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FILOSOFÍA DEL ARTE
D.H.A. Carlos León
Castillo Sánchez
Producción de la obra de
arte
• “La obra de arte está determinada por
el conjunto que resulta del estado
general del espíritu y de la costumbres
circundantes”
• Ejemplo:Un estado de espíritu en el que
predomine la tristeza.
• Invasiones, hambres, pestes, miseria
creciente.
• La peste negra, peste bubónica o muerte negra se
refiere a la pandemia de peste más devastadora en la
historia de la humanidad que afectó a Europa en el
siglo XIV y que alcanzó un punto máximo entre 1347
y 1353; se estima que la misma fue causa de muerte de
25 millones de personas tan solo en Europa
(aproximadamente un tercio de la población del
continente en aquel entonces) y unos 40 a 60 millones
más en Asia.
http://es.wikipedia.org/wiki/Peste_negra
• Sucede entonces que los hombres pierden el
ánimo y la esperanza y consideran la vida
como un mal.
• ¿Qué efectos de un estado de espíritu tal,
unido a las circunstancias que lo engendraron,
ejerce sobre los artistas de esta época?
• Las desgracias que aquejan al público aquejan
también al artista.
• El artista ha sido educado entre
contemporáneos melancólicos.
• La religión reinante le dice que la vida es un
mal y el único quehacer es salir de ella.
• La filosofía le demuestra que mejor es no
haber nacido.
• La conversación corriente sólo traes
acontecimientos lúgubres.
• Todas estas impresiones van penetrando en él
a lo largo de su vida hasta el último y
aumentan incesantemente la melancolía
producida por sus propios males.
• Y tanto más la aumentan cuanto más
profundamente artista sea. Lo que le hace ser
artista es el hábito de desligar en los objetos el
carácter esencial y los rasgos salientes; él
percibe el conjunto y el espíritu que lo rige. Y
como en este caso el carácter predominante es
la tristeza, la encuentra en todas las cosas.
• A causa de este exceso de imaginación de este
instinto de exageración que le son propios, la
amplifica hasta límites extremos e impregna
de ella sus obras, de manera que, por regla
general, ve y pinta todo con colores aún más
negros que lo harían sus contemporáneos.
• Hace unos tres mil años, se vio aparecer en las
costas del mar Egeo una raza inteligente y
diferente, que entendía la vida de una manera
completamente nueva.
• No se dejaban absorber por una gran
concepción religiosa a manera de indios y los
egipcios.
• Ni por una gran organización social como los
asirios y persas.
• Ni por una actividad industrial y comercial
como los fenicios y los cartagineses.
• En lugar de una teocracia y una jerarquía de
castas,
• En lugar de una monarquía y de una
jerarquía de funcionarios,
• En lugar de una organización de tráfico y
comercio.
• Los hombres de esta raza inventaron la ciudad
¿Cómo se vivía en esta
ciudad?
• El ciudadano trabaja poco con las manos.
• No tenía mucha necesidad de servicios, era
sobrio: llevaba solo una túnica corta, sandalias
y un grueso manto. Su casa era estrecha, mal
construida, poco sólida, solo contaba con un
lecho para dormir y dos o tres ánforas.
• Se pasaba todo el día al aire libre.
• No teniendo que servir ni a rey ni a sacerdote, era
libre y soberano de la ciudad.
• Elegía los magistrados y los pontífices.
• A su vez podía ser elegido para el sacerdocio o cargos
públicos.
• Juzgaba en los tribunales y decidía en las asambleas.
• Los asuntos públicos y la guerra eran su ocupación.
• Estaba obligado a ser político y soldado.
• La mayor parte de estas ciudades asentadas y
esparcidas por el mar mediterráneo, se
encontraban rodeadas de bárbaros. El
ciudadano se veía obligado a estar sobre las
armas.
• Se combatía cuerpo a cuerpo. Por tanto, lo
esencial para vencer en la guerra era hacer de
cada soldado el cuerpo más resistente, el más
fuerte, el más ágil. A este fin Esparta dio
ejemplo e impulso a toda Grecia.
• El personaje ideal a sus ojos no fue el
pensador ni el alma delicadamente sensible,
son el cuerpo desnudo, de buena raza,
proporcionado, activo, consumado en todos los
ejercicios.
• Sus grandes fiestas nacionales, los juegos
olímpicos, venían a ser la ostentación del
cuerpo humano. Los jóvenes despojados de
sus túnicas, luchaban, boxeaban, lanzaban el
disco, hacían carreras a pie o de carros.
• En Homero, se menciona que los dioses tienen un
cuerpo humano, carne que las lanzas pueden
desgarrar, una sangre roja que corre, instintos,
cóleras, placeres parecidos a los nuestros, hasta el
punto que los héroes se convierten en parejas de
las diosas y los dioses tienen hijos mortales. Lo
único que nos aventajan es que la muerte los
respeta y en que son más fuertes, más hermosos y
felices que nosotros.
• De esta concepción nace la estatuaria:
• El atleta coronado tiene derecho a una estatua,
si es coronado tres veces, a una estatua
icónica.
Mirón
El discóbolo,
450 a.C.
Copia romana de
mármol del bronce
Original, 155 cm de
altura.
Museo Nacional
Romano, Roma.
• Les llamaba más la atención y preferían
aquellas formas y actitudes que expresaban
vigor, la salud y la actividad.
• Durante trescientos o cuatrocientos años han
corregido, depurado y desarrollado su idea de la
belleza física. Nada de extraño es que llegasen al fin a
descubrir el modelo ideal del cuerpo humano.
Auriga
475 a.C.
Hallado en Delfos,
Bronce, 180 cm de
Altura.
Museo Arqueológico,
Delfos.
Praxíteles,
Hermes con Dionisio
niño, 340 a.C.
Mármol, 213 cm de
altura.
Museo Arqueológico,
Olimpia.
Apolo de Belvedere, 350 a.C.
Copia romana en mármol de un original
Griego, 224 cm de altura.
Museo Pio Clementino, Vaticano.
Venus de Milo,
200 a.C.
Mármol 202 cm de
altura.
Museo del Louvre, París.
Hegesandro,
Atenodoro y Polídoro
de Rodas.
Laocoonte y sus hijos,
175-150 a.C.
Mármol, 242 cm de
altura.
Museo Pio Clementino
,Vaticano.
No sólo la forma es perfecta en ellas, sino
también, es suficiente para expresar el
sentimiento del artista. Dejando sin pupila a los
ojos y a veces la cara sin expresión.
Prefieren los personajes tranquilos u ocupados en
una acción sencilla, que no emplea más que un color
uniforme, el del bronce o del mármol, que deja a la
pintura la gracia pintoresca; a la literatura, el
interés dramático;
que, encadenada, pero ennoblecida por la
naturaleza de sus materiales y por la limitación de
sus dominios, evita la representación de las
particularidades, de la fisonomía, de los accidentes,
de las agitaciones humanas, para desligar la forma
abstracta y pura y hacer brillar en sus santuarios la
blancura inmóvil de las pacíficas y augustas efigies
en la que el género humano reconoce a sus héroes y
a sus dioses.
•GRACIAS
El arte románico se originó de dos
fuerzas que primeramente chocaron y
más tarde se unieron en una misma
idea: por una parte el cristianismo
romano y por otra las tribus bárbaras.
El monje debía ser un ejemplo para la
sociedad, por ello el exterior del
monasterio y de su iglesia serán
severos.
En cambio el interior y como un
tributo a la divinidad se engalanará
con esplendor y magnificencia.
Este arte fue producto de un cambio social
notable que se operó en Europa hacia fines
del siglo XII, cuando las antiguas villas se
convirtieron en verdaderas ciudades.
Al siglo XIII, se le ha llamado el siglo de la
burguesía, pues el enfrentamiento entre la
nobleza de sangre y la del dinero fue
notable y las más altas manifestaciones
artísticas del gótico fueron obra de la clase
burguesa.
En la escultura gótica es un símbolo de la
individualidad que el hombre va
adquiriendo, pues el humanismo
franciscano va descubriendo en el
individuo que él es el centro de la creación.
La Pintura del Renacimiento
en Italia
• Comprende el último cuarto del siglo XV y los primeros
treinta o cuarenta años del XVI.
• Miguel Ángel Tiziano
• Leonardo da Vinci Sebastiano del Piombo
• Rafael El Corregio
• Andrea del Sarto Massaccio
• Fra Bartolommeo,
• Giorgione
Escuela de Venecia
• El verdadero objeto del arte es el cuerpo
humano
Vasari
Masaccio
La Santísima Trinidad
1425-1428. Fresco 667 x 317 cm
Iglesia de Santa María Novella,
Florencia.
Tommaso di ser Giovanni di Mone
Cassai llamado Masaccio (San
Giovanni in Altura, hoy San Giovanni
Valdarno, Arezzo, 21 de diciembre de
1401 – Roma, otoño de 1428) fue un
pintor cuatrocentista italiano. A
pesar de la brevedad de su vida, su
obra tuvo una importancia decisiva
en la historia de la pintura:
generalmente se considera que fue el
primero en aplicar a la pintura las
leyes de la perspectiva científica,
desarrolladas por Brunelleschi
La expulsión de Adán y Eva del paraíso
terrenal, antes y después de la
restauración.
Miguel Ángel
Miguel Ángel
Miguel Ángel
La monalisa (La Gioconda),
1503-1506
Óleo sobre tabla, 77 x 53 cm
Museo del Louvre,
París , Francia.
La dama del armiño (La dama
con l'ermellino), 1488-1490
Óleo sobre tabla, 54,8 x 40,3 cm
Museo Czartoryski
Cracovia, Polonia
La belle ferronière, 1490-1495
Óleo sobre tabla 62 x 44 cm
Museo del Louvre,
París, Francia.
La Última Cena (L'ultima cena), 1494-1498
Temple y óleo sobre yeso , 460 x 880 cm
Santa María de las Gracias , Milán, Italia.
Santa Ana, con la Virgen y el Niño,
1510-13
Óleo sobre tabla, 168 x 130 cm
Museo del Louvre
París , Francia.
La Anunciación, 1472-1475
Óleo y temple sobre tabla 98 x 217 cm
Galería Uffizi, Florencia, Italia.
La Virgen de las Rocas , 1483-1486
Óleo sobre tabla, 199 x 122 cm
Museo del Louvre,
París , Francia.
Madona Benois (Madonna Benois)
1478-82
Óleo sobre tabla pasado a lienzo
48 x 31 cm
Museo del Hermitage,
San Petersburgo, Rusia.
Baco (Bacco) 1510-1515
Óleo sobre tabla transferido
a lienzo
177 x 115 cm Museo del
Louvre, París, Francia.
Leda y el cisne , 1515-1520,
Temple graso sobre tabla
112 x 86 cm
Galería Borghese,
Roma, Italia.
San Juan Bautista (San Giovanni
Battista)
1508-1513
Óleo sobre tabla, 69 x 57 cm
Museo del Louvre
París, Francia.
RAFAEL
1483- 1520
Rafael
Rafael
Andrea del Sarto
• (Florencia, 16 de julio
de 1486 - 21 de enero
de 1531), fue un
pintor italiano de
estilo manierista
Autorretrato, ~ 1528, Florencia, Galería Uffizi
Virgen con niño y San Juan niño, ~
1515, Roma, Galería Borghese.
Retrato de escultor, ~ 1518,
Londres, National Gallery
Fray Bartolomeo
• (Savignano di Prato,
Toscana; 28 de marzo de
1472 - Florencia; 31 de
octubre de 1517) es
considerado uno de los
grandes artistas del
Renacimiento en Florencia.
Su nombre original era
Baccio della Porta,
tomando el nombre de
Fray Bartolomeo en el año
1500 cuando llegó a la
orden Dominicana.
La visión de san San Bernardo pintado hacia
1504 (Galería Uffizi).
Presentación en el Templo
(1516)
Kunsthistorisches
Museum, Viena
Retablo de la catedral de
Besançon, 1511-1512. Catedral
de Besançon.
Giorgione
• Giorgio Barbarelli da
Castelfranco más conocido
como Giorgione,
(Castelfranco Véneto; h.
1477 - Venecia, 1510),
pintor italiano,
representante destacado
de la escuela veneciana. Es
conocido por la poética
calidad de su trabajo y por
el hecho de que se conoce
con certeza la autoría de
muy pocas de sus obras
(aprox. 6),
Autorretrato atribuido a Giorgione del museo
Herzog Anton Ulrich de Brunswick (Alemania).
Judith (Museo del Hermitage de San
Petersburgo).
Retrato de un
joven
(posiblemente
Antonio
Broccardo)
(Museo de
Bellas Artes de
Budapest).
Tiziano
• Tiziano o Ticiano
(Pieve di Cadore,
Belluno, Véneto, hacia
1477/1490 - Venecia,
27 de agosto de
1576), fue un pintor
italiano del
Renacimiento, uno de
los mayores
exponentes de la
escuela veneciana.
Detalle del Autorretrato de Tiziano,
pintado hacia 1567 (Museo del Prado).
En este retrato (h. 1510)
tradicionalmente se
reconoce a Ariosto. El
modelo, que parece girarse
para mirar fijamente al
observador con gesto
desdeñoso y seguro de sí
mismo, fue usado por
Rembrandt como pauta de
sus autorretratos (National
Gallery de Londres)
Flora, (1515), sirve como
representación del ideal de belleza
renacentista (Galería Uffizi).
Le llevó a Tiziano dos años (1516-18)
completar la Asunción de la Virgen de Santa
María dei Frari, cuya dinámica composición
triangular y viveza de colores lo convirtió en el
más clásico de los pintores fuera de Roma.
Sebastiano del Piombo
• Sebastiano Luciani (Venecia,
1485 - Roma, 21 de junio de
1547), más conocido como
Sebastiano del Piombo, por
haber ocupado a partir de
1531 el cargo de
responsable de los sellos de
plomo —piombo en
italiano— del Vaticano, fue
un pintor italiano, protegido
por Miguel Ángel y uno de
los más admirados e
influyentes del
Renacimiento. Piedad de Sebastiano del Piombo. Museo
Cívico de Viterbo
Cristóbal Colón de Sebastiano del
Piombo, 1519, (Nueva York,
Metropolitan Museum).
Sagrada Familia con Santa Catalina, San Sebastián y un donante, hacia 1507-1508,
museo del Louvre. La obra se relaciona con su etapa veneciana y está influida por las
composiciones de Bellini y el estilo de Giorgione.
Sacra conversazione, ca 1511, Iglesia
de San Juan Crisóstomo, Venecia
Antonio Allegri da Correggio
• Antonio Allegri da
Correggio (Correggio,
cerca de Reggio Emilia,
agosto de 1489 – ibídem,
5 de marzo de 1534) fue
un pintor italiano del
Renacimiento, dentro de
la escuela de Parma que
se desarrolló en la corte
de los Farnesio durante
el apogeo del
Manierismo en Italia.
Cúpula de la catedral de Parma, obra maestra
de Correggio.
Ío y Zeus, hacia 1531–1532, óleo sobre lienzo,
163,5 x 74 cm, Museo de Historia del Arte de
Viena.
Las condiciones primarias
• La imaginación del italiano es clásica, es decir,
latina, análoga a la de los antiguos griegos y
romanos; prueba de ello son no sólo las obras
de su Renacimiento, esculturas, edificios y
pintura, sino también su arquitectura de la
Edad Media.
• En Italia se ve a los príncipes del
comercio y a los del Estado reunir
en torno suyo a filósofos, artistas,
sabios.
Condiciones Secundarias
• Tres condiciones son necesarias para que el
hombre pueda apreciar y producir pintura:
1.- Es preciso primero que sea cultivado
2.- Que tenga paz
3.- Bienestar económico
• En el siglo XV si se compara Italia con las
otras naciones de Europa, la
encontrarán mucho más sabia, mucho
más rica, mucho más educada, mucho
más capaz de embellecer su vida, es
decir, de apreciar y producir obras de
arte.
• El italiano infunde belleza y armonía a las
cosas más vulgares, y encuadra en una
decoración noble y voluptuosa objetos que
ya son bellos por sí mismos.
El Caballero perfecto en Italia
• Instruido en letras
• Que sepa además de la lengua latina
el griego
• Diestro en escribir en verso y prosa
• Que sea músico y tocar varios
instrumentos
• Dibujar y el conocimiento de la
pintura
• Que sepa bailar
• Limpio y cuidadoso al vestir
• Expresarse con palabras agradables
La Dama perfecta en Italia
• Afabilidad amable
• Pueda departir graciosamente con
toda clase de personas
• Conversación agradable, honesta y
adecuada al tiempo, al lugar y a la
calidad de la persona
• Porte tranquilo y modesto
• Viveza de espíritu que la aleje de
toda torpeza
El cuerpo humano
• Los hombres de esta época se
ven obligados a interesarse
en el cuerpo, los músculos y
en las diferentes actitudes
que presenta la persona en
movimiento. Un hombre no
importando su rango, tenía
que ser hombre de armas,
tenía que saber manejar la
espada y el cuchillo para
defenderse; por tanto sin
darse cuenta, imprime en su
memoria todas las formas y
todas las actitudes del cuerpo
en acción y combate.
• Los gustos pintorescos de la época
no eran propios solamente de los
nobles y de los ricos, el pueblo
también los tenía.
• La gente de talento nunca
demuestran tener tanto como
cuando se encuentran juntas.
• Para tener obras de
arte, son necesarios
primero los artistas,
pero también los
talleres. Los alumnos
son aprendices que
forman parte de la
vida y de la gloria del
maestro.
Talleres de arte
• Un niño en la escuela aprendía a leer y escribir y un
poco de ortografía; luego a los 12 o 13 años, iba a la
casa del pintor; del orfebre, del arquitecto, del
escultor; de ordinario, el maestro era todo a la vez, y
el joven estudiaba bajo su dirección, no un
fragmento del arte, sino todo el arte. Trabajaba para
él, hacía las cosas fáciles, el fondo de los cuadros, los
pequeños adornos, los personajes secundarios;
participaba en la obra maestra y se interesaba en ella
como si fuera propia; era el hijo y el criado de la casa.
Patriotismo regional
• Hablan con orgullo
de su “gloriosa
escuela florentina”.
Acuden los hombres
famosos de todas las
artes, especialmente
de la pintura, debido
a que en esta ciudad
se estimula al artista
con tres cosas:
• la primera es la crítica, fuerte y repetida, pues el aire
del país hace que los espíritus sean libres por
naturaleza y no puedan contentarse con obras
simplemente mediocres, prestando atención a lo
bueno y a lo bello más que al nombre del autor.
• La segunda es la necesidad de trabajar para vivir, lo
que quiere decir que es necesario producir
incesantemente obras y mostrarse diestro y rápido
en el trabajo.
• La tercera es una cierta avidez de gloria y de honor,
que el ambiente del país engendra y acrecienta en
los hombres de todas las profesiones y que les hace
rebelarse contra la idea de que son iguales a aquellos
que reconocen como maestros.
Conclusión
• Un estado de espíritu pictórico, es decir,
situado entre las ideas puras y las imágenes
puras, unos caracteres enérgicos y unas
costumbres violentas, capaces de
proporcionar el conocimiento y el gusto de las
formas corpóreas bellas: he ahí las
circunstancias temporales que unidas a la
aptitud innata de los italianos, han producido
en ese país la espléndida y perfecta pintura
del cuerpo humano.

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  • 1. FILOSOFÍA DEL ARTE D.H.A. Carlos León Castillo Sánchez
  • 2. Producción de la obra de arte • “La obra de arte está determinada por el conjunto que resulta del estado general del espíritu y de la costumbres circundantes”
  • 3. • Ejemplo:Un estado de espíritu en el que predomine la tristeza. • Invasiones, hambres, pestes, miseria creciente.
  • 4. • La peste negra, peste bubónica o muerte negra se refiere a la pandemia de peste más devastadora en la historia de la humanidad que afectó a Europa en el siglo XIV y que alcanzó un punto máximo entre 1347 y 1353; se estima que la misma fue causa de muerte de 25 millones de personas tan solo en Europa (aproximadamente un tercio de la población del continente en aquel entonces) y unos 40 a 60 millones más en Asia. http://es.wikipedia.org/wiki/Peste_negra
  • 5. • Sucede entonces que los hombres pierden el ánimo y la esperanza y consideran la vida como un mal.
  • 6. • ¿Qué efectos de un estado de espíritu tal, unido a las circunstancias que lo engendraron, ejerce sobre los artistas de esta época?
  • 7. • Las desgracias que aquejan al público aquejan también al artista. • El artista ha sido educado entre contemporáneos melancólicos. • La religión reinante le dice que la vida es un mal y el único quehacer es salir de ella. • La filosofía le demuestra que mejor es no haber nacido. • La conversación corriente sólo traes acontecimientos lúgubres.
  • 8. • Todas estas impresiones van penetrando en él a lo largo de su vida hasta el último y aumentan incesantemente la melancolía producida por sus propios males.
  • 9. • Y tanto más la aumentan cuanto más profundamente artista sea. Lo que le hace ser artista es el hábito de desligar en los objetos el carácter esencial y los rasgos salientes; él percibe el conjunto y el espíritu que lo rige. Y como en este caso el carácter predominante es la tristeza, la encuentra en todas las cosas.
  • 10. • A causa de este exceso de imaginación de este instinto de exageración que le son propios, la amplifica hasta límites extremos e impregna de ella sus obras, de manera que, por regla general, ve y pinta todo con colores aún más negros que lo harían sus contemporáneos.
  • 11. • Hace unos tres mil años, se vio aparecer en las costas del mar Egeo una raza inteligente y diferente, que entendía la vida de una manera completamente nueva.
  • 12.
  • 13. • No se dejaban absorber por una gran concepción religiosa a manera de indios y los egipcios. • Ni por una gran organización social como los asirios y persas. • Ni por una actividad industrial y comercial como los fenicios y los cartagineses.
  • 14. • En lugar de una teocracia y una jerarquía de castas, • En lugar de una monarquía y de una jerarquía de funcionarios, • En lugar de una organización de tráfico y comercio.
  • 15. • Los hombres de esta raza inventaron la ciudad
  • 16. ¿Cómo se vivía en esta ciudad? • El ciudadano trabaja poco con las manos. • No tenía mucha necesidad de servicios, era sobrio: llevaba solo una túnica corta, sandalias y un grueso manto. Su casa era estrecha, mal construida, poco sólida, solo contaba con un lecho para dormir y dos o tres ánforas.
  • 17. • Se pasaba todo el día al aire libre. • No teniendo que servir ni a rey ni a sacerdote, era libre y soberano de la ciudad. • Elegía los magistrados y los pontífices. • A su vez podía ser elegido para el sacerdocio o cargos públicos. • Juzgaba en los tribunales y decidía en las asambleas. • Los asuntos públicos y la guerra eran su ocupación. • Estaba obligado a ser político y soldado.
  • 18. • La mayor parte de estas ciudades asentadas y esparcidas por el mar mediterráneo, se encontraban rodeadas de bárbaros. El ciudadano se veía obligado a estar sobre las armas.
  • 19. • Se combatía cuerpo a cuerpo. Por tanto, lo esencial para vencer en la guerra era hacer de cada soldado el cuerpo más resistente, el más fuerte, el más ágil. A este fin Esparta dio ejemplo e impulso a toda Grecia.
  • 20. • El personaje ideal a sus ojos no fue el pensador ni el alma delicadamente sensible, son el cuerpo desnudo, de buena raza, proporcionado, activo, consumado en todos los ejercicios.
  • 21. • Sus grandes fiestas nacionales, los juegos olímpicos, venían a ser la ostentación del cuerpo humano. Los jóvenes despojados de sus túnicas, luchaban, boxeaban, lanzaban el disco, hacían carreras a pie o de carros.
  • 22. • En Homero, se menciona que los dioses tienen un cuerpo humano, carne que las lanzas pueden desgarrar, una sangre roja que corre, instintos, cóleras, placeres parecidos a los nuestros, hasta el punto que los héroes se convierten en parejas de las diosas y los dioses tienen hijos mortales. Lo único que nos aventajan es que la muerte los respeta y en que son más fuertes, más hermosos y felices que nosotros.
  • 23.
  • 24. • De esta concepción nace la estatuaria: • El atleta coronado tiene derecho a una estatua, si es coronado tres veces, a una estatua icónica.
  • 25. Mirón El discóbolo, 450 a.C. Copia romana de mármol del bronce Original, 155 cm de altura. Museo Nacional Romano, Roma.
  • 26. • Les llamaba más la atención y preferían aquellas formas y actitudes que expresaban vigor, la salud y la actividad.
  • 27. • Durante trescientos o cuatrocientos años han corregido, depurado y desarrollado su idea de la belleza física. Nada de extraño es que llegasen al fin a descubrir el modelo ideal del cuerpo humano.
  • 28.
  • 29. Auriga 475 a.C. Hallado en Delfos, Bronce, 180 cm de Altura. Museo Arqueológico, Delfos.
  • 30.
  • 31. Praxíteles, Hermes con Dionisio niño, 340 a.C. Mármol, 213 cm de altura. Museo Arqueológico, Olimpia.
  • 32. Apolo de Belvedere, 350 a.C. Copia romana en mármol de un original Griego, 224 cm de altura. Museo Pio Clementino, Vaticano.
  • 33. Venus de Milo, 200 a.C. Mármol 202 cm de altura. Museo del Louvre, París.
  • 34. Hegesandro, Atenodoro y Polídoro de Rodas. Laocoonte y sus hijos, 175-150 a.C. Mármol, 242 cm de altura. Museo Pio Clementino ,Vaticano.
  • 35. No sólo la forma es perfecta en ellas, sino también, es suficiente para expresar el sentimiento del artista. Dejando sin pupila a los ojos y a veces la cara sin expresión.
  • 36. Prefieren los personajes tranquilos u ocupados en una acción sencilla, que no emplea más que un color uniforme, el del bronce o del mármol, que deja a la pintura la gracia pintoresca; a la literatura, el interés dramático;
  • 37. que, encadenada, pero ennoblecida por la naturaleza de sus materiales y por la limitación de sus dominios, evita la representación de las particularidades, de la fisonomía, de los accidentes, de las agitaciones humanas, para desligar la forma abstracta y pura y hacer brillar en sus santuarios la blancura inmóvil de las pacíficas y augustas efigies en la que el género humano reconoce a sus héroes y a sus dioses.
  • 39.
  • 40.
  • 41. El arte románico se originó de dos fuerzas que primeramente chocaron y más tarde se unieron en una misma idea: por una parte el cristianismo romano y por otra las tribus bárbaras.
  • 42.
  • 43. El monje debía ser un ejemplo para la sociedad, por ello el exterior del monasterio y de su iglesia serán severos.
  • 44.
  • 45. En cambio el interior y como un tributo a la divinidad se engalanará con esplendor y magnificencia.
  • 46.
  • 47. Este arte fue producto de un cambio social notable que se operó en Europa hacia fines del siglo XII, cuando las antiguas villas se convirtieron en verdaderas ciudades.
  • 48. Al siglo XIII, se le ha llamado el siglo de la burguesía, pues el enfrentamiento entre la nobleza de sangre y la del dinero fue notable y las más altas manifestaciones artísticas del gótico fueron obra de la clase burguesa.
  • 49.
  • 50. En la escultura gótica es un símbolo de la individualidad que el hombre va adquiriendo, pues el humanismo franciscano va descubriendo en el individuo que él es el centro de la creación.
  • 51.
  • 52.
  • 53.
  • 54. La Pintura del Renacimiento en Italia • Comprende el último cuarto del siglo XV y los primeros treinta o cuarenta años del XVI. • Miguel Ángel Tiziano • Leonardo da Vinci Sebastiano del Piombo • Rafael El Corregio • Andrea del Sarto Massaccio • Fra Bartolommeo, • Giorgione
  • 55. Escuela de Venecia • El verdadero objeto del arte es el cuerpo humano Vasari
  • 56. Masaccio La Santísima Trinidad 1425-1428. Fresco 667 x 317 cm Iglesia de Santa María Novella, Florencia. Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio (San Giovanni in Altura, hoy San Giovanni Valdarno, Arezzo, 21 de diciembre de 1401 – Roma, otoño de 1428) fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi
  • 57. La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal, antes y después de la restauración.
  • 60.
  • 62.
  • 63.
  • 64. La monalisa (La Gioconda), 1503-1506 Óleo sobre tabla, 77 x 53 cm Museo del Louvre, París , Francia.
  • 65.
  • 66. La dama del armiño (La dama con l'ermellino), 1488-1490 Óleo sobre tabla, 54,8 x 40,3 cm Museo Czartoryski Cracovia, Polonia
  • 67. La belle ferronière, 1490-1495 Óleo sobre tabla 62 x 44 cm Museo del Louvre, París, Francia.
  • 68. La Última Cena (L'ultima cena), 1494-1498 Temple y óleo sobre yeso , 460 x 880 cm Santa María de las Gracias , Milán, Italia.
  • 69. Santa Ana, con la Virgen y el Niño, 1510-13 Óleo sobre tabla, 168 x 130 cm Museo del Louvre París , Francia.
  • 70. La Anunciación, 1472-1475 Óleo y temple sobre tabla 98 x 217 cm Galería Uffizi, Florencia, Italia.
  • 71. La Virgen de las Rocas , 1483-1486 Óleo sobre tabla, 199 x 122 cm Museo del Louvre, París , Francia.
  • 72. Madona Benois (Madonna Benois) 1478-82 Óleo sobre tabla pasado a lienzo 48 x 31 cm Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia.
  • 73. Baco (Bacco) 1510-1515 Óleo sobre tabla transferido a lienzo 177 x 115 cm Museo del Louvre, París, Francia.
  • 74. Leda y el cisne , 1515-1520, Temple graso sobre tabla 112 x 86 cm Galería Borghese, Roma, Italia.
  • 75. San Juan Bautista (San Giovanni Battista) 1508-1513 Óleo sobre tabla, 69 x 57 cm Museo del Louvre París, Francia.
  • 78.
  • 80.
  • 81. Andrea del Sarto • (Florencia, 16 de julio de 1486 - 21 de enero de 1531), fue un pintor italiano de estilo manierista Autorretrato, ~ 1528, Florencia, Galería Uffizi
  • 82. Virgen con niño y San Juan niño, ~ 1515, Roma, Galería Borghese.
  • 83. Retrato de escultor, ~ 1518, Londres, National Gallery
  • 84. Fray Bartolomeo • (Savignano di Prato, Toscana; 28 de marzo de 1472 - Florencia; 31 de octubre de 1517) es considerado uno de los grandes artistas del Renacimiento en Florencia. Su nombre original era Baccio della Porta, tomando el nombre de Fray Bartolomeo en el año 1500 cuando llegó a la orden Dominicana. La visión de san San Bernardo pintado hacia 1504 (Galería Uffizi).
  • 85. Presentación en el Templo (1516) Kunsthistorisches Museum, Viena
  • 86. Retablo de la catedral de Besançon, 1511-1512. Catedral de Besançon.
  • 87. Giorgione • Giorgio Barbarelli da Castelfranco más conocido como Giorgione, (Castelfranco Véneto; h. 1477 - Venecia, 1510), pintor italiano, representante destacado de la escuela veneciana. Es conocido por la poética calidad de su trabajo y por el hecho de que se conoce con certeza la autoría de muy pocas de sus obras (aprox. 6), Autorretrato atribuido a Giorgione del museo Herzog Anton Ulrich de Brunswick (Alemania).
  • 88. Judith (Museo del Hermitage de San Petersburgo). Retrato de un joven (posiblemente Antonio Broccardo) (Museo de Bellas Artes de Budapest).
  • 89. Tiziano • Tiziano o Ticiano (Pieve di Cadore, Belluno, Véneto, hacia 1477/1490 - Venecia, 27 de agosto de 1576), fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la escuela veneciana. Detalle del Autorretrato de Tiziano, pintado hacia 1567 (Museo del Prado).
  • 90. En este retrato (h. 1510) tradicionalmente se reconoce a Ariosto. El modelo, que parece girarse para mirar fijamente al observador con gesto desdeñoso y seguro de sí mismo, fue usado por Rembrandt como pauta de sus autorretratos (National Gallery de Londres)
  • 91. Flora, (1515), sirve como representación del ideal de belleza renacentista (Galería Uffizi).
  • 92. Le llevó a Tiziano dos años (1516-18) completar la Asunción de la Virgen de Santa María dei Frari, cuya dinámica composición triangular y viveza de colores lo convirtió en el más clásico de los pintores fuera de Roma.
  • 93. Sebastiano del Piombo • Sebastiano Luciani (Venecia, 1485 - Roma, 21 de junio de 1547), más conocido como Sebastiano del Piombo, por haber ocupado a partir de 1531 el cargo de responsable de los sellos de plomo —piombo en italiano— del Vaticano, fue un pintor italiano, protegido por Miguel Ángel y uno de los más admirados e influyentes del Renacimiento. Piedad de Sebastiano del Piombo. Museo Cívico de Viterbo
  • 94. Cristóbal Colón de Sebastiano del Piombo, 1519, (Nueva York, Metropolitan Museum).
  • 95. Sagrada Familia con Santa Catalina, San Sebastián y un donante, hacia 1507-1508, museo del Louvre. La obra se relaciona con su etapa veneciana y está influida por las composiciones de Bellini y el estilo de Giorgione.
  • 96. Sacra conversazione, ca 1511, Iglesia de San Juan Crisóstomo, Venecia
  • 97. Antonio Allegri da Correggio • Antonio Allegri da Correggio (Correggio, cerca de Reggio Emilia, agosto de 1489 – ibídem, 5 de marzo de 1534) fue un pintor italiano del Renacimiento, dentro de la escuela de Parma que se desarrolló en la corte de los Farnesio durante el apogeo del Manierismo en Italia. Cúpula de la catedral de Parma, obra maestra de Correggio.
  • 98. Ío y Zeus, hacia 1531–1532, óleo sobre lienzo, 163,5 x 74 cm, Museo de Historia del Arte de Viena.
  • 99. Las condiciones primarias • La imaginación del italiano es clásica, es decir, latina, análoga a la de los antiguos griegos y romanos; prueba de ello son no sólo las obras de su Renacimiento, esculturas, edificios y pintura, sino también su arquitectura de la Edad Media.
  • 100. • En Italia se ve a los príncipes del comercio y a los del Estado reunir en torno suyo a filósofos, artistas, sabios.
  • 101. Condiciones Secundarias • Tres condiciones son necesarias para que el hombre pueda apreciar y producir pintura: 1.- Es preciso primero que sea cultivado 2.- Que tenga paz 3.- Bienestar económico
  • 102. • En el siglo XV si se compara Italia con las otras naciones de Europa, la encontrarán mucho más sabia, mucho más rica, mucho más educada, mucho más capaz de embellecer su vida, es decir, de apreciar y producir obras de arte.
  • 103. • El italiano infunde belleza y armonía a las cosas más vulgares, y encuadra en una decoración noble y voluptuosa objetos que ya son bellos por sí mismos.
  • 104. El Caballero perfecto en Italia • Instruido en letras • Que sepa además de la lengua latina el griego • Diestro en escribir en verso y prosa • Que sea músico y tocar varios instrumentos • Dibujar y el conocimiento de la pintura • Que sepa bailar • Limpio y cuidadoso al vestir • Expresarse con palabras agradables
  • 105. La Dama perfecta en Italia • Afabilidad amable • Pueda departir graciosamente con toda clase de personas • Conversación agradable, honesta y adecuada al tiempo, al lugar y a la calidad de la persona • Porte tranquilo y modesto • Viveza de espíritu que la aleje de toda torpeza
  • 106. El cuerpo humano • Los hombres de esta época se ven obligados a interesarse en el cuerpo, los músculos y en las diferentes actitudes que presenta la persona en movimiento. Un hombre no importando su rango, tenía que ser hombre de armas, tenía que saber manejar la espada y el cuchillo para defenderse; por tanto sin darse cuenta, imprime en su memoria todas las formas y todas las actitudes del cuerpo en acción y combate.
  • 107. • Los gustos pintorescos de la época no eran propios solamente de los nobles y de los ricos, el pueblo también los tenía.
  • 108. • La gente de talento nunca demuestran tener tanto como cuando se encuentran juntas.
  • 109. • Para tener obras de arte, son necesarios primero los artistas, pero también los talleres. Los alumnos son aprendices que forman parte de la vida y de la gloria del maestro. Talleres de arte
  • 110. • Un niño en la escuela aprendía a leer y escribir y un poco de ortografía; luego a los 12 o 13 años, iba a la casa del pintor; del orfebre, del arquitecto, del escultor; de ordinario, el maestro era todo a la vez, y el joven estudiaba bajo su dirección, no un fragmento del arte, sino todo el arte. Trabajaba para él, hacía las cosas fáciles, el fondo de los cuadros, los pequeños adornos, los personajes secundarios; participaba en la obra maestra y se interesaba en ella como si fuera propia; era el hijo y el criado de la casa.
  • 111. Patriotismo regional • Hablan con orgullo de su “gloriosa escuela florentina”. Acuden los hombres famosos de todas las artes, especialmente de la pintura, debido a que en esta ciudad se estimula al artista con tres cosas:
  • 112. • la primera es la crítica, fuerte y repetida, pues el aire del país hace que los espíritus sean libres por naturaleza y no puedan contentarse con obras simplemente mediocres, prestando atención a lo bueno y a lo bello más que al nombre del autor.
  • 113. • La segunda es la necesidad de trabajar para vivir, lo que quiere decir que es necesario producir incesantemente obras y mostrarse diestro y rápido en el trabajo. • La tercera es una cierta avidez de gloria y de honor, que el ambiente del país engendra y acrecienta en los hombres de todas las profesiones y que les hace rebelarse contra la idea de que son iguales a aquellos que reconocen como maestros.
  • 114. Conclusión • Un estado de espíritu pictórico, es decir, situado entre las ideas puras y las imágenes puras, unos caracteres enérgicos y unas costumbres violentas, capaces de proporcionar el conocimiento y el gusto de las formas corpóreas bellas: he ahí las circunstancias temporales que unidas a la aptitud innata de los italianos, han producido en ese país la espléndida y perfecta pintura del cuerpo humano.

Notas del editor

  1. Po