1) El documento analiza la escultura y pintura gótica en Europa, con un enfoque en Italia y los Países Bajos. 2) Giotto inició el camino hacia el naturalismo mediante la representación del espacio tridimensional y dando volumen y movimiento a las figuras. 3) Los primitivos flamencos se caracterizaron por el uso pionero del óleo, lo que permitió mayor riqueza cromática y detalle, inspirándose en la vida cotidiana burguesa.

1. GÓTICO: ESCULTURA Y PINTURA

6. ESCULTURA GÓTICA

7. ESCULTURA GÓTICA
EUROPEA

9. Arquivoltas apuntadas.
Esculturas siguen la dirección del arco
División en
Franjas.
Características generales. Comunicación
entre figuras
Tímpano de Santa Ana. Notre Dame de París.

10. Pórtico de la catedral de Chartres. Siglo XIII. Francia.
.

11. Portada Principal.
Catedral de Chartres.

12. Portadas de Chartres.
Siglo XII.

13. Timpanos central y lateral.
Catedral de Chartres

14. Esculturas románicas Esculturas góticas
Jambas de la catedral de Chartres

15. San Juan Bautista.
Pórtico de Chartres.
Siglo XIII. Francia.

16. Individualización
Gran fuerza de los rostros
expresiva
Sonrisa
arcaica
Liberación del
Marco arquitectónico
Comienzos
del Gótico
Formación de grupos.
Actitudes dialogantes
Naturalismo
(ej.: Pliegues)
Características generales. Gusto por lo secundario
Anunciación y Visitación. y anecdótico
Catedral de Reims

17. La Anunciación y la Visitación. Catedral de Reims. (1230-1260)

18. Buen Dios.
Catedral de
Amiens.
Virgen con el
Niño.
Catedral de
Amiens

19. Detalles de rostro.
Anunciación y Visitación.
Catedral de Amiens

20. Detalles.
El Pozo de Moisés.
Claus Sluter

21. Púlpito del baptisterio de Pisa.
Nicolás Pisano. Mármol. Siglo XIII.

22. ESCULTURA GÓTICA
ESPAÑOLA

23. Cabeza girada
y caída
Gestos de
dolor
Formas angulares
en brazos
Recreación en dolor
y sufrimiento
Tres clavos
Cristo crucificado gótico.
Características generales

24. Pórtico de
El Sarmental.
Por encargo del
Obispo Mauricio.
(1240)
Catedral de Burgos.

26. Portada del
Sarmental.
Catedral de
Burgos

28. Estatuas de la Puerta de la Coronería. Catedral de Burgos. Siglo XIII.

29. Virgen Blanca.
Catedral de Toledo

30. Portada Virgen
Blanca.
Catedral de León

31. La Virgen Blanca.
Maestro Enrique.
Siglo XIII. León

32. Doña Violante.
Catedral de Burgos.
Siglo XIII.
La Virgen y el Niño.
Siglo XIV.
Barcelona.

33. San Jorge.
Mediados del siglo XIV.
Pere Johan.
Fachada de la
Generalitat de Barcelona.

34. Partes de un
Retablo

35. Retablo.
Catedral de
Toledo

36. Retablo de la
Cartuja de Miraflores.
Finales del siglo XV.
Gil de Siloé. Burgos.

37. Retablo de la
Cartuja de
Miraflores.
Diego de Siloé.
Burgos.

38. Retablo de la
Cartuja de Miraflores.
Sepulcro de D. Alfonso. Finales del siglo XV.
Siglo XV. Gil de Siloé. Gil de Siloé. Burgos.
Cartuja de Miraflores. Burgos.

39. Sepulcro
de Juan II
de Castilla.
Cartuja de
Miraflores.
Burgos

40. Sepulcro de Don Martín Vazquez de Arce, El Doncel.
Sebastián de Almonacid.Sigüenza. Siglo XV.

41. Sepulcro del Doncel de Sigüenza.

42. PINTURA GÓTICA

43. PINTURA GÓTICA
EUROPEA

45. PARTES DE UN RETABLO

48. Damas con caballero.
Franco gótico. Siglo XIII

50. Madonna Rucellai.
Duccio di Buoninsegna. Siglo XIII.
Uffizi. Florencia.

51. Maestá. Duccio. Escuela de Siena.
Trecento italiano

52. La Anunciación.
Simone Martini.
Siglo XIV.
Temple sobre tabla.
Italogótico.
Galería Uffizi,
Florencia.
Escuela de Siena.
Trecento italiano

53. El caballero
Guidoriccio da
Fogliano. (Detalle)
Simone Martini.

54. Virgen con niño.
Cimabue.
Escuela de Florencia
Trecento italiano.

55. Crucifijo.
Cimabue. Siglo XIII.
Italia.

57. El pasado clásico
El estímulo constante de la
CULTURA CLÁSICA en Italia
La expansión urbana,
Discípulo de CIMABUE
El contexto económica y cultural de
(tradición bizantina)
FLORENCIA
La tradición La Burguesía: un nuevo
GIOTTO cliente de
mentalidad más abierta.
El problema de la
REPRESENTACIÓN DEL
MUNDO VISIBLE
El reto del artista

58. El problema de la LA REPRESENTACIÓN DEL
REPRESENTACIÓN DEL ESPACIO:
MUNDO VISIBLE ilusión de profundidad sobre una
superficie plana. Tridimensionalidad del
espacio arquitectónico. Origen de los
NATURALISMO estudios sobre la perspectiva.
VISUAL
LA REPRESENTACIÓN DE LA
INSPIRACIÓN EN FIGURA HUMANA
LA REALIDAD Estudios anatómicos. Realidad estática
VISIBLE (volumétrica) y dinámica (gestos y
actitudes)
RUPTURA DE LA TRADICIÓN Humanización de origen franciscano.
BIZANTINA
Y DE LOS CONQUISTA DE LA LUZ A
CONVENCIONALISMOS TRAVÉS DEL COLOR
GÓTICOS creación del tono cromático
IDEALIZACIÓN DEL MUNDO
VISIBLE

59. PINTURA SOBRE TABLA
(TÉMPERA SOBRE
MADERA)
La Virgen o “Majestad”
mantiene las características
góticas y el ascendiente
bizantino. Representada
como una madre con su
hijo, con ojos “chinescos”,
volumen subrayando su
carácter tridimensional. El
trono se remata con gablete
y pináculos.
MADONNA OGNISSANTI

60. LAS PINTURAS AL FRESCO DE LA
BASÍLICA SUPERIOR DE ASIS (ITALIA).
EL CICLO DE LA VIDA DE SAN
FRANCISCO DE ASÍS.
El arte de Giotto es recordado, sobre
todo, por sus pinturas al fresco.
En sus obras observaremos el
esfuerzo por conseguir el volumen y
la corporeidad en las figuras, así
como el intento de crear un espacio
tridimensional donde éstas se
muevan de forma natural y
convincente.
El dibujo suele ser robusto.

61. San Francisco dona su
capa a un mendigo
Sus personajes
desarrollan un amplio
registro gestual,
potenciando así el
sentido de la narración,
que resulta fresca y
vivaz, con escenas que
respiran cotidianeidad.
El paisaje y la ciudad
sirven para ilustrar y
enmarcar la narración,
aunque todavía resultan
esquemáticos y poco
reales.

62. Muerte de San Francisco.
Fresco. Giotto. Siglo XIV. Iglesia de Santa Croce. Florencia.

63. Giotto. Siglo XIV
San Francisco expulsando
a los demonios de Arezzo.
Huida a Egipto.
Capilla Scrovegni. Padua

64. Huida a Egipto.
Giotto.
Escuela de Florencia.
Trecento italiano

65. El prendimiento.
Giotto.
Escuela de Florencia.
Trecento italiano

66. Resurrección de Lázaro.
Giotto. Escuela de Florencia.
Trecento italiano

67. -Cronología: principios S. XIV (trecento italiano)
-Estilo: perteneciente al gótico italiano (escuela de Florencia).
-Características generales: inicia el camino hacia el naturalismo y el humanismo. Representó el espacio
tridimensional y la profundidad mediante la representación del paisaje y el fondo azul, da volumen a la figura
colocándolas incluso de espaldas, hay un tratamiento especial de la luz a través del empleo del color, dota a los
personajes de movimiento abandonando la rigidez, los diferentes rostros y gestos muestran sentimientos y
dramatismo.
-Contexto histórico: la obra de Giotto representó un punto de inflexión en la pintura del Gótico. Influido por su
espíritu franciscano renovó la naturaleza y la concepción del ser humano. Estamos ante el preludio del
Renacimiento, basado en el humanismo de carácter antropocéntrico.
La obra fue encargada por una familia noble de Florencia los Scrovegni, lo que indica la importancia del
mecenazgo para el artista a partir del Gótico.
-Artista: Giotto Di Bondone. Escuela de Florencia. Otras obras en la Basílica de Assis representó la vida de San
Francisco y en la Capilla de Scrovegni numerosas escenas religiosas: Huida a Egipto, el Prendimiento...
-Materiales y técnicas: pintura al fresco sobre muro. En la capilla de Scrovegni.
2. Análisis iconográfico.
-Título: se trata de la resurrección de Lázaro.
-Tema o tipo: pintura religiosa del nuevo testamento.
Análisis formal: Como elementos plásticos emplea colores matizados en tonos pastel, azul, verdes y dorados. La
luz espacial da a la escena cierta perspectiva.
Las figuras visten túnicas amplias destacan por su estudio anatómico; además los personajes gesticulan y
expresan sus estados de ánimo. La escena se basa en el nuevo testamento según San Juan, dice literalmente
“Jesús gritó con fuerte voz: ¡Lázaro, sal fuera! Y salió el muerto, atado de pies y manos con vendas y envuelto
en un sudario”.
En la escena, cristo a la izquierda bendice a Lázaro, que aparece demacrado acompañado por unos familiares.
Frente a Jesús las hermanas de Lázaro, María y Marta, se arrodillan agradecidas. Detrás de Cristo aparecen los
apóstoles y en el centro de la composición los judíos contemplan con asombro la escena.
3. Comentario del contenido y significado.
Esta obra forma parte de un conjunto de frescos situados en la capilla familiar de los Scrovegni y está a caballo
entre el Gótico y el Renacimiento, como se ha visto en los detalles ya explicados.

68. San Francisco
comparte su capa
con un pobre.
Giotto.
Escuela de Florencia.
Trecento italiano

69. “Noli me tangere”.Giotto.
Escuela de Florencia.
Trecento italiano

71. La quinta trompeta.
Gótico internacional

73. LOS PRIMITIVOS FLAMENCOS
AUTORES EL CONTEXTO: LA PROSPERIDAD
DE LAS CIUDADES FLAMENCAS
PINTURA DE
CABALLETE
LA TÉCNICA UNA NUEVA
DEL ÓLEO CLIENTELA:
LA BURGUESÍA
VALORACIÓN DEL MUNDO
REAL Y SENSIBLE
TEMÁTICA: RELIGIOSA
COSTUMBRISTA Y EL RETRATO

74. EL CONTEXTO
En el siglo XV, algunas
ciudades de Flandes (Brujas,
Gante, Yprés) se convierten en
sedes de una importante
escuela pictórica, que para
muchos autores supone ya los
inicios del Renacimiento o, al
menos, uno de sus ,más claros
precedentes. Tiene sus orígenes
en el gótico internacional y su
mayor aportación al arte
europeo será su progresiva
captación de la realidad, que se
inspira en la escultura y que se
verá favorecida pro la nueva
clientela: la burguesía
(mercaderes, fabricantes,
banqueros).

75. • En esta sociedad burguesa lo
práctico se valora cada vez
más, incluso la religión
adquiere un sentido
pragmático. Por eso estamos
en un período realista. A
partir de 1420, la idea de que
el espíritu divino se encarna
en cada una de las pequeñas
cosas (Tomás Kempis:
Imitación de Cristo), hace que
la representación de éstas
adquiera una gran
importancia, por lo que la
realidad sensible y tangible
adquiere un gran valor. Los
objetos dejan de ser
elementos secundarios para
convertirse en protagonistas.
• La temática ya no es
exclusivamente religiosa; el
retrato, los cuadros de grupo,
el ambiente costumbrista,
coexisten con ella.

76. Las características del estilo
flamenco
• La gran innovación técnica fue la
invención y generalización de la
pintura al óleo (aceite de linaza
como aglutinante de los colores),
que permitía realizar superficies
muy lisas, haciendo que los cuadros
ganasen en riqueza cromática,
brillantez, luminosidad y
transparencia (veladuras:
superposición de diferentes capas
de color).
• La técnica, además, permitía al
artista trabajar de forma lenta y
minuciosa, dando como resultado
una obra de gran virtuosismo
técnico.
• Desarrollo de la pintura sobre
tabla, generalmente en pequeño Madonna entronizada
formato, aunque también
sobresalen algunos trípticos de gran (1436) J. V. Eyck.
tamaño. Óleo sobre tabla, 65,5 x 49,5 cm
Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt

78. El Políptico de San Bavón de Gante (La adoración del cordero místico)

79. El Políptico de Gante también es conocido como del Cordero Místico, precisamente a causa de este panel que es el de mayor
tamaño de toda la obra y el de mayor importancia iconográfica. El centro de la escena lo protagoniza el Cordero sobre un altar.
Su sangre brota del pecho y llena el cáliz, lo que simboliza la figura de Cristo y su sacrificio en la cruz. Además, sobre él se
encuentra la paloma del Espíritu Santo. Le rodean varios ángeles, algunos con los instrumentos de la Pasión (la cruz, la
columna, los clavos...) mientras otros aromatizan el aire con incensarios. Ante este grupo central, abajo, tenemos una fuente
de bronce rematado con la escultura de un ángel. Es la fuente de la vida, de la que mana el agua que da la vida eterna. Es la
referencia al Bautismo y la conversión al cristianismo, justo bajo la referencia a la Eucaristía que veíamos en el altar y el cáliz
lleno de sangre. La fuente está rodeada por dos semicírculos de personajes arrodillados, en actitud de adoración: a la
izquierda están los doce profetas y a la derecha, los apóstoles . Tras ellos, a la izquierda tenemos a los Patriarcas. A la
derecha, los papas y obispos. Por último, saliendo del bosque tenemos a los dos grupos de santos mártires, hombres y
mujeres. Se les distingue porque llevan las palmas del martirio. Entre las mujeres se reconoce a Santa Ursula, Santa Bárbara,
Santa Inés y Santa Dorotea.

84. La Virgen con el canónigo van der Paele (1436)
Jan Van Eyck. Óleo sobre tabla - 122 x 157 cm
Groeninge Museum, Brujas

85. JAN VAN EYCK
La Virgen del
Canciller Rolin
1435
Jan Van Eyck
Tabla, 66 x 62 cm
Musée du Louvre,
Paris

87. • Minuciosidad y gusto
por el detalle
(gracias a las
posibilidades técnicas
del óleo).
• Las obras se conciben
para ser contempladas
de cerca, y por eso se
recrean detalles que,
en ocasiones, casi
resultan
imperceptibles para el
ojo humano.

88. • Valoración de la luz. La luz
ya no es caprichosa. Cada
objeto tiene ahora su propia
y definida sombra; cada
habitación su encuadre
lumínico; cada paisaje, su
tonalidad segura; cada
elemento, su calidad exacta.
• Interés por la reproducción
de los objetos de la vida
cotidiana, como las escenas
burguesas en interiores, con
muebles, cuadros y diversos
objetos.
• Los objetos representados
están dotados, en muchas
ocasiones, de un significado
simbólico.
• Amor al paisaje, que se
aprecia en las luces del
horizonte o en los brillos de
las aguas.
Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa.
(1434) Óleo sobre tabla 82 x 60 cm
National Gallery, Londres.

89. En conclusión: a
pesar de que el manejo
de la luz y del color
anticipan los valores
de la pintura
renacentista, el
estatismo de sus
formas, la escasa
relación entre las
figuras, casi siempre
frontales, el detallismo
y el predominio de las
partes sobre el
conjunto, lo sitúan en
la última etapa de la
pintura gótica.
Madonna con el niño leyendo. (1433)
Jan V. Eyck. Óleo sobre tabla, 26,5 x 19,5 cm
National Gallery of Victoria, Melbourne

90. Retrato de
Giovanni
Arnolfini y su
esposa
1434
óleo sobre tabla
82 x 60 cm
National Gallery,
Londres

94. El matrimonio Arnolfini.
Jan Van Eyck.
Gótico flamenco

96. Data del 1434.
Su estilo es el gótico, de los primeros flamencos.
Aparece una revolución técnica, el óleo, que utiliza el aceite como aglutinante y dota a la pintura de minuciosidad, perdurabilidad y brillo en los
colores. En esta época se generaliza la pintura sobre tabla, aunque también en tríptico, se representa el espacio en perspectiva, se hace una pintura
muy simbólica, se alcanza minuciosidad y detallismo, utilizando una plumilla finísima, aparece un gusta especial por el paisaje y la luz, se empiezan a
representar objetos de la vida cotidiana (espejos, telas, muebles…) y se desarrolla el retrato burgués.
El cuadro se llevo a cabo en una época de esplendor para las ciudades flamencas como Brujas, Flandes y Gante. Este esplendor vino de la mano
del desarrollo de actividades comerciales que tienen como protagonistas a la burguesía. Por esa razón la burguesía sustituirá a la iglesia en labores de
mecenazgo artístico.
Su autor es Jan Van Eyck, que además de esta obra tiene otras como “La Virgen del canciller Rolin” o “La madonna entronizada”.
Su técnica es óleo sobre tabla de roble, y sus dimensiones son 82 x 60 cm.
Los elementos plásticos, destacan tres colores, el verde (en el vestido de ella), el marrón (en la túnica de él) y el rojo (los muebles).
La luz proviene de una ventana situada a la izquierda del espectador e ilumina de lleno a la mujer y la mitad del rostro del hombre, la otra
mitad aparece en penumbra.
Se consiguen un realismo a base de ir añadiendo detalles para lo cual se cambio la manera tradicional de pintar: se sustituyó el huevo por óleo
como aglutinante lo que permitía la ejecución de unas pinceladas más minuciosas.
El espacio se construye a partir de la confluencia en la pared del fondo de los planos laterales y el plano inferior. También en el fondo van a
parar las líneas fugas representadas por las vigas del techo y los tablones de madera del suelo. Todo esto proporciona un efecto tridimensional.
Ese efecto tridimensional está reforzado por la presencia del espejo, en el cual se refleja los esposos de espaldas y de frente a unos testigos.
Este recurso será luego empleado por Velázquez. Encima del espejo aparece una inscripción que se traduce (“Jan Van Eyck estuvo aquí. 1434”).
En el techo y sobre los esposos, cuelga una lámpara dorada que centra la composición.
En la escena el mercader toma de la mano a su esposa al tiempo que con la derecha la bendice o acepta. Ella mira a su esposo con cierta
sumisión.
Detrás de ella hay una cama con dosel y en primer plano a la derecha de los zuecos hay un perro.
Este cuadro representa el compromiso entre Giovanni Arnolfini, mercader italiano afincado en Flandes, y su prometida Giovanna Cenami. La
escena se desarrolla en la habitación conyugal. La obra está cargada de simbolismo religioso:
- La única vela de la lámpara representa la luz de Cristo.
- La fruta la inocencia y la riqueza.
- Los esposos descalzos la pureza.
- La cama el amor, la pasión, la lujuria…
- El perro la fidelidad matrimonial.
- El vientre abultado la fertilidad.
- El espejo se relaciona con el ojo de Dios que todo lo ve.
El cuadro, actualmente en la National Gallery de Londres, tiene todos los ingredientes básicos de la pintura flamenca: burgueses, detalles,
minuciosidad y simbolismo. Van Eyck buscó la representación tridimensional y aplicó la perspectiva consiguiendo una profundidad y realismo que
acaban influyendo en estilos posteriores.

97. El hombre del turbante rojo.
Jan Van Eyck.
Gótico flamenco

99. El descendimiento c. 1435
Óleo sobre panel, 220 x 262 cm Museo del Prado, Madrid

105. El jardín de las delicias.
El Bosco. Gótico flamenco

106. PINTURA GÓTICA
ESPAÑOLA

107. Frontal de San Miguel. Maestro Soriguerola. Siglo XIII. Temple sobre tabla.
Museo de Arte de Cataluña. Gótico Lineal.

108. Piedad del Arcediano Desplá. Siglo XV. Crucifixión. Fernando Gallego.
Bartolomé Bermejo. Museo del Prado. Siglo XIV. Museo del Prado

109. Retablo de San Jorge.
Bernat Martorell. Siglo XV.
Temple sobre tabla.
Gótico internacional. Cataluña.

110. La Virgen del Consellers.
Dalmau

111. La Virgen
del Consellers.
Luís Dalmau.
Siglo XV.
Óleo sobre tabla.
Museo de Arte
de Cataluña.

112. Santo Domingo de Silos.
Bartolomé Bermejo. Siglo XV.
Museo del Prado.

113. Santo Domingo.
Bermejo

114. Retablo del Espíritu Santo.
Pere Serra. Siglo XIV.
Temple sobre tabla. Italogótico.
Manresa