Tema 1. teoría y función del arte

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Marta López Rodríguez, Ave María Casa Madre, Granada
TEMA 1 TEORÍA Y FUNCIÓN DEL
ARTE
Marta López Rodríguez. Ave María Casa
Madre

¿QUÉ ES EL ARTE?
Pablo Picasso (1881-1973)
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• “El arte es el placer de un espíritu que penetra en
la Naturaleza y descubre que también ésta tiene
alma”. (Auguste Rodin, escultor francés 1840-1917)
• “Lafinalidaddelarteesdarcuerpoalaesenciasecretadelascosas,noelcopiarsu
apariencia”.(Aristóteles, 384 a. C-332 a. C, filósofo griego)
• “Sin arte la vida sería un error”. (Friedrich Nietzsche, 1844-1900, Filósofo
alemán)
• “Yo no pinto lo que veo, pinto lo que siento”. (Pablo Picasso, 1881-1973, pintor
español)
• “La pintura es poesía muda”. (Leonardo da Vinci, 1452-1519 pintor
italiano)
• “No se trata de pintar la vida, se trata de hacer vibrar la pintura”. (Paul Cézanne,
1839-1906, pintor francés)
• “Sueño mis pinturas y luego pinto un sueño”
.(Vincent van Gogh, 1853-1890, pintor holandés)
• “Toda obra de arte es hija de su tiempo y, la mayoría de las veces, es madre de
, 3
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“El Arte es una expresión que surge
de un movimiento interno del alma del
artista, de una energía creadora
vital, que necesita fluir
y plasmarse en una obra.
El arte es una manifestación de
profunda humanidad, que por su
esencia expresiva debe ser compartido
para completarse.
La obra es como un puente que
permite al artista entrar en contacto
con el mundo sensible de las
personas, invitándolas al silencio de
la contemplación y reflexión.
La obra es el punto de encuentro de
dos miradas, la del creador y la del
espectador”.
Marcela Vicuña
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1. EL ARTE Y LA CREACIÓN ARTÍSTICA
¿Qué es el arte?
• Son innumerables las
definiciones que podemos
encontrar sobre qué es el
Arte.
• El Arte es una
actividad humana con
una finalidad
estética o
comunicativa, por
medio del que el
artista expresa
ideas, emociones o 5
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EL ARTE:
• Responde a la necesidad del ser humano
de expresar sentimientos e ideas, es por
tanto un lenguaje (el lenguaje artístico) y
una creación.
• Surge ya desde el Paleolítico. Desde ese
momento el arte y el hombre son
inseparables.
• El arte reúne en sí mismo las dimensiones
racional, espiritual y emocional del
creador.
• Tiene un componente muy importante de
subjetivismo. El propio espectador al
contemplar la obra lo hace influido por su
propia personalidad.
• De este modo, su valoración de la obra
artística será subjetiva, pudiendo diferir
de la concepción del artista o de la
valoración de otro espectador.
• La creación artística no lleva implícita
necesariamente la idea de belleza.
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2. NATURALEZA DE LA OBRA DE ARTE
• La obra de arte es el resultado de una serie de factores:
– El poder creador del artista: la personalidad (puede reflejar sus
características psicológicas, Van Gogh)
– La influencia de la sociedad del momento en que se crea (las
obras de arte no son simplemente la expresión de un artista
individual, sino que traslucen múltiples aspectos de una época y
de una sociedad)
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- Técnica y material:
puesto que requiere
destreza manual, son
determinantes las
posibilidades del
material y de la
técnica
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• Tradicionalmente se han considerado como Bellas Artes:
– La Arquitectura.
– La Escultura.
– La Pintura.
– La Música.
– La Poesía.
• Con el paso del tiempo han aparecido nuevos medios
expresivos como la danza o el cine.
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• Las llamadas Artes Menores, también llamadas
decorativas:
– Carpintería.
– Cerámica.
– Orfebrería (joyas)
– Arte musivario (mosaicos).
– Textiles (alfombras, tapices)
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3. LA OBRA ARTÍSTICA Y EL ESTILO:
• Estilo artístico: forma de manifestarse de un artista o
una colectividad mediante unas características comunes
que se repiten durante una determinada época. (Gótico,
Renacimiento, Barroco….).
• Todo estilo sufre una evolución en el tiempo. Podemos
distinguir varias fases al estudiarlos:
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1. Fase Arcaica o preclásica: periodo de ensayos, en el que empiezan a
configurarse las formas características del estilo.
2. Fase clásica: es la época de madurez, apogeo y perfección formal. En
ella quedan establecidas las normas del estilo y aparecen las obras más
representativas .
3. Fase manierista: El artista mantiene las formas clásicas, pero no se
limita a repetirlas, las estiliza y transforma dándoles un tratamiento más
expresivo y dinámico. Hay un gran virtuosismo técnico y un deseo de
causar asombro en el espectador.
4. Fase barroca: Se utilizan muy libremente las formas clásicas. Sobresale
lo artificioso y lo decorativo, se rompe la armonía clásica en favor del
efectismo y de la exageración, el movimiento, la grandiosidad.
5. Fase Recurrente “Neo”: se vuelven a imitar formas del pasado. Se
denomina con el prefijo Neo seguido del nombre del estilo imitado
(Neogótico, Neoclásico..)
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• Estética, ya que desde siempre el arte ha
servido como vehículo de expresión de
necesidades interiores y de sensibilidades
emocionales.
• Utilitaria, sobre todo la arquitectura,
cuya finalidad básica viene marcada por
su función de espacio creado
artificialmente.
• Mágica, rituales de fertilidad o
funerarios, como de cacería o de guerra.
• Didáctica, la imagen es una buena
substituta de las palabras cuando se busca
instruir a las personas iletradas
• Persuasiva, las imágenes tratan de
convencer de algo.
• Ideológica, transmisión de un
pensamiento social o político, defensa o
justificación de una imagen de poder.
4. FUNCION DEL
ARTE:
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5. VALORACIÓN DE LA OBRA DE ARTE
• La Historiografía es la ciencia que se
dedica a estudiar y a analizar la
forma en la que el ser humano ha
ido escribiendo Historia a lo largo de
cada época y espacio.
• Existen diferentes corrientes
historiográficas: Formalismo
(entiende el Arte como forma),
Iconografía e Iconología (prioriza el
significado de la obra de arte),
Psicología del arte (profundiza en la
psicología del autor y del
espectador)…..
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6. TERMINOLOGÍA ARTÍSTICA:
• Es el arte y
la técnica de proyectar, diseñar
y construir edificios .
• Su mayor dificultad técnica es
la cobertura superior, pues de
él depende toda la estructura
arquitectónica y llega a
condicionar todo el estilo.
• Los elementos sustentantes
son una consecuencia estricta
de los elementos sostenidos.
6. 1. ARQUITECTURA:
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• Han variado mucho a lo largo de la
historia.
– El barro que puede estar mezclado con
paja y secado al sol (adobe) o cocido al
horno (ladrillo y teja). Su trabajo es obra
del albañil.
– La piedra (mármol)es un material más
noble y requiere de un mayor cuidado
en su uso, trabajándolo el cantero.
– La madera se emplea únicamente en
zonas con abundantes bosques y se
utiliza normalmente para el
recubrimiento interior de los techos.
– Recientemente se ha dado un uso
prioritario al acero, al hormigón armado
y al vidrio.
6.1.1 LOS MATERIALES EMPLEADOS EN ARQUITECTURA:
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Zigurat de Samarra Irak s IX
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a) Muros:
– Los elementos constructivos regulares son el ladrillo o el sillar. Si el ladrillo
está cocido al sol se denomina adobe.
– El aparejo : es el modo en que se disponen los materiales, puede ser regular o
irregular.
• Aparejo irregular: las piezas están sin labrar
– Muros ciclópeos: piedras irregulares de gran tamaño
– Muros de mampostería: piedras irregulares medianas y pequeñas.
6.1.2 Los elementos sustentantes:
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• Aparejo regular.
– A soga: los sillares o ladrillos disponen su lado más
largo (canto) paralelo al muro
– A tizón: el lado más corto (testa) paralelo al muro
– A soga y tizón: se alternan los dos anteriores.
– Almohadillado: rehundimiento de las aristas de los
bloques de piedra dando marcada sensación de
relieve.
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b) Pilares:
–Son elementos sustentantes verticales de forma
cuadrada o poligonal.
–Si el pilar es adosado se denomina pilastra.
–Si tiene forma de pirámide invertida es un
estípite.
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Columna en
estípite
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PILARES
ESTÍPITE PILASTRAS
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c) Columnas:
– Elementos sustentantes verticales de sección curva,
generalmente circular. Constan de basa, fuste y capitel.
– Decir que un templo es de estilo dórico, jónico o corintio
significa, fundamentalmente, decir que es de columna dórica,
jónica o corintia.
– La gracia y la sensibilidad de la columna se completa con la
leve curvatura del perfil de su fuste, el galbo o éntasis.
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d) Contrafuertes: Pilar que sobresale de un muro y que
actúa como refuerzo en los laterales de un edificio.
e) Arbotantes: Arco exterior de un edificio que contrarresta
el empuje de otro arco o de una bóveda.
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• En el muro se abren huecos llamados
vanos para facilitar el paso, la
iluminación y la ventilación del
edificio.
• En los vanos la parte inferior se
denomina umbral, en el caso de las
puertas, y alféizar, en el de las
ventanas.
• Las dos partes verticales que lo
flanquean constituyen las jambas.
• Y la parte superior es un dintel, si es
horizontal, o un arco, si tiene trazado
circular.
6.1.3 Elementos de apertura en los muros: vanos.
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a) Dintel:
– Es todo elemento sostenido de carácter horizontal
y construido de una sola pieza.
– Este tipo de arquitectura se denomina
arquitrabada.
6.1.4 Los elementos sostenidos o de carga:
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b) Arco:
– Es un elemento sostenido de configuración curva,
constituido por varias piezas, llamadas dovelas que
encajan en forma de cuña.
– Existen numerosos tipos de arco: de medio punto,
apuntado, de herradura…
– Se utiliza en la arquitectura abovedada.
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c) Bóveda:
–Estructura arqueada que cubre el espacio
comprendido entre muros.
–Existen numeroso tipos de bóvedas: de cañón,
de arista, de crucería…
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d) Cúpula:
– Cubierta semiesférica
generada por la proyección
de un arco en rotación
– Toma, en general, el
nombre del arco que la
engendra.
– Excepto cuando el arco es
de medio punto, en cuyo
caso se llama de media
naranja.
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6.1.5. Lectura del edificio a través de los planos:
– Planta: representa,
en proyección y a escala
una sección horizontal
de un edificio visto
desde la parte superior;
es decir, la figura que
forman los muros y
columnas.
– Sección: también
llamado plano de corte,
es la representación
gráfica de un plano
vertical que corta al
edificio.
– Alzado: representación
plana de la fachada de
un edificio.
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6.2. ESCULTURA
6.2.1. Materiales y técnicas:
– Barro: con el que se elabora un
boceto.
– Piedra: entre ellas, la más usada es
el mármol. Se golpea un cincel
sobre la piedra con un martillo.
– Madera: al ser de menor dureza
permite conseguir mayor
minuciosidad y detalle. Se talla con
una gubia. Suelen policromarse con
lo que adquieren mayor realismo.
– Bronce: suelen ser huecas por
medio de la técnica de la cera
perdida* 35
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• Técnica de la cera perdida:
– Se hace un molde en barro
de la escultura, se cubre con
una capa de cera en la que
se trabaja la forma y detalles
definitivos. Se cubre con otra
capa de barro dejando dos
orificios. Se calienta el
conjunto para que se derrita
la cera que sale por los
orificios, quedando su
espacio hueco, se introduce
en él el bronce fundido .
Cuando ha fraguado, se
retira el molde exterior.
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• 6.2.2.Clasificaciones de la
escultura:
– De bulto redondo o exenta:
puede ser rodeada
– Relieve: tallada sobre una
superficie, adosada a un
fondo. Puede ser medio, alto o
bajorrelieve en función de si
sobresale la mitad de su
volumen más o menos.
– Puede estar concebida para
ser observada desde un único
punto de vista (relieves) o
desde varios (el espectador
debe moverse)
– De cuerpo entero o de busto
(cabeza y parte superior del
tórax)
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6.3.PINTURA
• 6.3.1.DIBUJO, LUZ Y COLOR
– Dibujo: es la base de la pintura,
su parte preparatoria, con él se
perfilan las formas a través de la
línea que delimita los contornos.
A veces llega a desaparecer
(Impresionismo)
– La luz: con el juego de la luz y la
sombra se consigue dar
volumen, sensación de relieve.
En ocasiones la pintura se aplica
de manera plana, sin sombras,
(Románico). Puede haber uno o
varios focos de luz y pueden ser
interiores, exteriores, naturales,
artificiales…
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• El color: cualidad esencial en la pintura. Pueden variar
según su luminosidad (lograda con el blanco y el negro)
o por la saturación. Pueden ser fríos (azul y verde) o
cálidos (rojo, amarillo)
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• 6.3.2.TRIDIMIENSIONALIDAD
• Para representar en una
superficie bidimensional
(ancho y alto) la tercera
dimensión (profundo), se
desarrolló la perspectiva.
• Hasta el Renacimiento se
representaban las escenas
sin profundidad, o con una
forma de profundidad
perspectiva errónea.
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– La perspectiva lineal: las
líneas de fuga convergen
en un punto de fuga. Los
objetos reducen su
tamaño a medida que se
alejan del espectador.
– La perspectiva aérea:
cuanto más lejos están los
objetos, más borrosos los
pinta . El pintor parece
pintar el aire. (Leonardo
da Vinci) 42
En el Renacimiento se logra la perspectiva a través de dos
descubrimientos:
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6.3.3.La composición: es la manera en que se distribuyen
las figuras y espacios en la pintura:
1. Triangular:
simétrica y
equilibrada
2. Diagonal:
transmite
inestabilidad y
movimiento
(Barroco)
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3- Según la altura de la línea
del horizonte:
• Punto de vista
alto: desde el aire,
permite
representar un
gran escenario.
• Punto de vista
bajo: desde la
tierra, reduce el
escenario
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4. Frontal : la figura queda hierática ante el espectador.
5. Contrapposto : oposición armónica de las distintas
partes del cuerpo de la figura humana, lo que
proporciona cierto movimiento.
6. Serpentinata : la figura adquiere una postura casi
helicoidal debido al movimiento giratorio de caderas y
hombros.
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7. Abierta: las extremidades o elementos salientes están
separados del cuerpo.
8. Cerrada: si estos elementos se encuentran unidos al cuerpo.
9. Escorzo: muestra desde el frente una forma alargada hacia
el fondo (un brazo estirado con la mano en primer plano y el
hombro al fondo)
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1. Fresco:
– Se realiza sobre el revoque del muro cuando
aún está húmedo.
– Este revoque contiene cal y arena.
– La pintura se aplica mezclada con agua de cal
para facilitar su integración en el muro.
2. Acuarela:
– Para extender el color se utiliza
únicamente agua y por tanto se seca
muy rápidamente.
– Como todos los colores dejan
transparentar más o menos el papel,
las acuarelas son de una gran
luminosidad.
6.3.4 TÉCNICAS PICTÓRICAS Y SOPORTES
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Madre

3. Temple (témpera):
– Usa como aglutinante el huevo, es
más brillante y lento de secar.
– Se emplea sobre muro o tabla.
– En el s.XV se le empezó a añadir
aceite, formándose así el temple
graso.
4 Óleo:
– Se utiliza como aglutinante aceite,
preferentemente linaza.
– Ello hace que sea el procedimiento
más lento en secar.
– Permite un trabajo sosegado y que
puede interrumpirse .
– El inconveniente:oscurecimiento de
los aceites que incorpora.
– Sobre tabla o lienzo.
– Permite detallismo y colores más
vivos.
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5. Pastel: con lapiceros o
barritas de pigmentos
aglutinados con cola
aplicándose sobre papel
rugoso. Efectos
luminosos y expresivos.
6. Aguada o gouache: los
colores se disuelven en
agua sola o con goma
arábiga o miel. Los
colores son opacos y
apagados.
49Óscar Domínguez
Madre

7. Acrílicos:
– Se usan a partir de 1950.
Utilizan como aglutinante
el ácido acrílico,
ofreciendo un acabado en
mate.
– Este procedimiento tiene
las mismas ventajas que la
pintura al temple y al óleo.
– Es además muy estable y
resistente a la oxidación,
permitiendo añadir más
pintura a una superficie ya
pintada.
–
8. Collage:
– Es una mezcla de diversos
materiales como periódicos,
cartón, lienzo, etc., pegados
sobre un soporte plano.
– Los objetos aplicados pueden
y suelen combinarse con
fragmentos pintados por el
artista.
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Pollock/ BRAQUE
Madre

Otros sistemas de representación pictórica
• El mosaico: emplea
pequeñas pieza de piedra,
cerámica o vidrio llamadas
teselas. Con ellas se
componen imágenes que se
colocan en paredes o suelos.
Muy utilizado en la antigua
Roma y Bizancio.
• Vidrieras: se recortan y
unen fragmentos de vidrio
mediante varillas de plomo,
Se coloca sobre un bastidor
metálico que se fija al vano.
Adquieren gran luminosidad
dado que la luz las atraviesa.
Muy utilizadas en el Gótico.
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Madre

Guiones para el comentario de obras de arte
Guión para el comentario de una arquitectura.
• A.- Catalogación.
• Nombre de la obra.
• Localización: dónde y cuándo fue realizada.
• Autor o autores. Caracterizar el estilo personal del autor. También
podemos explicar brevemente la posición social del artista en ese
momento de la Historia.
• El cliente, comitente, mecenas, es decir, quién encarga la obra.
• Finalidad, para qué fue construido, que usos ha tenido a lo largo de la
Historia, para qué se utiliza en la actualidad.
• Breve análisis del contexto histórico en que se produce la obra, es
decir, los aspectos sociales, políticos, religiosos, ideológicos,
económicos, culturales, técnicos, etc. Todo aquello que pueda tener
una incidencia sobre la obra que analizamos.
Antonio Casquet Chacón. Ave María Casa Madre 52

• B.- Análisis formal.
– ¿Qué materiales se han utilizado en su construcción?: Piedra, ladrillo, hormigón,
madera, etc.
– ¿Qué vemos?: Vista aérea, vista general, alzado, planta, detalle …
– ¿Cómo es la planta del edificio?: Centralizada, en cruz latina o griega, cuadrada o
rectangular, ovalada, otros modelos. Como sugerencia intenta reducir el plano del
edificio a una forma geométrica sencilla.
• - El exterior.
– Muros y paredes. Si son delgados o gruesos, de descarga o de cierre, muro cortina.
– Materiales y disposición de las piezas. Tipo de aparejo: Isódomo, almohadillado, a
soga y tizón, tapial, etc. Si existe algún revestimiento exterior indicarlo.
– Tratamiento de las fachadas. Diferenciar la principal si existe.
– Altura del edificio, plantas, separación entre éstas por medio de un entablamento, una
moldura, una cornisa u otro elemento diferenciador.
– Distribución de vanos y encuadre de los mismos, con un arco, dintel, entablamento y
frontón, columnas, etc. Distribución rítmica o no de éstos, existencia de otros
elementos decorativos como medallones, escudos, acróteras, escultura monumental.
– Articulación del muro. Órdenes arquitectónicos, contrafuertes.

• - El interior.
– Muros y paredes: materiales, revestimientos, decoración, pinturas, mosaicos…
– Soportes utilizados
– Columnas, órdenes clásicos u otro modelo como minoica o salomónica..
– Pilares, pies derechos, estípite, etc.
– Arcos, de medio punto, apuntados, herradura, carpanel …
– Iluminación. Abundante o escasa, natural o artificial, blanca o coloreada (vidriera), funcional o
litúrgica, cenital, lateral.
– Concepción y organización del espacio: Estático o dinámico, centralizado o dirigido, unido o
compartimentado.
– Correspondencia entre el interior y el exterior.
– El sistema constructivo.
• Arquitrabado o adintelado indicando sus elementos.
• Abovedado
• - Tipo de bóveda, de cañón, de aristas, de nervios …
• - Cúpula sobre tambor, con pechinas o trompas, rematada con linterna o no, exenta o rebajada …
• - Sistema de contrarresto, con contrafuertes, arcos de descarga, muros gruesos, etc.
• Sistema mixto.
• C.- Otros aspectos.
– Significado. Posible interpretación iconológica, el simbolismo de la obra.
– La relación que mantiene con el entorno arquitectónico.
– El estado de conservación en que se encuentra, restauraciones, intervenciones posteriores al
momento inicial, modificaciones.
– Comentario personal sobre la obra. Lo que nos gusta o nos desagrada, lo que nos sugiere …

Guión para el comentario de una escultura.
• Nombre de la obra. ¿Es el original o una copia?
• Autor o autores. Caracterizar el estilo personal del autor, podemos explicar brevemente
la posición social del artista durante ese periodo, también las características más
destacadas del estilo histórico al que pertenece.
• El cliente, comitente, mecenas, es decir, quién encarga la obra.
• Finalidad y destino original, ¿dónde se encuentra actualmente?
• Breve análisis del contexto histórico en que se realiza la obra, es decir, los aspectos
sociales, políticos, religiosos, ideológicos, económicos, culturales, técnicos, etc. Todo
aquello que pueda tener una incidencia sobre la obra que comentamos.
55Antonio Casquet Chacón. Ave María Casa Madre

• Tipología: Si es una escultura exenta o de bulto redondo, o bien si
es un relieve, de que tipo: alto, medio, bajo, hueco; de ser lo
segundo, si presenta profundidad, si hay un estudio de perspectiva
o es un relieve plano. Si es una escultura monumental es decir,
subordinada y adaptada al edificio, teniendo en cuenta el lugar de
colocación, la distancia al espectador, pensada para un espacio
público, una plaza por ejemplo o bien es una escultura mueble,
independiente que podemos colocar en distintos lugares.
• La figura: Si es una figura aislada y completa o si es un fragmento
de ésta, la cabeza, el busto, el torso. De ser de cuerpo completo,
cómo se representa, es decir, si está de pie, yacente, sedente,
orante, ecuestre … Si es un grupo escultórico cuántas figuras
aparecen y cómo se relacionan entre ellas, indicando si existe algún
tipo de jerarquización. Cómo están representadas, desnudas o
vestidas, de ser así, qué tipo de indumentaria, cómo se tratan las
telas, si hay otros objetos dignos de mención. De qué tamaño en
relación al natural, si el artista ha tenido en cuenta un sistema de
proporciones, canon, medida o módulo.

• Análisis iconográfico: Identificación de las imágenes y el tema. Si es
abstracto o figurativo, religioso, mitológico, histórico, alegórico, si
es un retrato individual o en grupo, o un autorretrato. Responde a
una interpretación esquemática, estilizada, realista, idealizada, …
• Superficie y luz: Cómo es el nivel de acabado y el tratamiento de la
superficie, si transmite o no valores táctiles, si es rugosa, suave,
dura, blanda. Cómo ha tenido en cuenta el autor la luz que incide
sobre la obra, homogénea, suave, continua, claroscuro, contraste
luz-sombra, luz dirigida.
• La composición: Abierta o cerrada, con dominio de líneas curvas,
rectas o quebradas, verticales, oblicuas, horizontales, intenta
adaptarla a una figura geométrica sencilla, como el triángulo, el
rombo, el cuadrado, el círculo, etc.
• Puntos de vista: Uno o varios, frontal, lateral, nos movemos a su
alrededor girando en busca de un punto de vista principal.
• Sugerencias: Qué nos transmite, equilibrio, desequilibrio; quietud,
serenidad o movimiento, dinamismo, de ser así, si es real o
sugerido; pesadez o ligereza; alegría, tristeza, sufrimiento, placer,
melancolía, abatimiento …

• C.- Aspectos técnicos.
• Los materiales: piedra, mármol, granito, madera, barro, cera,
bronce, marfil, resinas, plásticos, hierro… Si se han utilizado
postizos, es decir, elementos extraescultóricos.
• La ejecución: La talla, el modelado, la fundición, martilleado … y
con qué herramientas, las manos, la gubia, el cincel, mazas y
martillos, el trépano, abrasivos … Si presenta policromía o no, en el
primero de los casos si se ha pintado o se han utilizado materiales
de distinto color.
• D.- Análisis iconológico.
• Interpretar el significado de la obra a través de sus claves o códigos
de lectura
• E.- Otros aspectos.
• El estado de conservación en que se encuentra la obra, si ha sido
objeto de restauraciones o modificaciones posteriores.
• Que relación mantiene con otras obras conocidas, del mismo autor,
escuela o periodo.
• Para terminar comentar lo que más y lo que menos te gusta de la
escultura, así como lo que te sugiere.

Guión para el comentario de una pintura.
• Nombre de la obra.
• Autor o autores, escuela o taller al que pertenecen. Caracterizar el estilo
personal del autor y el de la escuela, si viene al caso; también las
características más significativas del estilo histórico al que pertenece.
Podemos explicar brevemente la posición social del artista durante ese
periodo.
• El cliente, mecenas, comitente, es decir, quién encarga la obra, una o
varias personas, también puede ser un organismo o una institución.
• Finalidad y destino original, ¿dónde se encuentra actualmente?
• Breve análisis del contexto histórico en que se realiza la obra, es decir, los
aspectos sociales, políticos, religiosos, ideológicos, económicos, culturales,
técnicos, etc. Todo aquello que pueda tener una incidencia de interés
sobre la obra que comentamos.

• El aspecto técnico. Materiales.
• Qué forma presenta la pintura, si es un rectángulo,
rectángulo áureo, círculo, cuadrado, medio punto, otras
formas.
• Cuál es su tamaño aproximado, qué dimensiones tiene.
• En qué soporte se ha realizado, si es madera, lienzo, cartón,
metal, papel, muro preparado …
• Qué materiales pictóricos se han utilizado, el óleo, el
temple de huevo o de cola, el fresco, el pastel, la acuarela,
el guache, los acrílicos, el mosaico, otros.
• Con qué instrumentos se han aplicado los pigmentos,
pinceles, espátulas, las mismas manos del pintor …
• Cuál es la textura resultante, si rugosa o suave, áspera o
lisa, …

• Tema.
• Debemos explicar si el tema es abstracto o figurativo, de ser lo segundo lo podemos encuadrar
en temas de historia, religiosos, mitológicos, alegóricos, paisaje urbano o rural, escenas de
género, bodegón, retrato, teniendo en cuenta la posición del retratado y si es un retrato
individual o colectivo, también puede ser un autorretrato del artista. Cualquiera de estos temas
pueden haber sido enfocados desde una visión realista, idealizada o ilusoria. Por último vemos
las figuras que aparecen en la obra y los objetos que acompañan.
• Composición.
• Observamos si la superficie pictórica está delimitada por un marco o es un espacio continuo. Si
el espacio pictórico es único o está dividido en partes iguales o desiguales y si existe relación
entre ellas.
• A veces podemos reducir la distribución de los elementos principales de la pintura a formas
geométricas sencillas: triángulo, pirámide, cuadrado, rectángulo, círculo, rombo.
• ¿Percibimos el uso de la sección áurea?
• Cuál es el eje principal que organiza la composición: vertical, horizontal, diagonal, en aspa,
curvilíneo; esta línea imaginaria ¿nos invita a mirar los elementos del cuadro de una manera
determinada?
• Cómo está organizado en espacio, es decir, si es plano o presenta profundidad, si se ha utilizado
la perspectiva, geométrica o aérea, el punto de fuga principal, si está en el centro o desplazado
o incluso fuera del espacio pictórico, ¿dónde está situada la línea de horizonte?
• Indicar si el esquema fundamental de la composición es abierto o cerrado, si nos produce
sensación de movimiento, dinamismo, acción o por el contrario de quietud o serenidad,
equilibrio o desequilibrio, simetría o asimetría.

• Dibujo y color.
• ¿Cuál es el elemento dominante, el color o la línea? ¿Están los contornos y los dintornos
limitados con líneas precisas? ¿cómo es la pincelada, precisa, corta, larga, ligera, espesa …?
• Observamos el color e indicamos si se han utilizado preferentemente colores cálidos,
amarillo, naranja, rojo, o colores fríos, verde, azul, violeta; si son colores primarios, azul, rojo,
amarillo, o secundarios complementarios, verde, naranja, violeta; si son colores planos o con
gradación tonal.
• ¿Se ha utilizado el color son un sentido simbólico?
• La luz.
• Se han iluminado los elementos del cuadro con luz natural o artificial, débil o fuerte, dirigida
o no, uno o varios focos de iluminación, están dentro o fuera de la pintura.
• ¿Se ha hecho uso del claroscuro?
• ¿Tiene el uso de la luz alguna simbología?
• C.- Análisis iconológico.
• Interpretar el significado de la obra, si nos da a entender algo más que lo que aparentemente
vemos en la pintura.
• D.- Otros aspectos.
• Aquí podemos explicar el estado de conservación en que se encuentra la obra. Si ha sido
objeto de restauraciones o intervenciones posteriores, si se han añadido elementos nuevos o
si por el contrario se le han quitado algunos existentes, si se ha visto modificado su tamaño
original.
• La relación que mantiene con otras obras conocidas del periodo, anteriores o posteriores.
• A nivel más personal destacar lo que más y lo que menos te gusta y por último si te sugiere
algo.

Tema 1. teoría y función del arte

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