte, curador y editor— y de Octavio Murillo Álvarez de la Cadena, especialista en artes de los pueblos indígenas, así como Lucia Sanromán, directora del Laboratorio Arte Alameda y cocreadora del concepto curatorial de arte contemporáneo.
La exposición estará abierta a partir del 27 de enero, en el marco de la campaña #VolverAVerte, en las salas Diego Rivera, Nacional, Paul Westheim y Justino Fernández
La muestra reúne obras de 45 pueblos originarios de México y propone un cambio de paradigma en la apreciación de su producción artística, desde una perspectiva que busca trascender las categorías del arte occidental. Para su conceptualización se priorizó la escucha a intelectuales y artistas de diferentes culturas indígenas y de distintas especialidades. Se espera que la muestra abra cauces de discusión y réplica para que las comunidades originarias tomen cada vez más la palabra y el liderazgo en la representación de sí mismas en todos los ámbitos.
Las piezas provienen de más de 50 acervos, entre los que destacan la Colección “Roberto Montenegro” del Inbal, así como de otras colecciones como las del Museo Nacional de Antropología, del Instituto Nacional de los Pueblos Indígenas, el Museo Franz Mayer, el Museo Nacional de Culturas Populares, el Museo Casa Estudio “Diego Rivera y Frida Kahlo”, Fomento Cultural Citibanamex, el Museo Textil de Oaxaca, el Museo Comcáac y la Universidad Autónoma de Baja California, así como particulares.
Las obras reunidas son expresión de los conocimientos, historias, pensamientos e identidades de las colectividades creadoras y encarnan en parte sus múltiples maneras de percibir, sentir, entender y vivir el mundo, lo que da lugar a estilos genuinos y vigorosos dentro del contexto artístico contemporáneo.
Así, se podrán apreciar piezas de Salvador Xharicata, Noé Martínez, Octavio Aguilar, Yutsil, Fernando Palma, Demián Flores, Giovanni Fabián Guerrero, Kayúm Ma’ax, Saúl Kak, PH Joel, Maruch Sántiz, Ceci Gómez, Sabino Guisu, Ana Hernández y Baldomero Robles.
La exposición abre con “La utopía estética revolucionaria”, núcleo temático situado en los primeros años del México posrevolucionario, y da cuenta de la construcción del discurso nacionalista basado en la exaltación del campesinado –mayoritariamente indígena– y la reivindicación de sus expresiones culturales.
3. Objetivos:
• Analizar la construcción de sentido de del
proceso artístico en el marco de un sistema de
pensamiento mítico, donde la obra de arte actúa
como mito materializado.
• Observar este desarrollo específico en el marco
de la cultura andina.
• Ejemplificar esta construcción a partir del
desarrollo del arte textil desde la perspectiva de
análisis del proceso de producción, circulación y
consumo-función.
4. Bibliografía
Teórico Práctico
• AAVV. 2006. Awakhuni Tejiendo la Historia Andina. Museo de
• Arnold, D.. 2000. Convertirse en persona. El tejido: La terminología Arte Precolombino de Chile 2006.
aymara de un cuerpo textil. ACTAS DE LA I JORNADA • Llamazares, A. M., Arte chamánico: visiones del universo, en
INTERNACIONAL SOBRE TEXTILES PRECOLOMBINOS. Universidad Llamazares, A. M. y Martínez Sarasola, C. (editores) 2004. El
Autónoma de Barcelona lenguaje de los dioses. Arte, chamanismo y cosmovisión
• Graulich, M.: (1995) "Bonampak, La lógica de las pinturas", en: Religión indígena en sudamérica, Editorial Biblos, Buenos Aires.
y sociedad en el área maya, Madrid, Publicación de la Sociedad
española de estudios mayas 3; pp. 43-50. Disponible en línea en:
<http://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=2775192>, [10 de
agosto de 2009].
• Magaloni, D.; Newman, R.; Baños, L. y Falcon, T.: Los pintores de
Bonampak, [en línea] INAH-Instituto de Investigaciones estéticas-
UNAM-NGS;
<http://www.mesoweb.com/pari/publications/rt10/Pintores.pdf>; pp. 159-
168, [10 de agosto de 2009].
• Miller, M. E. (2006) Maya Painting in a Major and Minor Key, en: Anales
del Instituto de Investigaciones estéticas, Volumen 28, #89, [en línea];
pp. 59-70. <http://redalyc.uaemex.mx/src/inicio/ArtPdfRed.jsp?
iCve=36908905&iCveNum=9210>, [10 de agosto de 2009].
• Stuart D..2003 El sacrificio humano .La ideología del sacrificio entre los
mayas. Revista de arqueología mexicana vol 11 número 63
• Hurst, H. 2003 San Bartolo, Petén: técnicas de pintura mural del
preclásico tardío En XVI Simposio de Investigaciones Arqueológicas en
Guatemala, 2002 (editado por J.P. Laporte, B. Arroyo, H. Escobedo y H.
Mejía), pp.335-344. Museo Nacional de Arqueología y Etnología,
Guatemala
• Urquizú, M. y Hurst, H. 2003 Las pinturas murales de San Bartolo: Una
ventana al arte y cosmovisión del hombre prehispánico. En XVI Simposio
de Investigaciones Arqueológicas en Guatemala, 2002 (editado por J.P.
Laporte, B. Arroyo, H. Escobedo y H. Mejía), pp.325-334. Museo
Nacional de Arqueología y Etnología, Guatemala
5. Primeras definiciones:
Textil entendido por dos partes:
• Pampa, como la parte “lisa” o sin
decoración del textil;
• Pallai, como la parte del textil que posee
decoración, sea geométrica o con
figuraciones de distinto tipo
