Unidad ll.pptx

HISTORIA DE LA
ARQUITECTURA III
SEGUNDA UNIDAD
Los Movimientos de Vanguardia
Europeos

SEGUNDA UNIDAD:
Europeos
TEMA: Art Nouveau (Bélgica)

¿Qué son las Vanguardias?
Estar en el punto más avanzado.
Es el nombre que se le da a la serie de
inquietudes artísticas desarrolladas a
partir de la última década del Siglo XIX y
durante la primera mitad del Siglo
Separarse por completo del estilo anterior
(rechazo del historicismo)
Presentar ideas innovadoras y distintas,
acordes a los nuevos sucesos de la época
(ser anti-tradicionalistas)
Rechazo de las academias y la emancipación
de los centros de poder
(surge en metrópolis y provincias por igual)
Es la suma de diversos movimientos,
distintos entre sí, con intenciones y
técnicas propias. Pero que tenían metas
en común:
Corriente orgánica
Corriente geométrica
De la preguerra
Entre guerras
De la posguerra
Vanguardias
de Diseño
Vanguardias
pictóricas
Aunque cada movimiento tiene sus
particularidades, es posible comprenderlas
mejor al catalogarlas en dos corrientes:

Vanguardias:
Los artistas buscaban ser diferentes,
originales, aportar su punto de vista
individual.
Este arte es fiel a su época, ya que
refleja el espíritu de su tiempo.
Representa a su vez, lo progresista de la
industria y los aspectos negativos de su
sociedad.

La vuelta a la naturaleza produce líneas
y patrones fluidos y orgánicos, hasta
una exuberante riqueza de adornos,
pero también diseños estrictamente
geométricos o sencillos.
Esto se debe a influencias muy
diferentes: el arte del simbolismo, la
preferencia por la estética asiática, la
Edad Media, pero también a las nuevas
posibilidades técnicas de la
construcción con vidrio y fundición
(hierro).
Vanguardias

Art: arte Nouveau: nuevo
Nace en Bruselas, Bélgica; pero se extiende internacionalmente.
Se desarrolla entre los años:1890 -1920
Art nouveau

Resultado de la evolución de las ideas de Morris acerca del movimiento
arts & crafts.
Esta corriente reconcilió al diseño y la industria, uniendo lo mejor de
ambos
Eficiencia en
tiempo y
costo.
Satisfacción
estética del
cliente.

Es el siguiente gran ESTILO después del
eclecticismo histórico (la arquitectura de hierro
y arts & crafts, fueron movimientos).
Antecedentes
Morris y Ruskin proponen nuevas teorías sobre
el arte.
Se generaliza la insatisfacción por el
eclecticismo histórico.
Los artistas gráficos (pintores) comienzan a
experimentar sus propios intereses.
Lo que los representantes tienen en común es
la voluntad de crear obras de arte integral. Es
decir, la arquitectura, el mobiliario, los gráficos,
las joyas y el arte deben convertirse en una
unidad de cultivo ecológico.

La difusión jugó un papel fundamental para el
estilo.
A través de revistas, libros, carteles, reuniones,
conferencias y demás medios, el estilo logró
propagarse y aceptarse internacionalmente.
Los talleres y escuelas privadas cobran mayor auge
que las academias clasicistas.
Revista:
“L´Art Moderne” (Bruselas, 1881)
"La Revue Blanche" (Francia, 1891)
"The Yellow Book" (Inglaterra, 1894)
"Jugend" (Alemania, 1896)
Entre muchos otros
Grupos de discusión:
“Grupo de los XX´s” (1883-1893)
“La libre esthétique” (1893-1914)
Escuelas:
Escuela de arte en Weimar (antecedente
directo de la Bauhaus)
Art
nouveau

Es sumamente decorativo y comercialmente
llamativo.
Se caracteriza por sus líneas orgánicas y su gran
acercamiento con la naturaleza.
Es un estilo unitario ya que abarca y unifica todas la
artes: Carteles, textiles, muebles, elementos
arquitectónicos.
Da inicio a una nueva ERA en el arte y la
arquitectura. La era contemporánea.
Art
nouveau
I N F L U E N C I A S
Arts & Crafts + Arq. De Hierro
Estampas japonesas
Vanguardias figurativas (pintura: impresionismo)
Tiffany
&
CO.

Diseña la primera obra considerada
art nouveau.
Con ella rompió esquemas,
generando gran controversia en la
sociedad de Bruselas.
Victor Horta
Interior
Casa
Tassel,
1892-93

Diseña la primera obra considerada art
nouveau.
Con ella rompió esquemas, generando
gran controversia en la sociedad de
Bruselas.Por primera vez, en una
vivienda particular, se utilizaban
elementos de la industria (como el
hierro y el vidrio) empleados en diseños
con gran elegancia.
Victor Horta
Casa
Tassel,
1892-93

Al igual que Horta, es un diseñador
integral, procurando cada detalle y
elemento de un todo.
Uno de los teóricos y representantes
más influyentes del Art Nouveau.
Henry Van de Velde
Decoración
del
Museo
Folkwang

Escritorio y silla diseñada por Van de Velde(1896)

Originalmente había estudiado
pintura y era miembro de un grupo
de artistas en Bruselas.
Sin embargo, para finales del siglo
XIX se dedicó por completo a la
arquitectura, mobiliario y diseño de
productos.
Siempre defendió el arte y las
artesanías en la producción.
Finalmente, se convirtió en director
de la Escuela de Artes y Oficios de
Weimar, de la que surgiría más tarde
la Bauhaus.
En 1907 fue cofundador de la
Deutscher Werkbund.
Escuela de Artes en Weimar, 1907.
Antecedente directo de la escuela Bauhaus.

Representa en su máximo esplendor el
art nouveau francés.
Hector Guimard
Entradas
al
metro
en
Paris
(1900)

Muebles diseñados por Guimard

Palacio de Bellas Artes
México, D.F.
Adamo Boari :1904-1910
Francisco Mariscal: 1931-1934
Exterior estilo art nouveau

SEGUNDA UNIDAD:
Europeos
TEMA: Secesión Vienesa (Austria)

Secesión Vienesa (Sezessionsstil) [1897 -1929]
CREACIÓN DE LA ASOCIACIÓN DE LA SECESIÓN
En 1897 un total de 19 artistas abandonaron la “Asociación de artistas de Viena”
porque rechazaban su visión conservadora del arte, basada en el Historicismo.
Secesión significa: separación.
Así, pintores y arquitectos crearon un espacio para un arte joven e innovador,
promoviendo corrientes artísticas modernas.
Este grupo persiguió la idea de la obra de arte total. Ven cualquier creación
artísticas como una obra, independientemente de que se trate de un objeto
arquitectónico, una pintura u objetos de artesanía como tapices, muebles y
utensilios.

La estrecha
colaboración entre
artistas llevó a una
postura
completamente
nueva respecto al
arte, en donde las
artes plásticas y
aplicadas forman
una unidad
estética sin
precedentes.

Características de la
producción derivada
de la Secesión Vienesa
● Movimiento inspirado en la ruptura con el rigor y
elitismo academia, con los historicismos estilísticos
y con la idea de mercantilizar la obra de arte. Sin
embargo, no desdeña el valor de la historia, ni el
espíritu de los tiempos.
● En sus diseños (arquitectura, pintura, cartel y
mobiliario), predomina la sobriedad formal, e
incluso cierta severidad. Aunque transita por tres
fases: clasicista, decorativa, simplificación.
● El objetivo ya no es imitar épocas anteriores, sino
inventar nuevas formas de expresión adaptadas a la
época actual.
● Privilegia la geometría básica (volúmenes puros),
las formas derivadas de líneas rectas y evade la
línea curva tan explotada en el Art Nouveau de
Francia y Bélgica.

Características de la
producción derivada
de la Secesión Vienesa
● Arquitectura que depura el ornamento y apuesta
por la forma monumental. Se le da suma
importancia al orden, al equilibrio y a la abstracción.
● En la pintura y el cartel se idealiza la figura
femenina (desnudo), y la tipografía se integra de
una manera inédita.
● La decoración no es orgánica como la de los
artistas belgas, sino estilizada, acorde a la
modernidad.
● Busca acercar el arte a los vieneses, en lugar de
generar una nueva élite.
● Experimenta grandes manifestaciones de expresión
individual; sin embargo, pronto se empieza hablar
de un Estilo secesionista.

Se publican las ideas en una revista
llamada “Primavera Sagrada”. Su
lema: a cada tiempo su arte y a
cada arte su libertad.
Entre los principales miembros
estaban:
Gustav Klimt (pintor)
Koloman Moser (diseñador gráfico)
Joseph Maria Olbrich
(arquitecto/diseñador)
Josef Hoffmann
(arquitecto/diseñador)
Otto Wagner (arquitecto/diseñador)
Portada
de
la
revista
Ver
sacrum
(Primavera
sagrada),
1898.

GUSTAV KLIMT
En 1897, su interés por el arte de vanguardia lo llevó
a abandonar la Asociación de Artistas Vieneses y a
fundar, con algunos amigos, la famosa Secesión
Vienesa, de la que fue el primer presidente y
máximo exponente. Las pinturas murales alegóricas
para la Universidad de Viena, en las que se advierte
ya un evidente cambio de estilo, suscitaron duras
críticas, por lo que el artista abandonó el encargo
antes de finalizarlo (las que había concluido las
destruyó un incendio en 1945).
Como consecuencia de este episodio, ya no volvió
a recibir encargos oficiales, pese a lo cual realizó
gran cantidad de telas, en primer lugar paisajes
plasmados con una concepción muy peculiar de la
perspectiva y en los que predominan las
tonalidades verdes, y después, sobre todo, figuras
femeninas, que constituyen lo más conocido y
valorado de su producción.

En estas obras supo combinar el realismo del retrato
con un decorativismo extremo en los fondos y los
vestidos, en los que predominan los tonos amarillos y
dorados y los motivos inspirados en las alas de
mariposa o las colas de pavo real.
Ornamentos desbordantes decoran, no solo los
elegantes vestidos de gala de las modelos, sino
también en el fondo, de manera que toda la superficie
del cuadro parece un único tapiz con varias formas.
Destacan, entre otras muchas obras, El beso, Salomé y
Judith I, imbuidas todas ellas de una sensualidad
palpable. El Osterreichische Museum de Viena
conserva una excelente colección de su pintura.
Gustav
Klimt.
Judit
I
(1901)

Gustav
Klimt.
Palas
Atenea
(1898)
Utilizó oro en su paleta de colores
hasta alrededor de 1910.
Su inspiración: mosaicos
bizantinos y arte del lejano oriente.
Temas: sexualidad, muerte o el
ciclo de la vida.
Klimt representa como ningún otro
artista la pintura del cambio del
siglo vienes e influye en los
sucesos vanguardistas de la época.

Koloman Moser
A lo largo de su vida,
Moser diseñó una amplia
gama de trabajos
artísticos: libros y
gráficos desde
estampillas a viñetas
para revistas, moda,
vitrales, porcelanas y
cerámicas, vidrio
soplado, vajilla, platería,
joyería y mobiliario,
entre otros.
Koloman
Moser,
Cartel
para
la
5ta
exihibición
de
la
Secession
(1899)

Koloman
Moser,
Portada
de
la
revista
Ver
Sacrum
(1898)

Sezession Vienesa
Josef
Maria
Olbrich
Edificio
de
la
Secesión.
Viena,
1898
ARQUITECTURA
Otto Wagner
Iniciador del movimiento en Viena.
Sus obras conservan un poco del estilo clásico,
combinado con las nuevas tendencias.
Profesor de la Academia de Bellas Artes.
Joseph Ma. Olbrich
Alumno de Wagner.
Adquiere el estilo con mayor soltura,
impregnándole un poco de racionalismo.
Joseph Hoffman
Co-fundador del movimiento en Viena. Alumno
de Wagner y socio de Olbrich.
Profesor de la Escuela de Artes y Oficios

Otto
Wagner.
Edificios
del
Ferrocarril
Metropolitano.
Viena,
1894-1899

Otto Wagner.
Majolikahaus (Cas
a de Mayólica).
Viena, 1898-1900.

Otto Wagner.
Caja Postal de
Ahorros de Viena,
1904-1912

Josef Maria Olbrich
Edificio de la Secesión.
Viena, 1898

Josef Hoffman
Palacio Stoclet. Bruselas,
1905-1911.
Edificio residencial del
industrial belga Adolphe
Stoclet, considerada una
obra de arte integral.

● La planta se basa en una serie asimétrica de
rectángulos que, al igual que al fachada y el
diseño interior comparativamente sobrio,
refleja un concepto más geométrico del “Art
Nouveau”.
● Hoffmann diseñó cada detalle, incluso llegó a
diseñar un vestido para la esposa del dueño
que encajaba con el interior.
● Además de los pavimentos geométricos, el
mármol de las paredes, los mosaicos, las
esculturas de Franz Metzner y las pinturas de
Fernand Khnopff se incluyeron en el concepto
general como decoración.
● El comedor está dominado por los mosaicos
del friso Stoclet de Gustav Klimt, compuesto
por cerámica, piedras semipreciosas, esmalte
y placas doradas.

SEGUNDA UNIDAD:
Europeos
TEMA: Modernismo (Cataluña, España)

Modernismo catalán
Nace en la región de
Cataluña, ahora
perteneciente a España.
Sus principales exponentes
son: Domènech Montaner y
Antonio Gaudí
[1890 -1929]
El drac.
Escultura en el Parque Güell

La búsqueda de un nuevo estilo en España tuvo su
centro, no en Madrid, sino en la capital catalana:
Barcelona. Lugar que siempre ha luchado por su
independencia.
Cataluña tiene un fuerte arraigo artesanal y un arraigo
nacional histórico.
Además, la región de los alrededores de Barcelona
prosperó y produjo una industria de éxito.
Aquí el arte y la arquitectura se convirtieron en un
medio de expresión cultural y político para una
burguesía segura de sí misma en la lucha por la
autonomía. Los mecenas ricos apoyaron las artes para
expresar la modernidad y su identidad catalana.
Al igual que la literatura y la música, la arquitectura
también formó parte del movimiento de renovación
catalana.

Cofundador del Modernismo Catalán.
Después de sus estudios en arquitectura, viajó por
Europa y estudió de las tendencias arquitectónicas
del momento en cada uno de los países.
Posteriormente fue director y profesor de la Escuela
Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona.
También fue siempre políticamente activo, luchador
por la autonomía catalana. Así, la arquitectura era una
preocupación nacional para él.
Construyó importantes edificios públicos y privados,
como:
La clínica psiquiátrica Pere Mata de Reus.
El Palacio de la Música Catalana de Barcelona.
Lluís Domènech i Montaner
Sus obras comparten características
semejantes a las desarrolladas en
Francia o Bélgica, pero interpretadas al
estilo español.

Palacio de la música
catalana.
Barcelona, 1905-08
Declarada patrimonio de la
humanidad por la UNESCO en
1994.

● Reconocido por su capacidad de
constructor (dominio de técnicas,
sistemas, etc).
● Destacado en el uso de los materiales.
● Poseedor de una intuición para los
principios morfológico-constructivos.
● Con sentido de continuidad con la
tradición.
● Con un manejo articulado y fluido de
las masas.
● Manejo de exuberancia del color
sobre la forma arquitectónica y
escultórica.
Antonio Gaudí
Antoni
Gaudí
1852-1926

● Aunque se clasifica dentro del
modernismo español, las obras de
Gaudí contienen un estilo propio:
ESTILO GUAIDANO.
● Desatando a la fantasía en cada una
de ellas.
● Sus obras iniciales se apoyaron en la
hibridación y reinterpretación de
estilos históricos, sobre todo de los
medievales gótico y mudéjar.
● Posteriormente explota su etapa
moderna, acorde al art nouveau, pero
con suma autonomía y desarrollando
un estilo propio.
Antonio Gaudí

Parque Güell,
Barcelona. 1900-14

Casa Milá “La
Pedrera”
Barcelona, 1905-1910

Casa Batlló.
Barcelona, 1904-1906

Templo expiatorio de la
Sagrada Familia, Barcelona
Inicia su construcción en 1882
y aun continúan con ella.
De planta cruciforme, con una nave
de 90m de largo y un crucero de
60m de largo. Se espera que tenga
18 torres, la más alta de 172.50 mts
de altura.
Originalmente era proyecto del
arquitecto Francesc de Paula del
Villar, quien la diseñó en estilo
neogótico.
Sin embargo, pronto Gaudí se hizo
cargo, cambiando el concepto, el
tamaño y el estilo arquitectónico:
Integraban elementos del
modernismo y formas abstracto-
expresionistas.

Una de las constantes de su obra es el
amor a la Naturaleza. En las formas
vivas, vegetales o animales, encontró
una fuente de inspiración, que quedará
reflejada en el uso de piedras de
construcción curvas y formas
orgánicas.
Entiende la arquitectura como un arte
integrador, simbólico y total dentro del
mundo natural. Buscó la luz y el color.
Sus edificios resultan una gran
escultura de símbolos en cuya
decoración tienen cabida otras artes

SEGUNDA UNIDAD:
Europeos
TEMA: Jugendstil (Alemania)

Jugendstil
Su nombre proviene de una
revista de Munich (Jugend,
«Giovinezza», fundada en
1886) contribuyó a difundir
el nuevo lenguaje artístico,
especialmente en el campo
de los gráficos y Artes
Aplicadas.
Alemania y Suiza

● Decorativo
● Llamativo
● Líneas orgánicas
● Relación con la naturaleza
● Se manifiesta en todas las artes
Características principales

Ubicado en Berlin, Alemania,
por el arquitecto Fritz
Freymuller.
Es especialmente bello con
sus motivos oceánicos de
filigrana.
El Stadtbad Steglitz fue un
edificio muy moderno en su
época. Pero ha estado vacío
desde 2014.
Stadtbad Steglitz
1908
A partir de 2004
fue utilizado con
diversos motivos
culturales

Tomó las expresiones artísticas del
Art Nouveau en Alemania y Suiza
Se pueden encontrar edificios con
las típicas formas curvas y el
fastuoso juego

SEGUNDA UNIDAD:
Europeos
TEMA: Modern Style
(Glasgow, Escocia)

Modern Style
Su origen partió de los “Cuatro de Glasgow”,
conformado por Charles Rennie, Herbert Mcnair,
Margaret Macdonald y Frances Macdonald, este
grupo seguía el movimiento de Art and Crafts hasta
que se unieron al Art Nouveau con el fin de
desarrollarse en un concepto más original, trabajaron
en pintura, arquitectura, mobiliario, cristales,
diseños gráficos y en metal.
Escocia

● Líneas verticales ligeramente curvadas
que terminan en formas ovaladas
● Rejillas
● Flores estilizadas rosas
● Uso de colores suaves como pasteles,
verde oliva, blanco, gris, plata, entre
otros
● Figuras de mujeres alargadas
contemplativas
● Inspiración en la naturaleza con el uso de
patrones abstractos basados en plantas
958, Charles Rennie Mackintosh

Arquitecto, diseñador y acuarelista,
además de una figura de gran
relevancia dentro del movimiento
Arts and Crafts y el mayor
representante del movimiento Art
Nouveau (Modern Style)
Junto a Margaret Macdonald (su
esposa) trabajó diseñando
interiores, muebles y textiles.
Desilusionado con la arquitectura,
dedicó todo su tiempo a la acuarela.
Charles Rennie Mackintosh

Escuela de Arte Glasgow
1896 - 1909
Glasgow, Escocia

Escuela de Arte Glasgow
1896 - 1909
Glasgow, Escocia
Una de las primeras escuelas
promovidas por el gobierno y enfocadas
a la creatividad y el diseño para apoyar
la industria del país.
Se crean numerosas aberturas, tanto en
fachada como en cubierta, del mayor
tamaño posible para maximizar la
entrada de luz natural. También por este
motivo se ubican las aulas principales de
la escuela en la planta superior, mientras
que los espacios que no necesitan tanta
iluminación son relegados a las plantas
inferiores.

Mansión Hill House
1902-1904
Helensburgh, Escocia

(1868–1955)
Diseñador, artista y profesor. Mostraba
gran interés en el contenido simbólico, a
menudo derivado de fuentes literarias y
posiblemente de sus propios escritos.
McNair y las Macdonald colaboraron en
diseños audaces e innovadores,
especialmente para carteles.
Produjo una amplia gama de trabajos en
vidrio, metalistería, muebles y joyería, así
como acuarelas, pasteles y gráficos.
Al tiempo de trabajar juntos se casa con
Frances Macdonald
Herbert Mcnair

James Herbert McNair, La
fuente , c. 1893, lápiz y acuarela
JH McNair y Frances McNair, Dormitorio, 54 Oxford Street, Liverpool, 'Arquitectura doméstica
británica moderna', Estudio , Número especial de verano, 1901, 'Arquitectura doméstica
británica moderna', Estudio, Número especial de verano, 1901, pág. 116

(1864–1933) (1873-
1921)
Artistas y diseñadoras notable de paneles de yeso, pinturas, trabajos en
metal, mobiliario, diseños gráficos, etc.
Margaret y su hermana Frances eran estudiantes de día en la Escuela de Arte
de Glasgow, donde conocieron a Charles Rennie Mackintosh y James
Herbert MacNair.
Margaret y Frances Macdonald
La asociación entre ellas en la década de
1890 produjo trabajos en metal, gráficos y
una serie de ilustraciones para libros. Las
hermanas trabajaron juntas hasta el
matrimonio de Frances con James Herbert
MacNair en 1899. El 22 de agosto de 1900,
Margaret Macdonald se casó con Charles
Rennie Mackintosh.

Panel de verano de Margaret Macdonald
Primavera de Frances Macdonald

SEGUNDA UNIDAD:
Europeos
TEMA: Liberty Style (Italia)

Liberty Style
Lleva el nombre de los grandes almacenes
Liberty & Co., fundados por Arthur Lazenby
Liberty. El nombre Liberty se convirtió en
sinónimo de diseño avanzado e influyó en la
difusión del estilo Art Nouveau en toda Europa
incluyendo el hecho de que Liberty abrió una
tienda en París en 1889 que ayudó a difundir.
Italia (1890-1910)

Liberty Style
Hasta 1861 el territorio italiano estaba troceado en una
docena de pequeños estados y ducados, algunos de ellos
dominados por dinastías que ni siquiera eran nativas de la
zona —entre ellos los Borbones—. Esta anacronía feudal
quedó suprimida por el proceso de unificación del país,
que se extendió a lo largo de buena parte del siglo XIX con
numerosos conflictos bélicos y culminó con la creación
del Reino de Italia y la posterior conquista de Roma.
Contexto Social

Liberty Style
La revolución histórica determinó que en la Italia de
comienzos del siglo XX se produjera un empuje de la
creatividad y las artes. La exposición Dolce vita? Du
Liberty au design italien: 1900-1940 (¿Dulce vida: del
Liberty al diseño italiano), el Museo d'Orsay de París hasta
el 13 de septiembre, propone un recorrido por el agitado
ambiente de las artes decorativas en el país, que
experimentaron una ebullición sin precedentes y se
embarcaron, con matices nacionales, en la renovación del
art nouveau que conquistaba a toda Europa.
Contexto Social

● Se manifestó principalmente en la pintura, las artes
gráficas y el artesanado
● Protesta contra el empalago, los perifollos, el excesivo
decorativismo
● Exaltación de la naturaleza
● El movimiento en Italia estuvo profundamente
influenciado por la unificación del país. Hubo una
sensación de renovación y transformación provocada
por el nuevo escenario político, económico y social.

(1843-1917)
Comerciante y empresario, Liberty
comenzó importando artefactos persas,
chinos, indios y japoneses para llenar su
tienda. A fines de 1870, comenzó a
encargar trabajos a los principales
diseñadores de Artes y Oficios y finalmente
almacenó una amplia gama de trabajos en
metal, vidrio, joyas, muebles y ropa. Desde
1894 produjo su propia gama de plata de
estilo Art Nouveau, llamada 'Cymric', y
desde 1903, peltre, llamada 'Tudric'.
decorada con ornamentos de estilo celta y
adornada con paneles de esmalte.
Arthur Lasenby Liberty

Muchos artistas, especialmente las personalidades más
destacadas, tenían una fama pésima. Los testimonios
arquitectónicos no son numerosos: a consecuencia de ello el
período de florecimiento fue breve.
Es verdad que existían también muchas fachadas de estilo Liberty,
pero las pocas que han quedado han sido dañadas por retoques y
renovaciones.

Casa Fenoglio-Lafleur
Pietro Fenoglio (Torino, Italia)

Una de las más originales, fue demolida en el año 1936
por los organizadores de las edificaciones hitlerianas.
Estudio fotográfico
Elvira (1898), de Munich

Ruggeri House
Giuseppe Brega (Pesaro, Italia)

I Villini delle Fate
Gino Coppede (Roma, Italia)

SEGUNDA UNIDAD:
Europeos
TEMA: Art Deco (Francia y EUA)

Nace en París, Francia, pero se
extiende internacionalmente, tomando
gran auge en Estados Unidos.
Se desarrolla en los años: 1920-1939
(entre ambas guerras mundiales)
Parte de Las vanguardias del Siglo XX
ART DÉCO
Art: arte
Déco: abreviatura de decoración

Todo lo tocó, influyendo en la cultura de
su tiempo y guiando la estética en
nuevas y revolucionarias direcciones. El
diseño industrial, la tipografía, la
publicidad o la moda no serían iguales
sin este movimiento.
Se juntan muchos estilos y movimientos
vanguardistas para crear un estilo de la
«edad de la máquina», menos orgánico
que el Art Nouveau, por lo que ahora las
líneas son rectas y gusta la simetría.
Art Déco

Este marcado eclecticismo (porque de eso se trata el Art Decó)
es fiel a su época de grandes cambios tecnológicos, políticos y
sociales. Es burgués (casi puramente decorativo) y nos habla del
progreso, la elegancia, lo opulento, lo exagerado, casi como una
reacción contra la austeridad forzada a causa de la Primera
Guerra Mundial.
Evidentemente entró en decadencia con la II Guerra (si es que
alguna vez no fue un arte decadente), pero aún hoy se hacen
cosas de ese estilo, que nunca dejó de existir desde entonces.
Art Déco

En la arquitectura, podía advertirse su
llegada a través de la Sezession de
Viena (parte de las vanguardias del Siglo
XX).
Alcanza gran reconocimiento en la
Exposición Internacional de artes
decorativas e industriales modernas de
1925, en París.
Posteriormente, Hollywood adopta el
estilo como estandarte en sus
producciones, por su elegancia y aire
de glamur.
A n t e c e d e n t e s

Al igual que el art nouveau:
● Retoma elementos de la
naturaleza, de manera abstracta.
● Es un estilo unitario : carteles,
textiles, muebles, arquitectura.
● Comparten metas como:
romper con las tendencias
romanticistas y crear ideas de
vanguardia, acorde a la época.

Se basa en la decoración sobre la
funcionalidad.
Se caracteriza por sus formas
geométricas, imperando el cubo, la esfera,
las líneas rectas y en zig-zag.
Involucra nuevos materiales, considerados
lujosos, como: cobre, huesos, pieles,
incluso plástico.
Art Nouveau
Culturas prehistóricas
Vanguardias figurativas (pintura:
cubismo)
I N F L U E N C I A S

Participante de la Exposición
Internacional de artes decorativas e
industriales modernas de 1925, en
París; por lo que se le considera uno
de los iniciadores formales del
movimiento.
Maurice Dufrene

Maurice Dufrene
Silla diseñada por Maurice en 1927

Al igual que Dufrene, participó en la
exposición que dio inicio al art déco.
Sus diseños se especializan en muebles.
André Groult

El nuevo siglo trajo consigo aperturas
tanto en el arte como en las libertades
de género. Un ejemplo de ello es la
pintora de origen polaco:
Tamara de Lempicka

Influye en las escenografías,
vestuarios y otros diseños de
Hollywood.
Dentro de las Vanguardias:
Corriente geométrica
The kiss (película)
Jacques Feyder, 1929
ESTADOS UNIDOS
Art decó [1920-1939]

ESTADOS UNIDOS
Art decó [1920-1939]

Nueva York, 1928 William Van Allen
Chrysler building

Chrysler building
En los años 20, tras la Primera Guerra Mundial, se produjo una gran
expansión de la economía en Europa y Estados Unidos que estuvo
acompañada de la necesidad de nuevos edificios.
El señor Chrysler encargó al arquitecto William Van Alen que el
edificio se convirtiera en un monumento a su próspera empresa y,
supuestamente, que fuera el edificio más alto construido hasta la
fecha, sobrepasando al que estaban construyendo en ese mismo
momento el Edificio del Banco de Manhattan, posteriormente Trump
Building, en el 40 Wall Street y que pretendía ese título.

Chrysler building
El arquitecto agregó una aguja metálica de
56.39m, en la parte superior de la torre, cuyas
secciones fueron transportadas en secreto y
montadas rápidamente en una tarde
alcanzando los 319.5 m y sobrepasando los
280.72m del edificio bancario. Sólo unos meses
después se inauguró el Edificio Empire State
que le superó en altura, 443.5 m.

Nueva York, 1931 William F. Lamb
Empire State Building

Nueva York, 1931 William F. Lamb
Empire State Building
El edificio nace de un pique entre los empresarios Walter Chrysler,
propietario de Chrysler y John Jakob Raskob, ejecutivo de la
General Motors Company por levantar el edificio más alto del
mundo.
Raskob logró su objetivo superando en 100 metros a su competidor
de Chrysler.
El arquitecto diseñó el edificio inspirándose en la forma de un lápiz y
en las palabras del promotor Raskob: “Hágalo tan alto como sea
posible sin que se caiga”.

Nueva York, 1939 Raymond Hood
Rockefeller Center

Nueva York, 1939 Raymond Hood
Rockefeller Center
El Rockefeller Center se desarrolló en
plena expansión del Art Déco, lo que
queda claramente reflejado en multitud
de detalles y elementos decorativos del
complejo arquitectónico. Estos motivos
Art Déco del Rockefeller Center
presentan formas geométricas bien
definidas y a menudo contrastadas en
color. Abundan también los detalles en
dorado, que ayudan a dar luminosidad a
cada pieza.
La Poesía, la Belleza y la Elegancia (1934) relieves dorados
de una de las puertas

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