El documento describe los diferentes tipos de planos y encuadres utilizados en el lenguaje audiovisual y fotográfico, incluyendo planos generales, medios, primeros planos y detalles. También explica el punto de vista, composición fotográfica, elementos como el diafragma, obturador y sensibilidad ISO. Por último, detalla el proceso de realización de una historieta, incluyendo la idea, argumento, storyboard y producción.

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EL LENGUAJE
AUDIOVISUAL
Y FOTOGRÁFICO

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I. Unidades narrativas

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II. El encuadre
Es el espacio que delimita una viñeta y representa una acción o tiempo
concreto. Hemos de elegir un encuadre o plano, según la intención narrativa y
el valor expresivo que queramos transmitir, a la hora de contar una acción para
que el lector lo comprenda rápidamente.
Tipos de planos o encuadres
Gran Plano general (G.P.G.). Es un plano muy abierto que describe el
ambiente en el que se desarrolla la acción. Por tanto, los personajes aparecen
muy pequeños y apenas se distinguen.

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Plano General (P.G.). El plano se acerca un poco más. Aparece el
personaje más detallado y también el escenario en el que se encuentra.

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Plano tres cuartos o plano americano (P.A.). La viñeta corta al
personaje por las rodillas. Así, podemos distinguir el gesto del personaje
y su movimiento.

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Plano medio (P.M.). Este plano corta al personaje por la cintura,
permitiendo distinguir al lector la expresión del rostro del personaje con
más detalle. También se aprecia parte del escenario como fondo.

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Primer Plano (P.P.). Este plano encuadra toda la cara del personaje o
algún detalle concreto: sus manos, un objeto, etc.

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Plano detalle (P.D.). Es un plano muy cercano que muestra un detalle
concreto del rostro del personaje o de una parte de algún objeto, para
que el lector se fije en este elemento que es esencial para la
comprensión de la secuencia.

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Video ejemplo tipos de planos:
http://www.youtube.com/watch?v=3
JehwoglOnc&feature=related

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III. El punto de vista
En el encuadre interviene un elemento muy importante que es el punto
de vista, el lugar desde el cual se observa la acción.
Existen diferentes formas de representar las escenas en la viñeta y,
como en el encuadre, la elección de un ángulo u otro produce efectos
expresivos diferentes. A continuación, te mostramos los puntos de vista
más usuales.
Punto de vista horizontal. La escena se representa a la misma altura
del espectador, es decir, como si el espectador estuviese
presenciando la escena de pie en el suelo.

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Punto de vista contrapicado. En este punto de vista, el
espectador observa la acción desde un nivel inferior al
de los objetos y personajes. Aparecen los personajes
vistos desde abajo, y al fondo, el cielo o el techo de la
escena.
Punto de vista picado. La cámara o el espectador
sobrevuelan la escena por encima, es decir los
objetos y personajes son vistos desde arriba.

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Punto de vista cenital. La cámara o el
espectador se sitúa justo por encima y mira
la escena de manera perpendicular al suelo.
Éste también, es otro plano que deforma a
los objetos y a los personajes.
Punto de vista nadir. La escena aparece vista como
si el espectador estuviese situado en un suelo
transparente y mira hacia arriba. Es un punto de vista
muy difícil de ejecutar, puesto que los personajes y la
escena aparecen totalmente deformados.

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Ver ejemplos de angulacion:
http://www.youtube.com/watch?v=
yBU7A_KQzz0

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IV. El lenguaje fotográfico
DIAFRAGMA
Se trata de un dispositivo de la cámara, que permite controlar la cantidad de
luz que llega a la película mediante una abertura variable o diafragma situado
tras el objetivo.
De manera que si hemos de fotografiar con poca luz, abriremos el diafragma
(f2.8) para que entre la mayor cantidad de luz. En cambio, si el objeto a
fotografiar está muy iluminado, por ejemplo en la playa y a pleno sol, hemos
de cerrar el diafragma (f16) para que la foto no aparezca quemada.

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EL OBTURADOR
El obturador controla en el momento en que la película se expone a la luz el
tiempo que dura la exposición. Por tanto, controla también, junto con la
abertura de diafragma, la cantidad de luz que llega a la película.
La velocidad de obturación es, por lo general, una pequeña rueda situada en la
parte superior de la cámara en la que puedes seleccionar las siguientes
posiciones:
1. El obturador permanece abierto un segundo.
2. El obturador permanece abierto 1/2 segundo.
3 , 4 , 5 , etc. El obturador permanece abierto 1/3, 1/4,1/5 segundo...,etc. Por
ejemplo 125, significa que el obturador permanecerá abierto 1/125 segundo.

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Combinando la abertura y la velocidad
Para obtener una buena foto con la luz adecuada, hemos de combinar la
abertura del diafragma con la velocidad de obturación. En general, en
condiciones lumínicas bajas u oscuras hemos de abrir el diafragma y disminuir
la velocidad de obturación para que la película reciba la luz adecuada.
Por el contrario, con objetos o días muy
luminosos debemos cerrar el obturador y
poner una velocidad alta.

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Efecto fondos desenfocados
• Apertura amplia o Diafragma abierto. El diafragma controla la
exposición y la profundidad de campo. A mayor número F de
diafragma más profundidad de campo vas a tener, por tanto mayor
zona enfocada. Así que selecciona en tú cámara diafragmas de número
bajos, tipo F:4 F:2,8.
• La Distancia al sujeto.- Acércate al sujeto, así lo aislarás del fondo.

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Las diferentes velocidades de obturación recogen el movimiento de la cámara. Así,
1/125 es un velocidad segura cuando sujetamos la cámara sin trípode. A velocidades
más bajas, 1/60, 1/30, etc., es preciso apoyar la cámara en un trípode.
Efectos del obturador en la imagen
La velocidad de abertura del obturador, determina en la imagen el efecto de
congelar el movimiento (velocidad rápida), o de emborronar con una estela el
movimiento de la escena (velocidad lenta).
Así, el agua de la manguera podrá aparecer congelada si seleccionamos una
velocidad 2000, o borrosa si seleccionamos una velocidad 60, por ejemplo.

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Exposímetros
La mayoría de la cámaras actuales llevan incorporada una célula
fotosensible que mide la cantidad de luz y nos indica en el visor
cuando están correctamente dispuestos la abertura de diafragma y
la velocidad.

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Sensibilidad ISO: Qué es y Cómo Funciona
• La sensibilidad ISO marca la cantidad de luz que necesita nuestra
cámara para hacer una fotografía. A un mayor numero de ISO una
mayor sensibilidad pero también un mayor grano o ruido.

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COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA
• Tres normas básicas:
• La regla de la mirada
• La regla de los tres tercios
• La regla del horizonte

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REGLA DE LA MIRADA
• La ley de la mirada nos dice que el o la protagonista de nuestra
fotografía ha de tener siempre más espacio hacia la parte de la foto
que dirige la mirada.
• Con esto se consigue aumentar la fuerza expresiva del personaje
dotando de interés a aquello que el sujeto esta mirando.

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REGLA DE LOS TRES TERCIOS
• Dividiendo la fotografía en tres partes iguales, tanto horizontal
como verticalmente, los puntos de intersección de las líneas
trazadas son los llamados centros de atención. En esos puntos es
donde debemos colocar los elementos de interés de la imagen.

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LA REGLA DEL HORIZONTE
Según la norma anterior,
dividiremos la imagen en tres
franjas horizontales.
Como su propio nombre
indica, esta regla consiste en
colocar la línea del horizonte
en una de las líneas que
acabamos de dibujar.

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 http://camerasim.com/camera-simulator/
 http://www.photonhead.com/simcam/
PRÁCTICA ONLINE

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El Lenguaje cinematográfico: Movimientos de
cámara

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Usos del color en el cine y en la fotografía
• El color pictórico: Intenta evocar el colorido de los cuadros e
incluso su composición.

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Usos del color
• El color histórico. Intenta recrear la atmósfera cromática de una
época.

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Usos del color
• El color simbólico. Se usan los colores en determinados planos para
sugerir y subrayar efectos determinados. Cada color produce un
efecto anímico diferente. Los colores fríos (verde, azul, violeta)
deprimen y los cálidos (rojo, naranja, amarillo) exaltan.

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La continuidad: el espacio cinematográfico
• La continuidad es la función que
interrelaciona espacial y
temporalmente un plano con el
siguiente. La continuidad permite
cuando se ven dos planos
seguidos, asociarlos como
consecutivos aunque estén
rodados en lugares y,
evidentemente, momentos
distintos.

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• Racord es la continuidad entre escenas
de un producto audiovisual: Que los
personajes estén en la misma posición,
que vistan igual, que lleven los mismos
objetos, el mismo peinado, etc…
• Por lo tanto hablamos de errores de
racord cuando esa continuidad
deseable entre escenas se rompe.

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Recursos TEMPORALES
• El cine utiliza ciertos elementos para poder presentarse de modo
entendible y ordenado ante el público, independiente si éstos son en
orden cronológico o no. Según esto último, es posible identificar
ciertos elementos, los que están presentes a modo de recursos
estilísticos en el cine:
• Flash Back: cuando la historia retrocede, un ejemplo de ello son los
recuerdos, como es el caso de la película Titanic, donde la protagonista
vuelve el tiempo atrás para narrar su historia a bordo del barco que da título
a la película.
• Flash Forward: el tiempo avanza hacia el futuro, para luego regresar al
tiempo original del relato o bien, puede ser un anticipo a lo que vendrá en
toda la trama, como es el caso del film Yo, Robot, donde se hace una
alegoría a cómo potencialmente sería el futuro en la humanidad.
• Fundidos a negro: se refiere a un plano completamente ennegrecido, con la
finalidad de dar la idea de un cambio de capítulo y que ha avanzado el
tiempo.

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El proceso de realización de una
historieta. El storyboard
A la hora de realizar una historieta, cada
dibujante tiene su propio truco o manera
de afrontar el guión, sin embargo, existen
unos pasos generales y convenientes a
seguir:

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1. La idea
Una historia comienza siempre por una idea o una inspiración. Todas las
opciones nos pueden servir, pero hemos de seleccionar una idea global.
Es conveniente pensar en el talante de nuestra historia. Es decir, es diferente
si vas a contar una sola acción, una aventura en el presente, en el pasado, o
una historia futurista, o si se trata de una comedia o un relato dramático, etc.

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2. La definición
En segundo lugar, es necesario describir la idea en una frase. Por
ejemplo: Un adolescente llamado Marcos, se ve envuelto en una
situación fantástica. Por su afición a la informática, logra entrar en un
juego de aventuras de ordenador.
Es preciso también, definir el estilo, es decir, si el tratamiento de la
historia va a ser cómico o realista y, sobre todo, a que público, adulto o
infantil, va a estar dirigida.
En este apartado el género queda también definido.

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3. El argumento
A continuación, desarrollaremos la historia, creando el argumento
principal. En esta fase, comenzamos a delinear los personajes: el
protagonista y los personajes secundarios con los que se relaciona.
Igualmente, localizaremos los lugares o ambientes de la acción, y el
tiempo en el que discurre la acción. En esta fase, hemos de describir el
aspecto y la personalidad de todos los personajes que van a intervenir.
Podemos realizar algunos bocetos hasta conseguir una definición clara
de los rostros, ropas y complementos.

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4. El storyboard
En este punto hemos de hacer lo que se denomina el storyboard.
El storyboard, es un término utilizado en el cine y en el cómic que
consiste en dibujar, de manera simplificada, la secuencia o la historia
escrita que se pretende llevar a cabo. De esta manera, el autor visualiza
de golpe en imágenes sencillas, el guión escrito para, posteriormente,
planificar o rectificar con mayor precisión y acierto las imágenes
definitivas del cine o del cómic.
El storyboard estará ordenado en secuencias, escenas y planos, siendo
cada plano una viñeta y ha de incluir en cada viñeta los siguientes
elementos:
- Dibujos esquematizados de los personajes, el fondo y la acción.
- Anotaciones de: Tipo de Plano, Tipo de Ángulo y Movimiento de
Cámara
- Sonido y/o Diálogos de los personajes.

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5. Planificación del rodaje: producción.
Hay distintos modos de planificar un rodaje según en el tipo de producción que
estemos trabajando. El más básico consiste en dividir los planos en días de
rodaje, intentando agruparlos entorno a escenarios cercanos. En cada día de
rodaje deben aparecer las siguientes anotaciones:
• Planos a rodar.
• Personajes que aparecen.
• Vestuario y maquillaje.
• Momentos del día adecuados.
• Atrezzo necesario.

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6. FILMACIÓN Y MONTAJE
El penúltimo paso es la filmación del original
siguiendo el Story Board y el plan de rodaje realizado.
El montaje por ordenador es el último páso donde
ordenaremos los planos, añadiremos los efectos
sonoros y retocaremos el color.

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