El documento describe la invención del concepto moderno de arte en el siglo XVIII. Se establecieron tres divisiones clave: 1) entre bellas artes y artesanía, 2) entre artistas y artesanos, y 3) entre placer estético y placer funcional. Antes del siglo XVIII, el término "arte" se refería a toda actividad humana con habilidad, pero la nueva categoría de bellas artes reclamó una actitud contemplativa separada del contexto funcional. El documento argumenta que la noción moderna de arte es una
Este documento explora conceptos básicos del arte como qué es el arte, cómo se mira una obra de arte, y las relaciones entre el arte, la sociedad y la comunicación. Explica que el arte es una actividad creativa del ser humano que expresa una determinada percepción de la realidad, y que para aprender a mirar una obra de arte se requiere un proceso de formación. También discute cómo el arte refleja la vida de su época y pertenece a la sociedad, y cómo el arte utiliza diferentes lenguajes y códigos para comunicar mensajes.
El documento resume la evolución histórica del concepto de arte. En la antigüedad, el arte se refería a cualquier destreza o habilidad técnica, incluyendo oficios manuales y algunas ciencias. Más tarde, surgió la distinción entre artes liberales y artes mecánicas. En la Edad Moderna, el concepto empezó a asociarse con la belleza estética y la creatividad. Finalmente, en la actualidad no existe una definición única del arte, sino diferentes teorías sobre su naturaleza y propós
Este documento presenta una introducción al concepto de arte. Explica que la definición de arte ha sido subjetiva y discutible a lo largo de la historia. Se revisan diferentes perspectivas sobre el arte a través de los tiempos, desde la antigüedad hasta la actualidad, incluyendo las artes consideradas y su clasificación. Finalmente, ofrece algunas definiciones de arte propuestas por diferentes autores.
Ha1.1 introduccion a la Historia del Artejavier mejia
Este documento introduce conceptos fundamentales de la historia del arte, incluyendo definiciones de arte, obra de arte e historia del arte. Explica que la historia del arte estudia los hechos históricos relevantes en el arte, los artistas y sus creaciones. También describe métodos para entender el arte como el artista, su entorno y época; la técnica; la forma visible; la intención artística; e interpretación del espectador. Finalmente, presenta ejemplos de diferentes técnicas artísticas como el dibujo, pintura, escult
El documento habla sobre el arte acción y cómo involucra a todos sin importar dónde se realice o quién lo haga, con el objetivo de comunicar y expresar ideas para crear arte colectivamente. Menciona que mediante el performance y actividades creativas como la música, la pintura o el payaso, las personas pueden generar nuevos mundos de pensamiento y arte, y convertirse a sí mismos en una obra expresando ideas sin necesidad de un guion.
El documento discute diversas perspectivas sobre el concepto de arte. Se mencionan las opiniones de varios teóricos como Tolstoi, Panofsky, Gombrich y Francastel, quienes consideran el arte como un sistema de signos que comunica ideas y emociones, y que está influenciado por la cultura y época del artista. También se discute la relación entre arte, belleza, mito y religión, y cómo la obra de arte puede provocar diferentes reacciones en el espectador.
Este documento resume las ideas fundamentales de la estética desde una perspectiva filosófica. Explica que la estética es la rama de la filosofía relacionada con la percepción de la belleza y si estas cualidades existen objetivamente o solo subjetivamente. Luego discute las teorías estéticas de Platón, Aristóteles y otros pensadores y define conceptos como valores estéticos y experiencia estética. Finalmente, enfatiza la importancia de desarrollar la sensibilidad estética para entender nuestra cultura y realidad.
Elliot W. Eisner es un destacado teórico estadounidense de la educación artística y estética. Aboga por incluir las artes en el currículo escolar para desarrollar aptitudes como la creatividad, la sensibilidad y la capacidad de ver el mundo desde múltiples perspectivas. Propone objetivos expresivos complementarios a los educativos para que los estudiantes se enfrenten a experiencias que cultiven su apreciación y disfrute del arte.
Este documento explora conceptos básicos del arte como qué es el arte, cómo se mira una obra de arte, y las relaciones entre el arte, la sociedad y la comunicación. Explica que el arte es una actividad creativa del ser humano que expresa una determinada percepción de la realidad, y que para aprender a mirar una obra de arte se requiere un proceso de formación. También discute cómo el arte refleja la vida de su época y pertenece a la sociedad, y cómo el arte utiliza diferentes lenguajes y códigos para comunicar mensajes.
El documento resume la evolución histórica del concepto de arte. En la antigüedad, el arte se refería a cualquier destreza o habilidad técnica, incluyendo oficios manuales y algunas ciencias. Más tarde, surgió la distinción entre artes liberales y artes mecánicas. En la Edad Moderna, el concepto empezó a asociarse con la belleza estética y la creatividad. Finalmente, en la actualidad no existe una definición única del arte, sino diferentes teorías sobre su naturaleza y propós
Este documento presenta una introducción al concepto de arte. Explica que la definición de arte ha sido subjetiva y discutible a lo largo de la historia. Se revisan diferentes perspectivas sobre el arte a través de los tiempos, desde la antigüedad hasta la actualidad, incluyendo las artes consideradas y su clasificación. Finalmente, ofrece algunas definiciones de arte propuestas por diferentes autores.
Ha1.1 introduccion a la Historia del Artejavier mejia
Este documento introduce conceptos fundamentales de la historia del arte, incluyendo definiciones de arte, obra de arte e historia del arte. Explica que la historia del arte estudia los hechos históricos relevantes en el arte, los artistas y sus creaciones. También describe métodos para entender el arte como el artista, su entorno y época; la técnica; la forma visible; la intención artística; e interpretación del espectador. Finalmente, presenta ejemplos de diferentes técnicas artísticas como el dibujo, pintura, escult
El documento habla sobre el arte acción y cómo involucra a todos sin importar dónde se realice o quién lo haga, con el objetivo de comunicar y expresar ideas para crear arte colectivamente. Menciona que mediante el performance y actividades creativas como la música, la pintura o el payaso, las personas pueden generar nuevos mundos de pensamiento y arte, y convertirse a sí mismos en una obra expresando ideas sin necesidad de un guion.
El documento discute diversas perspectivas sobre el concepto de arte. Se mencionan las opiniones de varios teóricos como Tolstoi, Panofsky, Gombrich y Francastel, quienes consideran el arte como un sistema de signos que comunica ideas y emociones, y que está influenciado por la cultura y época del artista. También se discute la relación entre arte, belleza, mito y religión, y cómo la obra de arte puede provocar diferentes reacciones en el espectador.
Este documento resume las ideas fundamentales de la estética desde una perspectiva filosófica. Explica que la estética es la rama de la filosofía relacionada con la percepción de la belleza y si estas cualidades existen objetivamente o solo subjetivamente. Luego discute las teorías estéticas de Platón, Aristóteles y otros pensadores y define conceptos como valores estéticos y experiencia estética. Finalmente, enfatiza la importancia de desarrollar la sensibilidad estética para entender nuestra cultura y realidad.
Elliot W. Eisner es un destacado teórico estadounidense de la educación artística y estética. Aboga por incluir las artes en el currículo escolar para desarrollar aptitudes como la creatividad, la sensibilidad y la capacidad de ver el mundo desde múltiples perspectivas. Propone objetivos expresivos complementarios a los educativos para que los estudiantes se enfrenten a experiencias que cultiven su apreciación y disfrute del arte.
La estética ha evolucionado a lo largo de la historia. Los griegos como Platón y Aristóteles consideraban el arte como imitación de la naturaleza o de acontecimientos humanos, buscando la belleza en la proporción y armonía. En la Edad Media, Tomás de Aquino y otros vieron el arte como símbolo para acceder a lo divino. En el Renacimiento se reivindicó la autonomía del arte y del artista. En la Ilustración surgió el término "estética" y se concibió el arte como
El documento habla sobre cómo se produce el aprendizaje artístico. Explica que este se da a través de tres dominios: productivo (desarrollo de habilidades técnicas), crítico (capacidad de analizar y comprender obras de arte) y cultural (entender el contexto e influencias de las obras). También analiza factores como la diferenciación perceptiva en niños y diversas concepciones sobre el arte infantil. Finalmente, discute la evaluación del crecimiento artístico en los niños, señalando que esta debe considerar el contexto
La instalación artística es una forma de arte contemporáneo que utiliza directamente el espacio de exposición para crear una experiencia visual o conceptual. Surge en la década de 1960 y se caracteriza por ser transitable para el espectador, quien puede interactuar con la obra. Tiene sus orígenes en los ambientes creados por artistas como Allan Kaprow en los años 50 y 60, que llenaban galerías con objetos cotidianos.
El arte y su relación con la historia y la sociedadPaulina Islas
El documento discute la relación entre el arte, la historia y la sociedad. Explica que el concepto de arte depende de cómo ve la sociedad el mundo en su época, aunque cada observador lo interpreta según sus propios valores. También señala que el arte surge en un contexto social específico e influye en la sociedad, y que analizar las obras de arte en relación con la vida en su época conduce a una comprensión más profunda.
Este documento explora varios conceptos relacionados con los valores estéticos. Discuten si los valores estéticos son objetivos o subjetivos, si se puede discutir sobre gustos, y la relación entre ética y estética. También examina la experiencia estética y la construcción social de los gustos.
El documento describe los tres dominios del aprendizaje artístico según Eliott Eisner: el dominio productivo involucra el desarrollo de habilidades técnicas y de percepción; el dominio crítico se refiere al análisis de las dimensiones de una obra de arte; y el dominio cultural implica el contexto social e histórico del arte. Luego analiza la obra y proceso creativo del pintor Paul Cézanne, destacando su estudio del paisaje montañoso y su influencia en artistas posteriores.
El documento discute cómo el arte genera conocimiento a través de la percepción y representación del mundo de maneras distintas a las ciencias. Explica que desde las pinturas rupestres del Paleolítico, el arte ha permitido entender e interpretar la historia y la relación entre humanos y naturaleza. También señala que a través del arte los artistas expresan su visión particular del mundo.
El documento clasifica las artes y explica sus definiciones. Originalmente, las artes se clasificaban como mayores o menores dependiendo de los sentidos utilizados, o como liberales o mecánicas dependiendo del uso de las manos. Hoy en día, las categorías incluyen bellas artes, artes visuales, artes plásticas, artes aplicadas, artes escénicas, artes musicales, artes literarias y artes gráficas.
El documento introduce conceptos clave sobre estética y arte como la belleza, la utilidad, y el subjetivismo. Explora las perspectivas de filósofos griegos como Platón y Sócrates sobre estas ideas, y cómo su enfoque en lo ideal difiere de las visiones subjetivas modernas donde la belleza reside en el ojo del espectador. También presenta diferentes tipos de arte y categorías estéticas como lo sublime, lo trágico y lo cómico.
La importancia de aprender a interpretar la cultura (1)lagotaenelojo
Este documento presenta ideas sobre la educación artística y la cultura visual. Propone que la educación artística conecta el arte y la educación. También discute la naturaleza interdisciplinaria de la cultura visual y cómo las representaciones artísticas reflejan concepciones culturales. Finalmente, enfatiza que el aprendizaje es un proceso social y comunicativo que involucra tanto a los estudiantes como a los profesores.
Este documento resume la historia del dibujo desde las pinturas rupestres del Paleolítico hasta el arte contemporáneo. Detalla la evolución del dibujo a través de diferentes períodos como el Renacimiento, cuando artistas como Leonardo da Vinci realizaron estudios anatómicos, y el siglo XIX cuando Goya utilizó grabados para denunciar problemas sociales. Finalmente, explica que en la actualidad el dibujo tiene infinitas posibilidades técnicas y es una práctica híbrida que incorpora diferentes lenguajes visuales.
El documento describe varias categorías estéticas como la belleza natural y artística, la fealdad, lo sublime, lo trágico, lo cómico y lo grotesco. Define cada categoría y proporciona ejemplos de obras de arte que ilustran cada una.
La performance art es una forma de arte escénica que involucra acciones en vivo del artista y frecuentemente tiene un componente de improvisación. Tuvo su origen a principios del siglo XX con los movimientos de vanguardia como el futurismo, el constructivismo y el dadaísmo. A finales de los años 60, el término "performance" comenzó a usarse para describir manifestaciones artísticas que involucraban el cuerpo del artista, el espacio y la interacción con la audiencia. Joseph Beuys fue uno de los exponentes más importantes
Los valores estéticos son estructuras de pensamiento preconfiguradas en el cerebro humano relacionadas con la belleza, armonía y equilibrio formal en el arte. Algunos valores estéticos incluyen lo gracioso, lo grandioso, lo elegante, lo sublime y lo ridículo. La fealdad y la belleza son consideradas relativas y dependientes de la cultura, no son propiedades inherentes de la naturaleza. La educación artística juega un papel importante en desarrollar una educación estética a través de las artes
Este documento discute las justificaciones contextualistas y esencialistas para enseñar arte. Los contextualistas enfatizan las consecuencias instrumentales del arte y basan los objetivos en las necesidades de los estudiantes y la sociedad. Los esencialistas destacan la contribución única del arte a la experiencia y el conocimiento humanos. También definen el arte como la comunicación de emociones o una actividad cognitiva y basada en sentimientos.
Surgió en Alemania a principios del siglo XX.
Arte expresivo y emocional que se opuso al Impresionismo. Aqui encontrará las diferentes áreas donde intervino esta tendencia junto con algunos de sus exponentes.
La cultura estética se refiere al sistema de relaciones emocionales y estéticas que establece el hombre con la naturaleza, la sociedad y el arte. Se caracteriza por permitir una construcción espiritual de la belleza a través de la sensibilidad individual y la evaluación de la realidad estética según los cánones socialmente establecidos. La educación artística y sensible es importante para la formación de las personas ya que despierta su naturaleza interna y permite que florezca su riqueza espiritual a pesar de las influencias extern
El documento resume el movimiento artístico del expresionismo surgido a principios del siglo XX en Alemania. Se manifestó en varios campos como la pintura, literatura y música, reaccionando frente al naturalismo e impresionismo y dando primacía a la expresión subjetiva sobre la descripción objetiva. Artistas como Munch, Van Gogh, Schiele y los alemanes influyeron con sus colores violentos y temas de soledad. Más adelante surgió el surrealismo en Francia influenciado por el dadaísmo y enfocado en el
El documento presenta un resumen de la teoría del arte de Worringer. Propone que existen dos tendencias en la creación artística: la abstracción y la empatía. La abstracción surge de un sentimiento de angustia ante un mundo hostil, mientras que la empatía surge de una concordia entre el ser humano y la realidad. La obra de arte es el resultado de la proyección de los sentimientos del artista. Worringer considera que ambas tendencias han existido a lo largo de la historia del arte.
Caravaggio fue un pintor italiano influyente del siglo XVI conocido por su realismo tenebrista. Comenzó su carrera en Milán y luego se mudó a Roma, donde pintó obras maestras como Los jugadores de cartas. Tuvo una vida tumultuosa llena de peleas que lo llevaron al exilio, donde continuó pintando hasta su muerte prematura en Porto Ercole. Sus obras se caracterizaron por un estilo naturalista y dramático que revolucionó el arte de su época.
Este documento lista varias obras de arte importantes de diferentes épocas y estilos, incluyendo pinturas de la Puerta de Brandeburgo, Museo del Prado, Puerta de Alcalá, Eros y Psique, Juramento de los Horacios, La muerte de Marat, Goya, Manet, Monet, Renoir, Degas, Cézanne, Gauguin, Van Gogh y Sorolla. También menciona a varios artistas impresionistas franceses del siglo XIX como Monet, Manet, Renoir, Degas, Pizarro y C
La estética ha evolucionado a lo largo de la historia. Los griegos como Platón y Aristóteles consideraban el arte como imitación de la naturaleza o de acontecimientos humanos, buscando la belleza en la proporción y armonía. En la Edad Media, Tomás de Aquino y otros vieron el arte como símbolo para acceder a lo divino. En el Renacimiento se reivindicó la autonomía del arte y del artista. En la Ilustración surgió el término "estética" y se concibió el arte como
El documento habla sobre cómo se produce el aprendizaje artístico. Explica que este se da a través de tres dominios: productivo (desarrollo de habilidades técnicas), crítico (capacidad de analizar y comprender obras de arte) y cultural (entender el contexto e influencias de las obras). También analiza factores como la diferenciación perceptiva en niños y diversas concepciones sobre el arte infantil. Finalmente, discute la evaluación del crecimiento artístico en los niños, señalando que esta debe considerar el contexto
La instalación artística es una forma de arte contemporáneo que utiliza directamente el espacio de exposición para crear una experiencia visual o conceptual. Surge en la década de 1960 y se caracteriza por ser transitable para el espectador, quien puede interactuar con la obra. Tiene sus orígenes en los ambientes creados por artistas como Allan Kaprow en los años 50 y 60, que llenaban galerías con objetos cotidianos.
El arte y su relación con la historia y la sociedadPaulina Islas
El documento discute la relación entre el arte, la historia y la sociedad. Explica que el concepto de arte depende de cómo ve la sociedad el mundo en su época, aunque cada observador lo interpreta según sus propios valores. También señala que el arte surge en un contexto social específico e influye en la sociedad, y que analizar las obras de arte en relación con la vida en su época conduce a una comprensión más profunda.
Este documento explora varios conceptos relacionados con los valores estéticos. Discuten si los valores estéticos son objetivos o subjetivos, si se puede discutir sobre gustos, y la relación entre ética y estética. También examina la experiencia estética y la construcción social de los gustos.
El documento describe los tres dominios del aprendizaje artístico según Eliott Eisner: el dominio productivo involucra el desarrollo de habilidades técnicas y de percepción; el dominio crítico se refiere al análisis de las dimensiones de una obra de arte; y el dominio cultural implica el contexto social e histórico del arte. Luego analiza la obra y proceso creativo del pintor Paul Cézanne, destacando su estudio del paisaje montañoso y su influencia en artistas posteriores.
El documento discute cómo el arte genera conocimiento a través de la percepción y representación del mundo de maneras distintas a las ciencias. Explica que desde las pinturas rupestres del Paleolítico, el arte ha permitido entender e interpretar la historia y la relación entre humanos y naturaleza. También señala que a través del arte los artistas expresan su visión particular del mundo.
El documento clasifica las artes y explica sus definiciones. Originalmente, las artes se clasificaban como mayores o menores dependiendo de los sentidos utilizados, o como liberales o mecánicas dependiendo del uso de las manos. Hoy en día, las categorías incluyen bellas artes, artes visuales, artes plásticas, artes aplicadas, artes escénicas, artes musicales, artes literarias y artes gráficas.
El documento introduce conceptos clave sobre estética y arte como la belleza, la utilidad, y el subjetivismo. Explora las perspectivas de filósofos griegos como Platón y Sócrates sobre estas ideas, y cómo su enfoque en lo ideal difiere de las visiones subjetivas modernas donde la belleza reside en el ojo del espectador. También presenta diferentes tipos de arte y categorías estéticas como lo sublime, lo trágico y lo cómico.
La importancia de aprender a interpretar la cultura (1)lagotaenelojo
Este documento presenta ideas sobre la educación artística y la cultura visual. Propone que la educación artística conecta el arte y la educación. También discute la naturaleza interdisciplinaria de la cultura visual y cómo las representaciones artísticas reflejan concepciones culturales. Finalmente, enfatiza que el aprendizaje es un proceso social y comunicativo que involucra tanto a los estudiantes como a los profesores.
Este documento resume la historia del dibujo desde las pinturas rupestres del Paleolítico hasta el arte contemporáneo. Detalla la evolución del dibujo a través de diferentes períodos como el Renacimiento, cuando artistas como Leonardo da Vinci realizaron estudios anatómicos, y el siglo XIX cuando Goya utilizó grabados para denunciar problemas sociales. Finalmente, explica que en la actualidad el dibujo tiene infinitas posibilidades técnicas y es una práctica híbrida que incorpora diferentes lenguajes visuales.
El documento describe varias categorías estéticas como la belleza natural y artística, la fealdad, lo sublime, lo trágico, lo cómico y lo grotesco. Define cada categoría y proporciona ejemplos de obras de arte que ilustran cada una.
La performance art es una forma de arte escénica que involucra acciones en vivo del artista y frecuentemente tiene un componente de improvisación. Tuvo su origen a principios del siglo XX con los movimientos de vanguardia como el futurismo, el constructivismo y el dadaísmo. A finales de los años 60, el término "performance" comenzó a usarse para describir manifestaciones artísticas que involucraban el cuerpo del artista, el espacio y la interacción con la audiencia. Joseph Beuys fue uno de los exponentes más importantes
Los valores estéticos son estructuras de pensamiento preconfiguradas en el cerebro humano relacionadas con la belleza, armonía y equilibrio formal en el arte. Algunos valores estéticos incluyen lo gracioso, lo grandioso, lo elegante, lo sublime y lo ridículo. La fealdad y la belleza son consideradas relativas y dependientes de la cultura, no son propiedades inherentes de la naturaleza. La educación artística juega un papel importante en desarrollar una educación estética a través de las artes
Este documento discute las justificaciones contextualistas y esencialistas para enseñar arte. Los contextualistas enfatizan las consecuencias instrumentales del arte y basan los objetivos en las necesidades de los estudiantes y la sociedad. Los esencialistas destacan la contribución única del arte a la experiencia y el conocimiento humanos. También definen el arte como la comunicación de emociones o una actividad cognitiva y basada en sentimientos.
Surgió en Alemania a principios del siglo XX.
Arte expresivo y emocional que se opuso al Impresionismo. Aqui encontrará las diferentes áreas donde intervino esta tendencia junto con algunos de sus exponentes.
La cultura estética se refiere al sistema de relaciones emocionales y estéticas que establece el hombre con la naturaleza, la sociedad y el arte. Se caracteriza por permitir una construcción espiritual de la belleza a través de la sensibilidad individual y la evaluación de la realidad estética según los cánones socialmente establecidos. La educación artística y sensible es importante para la formación de las personas ya que despierta su naturaleza interna y permite que florezca su riqueza espiritual a pesar de las influencias extern
El documento resume el movimiento artístico del expresionismo surgido a principios del siglo XX en Alemania. Se manifestó en varios campos como la pintura, literatura y música, reaccionando frente al naturalismo e impresionismo y dando primacía a la expresión subjetiva sobre la descripción objetiva. Artistas como Munch, Van Gogh, Schiele y los alemanes influyeron con sus colores violentos y temas de soledad. Más adelante surgió el surrealismo en Francia influenciado por el dadaísmo y enfocado en el
El documento presenta un resumen de la teoría del arte de Worringer. Propone que existen dos tendencias en la creación artística: la abstracción y la empatía. La abstracción surge de un sentimiento de angustia ante un mundo hostil, mientras que la empatía surge de una concordia entre el ser humano y la realidad. La obra de arte es el resultado de la proyección de los sentimientos del artista. Worringer considera que ambas tendencias han existido a lo largo de la historia del arte.
Caravaggio fue un pintor italiano influyente del siglo XVI conocido por su realismo tenebrista. Comenzó su carrera en Milán y luego se mudó a Roma, donde pintó obras maestras como Los jugadores de cartas. Tuvo una vida tumultuosa llena de peleas que lo llevaron al exilio, donde continuó pintando hasta su muerte prematura en Porto Ercole. Sus obras se caracterizaron por un estilo naturalista y dramático que revolucionó el arte de su época.
Este documento lista varias obras de arte importantes de diferentes épocas y estilos, incluyendo pinturas de la Puerta de Brandeburgo, Museo del Prado, Puerta de Alcalá, Eros y Psique, Juramento de los Horacios, La muerte de Marat, Goya, Manet, Monet, Renoir, Degas, Cézanne, Gauguin, Van Gogh y Sorolla. También menciona a varios artistas impresionistas franceses del siglo XIX como Monet, Manet, Renoir, Degas, Pizarro y C
El documento presenta una descripción detallada de la carrera de Arquitectura y Urbanismo, incluyendo su estructura curricular, talleres, habilidades requeridas y campo laboral. Se explican conceptos como los ejes temáticos, niveles de formación y proyectos de diseño arquitectónico. También se mencionan convenios internacionales y profesores destacados de la facultad.
El documento describe los principales estilos artísticos del siglo XVIII en Europa - el Barroco, Rococó y Neoclásico - y analiza la obra del pintor español Francisco de Goya desde sus primeros éxitos sociales hasta sus últimos años marcados por la sordera, la guerra y el pesimismo reflejado en sus Pinturas Negras. Incluye imágenes que ilustran ejemplos arquitectónicos y pictóricos de cada estilo así como obras clave de Goya como Los fusilamientos del 3 de mayo de 1814
Este documento reflexiona sobre la historia y los métodos de la historiografía del arte. Explica que los objetos artísticos son "extraños" porque pertenecen al pasado y al presente al mismo tiempo. También señala que la definición de arte y los enfoques para estudiarlo han cambiado a lo largo del tiempo, incorporando nuevos objetos, funciones y culturas. Concluye que la historiografía del arte debe entender la cultura como una "cultura visual" más amplia que incluye todo tipo de imágenes.
Este documento resume los principales movimientos artísticos entre los siglos XVII y XX en Europa y España. En el siglo XVIII se desarrollaron el Rococó y el Neoclasicismo. En el XIX surgieron el Romanticismo y el Realismo. Entre 1870-1914 aparecieron el Impresionismo, Postimpresionismo, Expresionismo y Cubismo. Cada época se caracterizó por tendencias específicas en arquitectura, pintura, escultura y literatura. También resalta los principales artistas de cada corriente y época
El documento define el arte como cualquier actividad o producto creado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa para expresar ideas, emociones o una visión del mundo. Explica que la definición de arte ha variado a lo largo del tiempo y culturas, y que originalmente se refería a cualquier habilidad humana. Actualmente se considera principalmente a las actividades creativas como arte, cuyo propósito es estético.
El documento presenta una línea de tiempo de los contenidos fundamentales del arte que abarca desde la prehistoria hasta la época contemporánea. Incluye definiciones de arte a lo largo de la historia, desde las perspectivas de la antigüedad clásica, la Edad Media, el Renacimiento, el manierismo y el Barroco. También presenta representaciones y creaciones de mujeres artistas, teorías del arte, técnicas y aspectos históricos, sociales y geográficos relacionados con el arte.
El documento presenta una introducción a los fundamentos del arte, incluyendo una línea de tiempo de los principales movimientos artísticos a lo largo de la historia. Se define el arte y cómo ha evolucionado su concepto desde la antigüedad hasta la actualidad, pasando por el Renacimiento, el manierismo y el Barroco. También se mencionan teorías del arte y aspectos históricos, geográficos y sociales relacionados con el arte.
El documento proporciona información sobre varios temas relacionados con el arte, incluyendo la historia del arte, el arte romano, el arte moderno, el arte conceptual, las bellas artes y la estética. Describe la evolución del arte a través del tiempo, los diferentes estilos y movimientos artísticos, y las disciplinas relacionadas con el estudio y la teoría del arte.
El arte se define como cualquier actividad o producto creado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa. A lo largo de la historia, el concepto de arte ha evolucionado de referirse a cualquier habilidad técnica a enfocarse en las expresiones creativas. Actualmente no existe un consenso sobre su definición ya que depende del contexto cultural y época histórica. Algunos artistas ecuatorianos reconocidos incluyen a Oswaldo Guayasamín, Eduardo Kingman y Manuel Rendón.
El documento describe las características del arte neoclásico en arquitectura, escultura y pintura. El neoclasicismo surgió en el siglo XVIII como reacción al estilo barroco y rococó. En arquitectura se inspiró en monumentos griegos y romanos, con énfasis en la simetría, proporción y sencillez. En escultura, artistas como Canova imitaron la nobleza y serenidad de la antigüedad. En pintura, David recreó eventos históricos y mitos romanos identificados con
Bertel Thorvaldsen. Escultura neoclásicaRubén García
Este documento describe el contexto histórico y artístico del neoclasicismo en el siglo XVIII, con un enfoque en la escultura neoclásica y la obra del escultor danés Bertel Thorwaldsen. Se analiza cómo el movimiento de la Ilustración y los descubrimientos arqueológicos en Pompeya y Herculano influyeron en el regreso al ideal clásico en las artes. También se comparan los estilos de los principales escultores neoclásicos Antonio Canova y Thorwaldsen, destacando que Canova idealizaba
El documento describe el movimiento cultural del Neoclasicismo que surgió en el siglo XVIII como reacción al Barroco. Se caracterizó por un retorno a los ideales de equilibrio y armonía de la antigüedad griega y romana. Los viajes arqueológicos a Grecia y Roma generaron interés en la cultura clásica. La Ilustración puso al hombre en el centro y promovió el progreso racional. Las artes debían servir para educar en lugar de exaltar la iglesia o la monarquía
Introducción a la historia del arte de 2 de bachillerato, basada en otras presentaciones de slideshare, pero con un toque personal. La presentación pretende suscitar preguntas, no dar todas las respuestas.
El documento presenta varias obras de arte controvertidas y cuestiona si pueden considerarse arte o no. Entre ellas se encuentran "Mierda de artista n0 047" de Piero Manzoni, que consistía en latas con excrementos humanos; "Fontaine" de Marcel Duchamp, un urinario firmado; y "Novecento" de Maurizio Cattelan, un caballo disecado colgado del techo. El documento también incluye obras más convencionales como cuadros y esculturas, y cuestiona conceptos como el
Este documento describe la arquitectura renacentista en Italia, dividiéndola en tres períodos: el Quattrocento en Florencia, el Cinquecento en Roma, y el Manierismo entre 1540-1600. Destaca a Brunelleschi, Bramante y Miguel Ángel como representantes arquitectónicos clave de cada período. Explica que la arquitectura renacentista se basó en modelos clásicos pero los adaptó con un enfoque racional basado en las matemáticas y la simetría.
Arte y Estética (Desde la Edad Media, hasta el Impresionismo)Julieta Magnano
El documento resume los principales cambios en el arte y la estética durante el siglo XX. Se produjo una renovación del lenguaje artístico y una modificación de los significados de las obras de arte. También cambió la relación entre el artista y el espectador, favoreciéndose la participación del público. Los avances tecnológicos como el cine se aplicaron al arte. Se plantearon nuevas categorías estéticas respecto a conceptos como el arte y la belleza.
1) El documento introduce el estudio del arte y la estética, definiendo el arte como una habilidad adquirida y la estética como el estudio de la belleza y la naturaleza del arte.
2) Luego define tres concepciones del arte (actividad estética, actividad estética plástica y actividad técnica) y la belleza.
3) Finalmente introduce el arte como un producto histórico y social, y su estudio a través de la historia y la sociedad.
El documento resume las características principales del Neoclasicismo y el Barroco. El Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII como reacción al Barroco, buscando imitar los estilos clásicos de Grecia y Roma. En arquitectura, pintura y escultura neoclásicas primaron la funcionalidad, la simetría y la imitación de las formas clásicas. El Barroco se desarrolló a partir del siglo XVII e influyó en las artes en toda Europa, caracterizándose por el
Las nuevas corrientes culturales y artísticas del siglo0709199507091995
El documento describe las nuevas corrientes culturales y artísticas del siglo XVIII en Europa. Los ilustrados promovieron la educación pública y las ciencias se centraron en la historia y ciencias útiles. El arte rococó se caracterizó por decoraciones graciosas y delicadas y pinturas de temas cortesanos. Más tarde, el neoclasicismo se basó en modelos clásicos y promovió valores racionales.
Este documento introduce los conceptos fundamentales del estudio de la historia del arte. Define el arte como una actividad humana que crea algo bello usando ciertos conocimientos y habilidades. Explora las diferentes formas de concebir el arte y discute la evolución histórica del significado de "arte". También resume brevemente las definiciones filosóficas de estética y belleza. Por último, describe los elementos básicos de tres de las principales artes plásticas: arquitectura, escultura y pintura.
Estetica a.r. Culturas y Estéticas Contemporáneas 2 2gaonaluis
Este documento resume la historia de la estética desde sus orígenes griegos hasta el siglo XX. La estética proviene del griego "aisthesis" y fue introducido por Alexander Baumgarten para referirse a la filosofía del arte. Platón reflexionó sobre las bellas artes, mientras que Aristóteles escribió la Poética. Kant consideró la estética relacionada con la sensación y percepción. Aunque la estética ganó autonomía como disciplina en el siglo XIX, originalmente se intentó diferenciarla de las ci
El documento resume la historia del arte desde la Edad Media hasta el siglo XX. En la Edad Media, el arte incluía actividades como la pintura, escultura, arquitectura y música. En el Renacimiento, el arte dejó de ser artesanal y se valoró al artista como un genio. En el siglo XX, las vanguardias exploraron los límites del arte con movimientos como el cubismo, futurismo y surrealismo.
El documento resume conceptos clave de la historia del arte, incluyendo el tratamiento de rostros, cuerpos y espacios a través de los estilos artísticos como el realismo, romanticismo y clasicismo. También discute la influencia de la anatomía, fotografía y otras corrientes artísticas no occidentales en el desarrollo del arte.
Temas:
- Finalidades antropológicas de la educación
- Pedagogías de la esencia
- Pedagogías de la existencia
Principal referencia: Fullat, Octavi (1979), Filosofías de la Educación, Ediciones, CEAC: España.
Este documento resume la vida y obra del pintor español Diego Velázquez. Se destacan sus características pictóricas como pinturas dentro de pinturas y el uso del espacio. Velázquez se especializó en retratos reales, bodegones, temas religiosos y mitológicos donde representó gente común de manera realista. Su obra más famosa es Las Meninas que analiza la perspectiva y jerarquía en la corte real.
El documento describe la pintura holandesa del Siglo de Oro en los Países Bajos durante el siglo XVII. Aunque la pintura holandesa muestra características del Barroco europeo, carece de la idealización y el amor por el esplendor típicos del arte barroco. Johannes Vermeer fue un pintor de la época que alcanzó fama por su pintura costumbrista y su maestría en el uso de la luz y los colores. Algunas de sus obras más conocidas, como La joven con el arete de perla y
El documento describe la pintura del siglo XVI en Italia, conocida como el Cinquecento. Los artistas de esta época, como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y Tiziano, dominaron técnicas como la perspectiva y el uso de la luz. Crearon obras maestras que retrataban temas religiosos, históricos y mitológicos siguiendo un estilo clásico pero también manierista, rompiendo con esquemas tradicionales.
El documento describe el origen y desarrollo del drama litúrgico y los cantos gregorianos en la Iglesia cristiana. Explica que el culto cristiano contenía elementos dramáticos desde sus inicios y cómo con el tiempo surgieron formas teatrales religiosas como los milagros, misterios, moralidades y la Pasión. También explica que los cantos gregorianos se establecieron en el siglo III para uniformar la liturgia en latín, y que el Papa Gregorio Magno sistematizó y recopiló estas melo
El documento describe varias culturas medievales entre los años 500 a.C. y 1250 d.C., incluyendo sus artes visuales como esculturas, pinturas y arquitectura. Se discuten las tradiciones artísticas que surgieron en África, Europa, Asia y América, así como el desarrollo de nuevas iconografías religiosas en el budismo, cristianismo e islam. Finalmente, se analiza la influencia del cristianismo y el islam en el arte, así como el surgimiento de nuevos estilos artísticos en la India durante este period
La Unión Europea ha acordado un embargo petrolero contra Rusia en respuesta a la invasión de Ucrania. El embargo prohibirá las importaciones marítimas de petróleo ruso a la UE y pondrá fin a las entregas a través de oleoductos dentro de seis meses. Esta medida forma parte de un sexto paquete de sanciones de la UE destinadas a aumentar la presión económica sobre Moscú y privar al Kremlin de fondos para financiar su guerra.
José Luis Jiménez Rodríguez
Junio 2024.
“La pedagogía es la metodología de la educación. Constituye una problemática de medios y fines, y en esa problemática estudia las situaciones educativas, las selecciona y luego organiza y asegura su explotación situacional”. Louis Not. 1993.
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2. “La idea de que los ideales y las prácticas modernas son eternos y universales
o de que, cuando menos, se remontan a la antigua Grecia o al Renacimiento,
es una ilusión provocada en gran medida por la ambigüedad propia de la palabra ‘arte’ .
La noción de arte deriva del latín ars y del griego techné,
términos que se refieren a cualquier habilidad humana […]
Según los antiguos modos de pensar,
lo opuesto al arte humano no es la artesanía
sino la naturaleza.”
[p. 23]
SHINER, Larry . La invención del arte. 2001
3. “En el siglo XVIII se estableció una distinción decisiva en el concepto tradicional de arte.
[1] Tras significar durante dos mil años toda actividad humana realizada con habilidad y
gracia, el concepto se descompuso en la nueva categoría de las bellas artes (poesía, pintura,
arquitectura, música…), en oposición a la artesanía y las artes populares (fabricar zapatos,
bordar, contar cuentos, cantar canciones populares). […] ‘bellas artes’ materia de inspiración y
de genio […] objeto de un disfrute específico, mediado por un placer refinado […] las
artesanías y las artes populares pasaron a ser prácticas que muestran la habilidad del artífice
en la aplicación de ciertas reglas y sus obras, además, son concebidas meramente para ser
usadas o para entretener al público […]
[2]… se ha establecido una división paralela que separa al artista del artesano y las
preocupaciones estéticas de los placeres cotidianos y el sentido de lo útil. Con anterioridad al
siglo XVIII los términos ‘artista’ y ‘artesano’ se usaban indistintamente y la palabra artista se
aplicaba no sólo a los pintores y a los compositores sino también a los zapateros y a los
herreros, a los alquimistas y a los estudiantes de las artes liberales.
[3] Una tercera […] división […]: el placer en las artes se dividió en un placer especial,
refinado, propio de las bellas artes, y los placeres ordinarios que suscitan lo útil o lo
entretenido. El placer refinado o contemplativo recibió un nuevo nombre: ‘estético’. La visión
más amplia y antigua del arte como construcción era compatible con el goce en el contexto
funcional; la nueva idea de arte como creación reclamaba una actitud contemplativa y, por lo
mismo, que el contemplador se separase del contexto […] Hasta entonces, la idea de
contemplación desinteresada se aplicaba a Dios; de ahí en adelante, el arte para muchos
miembros de las élites cultas se convertiría en un nuevo escenario para la vida espiritual”
[Shiner, p. 23-25]
4. Georges Seurat (1859-1891)
Un domingo en La Grande Jatte 1884
1884-1886,óleo s/tela, 207.5 x 308.1 cm, firmado abajo a la derecha “Seurat”.
Chicago, The Art Institute, Medieval to Modern European Painting and Sculpture, Gallery 240
Helen Birch Bartlett Memorial Collection, 1926.224; de Hauke 162
5. Reino Edo o Reino de Benin
(hoy Nigeria)
Cabeza de altar para un Oba
(Uhunmwun Elao)
s. XVIII-XIX, bronce, 32 cm h.
Chicago, The Art Institute
African and Amerindian Art (no exhibida)
Major Acquisitions Centennial Endowment,
2003.16
6. “No se trataba solamente de la sustitución de una definición de arte por otra,
como si la palabra ‘arte’ designara un sustrato neutro inamovible,
sino de la sustitución de todo un sistema de conceptos, prácticas e instituciones” [Shiner, p. 25]
7. Sala dedicada a Oceanía
Musée d’Ethnographie, Palais du Trocadero, 1895
8. Josephine Baker y Georges-Henri Rivière
en el Museo Etnográfico del Palacio del Trocadero
1933
fot.; Boris Lipnitzki
9.
10.
11. Según Paul Oskar Kristeller [alemán, 1905-1999, filósofo especializado en Renacimiento] ,
“el moderno concepto de arte data del siglo XVIII,
época en que la antigua idea funcional del arte se descompuso en dos categorías, arte y artesanía.
[…] los objetos rituales y utilitarios [son] en efecto arte, pero en el antiguo sentido del término,
es decir, cosas hechas con un propósito definido y, como tales, ejemplos de un determinado estilo de vida.
Una vez transferidos [a un repositorio artístico, se convierten] en arte (bello),
es decir, en objetos aptos para la contemplación estética: muestras de arte.
[…] instituciones tales como el museo, la sala de conciertos y los currícula de literatura
[han] sido determinantes en la constitución de las obras de arte”
[Shiner, p. 16]
13. Guitarra
1912
Chapa y alambre, 77,5 x 19,3 cm
The Museum of Modern Art, New York
Máscara grebo
Costa de Marfil
Madera pintada y fibras vegetales, 64 cms. de h.
Musée Picasso, Paris
14. Anónimo
Máscara Fang
Gabon, madera exótica pintada
42 x 28,5 x 14,7 cm
Legada por Mme Alice Derain (Chambourcy),
1982, inv.: AM 1982-248
Paris, Musée national d'Art moderne et Culture
Centre Georges Pompidou
nivel 5, “Las obras de 1905 a 1960”
Amedeo Modigliani
Retrato de Beatrice Hastings
1915, óleo s/tela, 55 x 46 cm.
Toronto, Art Gallery of Ontario
15. André Dérain
Petit masque
fundida en edición de 16
bronce, pátina marrón y oro, 10 x 7 cm
firmada y numerada en el reverso
“AT./ANDRE DERAIN/8/16”
Subastada en Christiie's South Kensington
venta 5063 , Impressionist & Modern
London, 11.02.2011
£ 2.000.- (U$S 3.210.-)
16. Obra maestra y obra de arte
"¿Ha habido siempre obras maestras?
¿Hemos de suponer que siempre se seguirán produciendo otras nuevas? […]
Una antología de folklore nativo puede titularse Masterpieces of American Wit and Humor,
una colección de relatos de misterio, Masterpieces of Murder […]
Chef d’oeuvre y “obra maestra” son expresiones de origen medieval […]
son términos que encontramos inicialmente en el contexto de la legislación reguladora
que rige la actividad artesanal.
El ejercicio de una profesión durante la Edad Media requería la admisión en un gremio o corporación,
que se hacía manifiesta mediante el reconocimiento del candidato como maestro.
Desde la segunda mitad del siglo XIII […] con el fin de demostrar su capacidad,
el candidato tenía que ejecutar una obra para el examen oficial, la obra maestra" [p. 18]
CAHN, Walter [1979]. Obras Maestras. Ensayo sobre la Historia de una Idea. “Introducción”
17. Robert Campin, Maestro de Flemale
Valenciennes, ca. 1375-Tournai, 1444
Altar de Merode
ca. 1427; óleo s/madera, 64,1 x 63,2 (panel central); 64,5 x 27,3 c/ala
New York, The Metropolitan Museum of Art
18. [Entre otros] “Las obras maestras eran ejecutadas por orfebres y tejedores de tapices,
a cuyo trabajo manual podemos fácilmente adscribir una calidad o intención “artísticas”.
Pero se exigían también a boticarios, carpinteros, cordeleros
y otras profesiones que no acostumbramos a rodear de un aura estética”
[Cahn, p. 23]
20. “En su contexto medieval [magister, maestro, está] libre aún
de la carga romántica y metafísica de tiempos posteriores,
la maestría sugería competencia profesional más que distinción
y definía básicamente un status legal y social antes que un nivel honorífico”
[Cahn , p. 26]
21. Ceca de la época del emperador Maximiliano I (1493-1519),
en un grabado en madera del Weisskunig
22. "El término Chef d'oeuvre está documentado
antes que ninguno de sus equivalentes en otras lenguas europeas
y, en la medida en que tales juicios pueden pretender tener alguna validez,
penetró más profundamente en la construcción del discurso
que sus contrapartidas en otros lugares.
[Un verso] de Shakespeare (1605)
está de hecho entre las primeras citas del término inglés masterpiece,
que no aparece ninguna otra vez en la obra del autor.
El término italiano capolavoro
[al inicio capodopera, que sugiere filiación con el término francés],
aparece aún más tarde. [...].
Los diccionarios no registran su existencia antes del siglo XVIII”
[Cahn , p. 18].
23. [Hoy] "Cuando una obra de arte nos impresiona
como la más elevada encarnación de la habilidad, la profundidad o el poder de expresión,
la denominamos obra maestra.
De esta manera le reconocemos un lugar supremo en nuestra estima
y, al mismo tiempo, tratamos de establecer nuestro juicio [...]
Pero las obras de arte no son tanto lo mejor de una determinada clase
como objetos de una clase por sí mismos"
[Cahn , p. 17]
26. “Si queremos entender el auge de lo artístico como categoría
y su propósito evidente de reconciliar arte y vida,
hay que investigar cómo se han originado las ideas modernas
y las instituciones de las bellas artes […]
El arte, entendido de manera general, es una invención europea
que apenas tiene doscientos años de edad”
[Shiner, p. 21]
28. Existen, en las culturas clásica y occidental, textos de índole estética desde Platón hasta Bellori,
pero el estatuto teórico disciplinar se consagra paulatinamente.
Se puede seguir el uso del término en algunos escritos fundamentales:
aparece en las Meditaciones Filosóficas de Baumgarten (1735),
quien indicaba la necesidad de acreditar la Estética como “ciencia del conocimiento sensitivo”,
para superar las limitaciones de una teoría del gusto.
En su Aesthetica (1750-58) formula parcialmente los fundamentos de la disciplina
y la define como “... teoría de las artes liberales, gnoseología inferior, arte del bien pensar,
arte análogo a la razón... es la ciencia del conocimiento sensitivo...
[cuyo fin es]... la perfección del conocimiento sensible en cuanto tal: esto es, por tanto, la belleza”.
El término quedará consagrado en la segunda edición de la Enciclopedia (1778)
como “filosofía de las Bellas Artes” o
“ciencia de deducir de la naturaleza del gusto
la teoría general y las reglas fundamentales de las Bellas Artes” o
“ciencia del sentimiento”.
29. arte-vida
Crítica del Juicio
kantiana
arte-forma
arte-conocimiento
Estética
hegeliana
arte-acción
SENTIR?
“No es habitual considerar el siglo veinte como el siglo de la estética.
No obstante, ningún otro período histórico ha contemplado una abundancia tal de textos de estética
que gocen de una relevancia semejante. […]
Que todo el enorme edificio de la estética del siglo veinte sea susceptible ser, en sus premisas esenciales,
reconducido a sólo dos obras publicadas a caballo entre los siglos dieciocho y diecinueve, es una
circunstancia que revela tanto la sencillez como la coherencia de esta disciplina. […]
Aún nos queda, fuera de este esquema, esa área del que la estética toma su nombre, el del sentir;
esto es, el ámbito de la sensibilidad, de la afectividad, de la emotividad. […]
el sentimiento del siglo vente no puede ser reconducido a Kant y a Hegel.
(Mario Perniola, La estética del siglo XX. 1997)
30. Anton Raphael Mengs, ca. 1777
Johann Joachim Winckelmann
Stendal, 9.12.1717
Trieste, 8.6.1768
Reflexiones sobre el arte griego
en la pintura y la escultura
Dresden: Hagenmüller, 1755
32. “… igual que muchas otras cosas surgidas con la Ilustración
la idea europea de las bellas artes se pensó como universal.
Desde entonces los ejércitos, los misioneros, los empresarios y los intelectuales europeos y norteamericanos
se han esmerado en conseguir que así lo fuera.
[…la] asimilación de las actividades y artefactos de todos los pueblos
y las épocas pasadas a nuestras nociones ha estado vigente durante tanto tiempo
que se da por sentada la universalidad de la idea europea de arte […]
Sólo merced a un esfuerzo deliberado lograremos romper el trance que induce nuestra cultura
y ver que la categoría de las bellas artes es una construcción histórica reciente
que podría desaparecer en algún momento”
[Shiner, p. 22]
33. “[…] algunos artistas y críticos
se han resistido a aceptar [los principios del sistema moderno de las bellas artes]
que oponen el arte a la artesanía, el artista al artesano, lo estético a lo utilitario.
[Hogarth, Rousseau, Wollstonecraft, Emerson, Ruskin, Morris, etc. son] ejemplos de esta resistencia.
[… entiendo] que una de las tareas de la historia
consiste en restituir la voz a las posibilidades e ideales derrotados, marginados u olvidados.
[…] durante el siglo XX, una cantidad de artistas,
desde los dadaístas y Duchamp hasta las principales figuras del arte pop y el arte conceptual
también han ridiculizado, puesto en duda o ironizado tales principios.
[…] sin embargo, aunque el mundo de las bellas artes se apropiaba de los actos de resistencia,
también expandía sus propios límites, en primer lugar, asimilando nuevos tipos de arte,
como la fotografía, el cine o el jazz;
después, apropiándose de las obras de arte […] ‘primitivo' y folklórico;
y, finalmente, a través de lo que parece ser la completa disolución de sus propias fronteras,
abrazándolo todo, desde la automutilación hasta los ruidos de John Cage”
[Shiner, p. 27-28].
35. “Actualmente nadie plantea objeciones a que casi cualquier cosa sea considerada arte.
Una de las razones que explica el auge de esta calificación
es que el propio mundo del arte se ha impuesto cumplir
con la vieja aspiración de que ‘arte’ y vida se reconcilien.
En ese sentido se han dado toda clase de gestos: […]
desde llevar colchas a los museos de bellas artes o pulp fiction a los cursos de literatura,
hasta reproducir ruidos de la calle en las salas de conciertos o someterse a cirugía plástica vía satélite”
[Shiner, p. 21]
36. Tamar Horton Harris North (EUA, 1833–1905)
Memorial Crazy quilt
North Landing, Indiana, ca. 1877, seda, terciopelo de seda, algodón y encaje de algodón, 138.4 x 139.7 cm
New York, The Metropolitan Museum of Art, American decorative Arts (no expuesto),
Gift of Mr. and Mrs. John S. Cooper, 1983 (1983.349)
43. “[hablar del arte como de] un sistema de conceptos, prácticas e instituciones
hace poca justicia a las poderosas emociones que las personas experimentan
a través de la literatura, la música, la danza, el teatro, la pintura, la escultura y la arquitectura .
El arte no es solamente un conjunto de conceptos e instituciones
sino también algo en lo que las personas creen, una fuente de satisfacción, un objeto afectivo.[…]
¿Por qué no escribir nuestra historia desde una perspectiva más afín a un sistema del arte
que conciliase la imaginación y la destreza, el placer y el uso, la libertad y el servicio?
Desde ese punto de vista, la construcción del moderno sistema del arte,
más que una fractura de la que hemos estado intentando curarnos,
se parecería a una gran liberación” [Shiner, p. 28-29]
44. Gaston Bachelard
27 de junio de 1884- 16 de octubre de 1962
Psicoanálisis del Fuego (1938)
El agua y los sueños: ensayo sobre la imaginación de la materia (1942)
El aire y los sueños: ensayo sobre la imaginación del movimiento (1943)
La tierra y las ensoñaciones del reposo (1946)
La tierra y los ensueños de la voluntad (1948)
La poética del espacio (1957)
La poética de la ensoñación (1960)
La llama de una vela (1961)
El derecho de soñar (1970)
Fragmentos de una poética del fuego (1988)
45. Obras dedicadas
“a la imaginación de la materia,
a la imaginación de los cuatro elementos materiales
a los que la filosofía y las ciencias antiguas,
proseguidas por la alquimia,
han situado como base de todas las cosas”,
ponen a su autor en contigüidad con aquellas orientaciones de la episteme occidental
que tienen lo concreto como suelo compartido
y hacen de la imaginación fundamento del saber.
Bachelard ha querido
“ejemplificar, mediante imágenes, la filosofía de los cuatro elementos.
Parecería que pasando de las experiencias positivas a las experiencias estéticas,
pudiéramos mostrar en mil ejemplos el interés apasionado del ensueño
por algunos bellos sólidos que posan sin fin ante nuestros ojos,
por algunas bellas materias que obedecen fielmente
al esfuerzo creador de nuestros dedos”
Gaston Bachelard. La tierra y los ensueños de la voluntad. 1948
46. “En Zorra el material no regalaba nada. Cazar, seducir, trabajar con la piedra es
tratar con un medio caracterizado por su terrible resistencia. ¿Cómo podemos darle
la vuelta a la situación y hacer que la piedra exprese lo que queremos cuando está
ahí para respondernos que no a todo? Te niega el paso. Quieres un agujero y se
niega a hacerse agujero. Deseas que te ofrezca un volumen suave y se rompe en
cuanto usas el martillo. Es la piedra, no el escultor, el elemento agresivo, una
fuente constante de rechazo, de negación. Uno ha de conquistar la forma. El
proceso se convierte en una lucha continua hasta el final.
Gastón Bachelard explicaba este aspecto cuando decía que la cosa que ha de ser
expresada era algo tan difícil y doloroso que uno había de sacarlo de dentro de sí
mismo, amputárselo; de igual modo, hemos de arrancar la expresión oculta del
interior de un material durísimo.
Leí a Bachelard cuando tenía más de setenta y cinco años.
Si lo hubiera leído antes, habría sido una persona diferente, no me habría sentido
dividida interiormente ya que habría aceptado los materiales, con sus diferentes
características, y habría mostrado una actitud más amistosa hacia ellos.
En el pasado, cada vez que alguien me preguntaba acerca de los materiales, solía
decir: ‘Lo que me interesa es lo que quiero decir y me enfrentaré a cualquier
material para expresar esta noción adecuadamente’. Sin embargo, el medio es
siempre una materia repleta de soluciones improvisadas. Es decir, uno lo intenta
todo, utiliza cada uno de los materiales que encuentra alrededor y, por lo general,
los rechazas hasta que encuentras uno adecuado que funciona. Normalmente,
éstos son los más blandos –el plomo, la escayola, los objetos maleables. Es decir
que, por lo general, uno empieza con lo más duro, y la vida le enseña a doblegarse
y contentarse con objetos más blandos, con métodos más suaves.
Louise Bourgeois.
fragmentos de una entrevista con Robert Storr, publicados en Parkett, N° 9, 1986.
47. En la senda del pensamiento bachelardiano
es posible percibir familias de technai
en cuyas producciones, en sus campos de valores y en sus proyecciones simbólicas
connotan la presencia de uno de los cuatro elementos.
Así, en el conjunto de las Artes del Fuego
-cocina, alfarería, metales, vidrios, mosaicos, pirotecnia...él acude a la transmutación de las materias y los procesos,
dona propiedades estéticas o cualidades éticas a sus trabajos y sus productos,
resplandece desde la oscuridad de los tiempos en variadas superficies.
51. Proyecto N° 50-Explosión: Transient Rainbow
East River, desde Manhattan hacia Queens, New York, EUA
29.06.2002, 9:30 p.m. , MoMAQNS Opening, Museum of Modern Art, New York. Cur.: Lilian Tone
1000 fuegos artificiales multicolores en forma de peonía de 3 pulgadas preparados con chips comutarizados
radio aprox. de explosión: 200 m, 15“.
Fot.: Hiro Ihara. Video: Araki Takahisa
52. Proyecto No. 61 - Explosión
Ye Gong Hao Long
(Sr. Ye, quien ama los dragones)
31. 01.2003, 7:00 p.m., 1’
Tate Modern, London, UK
6000 m de líneas de triple mecha
25 k de pólvora negra
25 k de pólvora metálica
200 cartuchos de solutos de 3 pulgadas
Ejecución: Phil Grucci, Fireworks by Grucci, Inc.
Fot.: Hiro Ihara, Anthony Makinson
Video: Araki Takahisa
53. Proyecto N° 59 – Explosión: Light Cycle. 15.09.2003, 7:45 p.m. , 4’.
Colas de tigre, solutos de titanio preparados c(chips computarizados, cartuchos con estrellas descendentes
Com.: City of New York and Central Park Conservancy. Cur.: Creative Time
Ejecución: Phil Grucci, Fireworks by Grucci, Inc. Fot.: Hiro Ihara, Izumiya Gensaku. Video: Araki Takahisa
54. Project o N° 237 - Explosión
Cinco anillos olímpicos
Ceremonias los Juegos Olímpicos de Beijing, 8 y 24.08.2008. Fot.: Wang Xiaoxi, Liu Chang
55.
56. Project No. 182 – Explosión
Clear Sky Black Cloud
Exposición:
Cai Guo-Qiang on the Roof:
Transparent Monument
Metropolitan Museum of Art,
New York, USA
25.04/29.10, 2006
Cartuchos de humo negro
disparados diariamente
a las 12:00 p.m.
en condiciones climáticas
apropiadas
(excepto los lunes)
duración variable
Fot.: Hiro Ihara
Teresa Christiansen (MMA)
70. Georg Wilhelm Friedrich Hegel
Stuttgart, 27 .08.1770
Berlín, 14.11.1831
Jakob Schlesinger
(1792-1855)
Bildnis des Philosophen
Georg Wilhelm Friedrich Hegel,
Berlin 1831
Berlín, Alte nationalgalerie
72. … la escritura es la destrucción de toda voz, de todo origen.
La escritura es ese lugar neutro, compuesto, oblicuo,
al que va a parar nuestro sujeto,
el blanco y el negro en donde acaba por perderse toda identidad,
comenzando por la propia identidad del cuerpo que escribe.
74. El nombre de autor
no está situado en el estado civil de los hombres,
tampoco está situado en la ficción de la obra,
está situado en la ruptura que instaura cierto tipo de discursos y su modo de ser singular.
Se podría decir, por consiguiente,
que en una civilización como la nuestra hay cierto número de discursos
que están provistos de la función ‘autor‘
en tanto que otros están desprovistos de ella.
Una carta privada bien puede tener un signatario, pero no tiene autor;
un contrato bien puede tener garante, y no tiene autor.
Un texto anónimo que se lee en la calle sobre una pared tendrá un redactor,
pero tampoco tendrá un autor.
La función autor es por lo tanto característica del modo de existencia, de circulación y de funcionamiento
de ciertos discursos en el interior de una sociedad.
76. Panel con león en marcha
Babilonia (Hillah), 604–562 a.C., cerámica vidriada, 97.16 x 227.33 cm
New York, The Metropolitan Museum of Art,
Ancient Near Eastern Art, Fletcher Fund, 1931 (31.13.1-.2)
80. Asia y América
ca. 1745–1755, porcelana, 30,5 y 27 cm h.
New York, The Metropolitan Museum of Art, European Sculpture and Decorative Arts
Manufactura de Meissen
Modeladores: Johann Friedrich Eberlein (1695–1749), Peter Reinicke (1715–1768), Johann Joachim Kändler (1706–1775)
81. Candelabros con grupos alegóricos: Asia y América
ca. 1745–1755, porcelan a y bronce dorado, 55.9 x 51.4 x 23.2 cm y 54.6 x 51.4 x 23.5 cm; figura: 30,5 y 27 cm h.
New York, The Metropolitan Museum of Art, European Sculpture and Decorative Arts
Manufactura de Meissen
Modeladores: Johann Friedrich Eberlein (1695–1749), Peter Reinicke (1715–1768), Johann Joachim Kändler (1706–1775)
82. A principios de la década de 1770, Catalina II de Rusia encargó a la Manufactura de Meissen
aproximadamente cuarenta grupos de figuras de porcelana de asuntos diversos
diseñados por Kändler y Acier
-Dioses del Olimpo, las Cuatro Partes del Mundo, las Artes Liberales, los Ríos y Trofeos de Armaspara decorar el Salón de las Porcelanas del Oranienbaum de San Petersburgo,
cuyos Pabellones Chino y de las Montañas Rusas fueron diseñados por el arquitecto Antonio Rinaldi
y decorados por Serafino Barozzi en el más puro estilo rococó.
96. “… elevar algunos géneros al estatus espiritual de arte bello
y a quienes los producen a la condición de heroicos creadores,
relegando a otros géneros al estatus de mera utilidad
y a sus productores a la condición de fabricantes,
es más que una transformación conceptual.
Y además,
cuando los géneros y las actividades escogidas para ser elevadas
y los elegidos para ser degradados
refuerzan las líneas de raza, clase y género,
lo que en un momento parecía solamente un cambio conceptual
empieza a parecerse a una reelaboración
de las relaciones de poder.”
105. Edward Weston
Highland Park, Illinois, 24 de marzo de 1886
Big Sur, California, 1 de enero de 1958
autorretrato
106.
107. El medio de Levine es la foto-pirata,
como testimonia la serie de fotografías de Edward Weston sobre su hijo Neil que Levine,
violando el derecho de autor, se ha contentado con refotografiar.
Pero, como se ha señalado recientemente, los "originales" de Weston
provenían ellos mismos de modelos forjados por otros,
a saber, el gran conjunto de Kouroï griegos
de los que derivan la codificación y la multiplicación del torso masculino en nuestra cultura. […]
En la medida en que el trabajo de Sherrie Levine deconstruye explícitamente la noción moderna de origen,
[…] no puede ser tenido por vanguardista.
A causa de su ataque crítico contra la tradición que la precede,
podríamos tentarnos de ver en el cambio operado por la obra de Sherrie Levine
una nueva etapa en el progreso de la vanguardia.
Sería un error.
Deconstruyendo las nociones hermanas de origen y de originalidad,
el postmodernismo secesiona:
se desprende del campo conceptual de la vanguardia
y considera al abismo que lo separa de ella como la marca de una ruptura histórica.
El período histórico que englobó vanguardia y modernidad está cerrado, irremediablemente…
(Rosalind Krauss. “La originalidad de la vanguardia: una repetición postmoderna”. October, Fall 1981)