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ART NOUVEAU
Reivindicación de las artes decorativas

Guzmán Valido Rodríguez
2º de Cerámica Artística

Escuela de Arte y Superior de Diseño Gran Canaria
Índice
c
G

Introducción al Art Nouveau

X Artes Gráficas

2⌘5
5

d
i

La pintura modernista

6

Escultura

6

H

Arquitectura

7⌘9

f Joyería y Vidrio

Z
Y
M
e

j

10

La Cerámica

11⌘12

Ceramistas destacados

12⌘21

Otros ceramistas reseñables

22⌘26

Libros recomendables

27

Webgrafía

28

1
Introducción al Art Nouveau
G
Fue un movimiento muy influyente, pero relativamente de
corta vida y ya empezaba a declinar una década más
tarde. Este movimiento partiendo de una colectiva de
diversos artistas visuales, diseñadores y arquitectos de
Europa tenían como objetivo la creación de estilos de
diseño más apropiados para la edad moderna, y se
caracterizaba por un diseño orgánico, la naturaleza era una
de las inspiraciones clásicas del Art Nouveau, y se trataba
de diferentes maneras. Insectos como las libélulas y
mariposas, crustáceos, reptiles, peces, orquídeas, lirios,
amapolas, tulipanes y otros ejemplos exóticos de flora y
fauna, el fluir líneas-formas que se asemejaba a los tallos y
flores de plantas, así como las formas geométricas como
cuadrados y rectángulos, empezaron a aparecer en las
piezas de cristalería, cerámica, interiores y libros e
ilustraciones. La pasión por todo lo japonés era otra de las
modas de la época. La llegada de Art Nouveau se remonta
a dos influencias distintas: la primera fue la introducción,
en 1880, del movimiento Art and Craft, liderado por el
diseñador Inglés William Morris. Este movimiento, al igual
que Art Nouveau, fue una reacción en contra de los diseños
desordenados y las composiciones de las artes decorativas
de la época victoriana. La segunda fue la moda actual del
arte japonés, especialmente impresiones por planchas de
madera, que se extendió gracias a muchos artistas
europeos entre los años 1880 y 90, artistas de la talla
de Gustav Klimt , Emile Galle y James Abbott McNeill
Whistler .Las impresiones de planchas de madera
japonesas contenían formas florales y bulbosas, y curvas de
"latigazo cervical".

Es difícil precisar la primera obra de arte que puso en
marcha oficialmente Art Nouveau. Algunos argumentan
que las líneas estampadas y fondos florales que se
encuentran en las pinturas de Vincent van Gogh y Paul
Gauguin representan el nacimiento de Art Nouveau, o tal
vez incluso las litografías decorativas de Henri de
Toulouse-Lautrec, como La Goule en el Moulin
Rouge (1891 ). Pero el punto más cercano a los orígenes,
está en las artes decorativas, y en particular en la cubierta
de un libro del arquitecto Inglés y diseñador Arthur
Heygate Mackmurdo, de 1883, el volumen Iglesias Ciudad

2

Utagawa Hiroshige
"Horikiri Iris, quinto mes".
De la serie Las cien vistas
más famosas de Edo.
Xilografía a color 1857.

.
Portada de El Japón Artístico,
1899. Una amapola para mi
jardín ilustrado.

Portada Iglesias de Wren,
por: Arthur Heygate
Mackmurdo
de Wren. El diseño representa tallos serpenteantes de flores
de coalescencia en uno solo, un tallo en forma de latigazo
grande en la parte inferior de la página, recuerda
claramente al estilo japonés en las impresiones de planchas
de madera.
Aunque el art Nouveau se ha convertido en el nombre más
utilizado para el movimiento, su gran popularidad en toda
Europa occidental y central significa que pasó por varios
nombres diferentes. El más conocido de ellos
fue Jugendstil (estilo de la Juventud), en los países de habla
alemana. Mientras tanto, en Viena, el hogar de Gustav
Klimt , Otto Wagner , Josef Hoffmann y los demás
fundadores de la Secesión de Viena, era conocido
como Sezessionsstil (Secession Style). También se conoce
como Modernismo en España y stile libertad en Italia
(después de Arthur Libertad, tienda de telas en Londres,
que ayudó a popularizar el estilo). También pasó por
algunos de los nombres más despectivos: Estilo
nouille (estilo fideos) en Francia, Paling Stijl (el estilo
anguila) en Bélgica y Bandwurmstil (estilo tenia) en
Alemania, todo lo cual hace referencia lúdica a la tendencia
del Art Nouveau a emplear sinuosa y líneas fluidas.
El Art Nouveau en el siglo XIX debe ser explicado en
parte por el uso de formas populares y fácilmente
reproducibles. En Alemania,Jugendstil, artistas como Peter
Behrens y Hermann Obrist, entre muchos otros, tienen su
trabajo impreso en las portadas de libros y catálogos de
exposiciones, anuncios en revistas y playbills. Pero esta
tendencia no se limita solo a Alemania. El Inglés
ilustrador Aubrey Beardsley, tal vez la figura de estilo Art
Nouveau más controvertida debido a una serie de carteles
creadas durante su corta carrera en los que empleaba un
estilo combinado por líneas elegantes e ilustraciones, entre
lo erótico y lo macabro. Impresiones altamente decorativos
de Beardsley, como la falda del pavo (1894), representan el
vínculo más directo que podemos identificar entre Art
Nouveau y japonismo.

“El Beso” Peter Behrens.

Diseño textil de Hermann
Obrist.

La recompensa de la bailarina
(ilustración para la Salomé de
Oscar Wilde), de Aubrey
Beardsley.

Las características que en general permiten reconocer al
modernismo o Art Nouveau son:
Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos
de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las
formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el
motivo central.

3

Ilustración de Aubrey
Beardsley “Falda de Pavo”
Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y
alzados de los edificios como en la decoración.
Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos
frecuente su representación estrictamente realista.
Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y
gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en
los cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado).
Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los
sentidos, llegando hasta el erotismo en algunos casos.

La Maison moderne

Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de
pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como
por ejemplo el uso de estampas japonesas.
Aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las
características anteriormente mencionadas en
contraposición con las características habituales del
elemento a decorar. El elemento destacado de tipo orgánico
envuelve o se une con el elemento que decora.

Friso de Beethoven, de Klimt.

Se puede afirmar que el concepto de diseño nació con en el
Art Nouveau, ya que fue un movimiento extrapolado a
todas las artes conocidas.
Las exposiciones eran escaparates fundamentales para el
Art Nouveau, especialmente en el mundo de las
exposiciones universales –según palabras de Gustave
Flaubert, “una forma de locura del siglo XIX”. Empezaron
a surgir colonias de artistas en Europa, inspiradas en el
movimiento Arts & Crafts. Las organizaciones que
proporcionaban un centro para artistas y diseñadores
incluían el Wiener Werkstätte (desde 1903) austríaco,
dirigido por Joseph Hoffman y Koloman Moser y el
Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk de Múnich
(desde 1897), en el que trabajaban Hermann Obrist,
Richard Riemerschmid, Bruno Paul y Peter Behrens.
Diferentes firmas contrataban a diseñadores de arquitectura
para dotar de un espíritu moderno a los conjuntos diarios.

La Exposición Universal de París marcó el apogeo del Art
Nouveau y elevó a Francia como centro del movimiento.
Millones de visitantes y miles de expositores acudieron a la
feria, que se celebró entre el 15 de abril y el 12 de
noviembre de 1900. Siegfried Bing, que dirigía la galería
Maison de L’Art Nouveau, exponía interiores de Édouard
Colonna, Georges de Feure y Eugène Gaillard. Loie Fuller

4

Cartel publicitario para Le
chat noir, de Steinlein.

Grand Palais

Cartel exposición de 1902
Turín
se prodigaba en su propio pabellón, diseñado por el
arquitecto francés Henri Suavage. Los visitantes utilizaban
para llegar el Metro de París, cuyas entradas habían sido
diseñadas por Hector Guimard, mientras que el curvilíneo
Pabellón Azul era obra del arquitecto belga Gustave
Serrurier-Bovy. Para la exposición de 1902 de Turín,
Raimondo D’Aronco integró la Secession y elementos
decorativos occidentales y bizantinos al pabellón principal.
El estilo pasó de moda después de que se dio paso al Art
Deco de los años 1920, pero experimentó un renacimiento
popular en la década de 1960, y ahora es visto como un
precursor importante del modernismo.

Artes gráficas

Cartel de Sarah Bernhardt en
Gismonda, de Alfons Mucha.

X
El modernismo se extendió de manera muy profusa en las
artes gráficas, tanto en la ilustración de libros y revistas
(incluyendo la encuadernación, las cubiertas y los ex-libris)
como en el cartelismo (carteles, pósters o affiches
publicitarios) y todo tipo de soportes: postales, paneles
decorativos, papel pintado, estampados textiles, etc.; así
como en el diseño de tipos de imprenta.
Muy influyente e imitado fue el checo Alfons Mucha. La
aceptación de sus diseños, hechos con exquisita delicadeza
y que incluían en su gran mayoría la figura femenina como
motivo central le ganó trabajos a nivel internacional,
produciendo también la clave ganadora de un estilo artístico
comercial a imitar por los ilustradores de la época.

Cartel de Alfons Mucha.

Pese a su corta vida, Aubrey Beardsley destacó como uno
de los más originales exponentes del modernismo gráfico,
con ilustraciones en blanco y negro de un estilo
personalísimo a la vez que controvertido por lo irreverente
de sus temas.

Aubrey Beadsley. El espejo
del amor.

5
La Pintura modernista
d
En contraposición tanto al academicismo como al
impresionismo, se abandonan los temas cotidianos por los
contenidos simbólicos y conceptuales (un movimiento
simultáneo, postimpresionista, se denomina simbolismo),
entre los que destaca la mujer, con un tratamiento erótico
que llega hasta la perversión (un movimiento simultáneo,
muy relacionado, se denomina decadentismo -Félicien Rops,
Gustave Moreau, Odilon Redon-). Técnicamente se insiste
en la pureza de la línea (lo que le da un carácter
bidimensional) y la expresividad del dibujo (se ha
considerado precedente del expresionismo posterior), ambas
cosas ya presentes en autores postimpresionistas,
especialmente en Toulouse-Lautrec. Las formas orgánicas,
especialmente vegetales curvilíneos y espirales (flores, hojas,
tallos retorcidos), que rellenan todo el espacio (horror vacui,
a veces llegando a la teselación) ya presentes en movimientos
ingleses anteriores (prerrafaelismo y arts and crafts), se
convierten en un leit motiv paralelo a las formas decorativas
de las artes gráficas, con las que están estrechamente
identificadas, así como con el cartelismo y la reproducción
litográfica. Los formatos preferidos son los alargados y
apaisados.

Friso de Beethoven, de Klimt

Palas Atenea, de Franz von
Stuck.

Escultura
i
La escultura modernista o Art Nouveau tuvo como tema
central la figura femenina en distintas actitudes.
Más allá de la sucesión cronológica entre Art Nouveau y art
decó (antes y después de 1920) no hay una nítida separación
estilística entre los desarrollos escultóricos identificables con
ambas etiquetas.27 En ambos se utilizaron una gran variedad
de materiales: el mármol para los monumentos de
envergadura y el bronce, el marfil, los metales preciosos
(muy a menudo la combinación crisoelefantina de marfil y
oro), la cerámica y el vidrio para las obras de pequeño
tamaño, muy relacionadas con la orfebrería. Entre los
principales escultores relacionados con el estilo aplicado a
esa escala menor estuvieron Ferdinand Preiss, Demetre
Chiparus, Joseph Lorenzl o Clare-Jeanne-Roberte Colinet.

6

Clare-Jeanne-Roberte
Colinet.

La diosa, de Clarà (1909)
Arquitectura
H
El modernismo es un arte burgués, muy caro, que intenta
integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. Es
una corriente esencialmente decorativa, aunque posee
soluciones arquitectónicas originales.
Este movimiento utiliza las soluciones que la revolución del
hierro y del cristal aportan a la arquitectura, aunque se sirve
de la industria para la decoración de interiores y las forjas de
las rejerías, etc. Sus formas son blandas y redondeadas,
aunque no es esto lo único característico del modernismo
sino la profusión de motivos decorativos. La influencia del
modernismo arquitectónico se deja sentir aún en la
arquitectura actual.
El modernismo arquitectónico nace en Bélgica (donde se le
dará el nombre de art nouveau) con la obra de Goh Ver
Wayans y Victor Horta. La ondulación de los tejados y
fachadas, la aplicación de materiales como el hierro forjado,
los motivos de vegetación natural y el cuidado diseño de la
decoración y de cada elemento arquitectónico y de mobiliario
del interior son características de sus obras: de Van de Velde
la casa Bloemenwerf y de Horta los kioscos y bocas de metro,
la escalera de la calle Paul-Emile Janson y el Hotel Solvay
(especialmente su característico interior de diseño muy
recargado, con lámparas, papel pintado, vidrieras, etc.), el
Hotel Tassel, la Casa del Pueblo y el Palacio de Bellas Artes;
todo ello en Bruselas, y el Gran Bazar de Fráncfort.
En España, la arquitectura modernista, muy poco presente en
Madrid, sí tuvo desarrollo en otras zonas (Cartagena y La
Unión, Alcoy, Valencia, Ávila, Zamora, Zaragoza, el Bajo
Aragón, Ceuta, Melilla, algunas de las casas de indianos de la
zona cantábrica).
En Canarias cabe destacar que se desarrolló principalmente
en Gran Canaria, el modernismo canario se caracteriza por
las influencias recibidas por los ciudadanos ingleses
residentes en las islas, adquiriendo un marco propio y
diferente, convirtiéndose en el máximo exponente del
modernismo español junto con el modernismo catalán. A
finales del XIX las Islas se hallan enfrentadas por la
capitalidad, hecho que marcará también diferencias en el
ámbito arquitectónico, diferenciándose dos tipologías de
viviendas: la unifamiliar, villa u hotel con un máximo de dos

7

Palacio Longoria, Madrid, de
José Grases.

Escalera del Hotel Tassel,
Bruselas, de Victor Horta.

Fachada principal del
Gabinete Literario en la Plaza
Cairasco, Las Palmas de
Gran Canaria.

Fachada modernista en la
Calle Mayor de Triana, Las
Palmas de Gran Canaria.
pisos en Santa Cruz de Tenerife y las plurifamiliares de tres o
cuatro plantas en Las Palmas de Gran Canaria. Gracias a los
contactos comerciales que Canarias mantiene con Inglaterra,
se implanta el refinamiento inglés y determinando el
desarrollo de elementos florales. El Eclecticismo dominará la
arquitectura desde aproximadamente 1860 hasta la Guerra
Civil. Este estilo irá asumiendo todas las novedades
arquitectónicas muchas veces bajo esquemas tradicionales.
Así tenemos que el Modernismo hará especial hincapié en la
decoración, raras veces lo hará sobre todo el conjunto del
edificio.
La Calle Mayor de Triana y la calle Perojo, ambas en Las
Palmas de Gran Canaria, son buenos ejemplos de este tipo de
arquitectura elegante que se ve, en el caso canario, acentuado
por el uso sin complejo de colores y azulejos. Uno de los
máximos exponentes del modernismo en la capital es el
palacete del Gabinete Literario, en la céntrica Alameda de
Colón, obra del arquitecto López Echegarreta. Este edificio
de finales del XIX es la mejor muestra de la boyante situación
económica que vivió la ciudad en las postrimerías del
ochocientos y las primeras décadas del siglo XX.
Los arquitectos modernistas catalanes (Rogent y Amat,
Domenech y Montaner, Puig y Cadafalch, Enric Sagnier,
Rubió y Bellver, Jujol y Gibert, Valeri y Pupurull, Muncunill
y Parellada, Víctor Beltrí) desarrollaron un lenguaje propio,
del que partió Antonio Gaudí (Reus, Cataluña 1852-1953)
para desarrollar su particular universo artístico, muy
personal.
Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la
geometría y el volumen, así como una gran capacidad
imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la
mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho,
pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería
recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos
los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras
ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando
instrucciones a sus colaboradores sobre lo que tenían que
hacer.
Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí
concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto
a las soluciones estructurales como las funcionales y
decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus
creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de
trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección:

8

Quiosco modernista en el
Parque San Telmo. Las
Palmas de Gran Canaria.

Casa Batlló, Barcelona, de
Antonio Gaudí.

Patio de la Casa Batlló.

Interior de la Casa Batlló.
cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc.
Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los
materiales, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de
cerámica de desecho.
Después de unos inicios influenciado por el arte neogótico,
así como ciertas tendencias orientalizantes, Gaudí
desembocó en el modernismo en su época de mayor
efervescencia, entre finales del siglo XIX y principios del XX.
Sin embargo, el arquitecto reusense fue más allá del
modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en
la observación de la naturaleza, fruto del cual fue su
utilización de formas geométricas regladas, como el
paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el
conoide.
La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello
personal, caracterizado por la búsqueda de nuevas soluciones
estructurales, que logró después de toda una vida dedicada al
análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su
entorno y siendo una síntesis de todas las artes y oficios.
Mediante el estudio y la práctica de nuevas y originales
soluciones, la obra de Gaudí culminará en un estilo orgánico,
inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia
aportada por estilos anteriores, generando una obra
arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la tradición y
la innovación.
La obra de Gaudí ha alcanzado con el transcurso del tiempo
una amplia difusión internacional, siendo innumerables los
estudios dedicados a su forma de entender la arquitectura.
Hoy día es admirado tanto por profesionales como por el
público en general: la Sagrada Familia es actualmente uno de
los monumentos más visitados de España.3 Entre 1984 y
2005 siete de sus obras han sido consideradas Patrimonio de
la Humanidad por la Unesco.

Sagrada Familia. Barcelona.
Antonio Gaudí.

Sagrada Familia. Interior

Reja de entrada a la finca
Gúell. Barcelona. Antonio
Gaudí.

El Dragón. Parque Gúell

“La belleza es el resplandor de la
verdad, y como que el arte es belleza,
sin verdad no hay arte”. Antonio Gaudí.
Vista desde el Parque Gúell,

9
Joyería y Vidrio
f
El arte de la joyería se vio revitalizado por el modernismo,
teniendo a la naturaleza como la principal fuente de
inspiración. Complementaron esta renovación los nuevos
niveles de virtuosismo alcanzados en el esmaltado y los
nuevos materiales como ópalos y otras piedras semipreciosas.
El interés generalizado en el arte japonés y el entusiasmo
especializado en las habilidades de metalistería, fomentaron
nuevas aproximaciones y temas de ornamentación. En los
dos siglos previos, el énfasis en la joyería fina se había
centrado en las gemas, particularmente en los diamantes por
lo que la preocupación principal de joyero consistía en
proveer un marco adecuado para su lucimiento. Con el
modernismo surgió un nuevo tipo de joyería, motivada y
encausada hacia el diseño artístico antes que en el mero
despliegue de las gemas.
Los joyeros de París y Bruselas fueron los que principalmente
definieron el modernismo en la joyería y es en esas ciudades
donde el estilo ganó el mejor renombre. Los críticos franceses
contemporáneos eran unánimes al reconocer que la joyería
estaba atravesando una transformación radical y que el
diseñador, joyero y vidriero René Lalique estaba en su
centro. Lalique glorificó a la naturaleza en la joyería,
extendiendo su repertorio para incluir aspectos nuevos no tan
convencionales –como libélulas y hierbas- inspirados en sus
encuentros con el arte japonés.

Joya de René Lalique.

Louis Comfort Tiffany.
Colgante.

Broche de René Lalique.

Los joyeros estaban deseosos de establecer este nuevo estilo
como una tradición distinguida y para ello buscaron
inspiración en el renacimiento para sus joyas de oro
esmaltado y esculpido, aceptando además el estatus del
joyero como artista más que como artesano. En la mayoría
de los trabajos esmaltados las gemas cedieron su primacía. A
los diamantes se les daba un papel subsidiario en
combinación con materiales menos familiares como el vidrio
moldeado, el marfil y cuerno animal.
Vaso de vidrio y orfebrería.
Pewter Mounts

10
La Cerámica

Z
Nuevas ideas, relacionadas con el renovado contacto con el
arte japonés, y desarrollándose partiendo de él, impulsaron el
nuevo estilo. La loza japonesa fue quizá la única gran
influencia sobre las vasijas hechas en los últimos 25 años del
siglo. El comercio con el Japón se había restablecido en 1859
y se trajeron a Europa grandes cantidades de artefactos
japoneses. En la cerámica, como en otros campos el Art
Nouveau se manifestó por una rotura con la imitación del
pasado. Se adaptaron las formas de la naturaleza en motivos
decorativos estilizados, y se desarrolló un nuevo sentido del
color, que continuó influenciando los diseños en la
manufactura de cerámica, en el siglo XX. Además de la
cerámica con motivos decorativos tanto en azulejos como en
tipografías, también se usó bastante los vidriados sobre gres y
el estilo de reflejo metálico o cerámica de lustre.
Especialmente importantes son las últimas vasijas hechas por
los hermanos Martin y las cerámicas decorativas producidas
en los departamentos de arte de las grandes factorías,
reflejándose en ellas el estilo Art Nouveau. Se desarrolló por
toda Europa pero cabe destacar a la cerámica francesa como
máximo exponente de este arte.
Los azulejos modernistas son algunos de los azulejos más
bellos y llamativos que se han hecho. En Gran Bretaña se
produjeron en gran número entre 1900 y 1914 y adornan
muchos edificios, fueron especialmente populares para su uso
en chimeneas.
Sorprendentemente desconocido para el público en
general, las fachadas de cerámica se han fundido en la
banalidad de la vida cotidiana. Sin embargo, su color
brillante, resistencia a los estragos del tiempo, la belleza de
sus diseños hacen de elementos centrales de la trama urbana,
iluminando la oscuridad.
A continuación la cerámica fue considerada como una rama
de la técnica industrial, Alexandre Bigot famosa por su
cerámica de gres flameado bajo las órdenes recibidas de
muchos arquitectos, se encuentran en las casas, por encima
de las ventanas y puertas, que tienen sus logros en muchos
edificios en París y otras ciudades de Francia.

11

Carl Sigfrid Luber. Bandeja.

Panel Doulton diseñada por
William Neatby en el Royal
Arcade, Norwich, 1898-1899

Azulejo hecho por J & W.
Wade & Co. c. 1901

Alexandre Bigot. Azulejos en
bajo relieve.

Alexandre Bigot. Azulejo.
El mosaico se utiliza con frecuencia y algunas importantes
obras legadas por los artistas eran originalmente un
renacimiento del mosaico en Europa Occidental.
Este es el caso sobre todo en el pavimento de las entradas de
las casas diseñadas por Victor Horta y Hector Guimard,
bancos o techos de Parque Güell diseñado por Gaudí.

Ceramistas destacados
Jarrón “Diamantes” 1902.
Loza. Manufactura Arabia

Y
Manufactura Arabia. Finlandia
Fundada como una subsidiaria de la empresa de cerámica
sueca, Rörstrand, Arabia comenzó con la fabricación de
porcelana y loza tradicional, en gran parte para la
exportación. Antes de 1900, con el fin de crear un estilo
finlandés reconocible, la empresa encargó a los arquitectos
más importantes, incluyendo a Eliel Saarinen, para que
contribuyese con sus diseños. El resultado fue la gama con
unos patrones de origen ugrofinés. Los técnicos utilizaron
grabados en cobre para crear los esquemas, y los artistas que
los rellenaban a mano.

Detalle del jarrón.

“Diamantes”
Este jarrón colorido, cuya forma parece revertir y modificar
la forma tradicional de una lámpara de mezquita, es parte de
la gama "Fennia" de Arabia, el cual fue producido desde
1902 hasta la década de 1920. Su forma y la decoración son
una expresión de la búsqueda de un lenguaje nacional de
arte, un motivo común a los países más occidentales de la
vuelta del siglo 20. El esquema de colores está dominado por
el rojo ladrillo, con áreas de color verde pálido, melocotón y
ocres, todos los cuales están contenidos dentro de los
márgenes negros delgados. El símbolo de la esvástica no se
asoció con el antisemitismo en el momento en el que este
jarrón fue creado.

12

Florero “Geometría” 1902.
Loza. Manufactura Arabia.

Detalle del florero.
“Geometría”
Este elegante florero, en forma de botella es parte de la gama
"Fennia" de Arabia, el cual fue producido por Saudita. Un
friso de arcos agraciados rodea el cuello y establece el
esquema de colores inusuales de verde pálido, ocre y azul
marino frente al blanco opaco. Los galones llenos de celosía y
una línea de estrellas de ocho puntas llevan a cabo la
combinación de colores sin parecer redundante. El espacio

Taupe spin charger. Plato.de
gres. Auguste Delaherche.
1895.

negativo blanco es un elemento importante de este diseño, lo
que demuestra la restricción por parte del diseñador que,
como modernista, deliberadamente evitó el exceso de
adorno.

Auguste Delaherche. Francia
En 1887, después de años de trabajo en diversas empresas de

Tazón montado. Gres con
estaño montado. Auguste
Delaherche. 1900.

artes industriales, Delaherche adquirió un estudio en París y
comenzó su carrera como ceramista. Se concentró en las
formas simples con esmaltes de goteo grueso, inspiradas por
la cerámica japonesa, a veces empleando decoraciones en
relieve o jarrones y platos con motivos de vegetales. La
experimentación continua de Delaherche con técnicas del
horno, le permitió producir gradaciones muy sutiles de
color. En 1904, había alcanzado la madurez profesional con
sus robustas formas inspiradas en la cerámica oriental, griega
o rústica, lo que ayuda a marcar el comienzo de la era de la
cerámica modernista.

Par Sutil. Jarrones de Gres.
Auguste Delaherche.1897.

“Par Sutil”
Sublime en su minimalismo, este par de jarrones estilo
japonés, maravillosamente ilustran el dominio de creaciones
refinadas, vasos simples que se basaban únicamente en sus
bellos esmaltes moteado para la decoración de Auguste
Delaherche.

“Veneno de Manzana”
La escala pequeña de este jarrón oculta su presencia ominosa.

13

Veneno de manzana. Gres
Auguste Delaherche.1894.
El tono berenjena y el recubrimiento azul medianoche, con el
cuerpo en sombra tostada traen a la mente una manzana
bañada en veneno.

Manufactura BACS. Francia
En 1911, cuatro artistas de la fábrica Massier Clément: Jean
Barol, Marius Alexandre, Jean Carle y François Sicard,
fundaron BACS en Cannes. Barol era el artista del esmalte, el
pintor Alexandre, Carle el decorador y Sicard el alfarero.
BACS desarrolló una nueva técnica para la aplicación de la
decoración "cloisonné", consiguiendo una cristalización del
reflejo metálico. La empresa también se hizo conocida por los
colores del esmalte cristalizado, paisajes impresionistas
dispararon contra su cerámica.

“Araña de Rubí”
Este encantador florero es una síntesis de los temas ecológicos
y simbolistas del diseño Art Nouveau. Los cuatro bucles bien
formados componen contrafuertes que equilibran el balance
de la forma acampanada de la base y también sugieren vides o
ramas que salen de la superficie. Las hojas y arañas han sido
grabadas y pintadas en el cuerpo, que se embellece aún más
con un barniz brillante. La iconografía en general se refiere a
un respeto por la naturaleza, incluso las criaturas más
pequeñas y menos dignas pueden de ser amadas.

Florero Araña de Rubí. Loza.
1912. Manufactura BACS.

Florero Araña de Rubí. Loza.
1912. Manufactura BACS.
Detalle.

Florero Araña de Rubí. Loza.
1912. Manufactura BACS.
Detalle.

Florero Araña de Rubí.
Loza. 1912. Sello de la
Manufactura BACS. Detalle

14
Jean Barol. Francia
Jean Barol, era un artista del esmalte que había aprendido
técnicas de reflejo metálico mientras trabaja con Clément
Massier, posteriormente ayudó a establecer BACS en
Cannes, en 1911 con otros tres artistas de la fábrica Massier:
Marius Alexandre, Jean Carle y François Sicard.
Barol dejó Cannes con su amigo François Sicard a Montieres
conocido en 1917. La nueva compañía produjo brillos
cristalizados, durante los primeros años y se trasladó a crear
adornos estilizados, a veces en las mismas formas que habían
sido diseñados para lustres anteriores. Barol se reincorporó a
BACS tres años más tarde, en 1920, y se mantuvo hasta 1927,
tras lo cual continuó como ceramista en Vallauris hasta su
muerte, a los 93 años.

“Profundo mar azul”

Profundo mar azul. Plato de
loza. Jean Barol. 1910.
Detalle

Profundo mar azul. Plato de
loza. Jean Barol. 1910.
Detalle

Jean Barol evocaba un mundo submarino fascinante de este
plato de lustre excepcionalmente atractivo. Un dorado
naranja y un cangrejo lejos del espectador, mientras que tres
anémonas van tranquilamente con el flujo. Coral y algas
llenan el primer plano y aparecen en contraste a la llama
como el misterioso mar azul profundo. Las criaturas marinas
eran un tema muy popular en la cerámica de estilo Art
Nouveau.

Profundo mar azul. Plato de
loza. Jean Barol. 1910.
Detalle

Profundo mar azul. Plato de
loza. Jean Barol. 1910.
Detalle

15
Manufactura Amphora. Austria
En 1892 Alfred Stellmacher, después de 17 años como líder
en la producción de cerámica, animó a sus hijos para
establecer una fábrica de porcelana. La porcelana Anphora se
produjo desde 1892-1945, en el área de Teplitz-Turn de
Bohemia, una parte de Austria-Hungría. En su medio siglo
de producción, Amphora se hizo conocida como un buen
fabricante de cerámica de excepcional calidad. Producen una
gran cantidad de diseños y formas innovadoras con un alto
nivel de detalle, y eran considerados por muchos como
ejemplo del estilo Art Nouveau. Los diseños fueron
generalmente influenciados por el Art Nouveau y Jugensdtil,
así como Grueby y Rockwood. Sus creaciones fueron
agraciadas con criaturas míticas pintadas a mano, doncellas
etéreas, escenas hermosas de la naturaleza con aves,
murciélagos, ciruelos, insectos, el trébol, las rosas y los
bosques, todo entrelazado con líneas amplias y detalles que
fluyen. Un arsenal sin fin de formas, esmaltes y decoraciones
que caracterizan a los diseños cerámicos Amphora. También
realizaron series sobre artistas de la época como Klimt y
Mucha. El impacto visual, que daba la cerámica de alta
calidad y su color enriquecido con impresionantes imágenes y
diseños habría sido considerable.

La Princesa. Amphora. 1896

Klimt Series. Amphora. 1904

“Retorcido”
Probablemente diseñada por Paul Dachsel, “Retorcido”
personifica la altura artística alcanzada por Amphora. La
forma escultural, dinámica evoca el crecimiento vegetal a
través de una base giratoria que culmina en una cabeza de
flor estilizada. Los tallos torcidos del cuerpo van subiendo,
resolviéndose en un cuello circular compuesto de bulbos
florales. Un giro de fuerza, de abstracción, fuerza de la vida,
este exquisito ejemplo, también es una obra maestra del arte
del esmalte. Rayas de verde hierba pasan a través del color
gris plomo, todo suavemente. Vigoroso da un nuevo
significado a la expresión de fin de ciclo, como "estilo de la
juventud" y "nuevo arte".

Dragón florero. Amphora

”Retorcido”. Amphora.1900

16
Frédéric Danton. Francia
Frédéric Danton nació en Aubusson y fue empleado en la
fábrica de Aubusson donde diseñó tapices florales de alta
calidad. Un hombre de muchos talentos e intereses, fundó un
pequeño taller de cerámica en el pueblo de Got-Barbat,
alrededor del año 1900. Allí produjo pequeñas ediciones de
lustre hermoso al estilo de Massier Clément. Danton fue muy
activo en asuntos cívicos, en calidad de vice-presidente de la
Cámara de Comercio de Creuse. Además, tomó un gran
interés en la aviación, diseñó aviones que podrían ser mejor
descritos como prototipos de máquinas voladoras.

“Python Amenazante”

”Python Amenazante”.
Jarrón de gres. Frédéric
Danton.1903

Las formas de alas que sobresalen de los hombros de este
jarrón parecen formas arquitectónicas que se encuentran en
Andalucía y sus alrededores, mientras que la pitón
amenazante sobre su cuerpo, evoca la violencia de la
naturaleza. La habilidad de Danton como decorador se
demuestra por su sutil uso de un patrón de escala detrás del
cuerpo de la serpiente, un dispositivo que se une a la materia
y su fondo en una decoración unificada. Después de un
período de empleo con Clément Massier, Frédric Danton
fundó un pequeño taller de cerámica en el pueblo de GotBabat. Utilizando moldes y esmaltes con fórmulas obtenidas
de Massier, produjo lustre muy parecido a la obra de Massier
con Lévy-Dhurmer.
”Python Amenazante”.
Jarrónde gres. Frédéric
Danton.1903. Detalle.

”Python Amenazante”.
Jarrón de gres. Frédéric
Danton.1903. Detalle del
sello.

17
Clément Massier. Francia
Nacido en una familia de ceramistas, Clément Massier se
interesó en el negocio desde una edad temprana. En 1884,
después de años de trabajo, el estudio, y los viajes, se trasladó
para trabajar en la empresa familiar de Golfe-Juan y comenzó
a producir hispano-morisco con influencias de la cerámica,
con óxido de plata y cobre, esmaltes para horno de ahumado.
Tras la llegada de Lucien Lévy-Dhurmer en 1887, introdujo
esmaltes de brillo ardiente enriquecido con el grabado y la
pintura, su aplicación en formas que van desde la
individualidad construida a mano a la uniformidad deslizada
a presión, obtuvo mucho éxito Pronto estuvo al mando de
una fábrica ocupada y una sala de exposición que se jactaba
de una élite clientela internacional. Por su fábrica pasaron
grandes ceramistas franceses, que luego trabajaron por libre
como Fédéderic Danton y Jean Barol.

”Asamblea del camarón”.
Clément Massier. 1914.

“Asamblea del camarón”
La fotografía no puede hacer justicia a la complejidad del
esmalte en esta notable obra de cerámica. El brillo varía de
color turquesa 'Persa' de color rosa, rojo, verde, oro, y todos
los tonos en el medio. Un mundo activo de los camarones,
algas marinas y otra vida marina, representado por el grabado
y la pintura, se desarrolla bajo la superficie. El efecto general
es tan festivo y atractivo como un mes en Golfe Juan (en la
Costa Azul), donde se hizo este jarrón.

”Flores de oro”. Clément
Massier. 1897. Loza.

“Flores de oro”
Un buen ejemplo de una forma simple hecha compleja a
través de la decoración, este vaso ovoide está cubierto con
docenas amapolas impresionistas de oro y tallos brillantes
contra el fondo púrpura-azul.

“Lago y bosque”
Este plato cuenta con una escena pacífica del lago y una vista
de la costa. La calidad psicodélica de la iridiscencia se
amplifica mediante la materia del objeto realista. Esta escena
Massier la revisaba en varias otras de sus obras.

18

”Lago y Bosque”. Clément
Massier. 1895. Loza.
Émile Decoeur. Francia
Émile Decoeur, que inició su carrera en la cerámica en 1890
como aprendiz de Edmond Lachenal, comenzó a exponer en
su propio nombre en 1902. Aunque sus primeros trabajos
fueron ricamente esculpidos al estilo orgánico de Lachenal,
con el paso del tiempo el uso de elementos escultóricos
disminuyó gradualmente y se interesó por las formas simples
y equilibradas con ricos esmaltes flambeados. Durante los
años 1907 y '08, se mudó a una zona rural y estableció los
hornos que iba a utilizar para el resto de su carrera. Continuó
refinando sus formas y hasta conseguir una gran pureza en
sus esmaltes. Una paleta de colores suaves y motivos
geométricos ejecutados cuidadosamente mejoró muchos de
estos diseños sutiles. Sólo durante los últimos años de su
aprendizaje se le permite marcar piezas que eran en gran
medida, si no exclusivamente sus creaciones con su
monograma.

”Iris”. Jarrón de gres. Émile
Decoeur. 1904.

”Cascada de Jade”
La forma sencilla balaustrada de este jarrón, está animada
por asas orgánicas. La decoración superficial se aproxima el
esmalte chino conocido como piel de liebre, desarrollado por
primera vez durante la dinastía Song. Aunque Decoeur,
aprendiz de Edmond Lachenal a comienzos de 1890, no fue
hasta 1901, cuando su monograma comenzó a aparecer en
sus obras. En ese momento, Decoeur estaba diseñando y
ejecutando las obras que firmó, pero fue impedido de
reclamar plena autoría de los mismos por Lachenal, que,
naturalmente, han querido que su marca ocupara un lugar
destacado sobre el de su talentoso aprendiz.

”Cascada de Jade”. Jarrón de
gres. Émile Decoeur. 1901.

“Abstracción floral”
Formas vegetales, volutas como las que aparecen en el cuello
y la cintura de este alto florero, sugieren influencias clásicas y
japonesas. Al someter la pieza de cristal a las temperaturas
del horno cuidadosamente calibrados, Decoeur logra un
esquema de color que fluye suavemente de grises, dorados y
azules.

19

”Abstracción floral”. Jarrón
de gres. Émile Decoeur 1901.
Henry van de Velde. Bélgica
A pesar de que comenzó su vida profesional como pintor,
Henry van de Velde se sumergió en las convicciones sociales
de las Artes británicas y con el tiempo volvió su atención a
las artes decorativas. Produjo su primer mueble en 1894.
Aproximadamente al mismo tiempo, un influyente
empresario parisino Siegfried Bing, encomendó a van de
Velde el diseño de tres habitaciones amuebladas (un
comedor, una sala de fumadores, y el estudio de arte de
colección) que se expondrán en la inauguración de la nueva
galería de Bing, Maison L'Art Nouveau.
La influencia del diseño en Francia, se estableció cuando el
famoso marchante de arte, Julius Meier Graefe, lo contrató
para diseñar tanto la fachada, como el interior de sus salas de
exposición, conocida como "La Maison Moderne" sólo unos
pocos años más tarde. Hijo de un boticario de Amberes,
Henry van de Velde, se dispuso a ser pintor, pero encontró su
verdadera vocación como arquitecto y diseñador de interiores
durante la época del Art Nouveau. En su juventud, estudió
pintura en la Academia de Amberes, des Beaux-Arts.
Después de un año o dos trabajando como artista en París y
la zona de Barbizon, se incorporó y expuso con el grupo
neoimpresionista Bruselas, "Les Vingts" (The Twenty). Sus
diseños de joyería, eran muy sensuales y fluidos, de acuerdo
con la naturaleza de los materiales. Los diseños cerámicos,
eran formas generalmente funcionales, con esmaltes simples,
un aro orgánicamente integrado o mango y los aplanados
motivos orgánicos que adoptan la forma general en el cuello
o la base. En 1900 van de Velde se trasladó a Berlín, donde
fundó un seminario de artesanías que se convirtió en la
Escuela para las Artes Aplicadas en 1907. Publicó su libro,
"On the New Style" y enseñó a sus estudiantes a incorporar
elementos orgánicos con formas funcionales. Cuando la
escuela cerró en 1915 debido a la guerra en Europa, van de
Velde se trasladó a Suiza. En los años siguientes continuó
enseñando y diseñando por encargo en Alemania, los Países
Bajos y Bélgica. En 1947, se retiró a Lake Ägeri, al sur de
Zurich, donde permaneció hasta su muerte diez años
después. Durante sus últimos años, escribió sus memorias,
que fueron publicadas póstumamente en 1962 como "La
historia de mi vida."

20

Jarrón diseñado por Henry
Van de Velde. Realizado por
Reinhold Henke.1902.

Plato de porcelana, diseñado
por Henry van de Velde, para
la manufactura Meissen.
1904-1905.

Jarrón diseñado por Henry
Van de Velde.

Azulejo diseñado por Henry
van de Velde.
Léon Kann. Francia
Léon Kann, nacido 1859 en Dambach-la-Ville, en la región
francesa de Alsacia. Estudió escultura con Aimé Millet y el
distinguido escultor Pierre Louis Rouillard. Se concentró en
piezas decorativas pequeñas que expuso en los Salones de la
Société des Artistes Français. Trabajó como diseñador en la
fábrica de porcelana Sévres desde 1.896 a 1.915. Alejandro
Sandler, director artístico de Sévres, abrazó el estilo Art
Nouveau y pidió a destacados diseñadores de la época, crear
nuevas formas atrevidas, esmaltes y decoración.
Léon Kann fue uno de este grupo de diseñadores, que incluyó
a Hector Guimard, Joseph Chéret y Henri Lassere. Los
diseños brillantes de Kann capturaron a la perfección el
espíritu de la época del Art Nouveau. Él estaba muy
inspirado en las formas naturales y los esmaltes moteados de
la cerámica asiática. Era un maestro de incorporar
ingeniosamente las diferentes partes de una planta para crear
zarcillos en las formas naturalistas.

“Blood Vine” jarra de
porcelala. Léon Kann. 1898.

“Blood Vine”
Un zarcillo sinuoso fluye a la perfección desde el borde de la
jarra en forma de calabaza, con gracia curva hacia abajo y
envuelve alrededor del cuello, las puntas como remolinos de
la vid se adhieren suavemente al cuerpo bulboso. Decorado
en un fantástico esmalte sang-de-boeuf con las rayas de azul
intenso y de color marrón oscuro, esta porcelana es un
excelente ejemplo de diseños Kann de Sévres, durante la
época del Art Nouveau.

Blood Vine” jarra de
porcelala. Léon Kann. 1898.
Detalle.

Blood Vine” jarra de
porcelala. Léon Kann. 1898.
Detalle.

21
Otros ceramistas reseñables
M
Otto Eckmann. Alemania

Jarrón de gres con bronce
montado. Otto
Eckmann.1900. Detalle.

Florero de Gres. Fachschule
Teplitz. 1900.

Fachschule Teplitz. Austria

Florero de Gres. Fachschule
Teplitz. 1900. Detalle.

22
Atelier de Glatigny. Francia

Florero de gres con montaje
de metal. Atelier de
Glatigny.1900. Detalle

Christian Johhanes van der Hoef.
Holanda

Florero de gres con montaje
de metal. Atelier de
Glatigny.1900. Detalle

Jarrón de barro. Christian
Johhanes van der Hoef. 1901.
Detalle

23
Manufactura Rozenburg. Holanda

Jarrón de porcelana
manufacura de Rozenburg.
Holanda. 1900. Detalle

Manufactura Villeroy and Boch.
Alemania
Jarrón de loza.Manufactura
Villeroy and Boch.Alemania
1904 Detalle

Jarrón de loza.Manufactura
Villeroy and Boch.Alemania
1904. Detalle

24
Alexandre Bigot. Francia

Jarrón de gres. Alexandre
Bigot. 1900. Detalle

Jarrón de gres. Alexandre
Bigot. 1900. Detalle

Ernest Bussière. Francia

Florero Orquidea. Ernest
Bussière. 1900. Detalle.

Florero Orquidea. Ernest
Bussière. 1900. Detalle.

25
Marguerite Van Biesbroeck. Bélgica.

Jarrón de gres. Marguerite
Van Biesbroeck.
Belgica.1895. Detalle

Theodore Deck. Francia

“Luna China”. Theodore
Deck. Francia.1860

Vaso diseñado por Theodore
Deck. Francia.1875

26
Libros Recomendables
e

Exótica, influencias exóticas de las arte decorativas europeas.

Cerámica de la casa de Amphora. 1890-1915. Richard L Scott.

Monstruos y Doncellas. Byron Vreeland.

Edmon Lachenal y su legado. Martin Eidelberg y Claire Cass.

Clément Massier: Master of iridescence. Martin Eidelberg y Claire
Cass.

Novela gráfica “Las ciudades oscuras” de François Schuiten y Benoît Peeters.
Publicaciones: 1983 hasta 2010. Actualmente por Norma Editorial.

27
Webgrafía
j
es.wikipedia.org
museocasalis.org
exhibitions.europeana.eu
pinterest.com
veniceclayartists.com
jasonjacques.com

Pieza de: Édouard Cazaux

28

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CERÁMICA ART NOUVEAU

  • 1. ART NOUVEAU Reivindicación de las artes decorativas Guzmán Valido Rodríguez 2º de Cerámica Artística Escuela de Arte y Superior de Diseño Gran Canaria
  • 2. Índice c G Introducción al Art Nouveau X Artes Gráficas 2⌘5 5 d i La pintura modernista 6 Escultura 6 H Arquitectura 7⌘9 f Joyería y Vidrio Z Y M e j 10 La Cerámica 11⌘12 Ceramistas destacados 12⌘21 Otros ceramistas reseñables 22⌘26 Libros recomendables 27 Webgrafía 28 1
  • 3. Introducción al Art Nouveau G Fue un movimiento muy influyente, pero relativamente de corta vida y ya empezaba a declinar una década más tarde. Este movimiento partiendo de una colectiva de diversos artistas visuales, diseñadores y arquitectos de Europa tenían como objetivo la creación de estilos de diseño más apropiados para la edad moderna, y se caracterizaba por un diseño orgánico, la naturaleza era una de las inspiraciones clásicas del Art Nouveau, y se trataba de diferentes maneras. Insectos como las libélulas y mariposas, crustáceos, reptiles, peces, orquídeas, lirios, amapolas, tulipanes y otros ejemplos exóticos de flora y fauna, el fluir líneas-formas que se asemejaba a los tallos y flores de plantas, así como las formas geométricas como cuadrados y rectángulos, empezaron a aparecer en las piezas de cristalería, cerámica, interiores y libros e ilustraciones. La pasión por todo lo japonés era otra de las modas de la época. La llegada de Art Nouveau se remonta a dos influencias distintas: la primera fue la introducción, en 1880, del movimiento Art and Craft, liderado por el diseñador Inglés William Morris. Este movimiento, al igual que Art Nouveau, fue una reacción en contra de los diseños desordenados y las composiciones de las artes decorativas de la época victoriana. La segunda fue la moda actual del arte japonés, especialmente impresiones por planchas de madera, que se extendió gracias a muchos artistas europeos entre los años 1880 y 90, artistas de la talla de Gustav Klimt , Emile Galle y James Abbott McNeill Whistler .Las impresiones de planchas de madera japonesas contenían formas florales y bulbosas, y curvas de "latigazo cervical". Es difícil precisar la primera obra de arte que puso en marcha oficialmente Art Nouveau. Algunos argumentan que las líneas estampadas y fondos florales que se encuentran en las pinturas de Vincent van Gogh y Paul Gauguin representan el nacimiento de Art Nouveau, o tal vez incluso las litografías decorativas de Henri de Toulouse-Lautrec, como La Goule en el Moulin Rouge (1891 ). Pero el punto más cercano a los orígenes, está en las artes decorativas, y en particular en la cubierta de un libro del arquitecto Inglés y diseñador Arthur Heygate Mackmurdo, de 1883, el volumen Iglesias Ciudad 2 Utagawa Hiroshige "Horikiri Iris, quinto mes". De la serie Las cien vistas más famosas de Edo. Xilografía a color 1857. . Portada de El Japón Artístico, 1899. Una amapola para mi jardín ilustrado. Portada Iglesias de Wren, por: Arthur Heygate Mackmurdo
  • 4. de Wren. El diseño representa tallos serpenteantes de flores de coalescencia en uno solo, un tallo en forma de latigazo grande en la parte inferior de la página, recuerda claramente al estilo japonés en las impresiones de planchas de madera. Aunque el art Nouveau se ha convertido en el nombre más utilizado para el movimiento, su gran popularidad en toda Europa occidental y central significa que pasó por varios nombres diferentes. El más conocido de ellos fue Jugendstil (estilo de la Juventud), en los países de habla alemana. Mientras tanto, en Viena, el hogar de Gustav Klimt , Otto Wagner , Josef Hoffmann y los demás fundadores de la Secesión de Viena, era conocido como Sezessionsstil (Secession Style). También se conoce como Modernismo en España y stile libertad en Italia (después de Arthur Libertad, tienda de telas en Londres, que ayudó a popularizar el estilo). También pasó por algunos de los nombres más despectivos: Estilo nouille (estilo fideos) en Francia, Paling Stijl (el estilo anguila) en Bélgica y Bandwurmstil (estilo tenia) en Alemania, todo lo cual hace referencia lúdica a la tendencia del Art Nouveau a emplear sinuosa y líneas fluidas. El Art Nouveau en el siglo XIX debe ser explicado en parte por el uso de formas populares y fácilmente reproducibles. En Alemania,Jugendstil, artistas como Peter Behrens y Hermann Obrist, entre muchos otros, tienen su trabajo impreso en las portadas de libros y catálogos de exposiciones, anuncios en revistas y playbills. Pero esta tendencia no se limita solo a Alemania. El Inglés ilustrador Aubrey Beardsley, tal vez la figura de estilo Art Nouveau más controvertida debido a una serie de carteles creadas durante su corta carrera en los que empleaba un estilo combinado por líneas elegantes e ilustraciones, entre lo erótico y lo macabro. Impresiones altamente decorativos de Beardsley, como la falda del pavo (1894), representan el vínculo más directo que podemos identificar entre Art Nouveau y japonismo. “El Beso” Peter Behrens. Diseño textil de Hermann Obrist. La recompensa de la bailarina (ilustración para la Salomé de Oscar Wilde), de Aubrey Beardsley. Las características que en general permiten reconocer al modernismo o Art Nouveau son: Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central. 3 Ilustración de Aubrey Beardsley “Falda de Pavo”
  • 5. Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación estrictamente realista. Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado). Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta el erotismo en algunos casos. La Maison moderne Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas. Aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del elemento a decorar. El elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el elemento que decora. Friso de Beethoven, de Klimt. Se puede afirmar que el concepto de diseño nació con en el Art Nouveau, ya que fue un movimiento extrapolado a todas las artes conocidas. Las exposiciones eran escaparates fundamentales para el Art Nouveau, especialmente en el mundo de las exposiciones universales –según palabras de Gustave Flaubert, “una forma de locura del siglo XIX”. Empezaron a surgir colonias de artistas en Europa, inspiradas en el movimiento Arts & Crafts. Las organizaciones que proporcionaban un centro para artistas y diseñadores incluían el Wiener Werkstätte (desde 1903) austríaco, dirigido por Joseph Hoffman y Koloman Moser y el Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk de Múnich (desde 1897), en el que trabajaban Hermann Obrist, Richard Riemerschmid, Bruno Paul y Peter Behrens. Diferentes firmas contrataban a diseñadores de arquitectura para dotar de un espíritu moderno a los conjuntos diarios. La Exposición Universal de París marcó el apogeo del Art Nouveau y elevó a Francia como centro del movimiento. Millones de visitantes y miles de expositores acudieron a la feria, que se celebró entre el 15 de abril y el 12 de noviembre de 1900. Siegfried Bing, que dirigía la galería Maison de L’Art Nouveau, exponía interiores de Édouard Colonna, Georges de Feure y Eugène Gaillard. Loie Fuller 4 Cartel publicitario para Le chat noir, de Steinlein. Grand Palais Cartel exposición de 1902 Turín
  • 6. se prodigaba en su propio pabellón, diseñado por el arquitecto francés Henri Suavage. Los visitantes utilizaban para llegar el Metro de París, cuyas entradas habían sido diseñadas por Hector Guimard, mientras que el curvilíneo Pabellón Azul era obra del arquitecto belga Gustave Serrurier-Bovy. Para la exposición de 1902 de Turín, Raimondo D’Aronco integró la Secession y elementos decorativos occidentales y bizantinos al pabellón principal. El estilo pasó de moda después de que se dio paso al Art Deco de los años 1920, pero experimentó un renacimiento popular en la década de 1960, y ahora es visto como un precursor importante del modernismo. Artes gráficas Cartel de Sarah Bernhardt en Gismonda, de Alfons Mucha. X El modernismo se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas, tanto en la ilustración de libros y revistas (incluyendo la encuadernación, las cubiertas y los ex-libris) como en el cartelismo (carteles, pósters o affiches publicitarios) y todo tipo de soportes: postales, paneles decorativos, papel pintado, estampados textiles, etc.; así como en el diseño de tipos de imprenta. Muy influyente e imitado fue el checo Alfons Mucha. La aceptación de sus diseños, hechos con exquisita delicadeza y que incluían en su gran mayoría la figura femenina como motivo central le ganó trabajos a nivel internacional, produciendo también la clave ganadora de un estilo artístico comercial a imitar por los ilustradores de la época. Cartel de Alfons Mucha. Pese a su corta vida, Aubrey Beardsley destacó como uno de los más originales exponentes del modernismo gráfico, con ilustraciones en blanco y negro de un estilo personalísimo a la vez que controvertido por lo irreverente de sus temas. Aubrey Beadsley. El espejo del amor. 5
  • 7. La Pintura modernista d En contraposición tanto al academicismo como al impresionismo, se abandonan los temas cotidianos por los contenidos simbólicos y conceptuales (un movimiento simultáneo, postimpresionista, se denomina simbolismo), entre los que destaca la mujer, con un tratamiento erótico que llega hasta la perversión (un movimiento simultáneo, muy relacionado, se denomina decadentismo -Félicien Rops, Gustave Moreau, Odilon Redon-). Técnicamente se insiste en la pureza de la línea (lo que le da un carácter bidimensional) y la expresividad del dibujo (se ha considerado precedente del expresionismo posterior), ambas cosas ya presentes en autores postimpresionistas, especialmente en Toulouse-Lautrec. Las formas orgánicas, especialmente vegetales curvilíneos y espirales (flores, hojas, tallos retorcidos), que rellenan todo el espacio (horror vacui, a veces llegando a la teselación) ya presentes en movimientos ingleses anteriores (prerrafaelismo y arts and crafts), se convierten en un leit motiv paralelo a las formas decorativas de las artes gráficas, con las que están estrechamente identificadas, así como con el cartelismo y la reproducción litográfica. Los formatos preferidos son los alargados y apaisados. Friso de Beethoven, de Klimt Palas Atenea, de Franz von Stuck. Escultura i La escultura modernista o Art Nouveau tuvo como tema central la figura femenina en distintas actitudes. Más allá de la sucesión cronológica entre Art Nouveau y art decó (antes y después de 1920) no hay una nítida separación estilística entre los desarrollos escultóricos identificables con ambas etiquetas.27 En ambos se utilizaron una gran variedad de materiales: el mármol para los monumentos de envergadura y el bronce, el marfil, los metales preciosos (muy a menudo la combinación crisoelefantina de marfil y oro), la cerámica y el vidrio para las obras de pequeño tamaño, muy relacionadas con la orfebrería. Entre los principales escultores relacionados con el estilo aplicado a esa escala menor estuvieron Ferdinand Preiss, Demetre Chiparus, Joseph Lorenzl o Clare-Jeanne-Roberte Colinet. 6 Clare-Jeanne-Roberte Colinet. La diosa, de Clarà (1909)
  • 8. Arquitectura H El modernismo es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. Es una corriente esencialmente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales. Este movimiento utiliza las soluciones que la revolución del hierro y del cristal aportan a la arquitectura, aunque se sirve de la industria para la decoración de interiores y las forjas de las rejerías, etc. Sus formas son blandas y redondeadas, aunque no es esto lo único característico del modernismo sino la profusión de motivos decorativos. La influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir aún en la arquitectura actual. El modernismo arquitectónico nace en Bélgica (donde se le dará el nombre de art nouveau) con la obra de Goh Ver Wayans y Victor Horta. La ondulación de los tejados y fachadas, la aplicación de materiales como el hierro forjado, los motivos de vegetación natural y el cuidado diseño de la decoración y de cada elemento arquitectónico y de mobiliario del interior son características de sus obras: de Van de Velde la casa Bloemenwerf y de Horta los kioscos y bocas de metro, la escalera de la calle Paul-Emile Janson y el Hotel Solvay (especialmente su característico interior de diseño muy recargado, con lámparas, papel pintado, vidrieras, etc.), el Hotel Tassel, la Casa del Pueblo y el Palacio de Bellas Artes; todo ello en Bruselas, y el Gran Bazar de Fráncfort. En España, la arquitectura modernista, muy poco presente en Madrid, sí tuvo desarrollo en otras zonas (Cartagena y La Unión, Alcoy, Valencia, Ávila, Zamora, Zaragoza, el Bajo Aragón, Ceuta, Melilla, algunas de las casas de indianos de la zona cantábrica). En Canarias cabe destacar que se desarrolló principalmente en Gran Canaria, el modernismo canario se caracteriza por las influencias recibidas por los ciudadanos ingleses residentes en las islas, adquiriendo un marco propio y diferente, convirtiéndose en el máximo exponente del modernismo español junto con el modernismo catalán. A finales del XIX las Islas se hallan enfrentadas por la capitalidad, hecho que marcará también diferencias en el ámbito arquitectónico, diferenciándose dos tipologías de viviendas: la unifamiliar, villa u hotel con un máximo de dos 7 Palacio Longoria, Madrid, de José Grases. Escalera del Hotel Tassel, Bruselas, de Victor Horta. Fachada principal del Gabinete Literario en la Plaza Cairasco, Las Palmas de Gran Canaria. Fachada modernista en la Calle Mayor de Triana, Las Palmas de Gran Canaria.
  • 9. pisos en Santa Cruz de Tenerife y las plurifamiliares de tres o cuatro plantas en Las Palmas de Gran Canaria. Gracias a los contactos comerciales que Canarias mantiene con Inglaterra, se implanta el refinamiento inglés y determinando el desarrollo de elementos florales. El Eclecticismo dominará la arquitectura desde aproximadamente 1860 hasta la Guerra Civil. Este estilo irá asumiendo todas las novedades arquitectónicas muchas veces bajo esquemas tradicionales. Así tenemos que el Modernismo hará especial hincapié en la decoración, raras veces lo hará sobre todo el conjunto del edificio. La Calle Mayor de Triana y la calle Perojo, ambas en Las Palmas de Gran Canaria, son buenos ejemplos de este tipo de arquitectura elegante que se ve, en el caso canario, acentuado por el uso sin complejo de colores y azulejos. Uno de los máximos exponentes del modernismo en la capital es el palacete del Gabinete Literario, en la céntrica Alameda de Colón, obra del arquitecto López Echegarreta. Este edificio de finales del XIX es la mejor muestra de la boyante situación económica que vivió la ciudad en las postrimerías del ochocientos y las primeras décadas del siglo XX. Los arquitectos modernistas catalanes (Rogent y Amat, Domenech y Montaner, Puig y Cadafalch, Enric Sagnier, Rubió y Bellver, Jujol y Gibert, Valeri y Pupurull, Muncunill y Parellada, Víctor Beltrí) desarrollaron un lenguaje propio, del que partió Antonio Gaudí (Reus, Cataluña 1852-1953) para desarrollar su particular universo artístico, muy personal. Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando instrucciones a sus colaboradores sobre lo que tenían que hacer. Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto a las soluciones estructurales como las funcionales y decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección: 8 Quiosco modernista en el Parque San Telmo. Las Palmas de Gran Canaria. Casa Batlló, Barcelona, de Antonio Gaudí. Patio de la Casa Batlló. Interior de la Casa Batlló.
  • 10. cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de cerámica de desecho. Después de unos inicios influenciado por el arte neogótico, así como ciertas tendencias orientalizantes, Gaudí desembocó en el modernismo en su época de mayor efervescencia, entre finales del siglo XIX y principios del XX. Sin embargo, el arquitecto reusense fue más allá del modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observación de la naturaleza, fruto del cual fue su utilización de formas geométricas regladas, como el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide. La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la búsqueda de nuevas soluciones estructurales, que logró después de toda una vida dedicada al análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su entorno y siendo una síntesis de todas las artes y oficios. Mediante el estudio y la práctica de nuevas y originales soluciones, la obra de Gaudí culminará en un estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada por estilos anteriores, generando una obra arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la tradición y la innovación. La obra de Gaudí ha alcanzado con el transcurso del tiempo una amplia difusión internacional, siendo innumerables los estudios dedicados a su forma de entender la arquitectura. Hoy día es admirado tanto por profesionales como por el público en general: la Sagrada Familia es actualmente uno de los monumentos más visitados de España.3 Entre 1984 y 2005 siete de sus obras han sido consideradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Sagrada Familia. Barcelona. Antonio Gaudí. Sagrada Familia. Interior Reja de entrada a la finca Gúell. Barcelona. Antonio Gaudí. El Dragón. Parque Gúell “La belleza es el resplandor de la verdad, y como que el arte es belleza, sin verdad no hay arte”. Antonio Gaudí. Vista desde el Parque Gúell, 9
  • 11. Joyería y Vidrio f El arte de la joyería se vio revitalizado por el modernismo, teniendo a la naturaleza como la principal fuente de inspiración. Complementaron esta renovación los nuevos niveles de virtuosismo alcanzados en el esmaltado y los nuevos materiales como ópalos y otras piedras semipreciosas. El interés generalizado en el arte japonés y el entusiasmo especializado en las habilidades de metalistería, fomentaron nuevas aproximaciones y temas de ornamentación. En los dos siglos previos, el énfasis en la joyería fina se había centrado en las gemas, particularmente en los diamantes por lo que la preocupación principal de joyero consistía en proveer un marco adecuado para su lucimiento. Con el modernismo surgió un nuevo tipo de joyería, motivada y encausada hacia el diseño artístico antes que en el mero despliegue de las gemas. Los joyeros de París y Bruselas fueron los que principalmente definieron el modernismo en la joyería y es en esas ciudades donde el estilo ganó el mejor renombre. Los críticos franceses contemporáneos eran unánimes al reconocer que la joyería estaba atravesando una transformación radical y que el diseñador, joyero y vidriero René Lalique estaba en su centro. Lalique glorificó a la naturaleza en la joyería, extendiendo su repertorio para incluir aspectos nuevos no tan convencionales –como libélulas y hierbas- inspirados en sus encuentros con el arte japonés. Joya de René Lalique. Louis Comfort Tiffany. Colgante. Broche de René Lalique. Los joyeros estaban deseosos de establecer este nuevo estilo como una tradición distinguida y para ello buscaron inspiración en el renacimiento para sus joyas de oro esmaltado y esculpido, aceptando además el estatus del joyero como artista más que como artesano. En la mayoría de los trabajos esmaltados las gemas cedieron su primacía. A los diamantes se les daba un papel subsidiario en combinación con materiales menos familiares como el vidrio moldeado, el marfil y cuerno animal. Vaso de vidrio y orfebrería. Pewter Mounts 10
  • 12. La Cerámica Z Nuevas ideas, relacionadas con el renovado contacto con el arte japonés, y desarrollándose partiendo de él, impulsaron el nuevo estilo. La loza japonesa fue quizá la única gran influencia sobre las vasijas hechas en los últimos 25 años del siglo. El comercio con el Japón se había restablecido en 1859 y se trajeron a Europa grandes cantidades de artefactos japoneses. En la cerámica, como en otros campos el Art Nouveau se manifestó por una rotura con la imitación del pasado. Se adaptaron las formas de la naturaleza en motivos decorativos estilizados, y se desarrolló un nuevo sentido del color, que continuó influenciando los diseños en la manufactura de cerámica, en el siglo XX. Además de la cerámica con motivos decorativos tanto en azulejos como en tipografías, también se usó bastante los vidriados sobre gres y el estilo de reflejo metálico o cerámica de lustre. Especialmente importantes son las últimas vasijas hechas por los hermanos Martin y las cerámicas decorativas producidas en los departamentos de arte de las grandes factorías, reflejándose en ellas el estilo Art Nouveau. Se desarrolló por toda Europa pero cabe destacar a la cerámica francesa como máximo exponente de este arte. Los azulejos modernistas son algunos de los azulejos más bellos y llamativos que se han hecho. En Gran Bretaña se produjeron en gran número entre 1900 y 1914 y adornan muchos edificios, fueron especialmente populares para su uso en chimeneas. Sorprendentemente desconocido para el público en general, las fachadas de cerámica se han fundido en la banalidad de la vida cotidiana. Sin embargo, su color brillante, resistencia a los estragos del tiempo, la belleza de sus diseños hacen de elementos centrales de la trama urbana, iluminando la oscuridad. A continuación la cerámica fue considerada como una rama de la técnica industrial, Alexandre Bigot famosa por su cerámica de gres flameado bajo las órdenes recibidas de muchos arquitectos, se encuentran en las casas, por encima de las ventanas y puertas, que tienen sus logros en muchos edificios en París y otras ciudades de Francia. 11 Carl Sigfrid Luber. Bandeja. Panel Doulton diseñada por William Neatby en el Royal Arcade, Norwich, 1898-1899 Azulejo hecho por J & W. Wade & Co. c. 1901 Alexandre Bigot. Azulejos en bajo relieve. Alexandre Bigot. Azulejo.
  • 13. El mosaico se utiliza con frecuencia y algunas importantes obras legadas por los artistas eran originalmente un renacimiento del mosaico en Europa Occidental. Este es el caso sobre todo en el pavimento de las entradas de las casas diseñadas por Victor Horta y Hector Guimard, bancos o techos de Parque Güell diseñado por Gaudí. Ceramistas destacados Jarrón “Diamantes” 1902. Loza. Manufactura Arabia Y Manufactura Arabia. Finlandia Fundada como una subsidiaria de la empresa de cerámica sueca, Rörstrand, Arabia comenzó con la fabricación de porcelana y loza tradicional, en gran parte para la exportación. Antes de 1900, con el fin de crear un estilo finlandés reconocible, la empresa encargó a los arquitectos más importantes, incluyendo a Eliel Saarinen, para que contribuyese con sus diseños. El resultado fue la gama con unos patrones de origen ugrofinés. Los técnicos utilizaron grabados en cobre para crear los esquemas, y los artistas que los rellenaban a mano. Detalle del jarrón. “Diamantes” Este jarrón colorido, cuya forma parece revertir y modificar la forma tradicional de una lámpara de mezquita, es parte de la gama "Fennia" de Arabia, el cual fue producido desde 1902 hasta la década de 1920. Su forma y la decoración son una expresión de la búsqueda de un lenguaje nacional de arte, un motivo común a los países más occidentales de la vuelta del siglo 20. El esquema de colores está dominado por el rojo ladrillo, con áreas de color verde pálido, melocotón y ocres, todos los cuales están contenidos dentro de los márgenes negros delgados. El símbolo de la esvástica no se asoció con el antisemitismo en el momento en el que este jarrón fue creado. 12 Florero “Geometría” 1902. Loza. Manufactura Arabia. Detalle del florero.
  • 14. “Geometría” Este elegante florero, en forma de botella es parte de la gama "Fennia" de Arabia, el cual fue producido por Saudita. Un friso de arcos agraciados rodea el cuello y establece el esquema de colores inusuales de verde pálido, ocre y azul marino frente al blanco opaco. Los galones llenos de celosía y una línea de estrellas de ocho puntas llevan a cabo la combinación de colores sin parecer redundante. El espacio Taupe spin charger. Plato.de gres. Auguste Delaherche. 1895. negativo blanco es un elemento importante de este diseño, lo que demuestra la restricción por parte del diseñador que, como modernista, deliberadamente evitó el exceso de adorno. Auguste Delaherche. Francia En 1887, después de años de trabajo en diversas empresas de Tazón montado. Gres con estaño montado. Auguste Delaherche. 1900. artes industriales, Delaherche adquirió un estudio en París y comenzó su carrera como ceramista. Se concentró en las formas simples con esmaltes de goteo grueso, inspiradas por la cerámica japonesa, a veces empleando decoraciones en relieve o jarrones y platos con motivos de vegetales. La experimentación continua de Delaherche con técnicas del horno, le permitió producir gradaciones muy sutiles de color. En 1904, había alcanzado la madurez profesional con sus robustas formas inspiradas en la cerámica oriental, griega o rústica, lo que ayuda a marcar el comienzo de la era de la cerámica modernista. Par Sutil. Jarrones de Gres. Auguste Delaherche.1897. “Par Sutil” Sublime en su minimalismo, este par de jarrones estilo japonés, maravillosamente ilustran el dominio de creaciones refinadas, vasos simples que se basaban únicamente en sus bellos esmaltes moteado para la decoración de Auguste Delaherche. “Veneno de Manzana” La escala pequeña de este jarrón oculta su presencia ominosa. 13 Veneno de manzana. Gres Auguste Delaherche.1894.
  • 15. El tono berenjena y el recubrimiento azul medianoche, con el cuerpo en sombra tostada traen a la mente una manzana bañada en veneno. Manufactura BACS. Francia En 1911, cuatro artistas de la fábrica Massier Clément: Jean Barol, Marius Alexandre, Jean Carle y François Sicard, fundaron BACS en Cannes. Barol era el artista del esmalte, el pintor Alexandre, Carle el decorador y Sicard el alfarero. BACS desarrolló una nueva técnica para la aplicación de la decoración "cloisonné", consiguiendo una cristalización del reflejo metálico. La empresa también se hizo conocida por los colores del esmalte cristalizado, paisajes impresionistas dispararon contra su cerámica. “Araña de Rubí” Este encantador florero es una síntesis de los temas ecológicos y simbolistas del diseño Art Nouveau. Los cuatro bucles bien formados componen contrafuertes que equilibran el balance de la forma acampanada de la base y también sugieren vides o ramas que salen de la superficie. Las hojas y arañas han sido grabadas y pintadas en el cuerpo, que se embellece aún más con un barniz brillante. La iconografía en general se refiere a un respeto por la naturaleza, incluso las criaturas más pequeñas y menos dignas pueden de ser amadas. Florero Araña de Rubí. Loza. 1912. Manufactura BACS. Florero Araña de Rubí. Loza. 1912. Manufactura BACS. Detalle. Florero Araña de Rubí. Loza. 1912. Manufactura BACS. Detalle. Florero Araña de Rubí. Loza. 1912. Sello de la Manufactura BACS. Detalle 14
  • 16. Jean Barol. Francia Jean Barol, era un artista del esmalte que había aprendido técnicas de reflejo metálico mientras trabaja con Clément Massier, posteriormente ayudó a establecer BACS en Cannes, en 1911 con otros tres artistas de la fábrica Massier: Marius Alexandre, Jean Carle y François Sicard. Barol dejó Cannes con su amigo François Sicard a Montieres conocido en 1917. La nueva compañía produjo brillos cristalizados, durante los primeros años y se trasladó a crear adornos estilizados, a veces en las mismas formas que habían sido diseñados para lustres anteriores. Barol se reincorporó a BACS tres años más tarde, en 1920, y se mantuvo hasta 1927, tras lo cual continuó como ceramista en Vallauris hasta su muerte, a los 93 años. “Profundo mar azul” Profundo mar azul. Plato de loza. Jean Barol. 1910. Detalle Profundo mar azul. Plato de loza. Jean Barol. 1910. Detalle Jean Barol evocaba un mundo submarino fascinante de este plato de lustre excepcionalmente atractivo. Un dorado naranja y un cangrejo lejos del espectador, mientras que tres anémonas van tranquilamente con el flujo. Coral y algas llenan el primer plano y aparecen en contraste a la llama como el misterioso mar azul profundo. Las criaturas marinas eran un tema muy popular en la cerámica de estilo Art Nouveau. Profundo mar azul. Plato de loza. Jean Barol. 1910. Detalle Profundo mar azul. Plato de loza. Jean Barol. 1910. Detalle 15
  • 17. Manufactura Amphora. Austria En 1892 Alfred Stellmacher, después de 17 años como líder en la producción de cerámica, animó a sus hijos para establecer una fábrica de porcelana. La porcelana Anphora se produjo desde 1892-1945, en el área de Teplitz-Turn de Bohemia, una parte de Austria-Hungría. En su medio siglo de producción, Amphora se hizo conocida como un buen fabricante de cerámica de excepcional calidad. Producen una gran cantidad de diseños y formas innovadoras con un alto nivel de detalle, y eran considerados por muchos como ejemplo del estilo Art Nouveau. Los diseños fueron generalmente influenciados por el Art Nouveau y Jugensdtil, así como Grueby y Rockwood. Sus creaciones fueron agraciadas con criaturas míticas pintadas a mano, doncellas etéreas, escenas hermosas de la naturaleza con aves, murciélagos, ciruelos, insectos, el trébol, las rosas y los bosques, todo entrelazado con líneas amplias y detalles que fluyen. Un arsenal sin fin de formas, esmaltes y decoraciones que caracterizan a los diseños cerámicos Amphora. También realizaron series sobre artistas de la época como Klimt y Mucha. El impacto visual, que daba la cerámica de alta calidad y su color enriquecido con impresionantes imágenes y diseños habría sido considerable. La Princesa. Amphora. 1896 Klimt Series. Amphora. 1904 “Retorcido” Probablemente diseñada por Paul Dachsel, “Retorcido” personifica la altura artística alcanzada por Amphora. La forma escultural, dinámica evoca el crecimiento vegetal a través de una base giratoria que culmina en una cabeza de flor estilizada. Los tallos torcidos del cuerpo van subiendo, resolviéndose en un cuello circular compuesto de bulbos florales. Un giro de fuerza, de abstracción, fuerza de la vida, este exquisito ejemplo, también es una obra maestra del arte del esmalte. Rayas de verde hierba pasan a través del color gris plomo, todo suavemente. Vigoroso da un nuevo significado a la expresión de fin de ciclo, como "estilo de la juventud" y "nuevo arte". Dragón florero. Amphora ”Retorcido”. Amphora.1900 16
  • 18. Frédéric Danton. Francia Frédéric Danton nació en Aubusson y fue empleado en la fábrica de Aubusson donde diseñó tapices florales de alta calidad. Un hombre de muchos talentos e intereses, fundó un pequeño taller de cerámica en el pueblo de Got-Barbat, alrededor del año 1900. Allí produjo pequeñas ediciones de lustre hermoso al estilo de Massier Clément. Danton fue muy activo en asuntos cívicos, en calidad de vice-presidente de la Cámara de Comercio de Creuse. Además, tomó un gran interés en la aviación, diseñó aviones que podrían ser mejor descritos como prototipos de máquinas voladoras. “Python Amenazante” ”Python Amenazante”. Jarrón de gres. Frédéric Danton.1903 Las formas de alas que sobresalen de los hombros de este jarrón parecen formas arquitectónicas que se encuentran en Andalucía y sus alrededores, mientras que la pitón amenazante sobre su cuerpo, evoca la violencia de la naturaleza. La habilidad de Danton como decorador se demuestra por su sutil uso de un patrón de escala detrás del cuerpo de la serpiente, un dispositivo que se une a la materia y su fondo en una decoración unificada. Después de un período de empleo con Clément Massier, Frédric Danton fundó un pequeño taller de cerámica en el pueblo de GotBabat. Utilizando moldes y esmaltes con fórmulas obtenidas de Massier, produjo lustre muy parecido a la obra de Massier con Lévy-Dhurmer. ”Python Amenazante”. Jarrónde gres. Frédéric Danton.1903. Detalle. ”Python Amenazante”. Jarrón de gres. Frédéric Danton.1903. Detalle del sello. 17
  • 19. Clément Massier. Francia Nacido en una familia de ceramistas, Clément Massier se interesó en el negocio desde una edad temprana. En 1884, después de años de trabajo, el estudio, y los viajes, se trasladó para trabajar en la empresa familiar de Golfe-Juan y comenzó a producir hispano-morisco con influencias de la cerámica, con óxido de plata y cobre, esmaltes para horno de ahumado. Tras la llegada de Lucien Lévy-Dhurmer en 1887, introdujo esmaltes de brillo ardiente enriquecido con el grabado y la pintura, su aplicación en formas que van desde la individualidad construida a mano a la uniformidad deslizada a presión, obtuvo mucho éxito Pronto estuvo al mando de una fábrica ocupada y una sala de exposición que se jactaba de una élite clientela internacional. Por su fábrica pasaron grandes ceramistas franceses, que luego trabajaron por libre como Fédéderic Danton y Jean Barol. ”Asamblea del camarón”. Clément Massier. 1914. “Asamblea del camarón” La fotografía no puede hacer justicia a la complejidad del esmalte en esta notable obra de cerámica. El brillo varía de color turquesa 'Persa' de color rosa, rojo, verde, oro, y todos los tonos en el medio. Un mundo activo de los camarones, algas marinas y otra vida marina, representado por el grabado y la pintura, se desarrolla bajo la superficie. El efecto general es tan festivo y atractivo como un mes en Golfe Juan (en la Costa Azul), donde se hizo este jarrón. ”Flores de oro”. Clément Massier. 1897. Loza. “Flores de oro” Un buen ejemplo de una forma simple hecha compleja a través de la decoración, este vaso ovoide está cubierto con docenas amapolas impresionistas de oro y tallos brillantes contra el fondo púrpura-azul. “Lago y bosque” Este plato cuenta con una escena pacífica del lago y una vista de la costa. La calidad psicodélica de la iridiscencia se amplifica mediante la materia del objeto realista. Esta escena Massier la revisaba en varias otras de sus obras. 18 ”Lago y Bosque”. Clément Massier. 1895. Loza.
  • 20. Émile Decoeur. Francia Émile Decoeur, que inició su carrera en la cerámica en 1890 como aprendiz de Edmond Lachenal, comenzó a exponer en su propio nombre en 1902. Aunque sus primeros trabajos fueron ricamente esculpidos al estilo orgánico de Lachenal, con el paso del tiempo el uso de elementos escultóricos disminuyó gradualmente y se interesó por las formas simples y equilibradas con ricos esmaltes flambeados. Durante los años 1907 y '08, se mudó a una zona rural y estableció los hornos que iba a utilizar para el resto de su carrera. Continuó refinando sus formas y hasta conseguir una gran pureza en sus esmaltes. Una paleta de colores suaves y motivos geométricos ejecutados cuidadosamente mejoró muchos de estos diseños sutiles. Sólo durante los últimos años de su aprendizaje se le permite marcar piezas que eran en gran medida, si no exclusivamente sus creaciones con su monograma. ”Iris”. Jarrón de gres. Émile Decoeur. 1904. ”Cascada de Jade” La forma sencilla balaustrada de este jarrón, está animada por asas orgánicas. La decoración superficial se aproxima el esmalte chino conocido como piel de liebre, desarrollado por primera vez durante la dinastía Song. Aunque Decoeur, aprendiz de Edmond Lachenal a comienzos de 1890, no fue hasta 1901, cuando su monograma comenzó a aparecer en sus obras. En ese momento, Decoeur estaba diseñando y ejecutando las obras que firmó, pero fue impedido de reclamar plena autoría de los mismos por Lachenal, que, naturalmente, han querido que su marca ocupara un lugar destacado sobre el de su talentoso aprendiz. ”Cascada de Jade”. Jarrón de gres. Émile Decoeur. 1901. “Abstracción floral” Formas vegetales, volutas como las que aparecen en el cuello y la cintura de este alto florero, sugieren influencias clásicas y japonesas. Al someter la pieza de cristal a las temperaturas del horno cuidadosamente calibrados, Decoeur logra un esquema de color que fluye suavemente de grises, dorados y azules. 19 ”Abstracción floral”. Jarrón de gres. Émile Decoeur 1901.
  • 21. Henry van de Velde. Bélgica A pesar de que comenzó su vida profesional como pintor, Henry van de Velde se sumergió en las convicciones sociales de las Artes británicas y con el tiempo volvió su atención a las artes decorativas. Produjo su primer mueble en 1894. Aproximadamente al mismo tiempo, un influyente empresario parisino Siegfried Bing, encomendó a van de Velde el diseño de tres habitaciones amuebladas (un comedor, una sala de fumadores, y el estudio de arte de colección) que se expondrán en la inauguración de la nueva galería de Bing, Maison L'Art Nouveau. La influencia del diseño en Francia, se estableció cuando el famoso marchante de arte, Julius Meier Graefe, lo contrató para diseñar tanto la fachada, como el interior de sus salas de exposición, conocida como "La Maison Moderne" sólo unos pocos años más tarde. Hijo de un boticario de Amberes, Henry van de Velde, se dispuso a ser pintor, pero encontró su verdadera vocación como arquitecto y diseñador de interiores durante la época del Art Nouveau. En su juventud, estudió pintura en la Academia de Amberes, des Beaux-Arts. Después de un año o dos trabajando como artista en París y la zona de Barbizon, se incorporó y expuso con el grupo neoimpresionista Bruselas, "Les Vingts" (The Twenty). Sus diseños de joyería, eran muy sensuales y fluidos, de acuerdo con la naturaleza de los materiales. Los diseños cerámicos, eran formas generalmente funcionales, con esmaltes simples, un aro orgánicamente integrado o mango y los aplanados motivos orgánicos que adoptan la forma general en el cuello o la base. En 1900 van de Velde se trasladó a Berlín, donde fundó un seminario de artesanías que se convirtió en la Escuela para las Artes Aplicadas en 1907. Publicó su libro, "On the New Style" y enseñó a sus estudiantes a incorporar elementos orgánicos con formas funcionales. Cuando la escuela cerró en 1915 debido a la guerra en Europa, van de Velde se trasladó a Suiza. En los años siguientes continuó enseñando y diseñando por encargo en Alemania, los Países Bajos y Bélgica. En 1947, se retiró a Lake Ägeri, al sur de Zurich, donde permaneció hasta su muerte diez años después. Durante sus últimos años, escribió sus memorias, que fueron publicadas póstumamente en 1962 como "La historia de mi vida." 20 Jarrón diseñado por Henry Van de Velde. Realizado por Reinhold Henke.1902. Plato de porcelana, diseñado por Henry van de Velde, para la manufactura Meissen. 1904-1905. Jarrón diseñado por Henry Van de Velde. Azulejo diseñado por Henry van de Velde.
  • 22. Léon Kann. Francia Léon Kann, nacido 1859 en Dambach-la-Ville, en la región francesa de Alsacia. Estudió escultura con Aimé Millet y el distinguido escultor Pierre Louis Rouillard. Se concentró en piezas decorativas pequeñas que expuso en los Salones de la Société des Artistes Français. Trabajó como diseñador en la fábrica de porcelana Sévres desde 1.896 a 1.915. Alejandro Sandler, director artístico de Sévres, abrazó el estilo Art Nouveau y pidió a destacados diseñadores de la época, crear nuevas formas atrevidas, esmaltes y decoración. Léon Kann fue uno de este grupo de diseñadores, que incluyó a Hector Guimard, Joseph Chéret y Henri Lassere. Los diseños brillantes de Kann capturaron a la perfección el espíritu de la época del Art Nouveau. Él estaba muy inspirado en las formas naturales y los esmaltes moteados de la cerámica asiática. Era un maestro de incorporar ingeniosamente las diferentes partes de una planta para crear zarcillos en las formas naturalistas. “Blood Vine” jarra de porcelala. Léon Kann. 1898. “Blood Vine” Un zarcillo sinuoso fluye a la perfección desde el borde de la jarra en forma de calabaza, con gracia curva hacia abajo y envuelve alrededor del cuello, las puntas como remolinos de la vid se adhieren suavemente al cuerpo bulboso. Decorado en un fantástico esmalte sang-de-boeuf con las rayas de azul intenso y de color marrón oscuro, esta porcelana es un excelente ejemplo de diseños Kann de Sévres, durante la época del Art Nouveau. Blood Vine” jarra de porcelala. Léon Kann. 1898. Detalle. Blood Vine” jarra de porcelala. Léon Kann. 1898. Detalle. 21
  • 23. Otros ceramistas reseñables M Otto Eckmann. Alemania Jarrón de gres con bronce montado. Otto Eckmann.1900. Detalle. Florero de Gres. Fachschule Teplitz. 1900. Fachschule Teplitz. Austria Florero de Gres. Fachschule Teplitz. 1900. Detalle. 22
  • 24. Atelier de Glatigny. Francia Florero de gres con montaje de metal. Atelier de Glatigny.1900. Detalle Christian Johhanes van der Hoef. Holanda Florero de gres con montaje de metal. Atelier de Glatigny.1900. Detalle Jarrón de barro. Christian Johhanes van der Hoef. 1901. Detalle 23
  • 25. Manufactura Rozenburg. Holanda Jarrón de porcelana manufacura de Rozenburg. Holanda. 1900. Detalle Manufactura Villeroy and Boch. Alemania Jarrón de loza.Manufactura Villeroy and Boch.Alemania 1904 Detalle Jarrón de loza.Manufactura Villeroy and Boch.Alemania 1904. Detalle 24
  • 26. Alexandre Bigot. Francia Jarrón de gres. Alexandre Bigot. 1900. Detalle Jarrón de gres. Alexandre Bigot. 1900. Detalle Ernest Bussière. Francia Florero Orquidea. Ernest Bussière. 1900. Detalle. Florero Orquidea. Ernest Bussière. 1900. Detalle. 25
  • 27. Marguerite Van Biesbroeck. Bélgica. Jarrón de gres. Marguerite Van Biesbroeck. Belgica.1895. Detalle Theodore Deck. Francia “Luna China”. Theodore Deck. Francia.1860 Vaso diseñado por Theodore Deck. Francia.1875 26
  • 28. Libros Recomendables e Exótica, influencias exóticas de las arte decorativas europeas. Cerámica de la casa de Amphora. 1890-1915. Richard L Scott. Monstruos y Doncellas. Byron Vreeland. Edmon Lachenal y su legado. Martin Eidelberg y Claire Cass. Clément Massier: Master of iridescence. Martin Eidelberg y Claire Cass. Novela gráfica “Las ciudades oscuras” de François Schuiten y Benoît Peeters. Publicaciones: 1983 hasta 2010. Actualmente por Norma Editorial. 27