Tema 10.3. renacimiento pintura. cinquecento

Antonio Casquet y Marta López Ave María
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SIGLO XVI. CINQUECENTO
Características Generales
1. Centro cultural: Roma y, en menor
medida, Venecia.
2. Se continuó la representación del
desnudo: monumentalidad y la
belleza ideal.
3. Los escenarios:
• Se van abandonando los ambientes
arquitectónicos.
• Gana importancia el paisaje
• Se prescinde de lo anecdótico.
4. Predominio de la composición
triangular, considerada la más
aproximada a la perfección
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5. Principales aportaciones:
 Tratamiento de la luz y las
sombras: frente a los escenarios
luminosos anteriores empiezan a
aparecer las sombras , resaltando
la monumentalidad de las figuras
La perspectiva aérea: simula el
efecto atmosférico de la luz sobre
los objetos. Objetos más alejados
aparecen desdibujados,
difuminados.
Temática: mitología, retrato, temática
religiosa (crece en importancia)
A fines del siglo XVI: mayor
movimiento, mayor fuerza expresiva
que derivarán en el Manierismo.
Tres grandes artistas del Cinquecento:
LEONARDO DA VINCI, RAFAEL SANZIO
y MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI.
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• Genio universal: pintor, anatomista,
inventor, arquitecto, paleontólogo, botánico,
científico, escritor, escultor, ingeniero…..
• Arquetipo y símbolo del hombre del
Renacimiento: filósofo humanista,
curiosidad , capacidad inventiva.
• Interés por el estudio del ser humano: tanto
físico como expresivo
• Metodología basada en la observación
directa
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Leonardo de Vinci
(Vinci 1452- Amboise 1519)

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Dibujo de proporciones según
Vitrubio.
Hacia 1490.
Leonardo desarrolló gran parte de
su actividad científica en Milán.
Con este momento se corresponde
esta famosa ilustración de las
teorías de Vitrubio sobre las
proporciones del cuerpo humano.
“Un hombre abierto de brazos y
piernas se inscribe en un cuadrado
y un círculo. El ombligo debe
coincidir con el centro de ambas
figuras.”
Vitrubio, arquitecto romano del
siglo I

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• Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas
muy adelantadas a su tiempo (helicóptero, el carro de
combate, el submarino y el automóvil)
• Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse
puesto que la mayoría no eran realizables durante esa
época.

RASGOS DE SU PINTURA
1. Inventa la perspectiva aérea, “pinta el aire”:
• Lo consigue con la técnica del Sfumato (Difuminado)
• Suprime los contornos y las líneas de dibujo
• Sutiles graduaciones de luz y color, al superponer capas muy finas de
pintura en las que se oculta la pincelada.
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• Los límites de las formas se
vuelven imprecisos
• Pinta las figuras y objetos del
primer plano con mayor
precisión
• Los objetos alejados se van
difuminando, contornos más
borrosos
• Efecto atmosférico causado
por la bruma

Andrea del Verrocchio.
Bautismo de Cristo.
1470-1475
Óleo sobre tabla.
180 X 151 cm.
Galería de los Uffizi. Florencia.
Empieza su aprendizaje en el
taller del pintor y escultor
florentino Verrocchio, donde
en el cuadro del Bautismo de
Cristo, pintará un ángel tan
magnífico que su maestro no
quiso pintar más.
Es su primera obra como
pintor
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ETAPAS:
• Florencia: Juventud, 1469-1480.
• Nuevos comienzos en Milán, 1483-1484.
• En la Corte de Ludovico Sforza. 1485-1494.
- Armamento de todo tipo.
- fortificaciones y maquinarias de asedio.
- Proyectos de arquitectura ensayando la planta central.
- El monumento Sforza, gigantesco monumento ecuestre.
• Regreso a Florencia, Mantua y Venecia. 1500-1503. De Milán a Roma.
• Últimos años en Francia: Última residencia de Leonardo da Vinci, el castillo del Clos Lucé
en Amboise en el corazón del Valle del Loira donde vivirá los tres últimos años de su vida,
dedicándose a numerosos proyectos para su amigo el rey Francisco I

Obras Selectividad de Leonardo
1. La Virgen de las Rocas. 1483.
2. La Santa Cena. Refectorio de Santa María de las Gracias, Milán, 1495-
1498.
3. La batalla de Anghiari, Salón del Consejo, Palacio de la Señoría
Florentina. Movimiento. Perdida.
4. La Gioconda, 1503-1506. Retrato modélico, misteriosa y enigmática.
5. La Virgen con Santa Ana y el Niño, 1510.
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1. Virgen de las Rocas DOS VERSIONES: (Louvre, Parí 1483-86) National Gallery, Londres h. 1506).
Óleo sobre tabla
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Virgen de las rocas.
1483-1486.
Óleo sobre tabla.
199 X 122 cm.
Museo del Louvre. París.
 El primer encargo en Milán .
 Primera versión del mismo tema que la
se conserva en la National Gallery de
Londres.
 Pintada para una capilla de San
Francisco el Grande de Milán
 Ambiente innovador: paisaje salvaje
rocoso entre montañas
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 La Virgen sentada abraza a San Juan que, arrodillado,
reza ante Jesús Niño , Éste le bendice, el ángel señala el
suceso y nos mira.

Virgen de las rocas.
1483-1486.
Óleo sobre tabla.
199 X 122 cm.
 María avanza su mano derecha en un
escorzo perfecto.
 Las cuatro figuras se disponen a la
entrada de una gruta, bajo una luz
suave.
 Una vegetación variada crece por
doquier y parece más viva que nunca
hasta entonces.
 La humedad del ambiente se percibe.
 Al fondo el paisaje se difumina en la
distancia.
 La visión científica sobre la naturaleza
de Leonardo está presente ya en la
obra.

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 Composición piramidal.
 Línea cerrada.
 La perspectiva aérea para
construir el espacio y la
profundidad.
 El sfumato suaviza el
contorno de las figuras.
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El ángel en las dos versiones. A la izquierda la del Louvre señala con el dedo, a la derecha la de Londres. En ambas la
ambigüedad sexual de sus personajes: la androginia.
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La última cena.
1495-1497.
Refectorio de Santa
María de las Gracias.
Milán.
Encargada
posiblemente por
Ludovico Sforza.
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2. La Santa Cena.

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“Es excelentísima, si bien comienza a deteriorarse, no sé si por la humedad que afecta al muro o bien por
otro descuido. Los personajes de la cena son retratos de varias personas de la corte milanesa de la época
en tamaño real”.
Antonio de Beatis que visitó el refectorio en 1517.
La última Cena.
Óleo sobre temple y sobre revoque.
460 x 880 cm.

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La línea cerrada de las dos figuras de los extremos frena toda la agitación y movimientos de
los grupos.
La mesa, demasiado pequeña para tantos comensales, acentúa la fuerza y la tensión de las
figuras.
Los rostros se convierten en un variado repertorio expresivo de los movimientos del alma,
sorpresa, estupor, ira , indignación, …
Leonardo no aísla al traidor, lo distingue con algo más sutil, su rostro a contraluz.

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• Hace converger las líneas de fuga dando profundidad
• Mal conservada: no quiso pintar al fresco porque exigía rapidez y él era
detallista, intentó pintar en la pared al temple que no funcionó, conservando
apenas hoy color.

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“Uno de vosotros me ha traicionado”. Jesús acaba de pronunciar esas palabras
que provocan gran agitación entre los apóstoles.

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Expresión de los protagonistas.

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3. Batalla de Anghiari. 1503-1505. Copia de Pedro Pablo Rubens. 1603. Dibujo. 42 X 57 cm.
Para el salón del Consejo del Palazzo Vecchio. Florencia.
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Gioconda
1503-1510?
Óleo sobre tabla.
77 X 53 cm.
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 Encargo de Francesco del Giocondo
de retratar a su esposa Lisa
Gherardini, llamada Mona Lisa,
para celebrar el nacimiento de su
hijo Andrea.
 Retratada de medio cuerpo,
sentada, apoyando su brazo
izquierdo en el del sillón.
 Las piernas dirigidas hacia la
izquierda y girando su cuerpo,
cuello y cabeza hasta alcanzar una
posición casi frontal.
4. Gioconda

 Figura muy próxima al espectador.
 Fantástico paisaje del fondo acentúa la distancia y la profundidad espacial.
 Sin cejas, la frente muy amplia, ningún adorno.
 Sensibilidad y vida.
 Su sonrisa, agradable hacia el espectador. Antonio Casquet y Marta López Ave María
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Perspectiva aérea, Sfumatto:
• Intenta representar la
atmósfera que envuelve a los
objetos, disolviendo las
líneas y contornos
• La figura queda inmersa en
la atmósfera que la rodea.
• Los elementos del paisaje
pierden nitidez conforme se
alejan del espectador y el
color va adquiriendo unas
tonalidades grises azuladas,
intensificando el efecto de
distancia.
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.
Técnica de las veladuras:
Aplicar muy poco pigmento con
aceite y esencia de trementina
casi transparente, sobre una
base de color ya seca, en
repetidas ocasiones sobre la
misma superficie hasta el punto
de hacer desaparecer la
pincelada.
La suavidad del modelado con
la luz y la sombra se ha llevado
a sus últimos extremos.
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La posición de las manos cruzadas sobre el regazo, aluden a la
decencia de la mujer, según los tratados de pintura de la época.

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Detalle del paisaje del fondo, un puente sobre el lecho de un río.

La Gioconda del Prado antes y después de la restauración y limpieza
Anónimo. 1503-1516
Óleo sobre tabla de nogal.
Museo del Prado. Madrid.
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La obra de Leonardo La obra posiblemente de un discípulo de Leonardo,
realizada al mismo tiempo y en el mismo taller.
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6. La Virgen con Santa Ana y el Niño,
1510.
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• La Virgen María sentada en el regazo de su
madre, Santa Ana, inclinada hacia adelante
hacia su hijo Jesús.
• El Niño sostiene el cordero del sacrificio,
María, simbólicamente aleja a su hijo de su
terrible destino
• Ambienta la escena sobre un fono rocoso
• Santa Ana tiene la sonrisa enigmática de da
Vinci

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• Composición
triangular
• Sfumatto

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La Anunciación.
1472-1475.
Óleo y temple sobre tabla.
100 X 221 cm.
Galería de los Uffizi. Florencia
Leonardo de Vinci. 1452-1519.
Algunos arrepentimientos en el cuadro indican que es obra de un artista joven
asociado al taller del Verrocchio, como lo era Leonardo en esos años.
La acción transcurre en un jardín cuajado de flores, abierto a un paisaje con gran
variedad de árboles y una ciudad portuaria que se adivina en la lejanía, donde la
luz, el aire, el agua se funden y anuncian la perspectiva aérea de los años de
madurez.
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Ginevra de Benci. 1474-1476.
Temple y óleo sobre tabla.39 X 37 cm.
Galería Nacional de arte de Washington
 Primer cuadro de tema profano
de
Leonardo e independiente del
taller
del Verrocchio.
 El pintor rompe con el
tradicional retrato florentino
de perfil.
 La retratada, muy próxima al
borde inferior del cuadro , con
un ligero giro de cabeza,
imprime movimiento a la
figura.
 De rostro muy pálido,
consecuencia de su natural
enfermizo.
 La cabeza de Ginevra recortada
sobre un fondo de enebros,
árboles que aluden a la virtud
de la mujer.
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 Para el retablo de la Iglesia
de San Donato a Scopeto.
 Por su traslado a Milán, dejo
la obra inconclusa.
 La figura de María sostiene al
Niño sobre una de sus
rodillas. Alrededor de ambos
una corona de personajes, los
reyes, su cortejo y ángeles
que ofrecen un variado
repertorio de gestos y
actitudes.
 San José, a espaldas de la
Virgen, destapa una de las
vasijas entregadas por los
reyes.
 El cuadro sin terminar nos
muestra la espontaneidad y
seguridad en el trabajo de
Leonardo.
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Adoración de los Reyes. 1481-82.
243 X 246 cm. Óleo sobre tabla. Inacabado.
Galeria de los Uffizi.

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Dibujos para el monumento Sforza.
1491-1493.
Molde armado para la cabeza del caballo
Dibujo para el
monumento
ecuestre de
Trivulcio
condotiero
Ninguno de estos proyectos se llevaron a cabo.

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La dama del armiño. Retrato de Cecilia
Gallerani. 1483-90. Museo Nacional de
Cracovia, Polonia.
Una joven de apenas 17 años, amante de
Ludovico Sforza, conocido como “el Moro”.
La mujer acaricia un armiño que hace
referencia a la Orden del Armiño que el rey de
Nápoles le había concedido a Ludovico.
El armiño también es símbolo de la pureza.
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La Belle Ferronière
1490-1495.
Óleo sobre tabla.
62 X 44 cm.
Museo del Louvre, París.
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San Juan Bautista.
1508 – 1513.
Pintura al óleo sobre tabla.
Museo del Louvre.

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Rafael Sanzio de Urbino. 1483-1520.
• Modelo de clasicismo y
perfección
• Inluencias de:
• Perugino: tonalidades claras,
posturas elegantes y paisajes
idílicos
• Piero della Francesca:
perspectiva
• De Leonardo: composiciones
piramidales y el sfumato
• Miguel Ángel: formas
grandiosas
• Es un excelente dibujante y
colorista de pigmentos claros.
• Formas macizas que describen
bellísimas curvas. Antonio Casquet y Marta López Ave María
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Desposorios de la Virgen. 1502

Pietro Perugino
Matrimonio de la Virgen (1500-1504)
RAFAEL SANZIO Los desposorios de la Virgen.
1504-1505
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Obras
1. Madonnas florentinas: Composición piramidal..
• Madonna Ducal,
• La Virgen del Jilguero, 1506,
• La Bella Jardinera, 1507
2. Decoración de las Estancias del Vaticano, entre
1508 y 1511, “La Escuela de Atenas”, “La Disputa
del Sacramento”
3. Retrato de un cardenal. Profundidad psicológica.
4. Madonna Sixtina, 1515. Clasicismo, belleza.
5. La Transfiguración, 1520. Asomos manieristas.
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Madonna del Gran Duque.
1504-1505.
Óleo sobre tabla.
84 x 55 cm.
Palacio Pitti. Florencia.
 Imagen ideal de la maternidad.
 Los últimos descubrimientos
demuestran que el fondo oscuro es
un añadido del siglo XVII.
 La Virgen sujeta al Niño con las dos
manos, pero no lo mira.
 Melancolía y tristeza.
 Colores suaves y transparentes.
 Dibujo difuminado, clara influencia
del sfumato leonardesco.
 Composición piramidal.
1. MADONNAS.
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Madonna del Prato
1483 - 1520
Óleo sobre panel, 1505
113 cm × 88 cm
Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria
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Virgen del Jilguero. 1507.
Óleo sobre tabla.
Galería Uffizi. Florencia.
 La Virgen, Jesús Niño y San Juan, Las
tres figuras dentro de la pirámide
perfecta.
 Línea cerrada.
 Suavidad del modelado y
perspectiva aérea.
 El jilguero que sostiene San Juan,
centra el interés de las tres figuras.
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La Bella Jardinera.
1507.
Óleo sobre tabla.
122 X 80 cm.
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2. Decoración de las Estancias del
Vaticano, 1508 - 1511,
• Encargo del Papa
Julio II de la
decoración de 4
estancias del
Vaticano: cámaras
de la Signatura, de
Heliodoro, del
Incendio del Borgo y
de Constantino.
• Entre las pinturas
destacan “La
Escuela de Atenas”,
“La Disputa del
Sacramento”
• Humanismo
cristiano
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Roma.
Las Estancias del
Palacio Vaticano.
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LA ESCUELA DE
ATENAS.
1510-1511.
Pintura al fresco.
500 X 770 cm.
Stanza della
Segnatura
Palacio
Vaticano
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LA ESCUELA DE ATENAS
• Se encuentra en la Estancia de la Signatura utilizada
como biblioteca y tribunal eclesiástico.
• Sitúa la escena en un templo clásico dominado por la
perspectiva , enmarcado por dos estatuas clásicas:
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Apolo, Dios
de la razón Atenea,
Diosa de
la
Sabiduría.

1: Zenón de Citio o Zenón de Elea
2: Epicuro
3: Federico II Gonzaga
4: Boecio o Anaximandro o Empédocles –
5: Averroes –
6: Pitágoras –
7: Alcibíades o Alejandro Magno –
8: Antístenes o Jenofonte –
9: Hipatia (pintada como Margherita o el
joven Francesco Maria della Rovere) –
10: Esquines o Jenofonte –
11: Parménides –
12: Sócrates –
13: Heráclito (pintado como Miguel Ángel) –
14: Platón sosteniendo el Timeo (pintado como
Leonardo da Vinci) –
15: Aristóteles sosteniendo la Ética –
16: Diógenes de Sinope –
17: Plotino –
18: Euclides o Arquímedes junto a un grupo de
estudiantes (pintado como Bramante) –
19: Estrabón o Zoroastro? –
20: Claudio Ptolomeo – R: Apeles como Rafael –
21: Protógenes como El Sodoma
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• Platón ( 14 ) esta situado
en el centro con el dedo
levantado hacia el mundo
de las ideas y el Timeo bajo
el brazo. Con el rostro de
Leonardo da Vinci.
• Aristóteles ( 15 ) tiende su
mano hacia la tierra hacia
una realidad física mas
concreta, sosteniendo al
mismo tiempo la Etica con
la otra mano
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Euclides ( 18 ) griego matemático y otro discípulo mas de Sócrates, exponiendo uno de
sus principios geométricos. El grupo a su alrededor sugiere entusiastas estudiantes
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Hipatia de Alejandría fue
filósofa y maestra
neoplatónica.
Representada por
Margherita Luti, amante de
Rafael, Lider de la escuela
neoplatónica de Alejandría,
destacó en la geometría, el
álgrebra y la astronomía
Pitágoras ( 6 )
matemático griego ,
demostrando sus teorías
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• Heraclito ( 13 )
• Esta figura
solitaria situada en los
escalones fue añadida en
el último momento, ya que
no esta incluida en dibujos
preliminares.
• Filósofo melancólico
• La figura, que llevaba la
ropa de un cantero, es en
realidad un retrato
de Miguel Ángel.
• Rafael, asombrado por el
poder de la obra de este
artista, incluyó
un retrato de él como un
tributo
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Alejandro Magno (7) Rey de Macedonia escucha
atentamente a Sócrates (12)
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Rafael
incluye un retrato de sí
mismo al lado
de Ptolomeo, y él mira
directamente afuera de
la foto, como
para captar nuestra
atención y hacerse
notar.
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• Epicurus (2)
figura regordeta con una
corona de hojas de parra,
para este
filósofo griego la
felicidad radica en
la búsqueda de los
placeres de la mente
• Diógenes ( 16 ) La
figura escuálida que se
extiende a través de la
escalinata es Diógenes, el
cínico que odiaba a las
posesiones mundanas
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La Disputa del Sacramento.
1510-1511. Fresco. 500 X 770 cm. Stanza della Segnatura. Palacio Vaticano
LA DISPUTA DEL SACRAMENTO
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Equilibrio en la composición: un eje central ordena los elementos más destacados: Padre, Hijo y Espíritu Sánto,
En la tierra la Custodia con la Sagrada Forma. Simétricamente se distribuyen las demás figuras
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La Disputa del Sacramento. Parte celestial.
Parte superior: reunión celestial de apóstoles, profetas y santos,
presidida por Cristo, acompañado de María y San Juan Bautista
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• Parte inferior: misa cristiana, varios
pontífices y fieles dialogan
fervorosamente entre ellos.
• Retratos de personajes de la época
Bramante, Fra Angélico, Savonarola
o Dante.
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1510-11
Museo del Prado, Madrid
Retrato de un cardenal.
• Profundidad psicológica.
• Cardenal ( birrete y la muceta
roja) pero se desconoce su
nombre
• El fondo neutro permite
concentrar la atención en el
modelo
• Composición triangular
• El color aplicado con gran
maestría
• Magnífica captación de la
iluminación y de la calidad de
texturas.
• La casulla de seda roja con
brillos tornasolados contrasta
con el blanco de las mangas
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Madonna Sixtina, 1515. Dresde
• Clasicismo, belleza
• La composición muy
detallada, piramidal,
simetría.
• Volumen de las figuras
• La Virgen con el niño
flanqueada por San
Sixto a la derecha y
Santa Barbara a la
izquierda.
• Todos entre nubes.
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Los dos ángeles que aparecen como apoyados en el marco del cuadro
dirigen su mirada hacia arriba y separan lo terrenal de lo divino.
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La Transfiguración, 1520. Temple
• Asomos manieristas
• Juego de luces y sombras
• Se divide en tres secciones:
• La inferior: escena agitada
una madre trae a un niño
poseído por el demonio, para
que lo curen, pero los nueve
apóstoles no lo pueden curar.
• En el medio: los tres
apóstoles que ascendieron
con Cristo al Monte Tabor
están cegados por la luz de la
Transfiguración
• En la parte superior: Cristo
transfigurado en una nube
radiante
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Rasgos generales de la pintura de M. Ángel:
1. Marcado carácter escultórico.
2. Elimina el paisaje .
3. Excelente dominio del dibujo.
4. Crea violentos escorzos.
5. Todo es dinamismo, movimiento, no hay reposo ni quietud,
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6. Figuras: enormes
proporciones y de una
fuerza titánica (
influencia del
Laocoonte).
7. Anticipa el
manierismo: tensión,
desequilibrio,
gigantismo
sobrehumano, colorido
estridente, bruscos
contrastes de
claroscuro
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TONDO DONI.
Óleo sobre tabla. 1503
• Encargo de la familia Doni
• Sagrada Familia inscrita en un
círculo (tondo).
• Aspecto monumental de sus
figuras.
• Composición en curva helicoidal:
movimiento, inestabilidad.
• María se gira sobre sí misma sobre
sus poderosas rodillas hacia su
derecha para recoger o entregar al
Niño a San José.
• Al fondo, controvertido friso de
desnudos.
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Los jóvenes desnudos nos recuerdan el
paganismo.
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LA CAPILLA SIXTINA
• Levantada durante el pontificado de Sixto IV de quien recibe su nombre.
• De planta cuadrada, sin ábside.
• Está cubierta por una bóveda de cañón, truncada con bovedillas laterales con ventanas .
• Decoración original:
cielo estrellado.
• Paredes laterales:
frescos de Perugino,
Botticelli, Ghirlandaio, Signorelli…
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• En 1508 se le encarga a Miguel Ángel la nueva decoración de la
bóveda.
• Veinticinco años después se le encomienda la decoración del
muro del fondo con el Juicio Final.
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• Frescos: 14 metros de ancho y 40 metros de largo
• Para poder pintar estos frescos a más de veinte metros de altura tuvo que
construir un andamio que le permitiese trabajar tumbado bocarriba.
• Pintaba a tamaño real las figuras en cartones que eran agujereados por las
líneas del dibujo los pegaba a la bóveda para que a través de sus agujeros los
ayudantes soplaban carboncillo que servía como marcas de dibujo para que
el artista comenzase a pintar.
• Originalmente sólo se le encargó pintar doce figuras, los doce apóstoles, el
resultado final fueron más de 300 figuras
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• Miguel Ángel cuando empezó a realizar estos frescos solo tenía 33 años y
debido al arduo trabajo comenzó a sufrir de tremendos dolores en la
espalda tras una caída del andamio.
• Trabajaba tanto que ni para comer descansaba.
• La gente en Roma empezó a tomarlo por loco ya que su aspecto físico
desmejoró y se volvió una persona huraña.
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Andamio construido por Miguel Ángel, según la película El tormento y el éxtasis

Pintura. Miguel Ángel. Bóveda de la Capilla Sixtina. 1508-1512
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Programa iconográfico
• Génesis, desde la creación a la
caída del hombre en el pecado.
• Nueve escenas centrales: cuatro
en rectángulos de gran formato
y cinco en pequeño.
• Los grandes:
• La separación de la luz y las
tinieblas (1)
• La creación de Adán (2)
• El pecado original y la
expulsión del Paraíso (3)
• El diluvio universal. (4)
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1
3
2

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• En los pequeños :
1. La creación de los astros
2. La separación de tierras y aguas
3. La creación de Eva.
4. El sacrificio de Noé
5. La embriaguez de Noé.
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5 4 3 2 1

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• Finge una arquitectura de en trampantojo de arcos,
pilastras y medallones, para compartimentar el
espacio y separar las escenas
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En el tramo central de esa falsa arquitectura pinta 9 escenas de
la Creación (Génesis) separadas por los arcos fajones pintados,
sobre cuyos arranques coloca figuras de desnudos (ignudi)
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La Creación de Adán
• La escena más famosa de la Sixtina.
• Dios Padre, llevado por un grupo de ángeles y arropando con
su brazo izquierdo a la preconcebida Eva, da vida con un
ligero toque de su dedo índice a Adán, el primer hombre.
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• La figura de Dios Padre:
• Corpulenta, escultórica y enérgica (terribilitá)
• En plena tensión ( cabello y capa movidos por el viento)
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• Adán: belleza ideal, refleja los ideales clásicos, mira a
Dios con una expresión de asombro y obediencia.
• El acercamiento de sus dedos sobre fondo neutro:
• Produce un efecto de alta intensidad
• Es una de las invenciones mas sugestivas de todo el ciclo.
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El Pecado Original y la Expulsión del Paraíso
• Composición dividida en dos escenas:
• Izquierda: la Caída en el pecado original
• Derecha: un ángel armado con una espada expulsa a Adán y
Eva del jardín del Edén.
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106

• Eva acaba de recibir la manzana , el fruto prohibido,
mientras Adán coge una también.
• La serpiente que ofrece la fruta prohibida es una mujer
cuyos anillos de colores ( anaranjado, verde y rosa )
significan su atractivo fatal.
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107

• A Miguel Ángel no le interesaba pintar paisajes, su atención
se centraba en las figuras humanas, de ahí que simplifique el
Edén a una llanura desolada.
• El ángel apunta con una espada el cuello de Adán.
• Caras de Adán y
Eva: se encuentran muy
envejecidas, deformadas
y arrugadas de la
tristeza que los aflige
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108

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110

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111
En el tramo de los lunetos pinta:
• Ancestros de Cristo
• Profetas y Sibilas sentados en tronos monumentales.
• Figuras secundarias: ignudi (jóvenes desnudos)y putti (pequeños
cupidos)

• Profetas y las Sibilas:
• Sentados sobre tronos de piedra en las más forzadas
posiciones.
• Actividad frenética: consultan libros o pergaminos o bien
redactan sus visiones.
• Los profetas anuncian en sus libros del Antiguo
Testamento la llegada del Mesías
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114

• Las Sibilas prefiguran el mundo pagano, el tiempo
histórico en el que tuvo lugar la venida de Dios..
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115

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116

• Los ignudi : jóvenes desnudos que portan paños, escudos de
bronce o guirnaldas de hojas de encinas y bellotas (el símbolo
de la familia Della Rovere, de la que procedía el papa Julio II).
• Los putti: pequeños cupidos que juguetean tras los serios
gigantes entronizados
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117

• Sus posturas forzadas sirven a Miguel
Ángel para demostrar su virtuosismo
en la representación del desnudo.Antonio Casquet y Marta López Ave María
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118

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119

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120

• Pechinas: Historias del Antiguo Testamento:
• David y Goliath
• Judith y Holofernes
• Las serpientes de bronce
• El castigo de Amán.
• Es un formato especialmente complicado que demuestra la maestría
de Miguel Ángel.
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121
Los escorzos, retorcimientos y el expresionismo de los
personajes preludian el Juicio Final.

Judit y HolofernesEl castigo de Amán
David y GoliatLa serpiente de bronce
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122

• Los lunetos son más simples y representan a
supuestos ancestros bíblicos de Cristo
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123
Antepasados de Cristo.
Eleazar y Matthan.

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124

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125

Síntesis de sus rasgos
1. La concepción escultórica: personajes robustos,
corpulentos, perfección anatómica, tamaño
monumental
2. Clara influencia del Laoconte y del Torso de Belvedere.
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126

3. No le interesa la ambientación paisajística de sus
escenas ni los elementos anecdóticos.
4. Su gusto por el desnudo : exagerar la musculatura
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127

5. El movimiento : cuerpos retorcidos, línea serpentinata, formas
inestables escorzos muy violentos
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128

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129

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130

6. Enorme riqueza
cromática: colores
brillantes que
resaltan las figuras.
7. Tras retirar la
pátina que lo había
oscurecido,
después de la
restauración y
limpieza entre los
años 1980 a 1994
se ha recobró la
luminosidad y
colorido.
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131

EL JUICIO FINAL
1537-1541. Fresco del ábside de la Capilla Sixtina.
• Fresco para decorar
el ábside de la
Capilla Sixtina , 25
años después de
pintar la bóveda.
(1536 y el 1541)
• Encargo del Papa
Papa Clemente VII
• Tema: el Juicio Final.
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132

• Obra grandiosa:
• Fresco de enormes dimensiones (13,70 x 12,20
metros) y casi 400 figuras de entre los 2,5 m y
1,55
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133

En esta capilla se realiza en cónclave en el que los cardenales eligen a cada nuevo Papa
Casa Madre
134

Rasgos generales del Juicio Final
1. Estudio
racional y
equilibrado del
espacio
compositivo:
los personajes
distribuidos por
grupos
compactos,
cerrados, pero,
dinámicos.
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135

Sombra
Luz
Penumbra
Sombra
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136

2. Refleja:
• Transformación espiritual del artista
• Cambio hacia una estética cada vez más manierista.
3. Gran dinamismo:
• Tensión del fin del mundo
• A la derecha de Cristo, los justos ascienden al cielo
• A su izquierda, los condenados caen al infierno.
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137

4. Introduce personajes de la mitología clásica: Caronte
el barquero encargado de transportar las almas de los
difuntos.
Casa Madre
138
Basándose en la Divina Comedia de Dante, Miguel Ángel pinta a Caronte
transportando los condenados al otro lado de la Laguna Estigia, donde los esperan
los demonios para hacerlos pasar al infierno.

• A la derecha Minos, juez infernal, con
orejas de asno, atormentado por una
serpiente que le muerde el pene.
• Su rostro es el de Biagio de Cesena,
maestro de ceremonias del Papa Pablo III,
que había criticado duramente la obra de
Miguel Ángel por el exceso de desnudos en
un espacio tan sagrado.
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139

4. Los desnudos: marcada musculatura, aumentan la tensión.
• El Papa mandó el cubrimiento de los desnudos con "paños de
pureza“
• Se le encargó a Danielle da Volterra, apodado desde entonces Il
Braghettone.
• Muchas de las desnudeces siguen ocultas bajo sus paños.
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140

5. Se abandona la serenidad renacentista.
6. El dramatismo alcanza unas cotas insuperables a
través de la "terribilitá" miguelangelesca:
• Cuerpos titánicos
• Posturas forzadas, escorzos
• Rostros trágicos
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141

7. La restauración de 1990-94 devolvió la intensidad del
color
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142

A) Mundo Celeste:
1. Cristo Juez
2. La Virgen
3. San Lorenzo
4. Santa Marta o Santa Ana
5. San Andrés
6. Raquel o la Beatriz de Dante
7. Noé, o Enoch o Pablo III.
8. San Juan Bautista o Adán
9. Abrahám o San Bernardo o Julio II
10. Abel
11. 12. Níobe con una hija o Eva, o personificación de
la maternidad, o la Iglesia misericordiosa y una hija.
13.La hija del faraón que encontró a Moisés o Sara, o Eva.
14. El arcángel Gabriel llevando la cruz.
14(a). Un ángel transporta la columna de la pasión.
15. Francesco Amadori, llamado el Urbino, o Tomás de
Cavalieri.
16. San Bartolomé (con el rostro del Aretino).
17. La piel de San Bartolomé con el autorretrato de Miguel
Ángel.
18. San Marco o Clemente VII.
19. San Pablo.
20. San Pedro.
21. Job, o Adán o Abraham.
22.La mujer de Job o Eva.
23.San Longino
24 Simón Zelota
25 San Felipe
26.Santa Catalina de Alejandría
27.San Blas
28. San Sebastián
29. San Fco. De Asís, o San Andrés, o Simón Cireneo.
30. Moisés o Adán.
31. Dante Aliguieri
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143

B) Ángeles con las trompetas:
32. El arcángel San Miguel con el libro de los elegidos.
C) Resurrección de los muertos:
33. Dante
34. Miguel Ángel, o el papa Julio II o Martín Lutero.
35. Miguel Ángel.
36. Savonarola.
D) Beatos que ascienden a los cielos:
37.38.39. Un beato que levanta a dos negros.
E) Réprobos condenados al Infierno:
40. Un orgulloso, o un condenado por desesperación.
41. Un demonio.
42. Un orgulloso o un perezozo.
43. Un avaro o un papa simoníaco (Nicolás III).
44. Un iracundo o un orgulloso.
45. Un lujurioso.
46.47.Pablo y Francisca de Rímini.
48. Un orgulloso o un estafador.
49. Caronte o Satanás (con los rasgos del
Condestable de Borbón).
50. César Borgia.
51. Minos (con los rasgos de Biagio de Cesena).
52.53. El conde Ugolino y el arzobispo Ruggeri.
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144

1. En los lunetos: Dos grupos de
ángeles que portan los símbolos
de la Pasión: la corona de
espinas, la cruz y la columna,
ofreciendo las más variadas
posturas y reforzando la
sensación general de
movimiento.
CICLO ICONOGRÁFICO
Casa Madre
145

2. Zona central: El mundo celestial
• Presidido por Cristo como juez en el centro de la escena, a su
lado, la Virgen.
• Rodeadas santos, apóstoles y patriarcas A ambos lados de
este grupo central : mártires, vírgenes, bienaventurados y
Confesores de la Iglesia
Casa Madre
146

• La primera vez que un artista,
contratado por el papa, se atreve a
pintar un rostro de Cristo, distinto al de
la tradición iconográfica cristiana
• Se inspira en una imagen pagana, el
Apolo de Belvedere, una de las imágenes
más hermosas del mundo antiguo.
• Un Cristo joven y sin barba, de gesto
poderoso, vigor muscular belleza juvenil
que domina toda la composición.
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147

• Su actitud es inflexible,
justo en el momento de
lanzar el rayo de castigo.
• Rodeado de un halo
luminoso (Él es la luz del
mundo)
• La Virgen María, junto a Él
retira el rostro aparta la
mirada. Se decía que podía
ser la imagen de Vittoria
Colonna, amor platónico
de Miguel Ángel.
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148

• A los pies de Cristo :
• San Lorenzo: con la parrilla de su
martirio
• San Bartolomé, con un cuchillo y
con su propio pellejo, donde
Miguel Ángel dejó constancia de
su autorretrato. En la piel
desollada del mártir se
reconocen los rasgos
desfigurados del artista como la
nariz partida.
• Por encima de San Bartolomé se
identifica la poderosa figura de
San Pedro devolviendo a Cristo
las dos llaves de la Iglesia
Casa Madre
149
Pietro Aretino, propuso el primer
programa iconográfico del Juicio
Final que Miguel Ángel rechazó,
provocando la ira del primero que
criticó duramente al florentino,
llegando también a insultarlo.
Miguel Ángel le devolvió la crítica
colocando su retrato en la imagen
de San Bartolomé.

• San Juan el Bautista, de frente y algo desconcertado por la
actitud de Cristo
• San Andrés de espalda con su cruz que se vuelve hacia las
otras figuras como queriendo poner orden o silencioAntonio Casquet y Marta López Ave María
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150

• S. Juan Bautista S. Andrés S. Lorenzo S. Bartolomé
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151

El cielo de las mujeres.
Un tumultuoso
grupo de mujeres
parece que
quieren
representar a la
Iglesia Militante.
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152

• Debajo, a la derecha, el grupo de mártires, con sus atributos
de pasión:
• San Blas (rastrillos de cardar)
• Santa Catalina (la rueda de pinchos)
• San Sebastián (las flechas)
• Y, por último, un grupo masculino lleno de dicha
desenfrenada, en el que destaca Dimas, el buen ladrón, que se
alivia de la carga de una gran Cruz.
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153

Plano intermedio: Purgatorio
• Terribilitá y dramatismo: máxima expresión.
• En el centro, los ángeles trompeteros despiertan a los muertos
para el juicio.
• A la izquierda, la ascensión de los elegidos por los ángeles
• A la derecha, la tragedia de los pecadores que son arrastrados
por los diablos y que se desesperan ante lo inevitable.
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154

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Los ángeles trompeteros despiertan a los difuntos

LOS ELEGIDOS
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156

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157

• Los condenados:
• Drama, confusión, tormento .
• Demonios con cuernos y serpientes los arrastran hacia el
infierno.
• El avaro con su bolsa de dinero y unas llaves.
• Terror ante el pecado y el castigo en la figura que impresionó e
inspiró a Rodin para su Pensador.
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158

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159

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160

• Infierno: sobrecogedor
• Caronte golpea con su remo a los condenados que se retrasan en
desembarcar.
• Minos, el Príncipe y Juez del Hades, que con una serpiente enrollada
al rededor de su cuerpo, distribuye con satisfacción a sus nuevas
víctimas.
• En el centro, el azufre de la boca del Infierno.
• Síntesis del Apocalipsis de San Juan, con la mitología grecorromana
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161

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162

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163
En la parte de la izquierda : muertos que se levantan
de sus tumbas para asistir al Juicio Final

Escuela Veneciana
• Este escuela se caracterizó por:
• Técnica del óleo sobre lienzo.
• Predominio del color sobre la línea (especialmente tonalidades
cálidas).
• Pintura refinada, elegante, que exaltó la riqueza por medio de la
representación de ambientes de palacio, las telas, las joyas,….
• Contemplación poética del paisaje: luces, colores y atmósfera
luminosa.
• Pincelada suelta.
• Importancia de los temas secundarios: el detalle, lo anecdótico…
• Desnudo femenino delicado y sensual.
• Destacan:
• Tiziano (S. XV-XVI): pintor oficial
de la República de Venecia
• Tintoretto
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164

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165

Rasgos de Tiziano
1. Abandonó el dibujo y la
pincelada detallista para
utilizar una pincelada
totalmente suelta.
2. El dibujo perdió
importancia frente al color
3. Marcó modelos a seguir
por pintores posteriores
en división celestial y
terrenal de escenas,
modelo de retrato,
desnudos femeninos
sensuales.
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166

4. Tres géneros fundamentales:
• Obras de temática religiosa .
• Retratos: junto a los rasgos
físicos del retratado, supo
captar su psicología. Retrató a
los grandes personajes de la
época y creó un modelo de
retrato a seguir .
• Obras de carácter mitológico:
destacaron la belleza y la
sensualidad de los desnudos
femeninos bañados por una
luz suave que modela los
cuerpos.
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167

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168
• En vida gozó de prestigio y
reconocimiento siendo
nombrado "pintor de la
ciudad“ y teniendo como
mecenas al Duque d'Este,
en la corte de Ferrara.
• Murió víctima de una
epidemia de peste en
1576, con casi 90 años y en
la cumbre de su carrera.
• Recibió sepultura en el
templo de Santa María dei
Frari, junto a varias obras
maestras como la pala de
altar de la Asunción.

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169
• Su primer encargo veneciano.
• Para el altar mayo
• Monumental pintura —6,90 x 3,60
m.—
• Obra impactante y revolucionaria
• Novedades:
• Primera obra en la que utilizó el
óleo sobre tabla, cuyo brillante
colorido causó en principio un
fuerte rechazo.
1. Asunción de la Virgen,
1516-1518, Santa María dei
Frari, Venecia
RELIGIOSA

Casa Madre
170
• Soluciona el
problema del
emplazamiento
en el ábside con
grandes
ventanales que
producirían un
fuerte contraluz
• Contrarrestó los efectos de la luz de los ventanales con la
luminosidad que emana de la propia pintura, que realza su
carácter de visión sobrenatural.

Casa Madre
171
• Composición original, división
en tres espacios:
• Superior: mayestática figura
de Dios Padre esperando
recibir a María
• Central: la Virgen ascendida
entre nubes por querubines,
visión sobrenatural
• Inferior: terrenal,
sorprendidos y gesticulantes
apóstoles contemplan la
visión.
• Novedad compositiva: plano
terrenal y otro celestial

Casa Madre
172
• Doble perspectiva:
• De arriba abajo: apóstoles
• De abajo a arriba: la Virgen y
Dios Padre (sotto in sù), lo que
infunde un carácter ascensional
al conjunto
• Sentido ascensional reforzado por
el color rojo ( túnicas de dos
apóstoles, de la Virgen y el manto
de Dios Padre) tres zonas de una
pirámide ascendente cuyo vértice
es la cabeza de Dios.
• Cabeza de la Virgen: concentra la
mayor luminosidad del cuadro

Casa Madre
173
• En el centro, y con los
pies apoyados en las
nubes, aparece la Virgen
con los brazos
levantados y la mirada
dirigida a lo alto.
• La túnica roja, alude a
su papel en la Pasión
• Un manto azul, símbolo
de su divinidad
• Fino velo blanco que
recuerda su pureza.

Casa Madre
174
En la parte superior corona el espacio la figura de Dios Padre,
caracterizado como un anciano de largas y blancas barbas que con
los brazos extendidos se dispone a acoger a María acompañado a
los lados por un ángel y un querubín que portan coronas de gloria.

1519-26
Óleo 478 x 266 cm
Santa Maria dei Frari, Venecia
Casa Madre
175
• Retrata a los comitentes Jacopo
Pesaro (en la esquina inferior
derecha), y su familia.
• Presentados a la Virgen por
Alejandro VI, el Papa Borgia.
• La Virgen sentada en un trono
con el niño Jesús, queda a la
derecha, sobre la diagonal.
• En el centro : San Pedro
• S. Francisco y S. Antonio
2. El Retablo de Pesaro,
1526

Casa Madre
176
• La escena se presenta en un
gran edificio, dos grandes
columnas le dan verticalidad a
la obra.
• La disposición de las figuras y
de sus miradas sin equilibrio ni
simetría.
• Rompe la simetría frontal al
introducir un punto de vista
lateral.
• Rompió con una tradición de
colocar la Virgen y el Niño en el
centro de la pintura.

177
• Importancia del color: destacan los colores oscuros.
• El uso de luz y sombra, es decir, el claroscuro, también da una sensación de profundidad
• En la bandera, la insignia de los Pesaro y de la familia Borgia.

178
Excelentes retratos de
los miembros de la
familia Pesaro

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179
Óleo sobre lienzo.
335 x 283 cm.
Museo del Prado.
• Conmemorativo de la
victoria en Mühlberg
sobre las protestantes.
• La aparente sencillez de
la composición esconde
una compleja
simbología: mito del
poder
RETRATOS Carlos V en la batalla
de Mühlberg, 1548.

Casa Madre
180
Muestra al Monarca en su doble condición de caballero cristiano y heredero de la tradición
imperial romana.
La lanza símbolo del poder de los césares, también hace referencia al arma de San Jorge y
a la lanza que portaba Longinos durante la Pasión de Cristo (soldado romano que clavó su
lanza en el costado de Cristo y que a continuación se convirtió al cristianismo).

Casa Madre
181

Casa Madre
182

Portrait of Philip II in Armour
1550-51 Oil on canvas, 193 x 111 cm
RETRATO DE
FELIPE II
c. 1554
Oil on canvas,
185 x 103 cm
Galleria Palatina
(Palazzo Pitti),
Florence
183

AUTORETRATO
1562-64 Oil on canvas, 96 x 75 cm Staatliche Museen, Berlin
Casa Madre
184

AUTORETRATO
c. 1566
Oil on canvas, 86 x 69 cm
Casa Madre 185

La Venus de Urbino
1538 Oil on canvas, 119 x 165 cm Galleria degli Uffizi, FlorenceAntonio Casquet y Marta López Ave María
186
Temática mitológica

• Encargo del Duque de Urbino Guidobaldo II della Rovere
para regalarlo a su joven esposa Giulia Varano
• Alegoría al matrimonio: modelo “didáctico” para la joven
esposa, de erotismo, fidelidad y maternidad.
• El erotismo:
• Es evidente
• Recuerda las obligaciones maritales de la mujer hacia su esposo.
• Venus, diosa del amor, como una mujer sensual y seductora que
mira fijamente al espectador
• La luz y el color claro y cálido del cuerpo de Venus contrasta con
el fondo y los cojines obscuros.
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187

• La fidelidad conyugal: simbolizada en el perro a los pies
de la mujer
• La maternidad: detrás, una niña hurga en un cajón, ante
la atenta mirada de una empleada.
• Perfecta mujer del Renacimiento : símbolo de amor,
belleza y fertilidad
Casa Madre
188

• Inspiración y tributo a
su amigo y
maestro Giorgione, que
en 1510 había pintado
un cuadro muy similar,
la Venus dormida.
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189

Dánae recibiendo la lluvia de oro 1560 - 1565.
Óleo sobre lienzo, 129,8 x 181,2 cm Museo del Prado, Madrid. Antonio Casquet y Marta López Ave María
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190

Danae 1544-45 Oil on canvas, 117 x 69 cm Museo Nazionale di Capodimonte, Nápoles
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191
Momento en que Júpiter la posee en forma de lluvia de oro.
La primera versión de Dánae en Roma en 1544-45 para el cardenal Alessandro Farnese y aludía a los
amores del cardenal con una cortesana.

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192
• Esta versión de Dánae para Felipe II
• Cupido sustituido por una anciana celadora
• Contrastes: juventud frente a vejez; belleza frente a fealdad; figura
desnuda frente a vestida
• Otras réplicas: conservadas en Viena y San Petersburgo

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193
• La Dánae del Prado supera en sensualidad y calidad a las demás versiones
• Completa desnudez de la figura (ha desaparecido el paño sobre las piernas)
• Expresión de éxtasis del rostro, con los labios abiertos
• Gesto de la mano separando las piernas para facilitar el acceso al dios.
•

LA BACANAL
1523-24
Oil on canvas,
175 x 193 cm
Museo del Prado,
Madrid
Ariadna
despierta
después de
haber sido
abandonada por
Teseo en la isla
de los Andrios.
Casa Madre
194
LA BACANAL

• La Bacanal de
los andrios.
• Óleo sobre
lienzo. 1,75 x
1,93 mts.
• Encargo
de Alfonso
D´Este para su
estudio o lugar
de lectura y
recreo.
• Localización
actual e historia
del cuadro:
Museo del
Prado.
Perteneció a la
colección
de Felipe IV
Casa Madre
195

• Representa a Ariadna en el momento en el que al
despertar descubre que ha sido abandonada en la isla de
Naxos por Teseo, que se aleja en un velero.
• Se ve sorprendida por la llegada de los habitantes de
Andros, que forman el cortejo de Dionisio, que beben y
bailan junto a ella
Casa Madre
196

• La Bacanal: fiesta en honor al dios Dionisos/Baco, que constituye un canto
a los placeres de la vida.
• Dos muchachas con vestidos contemporáneos se embriagan después de
haber tocado la flauta una melodía cuyo texto aparece en una nota en el
suelo: "Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber".
• Un torbellino de faunos revolotean sirviendo y bebiendo.
• Otro grupo baila
• La exaltación del vino se muestra en una jarra de cristal
Casa Madre
197

Casa Madre
198
Amor sagrado, amor profano
Artista: Tiziano
Tamaño: 1,18 m x 2,79 m
Ubicación: Galería Borghese
Tema: Venus
Fecha de creación: 1514
La escena
En una fuente en mitad del campo, dos jóvenes
muchachas, una ricamente vestida, la otra
prácticamente desnuda, entre ellas Cupido juega
distraídamente con el agua.
Al fondo: paisaje italiano
.

• El título
Actualmente : Amor sacro y
amor profano
• Otros: Venus y la doncella,
Tres amores, Mujer divina y
mujer profana...
• Numerosas
interpretaciones:
Casa Madre
199

Casa Madre
200
El significado
1. Neoplatonismo : las dos caras de la diosa Venus: la terrenal (vestida) y la celeste
(desnuda)
La belleza terrenal es reflejo de la celestial, para alcanzar ésta es necesario el amor,
no el vulgar, el placer, sino el amor intelectual, el humanismo (la lámpara de aceite,
símbolo de conocimiento)
Entre ellas, Cupido, el amor, que marca el camino hacia el mundo celestial.

Casa Madre
201
2. Encargo de Niccolò Aurelio,
gran canciller de Venecia como
regalo de bodas para su futura
esposa Laura Bagarotto.
• LA ESPOSA: vestida con su
traje de novia (la corona de
mirto, las rosas en su mano,
el cinturón símbolo de
castidad, los guantes, la
vasija con joyas...
• Mujer desnuda: diosa del
amor, Venus, junto a su hijo
Cupido.

202
• La obra
La composición
equilibrada.
• El uso del color
excepcional, con una
amplia tonalidad y
gama cromática,
destacan
especialmente el
brillo y las sombras
de las telas, y la
puesta del sol con
los efectos que la luz
produce en el
paisaje y el cielo.

Casa Madre
203
• La fuente de mármol
lleva inscrito junto al
caño de agua, el
escudo de la familia
de Niccolò Aurelio.
• Se trata de un viejo
sarcófago romano
transformado en una
fuente: implica una
dualidad, el sarcófago
como símbolo de
muerte frente a la
fuente como símbolo
de vida.

Flora, 1515,
(Galería Uffizi).
Casa Madre
204

Casa Madre
205
“Y fue sobre 1510 cuando el
hermano de Isabel, Alfonso de
Este, duque de Ferrara, se
planteó crear un lugar lleno de
obras nuevas con ese nuevo
Arte extraordinario. En Ferrara,
su ciudad natal, poseía un
Palacio y un Castillo, ambos
edificios separados por unas
decenas de metros. Cada vez
que pasaba Alfonso de un lugar
a otro debía ir por la
intemperie, por ese mundo -
metáfora medieval- sórdido y
lleno de barro cuando lloviese
o lleno de polvo cuando no. Así
que ideó levantar un pasadizo
cubierto en superficie, una
galería con varias estancias
diferentes. Pero, claro, no
podría estar un lugar así
indecorosamente vacío. Una de
esas estancias que componían
el pasadizo entre el Palacio y su
Castillo la construyó de paredes
de alabastro, un mármol
blanco tan refinado que acabó
llamándose la estancia así, la
Cámara de Alabastro”
La cámara de alabastro de Alfonso de Este en Ferrara

EL RAPTO
DE EUROPA
1559-62
Oil on canvas,
185 x 205 cm
Isabella
Stewart
Gardner
Museum,
Boston
Casa Madre
206

JACOPO ROBUSTI “EL TINTORETTO”
(1518-1594)
• Próximo al manierismo
• Combinó el gusto por el color y la luz
venecianos con los rasgos manieristas.
• Admiraba a Miguel Ángel de quien adopta
la expresividad de sus figuras, la fuerza del
volumen y posturas forzadas, canon
alargado
• Fuertes contrastes de luz y sombra
• El color va perdiendo el protagonismo
característico de la pintura veneciana.
• Composiciones diagonales en espacios de
gran fondo: perspectivas y escorzos
artificiales
• Decoración de la Scuola di San Rocco
• Lavatorio
• La Última Cena
Casa Madre
207

El lavatorio de los pies (1547), Museo del Prado.
Madrid
Casa Madre
208
• En el extremo de la derecha: Cristo de rodillas lavando los pies a san
Pedro mientras otro apóstol, (tal vez san Juan) sostiene un aguamanil.
• En el extremo izquierdo observamos la figura de gran tamaño de otro
apóstol que aparece descalzándose.

• Encargo para la iglesia de san Marcuola en Venecia junto
con la Última Cena.
• El centro: la mesa de la cena y a ambos lados:
• Un apóstol ayudando a otro a quitarse las calzas
• Un apóstol descalzándose sobre el banco.
• La escena transcurre en una sala con un fondo abierto
con una arquitectura clásica y un canal con barca incluida,
evocación clara de Venecia.
Casa Madre
209

La Última Cena
Casa Madre
210

Selectividad
• LA PINTURA DEL CINQUECENTO (3)
• LEONARDO DA VINCI
• La Virgen de las Rocas; Museo del Louvre. París.(1)
• La Última Cena; Convento de Santa María de la Gracia. Milán.(1)
• Retrato de Monna Lisa, “La Gioconda”; Museo del Louvre.
París.(1)
• RAFAEL
• La Virgen del jilguero; Galería Uffizi. Florencia.(1)
• La Escuela de Atenas— Estancia de la Signatura, Palacio del
Vaticano. Roma.(4)
• MIGUEL ANGEL
• Bóveda de la Capilla Sixtina; Palacio del Vaticano. Roma(1)
• TIZIANO
• La Bacanal; Museo del Prado. Madrid.(1)

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