1. ARTE DE ACCIÓN: HAPPENINGS, FLUXUS Y EL ACCIONISMO
Happenings: acción en el espacio
Los objetos se convierten en un elemento constitutivo de la acción. La escenificación
se extiende a una acción, con objetos de la realidad, que es proclamada un
acontecimiento artístico.
• Ampliar lo estético a nuevos elementos que puedan encontrarse en la calle, en las
plazas, en nuestro medio cotidiano.
• Responde a la intención de apropiar directamente la vida a través de una acción.
• Se inscribe entre los modelos intervencionistas de apropiación y estrategia de cambio
de la realidad desde la perspectiva de una investigación del comportamiento.
• El “happening” y el arte de acción activan tanto la imaginación como la potencia
crítica de reflexión.
•Punto de intersección entre tres medios: plástico-visual, musical y teatral.

2. 1959. Galería Reuben, Nueva York. Primer “happening” de Alan Kaprow
18 happenings in 6 parts. Se trataba de elementos combinados de los
diferentes dominios del arte: construcciones de paredes, esculturas de
ruedas, música concreta, monólogo, proyecciones de diapositivas,
movimientos de baile y un cuadro realizado durante la demostración. Se
realizó en 3 espacios y 6 partes.

5. YVES KLEIN

6. Jim Dine. 1960. Car Crash Michael Kirby

7. • Influencia surrealista, sobre todo del teatro de la “crueldad” y de su investigación
de los efectos psíquicos del shock por la crueldad absurda. (A. ARTAUD)
• Afecta en primer lugar al espectador por el shock provocativo.
JOSEPH BEUYS.

8. Fluxus o el movimiento internacional contra el convencionalismo
Fluxus es un movimiento creado por George Maciunas en 1962 y que reunió a más de
medio centenar de artistas plásticos, músicos, poetas y performers bajo consignas
cercanas al dadaísmo.
Fluxus, es por tanto un movimiento alternativo y radical heredero del dadaísmo y el
surrealismo. Está formado por grandes intelectuales que se afanan en buscar la parte
irracional, no convencional de la creación artística.
Como indica su nombre "fluxus" - flujo, en latín - era un continuo dejar correr en
libertad ideas y obras.
Ideas de un grupo de amigos que se reunían para desarrollar proyectos concretos en
Estados Unidos, Alemania, Japón, Francia, Holanda, Suecia, Dinamarca...

9. George Maciunas, fundador de Fluxus escribió para explicar el fin perseguido por su
grupo:
"Fluxus purga el mundo de la locura burguesa, de la cultura intelectual, profesional y
comercializada. Purga el mundo del arte muerto, de imitación, del arte artificial..."
Fluxus nació, en un principio, como una revista de arte, en la ciudad alemana de
Wiesbaden en 1961 con el Festival Festum Fluxorum y con una serie de conciertos
en Nueva York.
Fluxus fue el grupo artístico más abierto e internacionalista, también el más
feminista de cualquier otra vanguardia, desde el dadaísmo y el constructivismo ruso.
Su desarrollo fue paralelo al pop art y al minimalismo en Estados Unidos.
George Maciunas apoyó el nombre del grupo, fluxus (flujo), en la definición de Henri
Bergson para argumentar que nuestra experiencia del mundo no se da momento a
momento, sino en un flujo imparable, como cuando escuchamos música.

10. Gutai fue un grupo de artistas japoneses que realizaban arte de acción o happenings.
Nació en 1955 en el entorno de la región de Kansai (Kyoto, Osaka, Kobe). Sus
principales miembros fueron Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto,
Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama y Atsuko Tanaka.
El grupo Gutai nace de la terrible experiencia de la Segunda Guerra Mundial. Rechazan
el consumismo capitalista, realizando acciones irónicas, con un sentimiento de
crispación, con una agresividad latente (ruptura de objetos, acciones con humo).
Influenciarán a grupos como Fluxus y artistas como Joseph Beuys y Wolf Vostell.
El iniciador del grupo fue Jirō Yoshihara, que en 1955 realiza una acción sobre una cuba
de gasolina de la guerra, sobre la que aparece en un barco hinchable; aunque hay un
planteamiento global, el artista no da explicaciones, dando libertad a la interpretación
del espectador.

12. Accionismo vienés.
El término Accionismo Vienés (Wiener Aktionismus) comprende un corto y
polémico movimiento artístico del siglo XX. Se trata de uno de los aportes más
inquietantes y radicales del arte austriaco de vanguardia, y puede entenderse
como una de las consecuencias de los esfuerzos que los artistas de la década de
1960 llevaban a cabo para llevar el arte al terreno de la acción.
Entre sus principales representantes se encuentran Günter Brus, Otto Mühl,
Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler, que desarrollaron la mayor parte de
sus actividades accionistas desde 1960 a 1971.

13. Hermann Nitsch (1938- )es un artista (pintor, escritor y compositor) austriaco asociado al
accionismo vienés
Teatro de Orgías y Misterios, una especie de proyecto en el que las ideas de Nitsch se
fundían para dar lugar a “acciones” colectivas donde se exploraban de manera profunda y
fiel las raíces y la fuerza del ritualismo antiguo, lo que ocasionaba que a veces se llevasen
a cabo sacrificios a animales. Esto provocó el rechazo abierto de diversos grupos
ecologistas, protestas que sin embargo, no modificaron la actitud de Nitsch, que
desarrolló 100 actuaciones entre los años 1962 y 1998. Especialmente excepcional es la
acción número 100 (1998), llevada a cabo durante seis días (sin pausas) y realizada en un
antiguo castillo barroco situado al noroeste de Austria.

14. PERFORMANCE
Las raíces de la performance se encuentran en los acontecimientos teatrales
representados por los dadaístas y los surrealistas en la década de 1920.
En las de 1960 y 1970 se asociaba a protestas políticas en forma de happenings.
La performance se diferencia del teatro porque no depende de la narración, si no que
busca animar al público a cuestionar su concepto de la vida, la política y las relaciones
sociales y psicológicas.
No debemos olvidarnos de la complejidad de comprensión que tiene este tipo de
arte, ya que son protestas, cuestiones que se plantea el artista y no son siempre
fáciles de comprender.

15. En esta performance, YOKO ONO
permanecía arrodillada en el
escenario e invitaba a los
miembros del público a
aproximarse y rasgarle la ropa con
unas tijeras, hasta que ésta se le
cayera por sí sola. Desafiando la
neutralidad de la relación entre el
espectador y el objeto de arte.
Ono presentaba una situación en la que el espectador participaba en el acto
potencialemente agresivo de dejar al descubierto el cuerpo femenino, el cual se ha
utilizado a lo largo de la historia como tema artístico “neutro” y anónimo. Realzando el
modo recíproco en el que los espectadores y los temas se convierten en objetos del
otro. Cut Piece demostraba cómo la mirada inconsciente tiene el potencial de dañar e
incluso destruir el objeto sobre el que se posa. “Los espectadores fueron recortando
las partes de mí que no les gustaban. Al final sólo quedaba yo, firme como una piedra,
pero ni siquiera eso les satisfacía: querían saber qué había en esa piedra” – Yoko Ono,
comentario de la artista, 1971.

16. Una de las obras más conocidas de REBECCA HORN es Pencil Mask es otra pieza de
extensión corporal, hecha de seis correas horizontales y tres correas verticales.
Donde en las correas se ha unido un lápiz. Cuando se mueve el rostro hacia delante
y hacia atrás cerca de una pared el lápiz hace marcas que se corresponden
directamente con sus movimientos. Estas correas son casi idénticas a las lucidas en
el cuadro de Frida Kahlo titulada Columna rota. La imagen, con el trigo flotando
alrededor de las caderas de la mujer, es simultáneamente mítica y moderna.

17. • La estructura abierta, indeterminada y espacio – temporal denuncia su inadecuación
al marco clásico de las instituciones culturales, galería o museo.
• El happening o la performance ha sido otro de los intentos de romper con la
mercantilización del producto artístico aislado
• El happening o la performance se ofrece como un estímulo, no fija definitivamente el
curso de una vivencia, sino que provoca una intensificación de la atención y la
capacidad consciente de la experiencia, suscita una irritación y provocación de las
costumbres convencionales de la experiencia perceptiva y creativa.
• La ampliación de la percepción y sus implicaciones están muy ligadas a la concepción
del papel del espectador.
•Fusión arte y vida, fluidez de sus fronteras e incluso la desaparición de sus diferencias.

18. Las experiencias europeas y latinoamericanas, se han preocupado por instaurar una
autoactividad que haga visible el contexto político y social en sus determinantes y
posibilidades de cambio.
LYGIA CLARK
La artista ofrece al
espectador una serie de
sencillas instrucciones para
que éste vaya
construyendo la obra.
Instrucciones que pueden
venir por escrito o con la
interacción dentro de un
grupo que puede estar en
cualquier lugar, lo que va a
generar un intercambia
recíproco, una suerte de
retroalimentación que
incidirá en el
enriquecimiento del
intercambio.

19. Clark pensaba que por medio de este mecanismo, las personas que decidieran
intervenir, podrían llegar a reinventarse a sí mismas. Así, crea los que llamó Objetos
relacionales, que consistían en bolsas, de plástico o de tela, que contenían aire,
agua, arena o cualquier otro elemento, además de objetos diversos, para que los
“pacientes” que se sometían a tan peculiar terapia, empezaran una suerte de ritual
iniciático que les llevará a profundizar en los aspectos de su personalidad o en
experiencias del pasado.

20. ERNESTO NETO

22. ANA MENDIETA conecta la naturaleza con la humanidad, relaciona lo humano con la
naturaleza, de tal manera que casi camufla su cuerpo, como se puede apreciar en su
colección Silueta Series. Podemos pensar que incluso asocia la imagen de la naturaleza
a lo femenino.

23. El Di Tella
En sus inicios incluía una excelente colección de Torcuato Di Tella.
El incentivo a las artes visuales fue constante. Su Centro de Artes Visuales (CAV)
instituyó premios nacionales e internacionales y becas en el exterior, se constituyó en
la "institución modernizadora" del arte argentino. Fue dirigido por Jorge Romero
Brest, organizando numerosas exposiciones de géneros tradicionales como escultura
y pintura, fotografías, diseño arquitectónico, y estimulando fundamentalmente la
experimentación con nuevos materiales y propuestas hacia el público.
Se destacaron autores (principalmente escultores) como Rubén Fontana, Rómulo
Maccio, Gyula Kosice, Julio Le Parc, Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega, Ernesto
Deira, Juan Carlos Distéfano, Antonio Seguí, Edgardo Giménez, Silvia Torras, Ary
Brizzi, Clorindo Testa, Dalila Puzzovio, Delia Cancela, Federico Peralta Ramos y Marta
Minujín creadora junto a Brest, Rubén Santantonín, David Lamelas, Leopoldo
Maler, Pablo Suárez y Rodolfo Prayón de La Menesunda, una hoy mítica instalación
conceptual en dieciseis ambientes que debían ser recorridos por grupo de ocho
personas
Desde 1960 tuvo como fotógrafo a Humberto Luis Rivas Ribeiro y en ese ámbito se
destacó Oscar Bony. Las "Experiencias" realizadas en 1967 y 1968 reunieron a los
artistas jóvenes que buscaban superar la concepción objetual de las obras de arte, en
búsqueda de experiencias que involucraban el cuerpo y el diseño del espacio-tiempo
mediante instalaciones, performance, happenings, etc.

24. El Instituto Di Tella fue cerrado en 1970, pero su fin se inició con la clausura de una obra
de las experiencias de 1968, "Baños", de Roberto Plate, por parte del gobierno de facto de
Onganía. La obra, que consistía en la instalación en la sala de una simulación de baños
públicos, invitaba a los asistentes a escribir las paredes tal como es práctica común en los
baños públicos. Una de las inscripciones resultó ofensiva a un alto funcionario militar y
desencadenó la clausura de esa obra, que luego fue acompañada por el retiro voluntario
del resto de las obras en protesta por la censura.

25. El Instituto Di Tella es un centro de investigación cultural sin fines de lucro de la Argentina.
Fue fundado el 22 de julio de 1958 por la Fundación Di Tella, en homenaje al ingeniero
italo-argentino Torcuato Di Tella. Conoció su mayor auge entre 1965-1970 cuando era el
"templo de las vanguardias artísticas", fue duramente combatido por el gobierno de facto
de Juan Carlos Onganía que lo clausuró en 1970.
Fue un semillero de talentos y sus ex integrantes son conocidos como la "Generación del Di
Tella".

26. Partenón de libros, 1983, Avda 9 de julio y Avda. Sta. Fe
“Terminando la dictadura militar muchos libros habían
sido escondidos en los sótanos de las editoriales. A mí
seme ocurrió festejar la democracia con un Partenón de
los libros prohibidos. En ese momento, para la asunción
de Alfonsín venían invitados presidentes, intelectuales de
todas partes del mundo. El Partenón es un símbolo de
Grecia donde nació la democracia. Conseguí auspicios,
para hacerlo porque la gente estaba entusiasmada,
alborozada por el retorno a la democracia. La Secretaría
de Cultura-en ese momento estaba Pacho O’Donnell
autorizó el proyecto y me ayudó con los carteles de
publicidad en vía pública.
Tardé 17 días en construirlo. Era de las mismas
dimensiones que el Partenón real. De los 30.00 libros
prohibidos que contenía, 9.000 se donaron a bibliotecas
municipales y el resto se los llevó la gente”.