Tema 13.2 el arte del siglo xix. pintura

Tema 13. 2
El Arte del siglo XIX Pintura.

Índice
1. Romanticismo: Delacroix, T. Gericault, C.D. Friedrich y
Turner
2. Realismo: Courbet
3. Impresionismo: Manet, Monet, Renoir, Degas
4. Postimpresionismo: Toulosuse-Lautrec, Van
Gogh,Gauguin, Cezanne

13.1 EL ROMANTICISMO EN LA PINTURA (1ª ½ S. XIX)
Contexto Histórico
• Revolución francesa, guerras
napoleónicas y la crisis del
Antiguo Régimen
• Pérdida de la fe en la Razón.
• Corriente intelectual principios
siglo XIX, rechaza el clasicismo
anterior, con sus rígidas normas.
• Nueva estética: libertad
imaginativa, exaltación del
individualismo, defensa de los
sentimientos frente al
racionalismo de la Ilustración,
gusto por la Naturaleza, lo
exótico u oriental.

RASGOS DE LA
PINTURA ROMÁNTICA
• El Romanticismo fue un movimiento
eminentemente pictórico.
• Rasgos:
1. Exaltación del individuo y de
las tradiciones.
2. Defensa de libertad individual
y nacional.
3. Búsqueda de raíces nacionales
en la historia: interés por la
cultura medieval.
4. Visión de la naturaleza desde
perspectiva sentimental y
religiosa.
5. Predilección por lo exótico y lo
imaginario (atracción por
mundo islámico norteafricano
y por cultura oriental)
Friedrich; Abadía

6. Mayor movimiento: dinamismo de composiciones, líneas curvas,
diagonales.
7. Diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías.
Textura valorada en sí misma (superficies rugosas)
8. Pincelada libre, viva y llena de expresividad.
9. Desaparece la línea frente al color. Potencia sugestiva del color,
liberándose las formas y los límites excesivamente definidos. Es el
agente emocional de primer orden
10. La luz es importantísima, se cuidan sus gradaciones, carácter
efectista y teatral.
Gericault: La balsa de la Medusa
11. Temática: mundo medieval (gótico),
exótico (oriental, Norte de África) ,
Naturaleza: paisaje como protagonista
(sentido espiritual), fantasía (muerte,
ruinas, monstruos..)

• PRINCIPALES ARTISTAS:
• Francia: E. Delacroix, T.
Gericault
• Alemania: C.D. Friedrich
• G. Bretaña: Constable y Turner

Eugene Delacroix
1798-1863.
La libertad guiando al pueblo
La muerte de Sardanápalo
Mujeres de Argel

Eugêne Delacroix.
1798-1863.
• Es el pintor más representativo
del movimiento romántico
(bohemio, apasionado, seguro
de sí mismo)
• Predominio del color sobre el
dibujo
• Abandona los colores terrosos y
utiliza colores intensos, puros,
luminosos, con contrastes
violentos de color.
• Emplea el color con total
libertad, colores sin mezclar
• Pinceladas sueltas y vibrantes,
rápidas y enérgicas,
acrecientan la sensación de
movimiento.

• Temática: histórica (tanto medievales como
contemporáneos), literaria, simbólica y fantástica,
orientalismo (tras un viaje a Marruecos, interés por
su iconografía y por la luminosidad del colorido.
La muerte de Sardanápalo
El tema: antigua leyenda
basada posiblemente en
hechos
reales (Sardanápalo
sería una mitologización
de Assubanipal)
Sardanápalo, es castigado
a morir. Antes de hacerlo,
el sátrapa ordena a su
guardia acabar con sus
mejores caballos y todo su
harem para que no caiga
en manos enemigas.

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO.
Museo del Louvre.
París. Eugene Delacroix. Óleo sobre lienzo (260 x 325 cm.). 1830.
• Función
propagandística y
agitadora: icono de las
revoluciones liberales
• Protagonismo popular:
lucha callejera de las
barricadas
• Representa los
“gloriosos días de julio”
las protestas contra una
serie de ordenanzas que
restringían libertades
ciudadanas, en París el
27 de julio de 1830.

Figura alegórica de la libertad.
 Como una diosa de la
antigüedad clásica
 Porta la bandera tricolor
francesa de la revolución,
gorro frigio y fusil
reglamentario.
 Dirige al pueblo con decisión
avanzando hacia el espectador
e involucrándonos en los
hechos.
 De pecho desnudo,
demasiado provocativo para
su tiempo.

 El pueblo, representado en sus
distintas clases sociales, desde
el burgués que la acompaña a
su derecha, posible
autorretrato de Delacroix, a
los campesinos, desde los
niños a las mujeres.
 Todos participan en esa lucha,
sin que nada los detenga, ni los
cadáveres sobre los que hay
que seguir avanzando, ni la
violencia del momento.
En una carta fechada el 18 de octubre de
1830 escribió a su hermano, el general
Charles Henri:
"He comenzado un cuadro de tema
moderno, una barricada... y, si no he
luchado por la patria, por lo menos pintaré
para ella".

 También protagonizan la acción los
niños , uno de ellos a la derecha de
la Libertad, con dos pistolas,
animando a la rebelión .
 Al fondo las torres de Notre Dame
nos sitúan en un lugar concreto.

La barricada: piedras,
adoquines, maderas y
cadáveres, el de la
izquierda desnudo de
cintura hacia abajo, el
de la derecha un
soldado de las tropas de
Carlos X, dispuestos en
un primer plano de base
inestable . Quietud.
El personaje de
camisa azul que
intenta
incorporarse,
actúa como
elemento de
enlace entre la
quietud de un
primer plano y la
agitación que, “in
crescendo”,
culmina en la
figura de la
Libertad.

Otras obras:
La matanza de Quíos

Théodore Géricault (1791-1824)
• Pintor francés,
pionero del
Romanticismo
• Encarna ideal
romántico,
tumultuosa
vida,
prematura
muerte, a los
treinta y tres
años, a causa
de un
accidente de
equitación.
• Su obra más
significativa:
LA BALSA DE
LA MEDUSA

LA BALSA DE LA MEDUSA
• Museo Nacional del Louvre
491 x 716, Óleo sobre lienzo
• 1818-1819
• Tema: escándalo político
• Naufragio de la fragata Medusa, enviada a Senegal por el gobierno
francés, en 1816, bajo el mando del conde Chaumareys oficial de la
armada, inactivo durante 25 años, a cuya incompetencia se le atribuía
el desastre.
• El capitán y los
oficiales usaron las
barcas salvavidas y
abandonaron a 147
personas, cortando los
cabos que ataban la
balsa a los botes
salvavidas.

• TRAGEDIA:
• Un grupo de 149 personas improvisó una balsa, 13 días a la deriva.
• Dramatismo, lucha por la supervivencia:
• Muertes, asesinatos (los oficiales mataron a 65 hombres en un supuesto
motín a bordo), lucha por tener el mejor sitio y el poco alimento.
• Canibalismo: descuartizaron en tiras los cadáveres y las secaban al sol ( hacha
ensangrentada, en la parte inferior derecha de la balsa y el hombre que
sostiene un cuerpo (retrato de Delacroix), que recuerda al personaje Ugolino
De Dante, que devoró a sus hijos muertos).
• Tras una semana solo quedaban 28 supervivientes, de ello solo 15 parecían
capaces de sobrevivir, lanzaron al resto al mar

• Avistaron un barco de la marina francesa pero no los recogió.
• Sólo 15 individuos sobrevivieron, cuando la balsa fue encontrada por la fragata Argus,
semanas después. Otros cinco murieron al llegar a tierra.
• Un superviviente retratado en el cuadro, Henri Savigny, cirujano a bordo del barco,
relató los hechos

• Escena: grupo de
náufragos avistan una
vela en el horizonte, los
supervivientes agitan los
brazos para intentar ser
vistos.
• Parte inferior de la balsa:
muertos y a un par de
personas que los están
sujetando.
• El mar revuelto, el cielo
nublado.

• Composición: piramidal, compleja y asimétrica, dinámica, en aspa:
• Predominan las líneas rectas e inclinadas.
• Gran diagonal desde el cuerpo muerto y extendido de la izquierda hasta el
hombre que ondea la camisa
• Segunda diagonal desde el cuerpo de la esquina derecha hasta la vela hinchada.
• Dinamismo, movimiento, gestos de los supervivientes , mar tempestuoso,
muy agitado, con unas olas muy grandes.

• Pincelada suelta , contornos imprecisos..
• Importancia del color sobre el dibujo.
• Reducida gama de colores .
• Expresividad rostros, emoción, esperanza…
• Estudio anatómico de los cuerpos
Retrato de
Delacroix

• Función política: manifiesto del nacionalismo.
• Rechazo a la pintura histórica, retratando por primera vez
un hecho de actualidad
• Fue censurada por el gobierno, finalmente se ofreció al
Salón Oficial y causó un tremendo escándalo social.

Caspar David Friedrich
(Greifswald 1774 – Dresde 1840)
1. Pintor paisajista del romanticismo alemán.
2. Temas:
 El pasado alemán (túmulos megalíticos, ruinas,
iglesias góticas, cementerios)
Acantilados
La calma, la lejanía, el infinito.
Paisajes alegóricos con figuras contemplativas
opuestas a cielos nocturnos, nieblas matinales,
árboles estériles o ruinas góticas.
3. Pequeñas figuras humanas de espaldas en extensos
paisajes.
• Invitan al espectador a admirar lo que ellos ven.
• Lo importante no son las figuras sino el paisaje que miran
• En calma, meditando, ensimismadas

4. Reflexión de la insignificancia humana frente a la inmensidad de
la naturaleza
5. La melancolía, la soledad, la inquietud y angustia existencial del
hombre frente a la naturaleza, inmensa e infinita ,que se
despliega en toda su grandeza ante nuestros ojos.
6. Sus paisajes son la proyección de la espiritualidad humana

• Gran profundidad espiritual
• Escena religiosa, funeral en un paisaje de invierno.
Abadía en el robledal 1809, óleo sobre lienzo
110,4 cm por 171 cm.
Staatliche Museen de Berlín

• Monjes portan ataúd a través de las
ruinas de una abadía gótica, en la que se
puede apreciar un crucifijo flanqueado
por dos pequeñas luces.

• El camino serpentea por un cementerio cubierto de nieve, lleno de
tumbas irreconocibles.
• Como es usual en el artista, no existen límites espaciales, no hay fondo,
no hay transiciones.
• La línea del horizonte es de nuevo muy baja, y aparece cubierta por una
espesa niebla.
• Los robles se alzan sobre el cementerio como símbolo de
perdurabilidad
• Este "memento mori" (recuerda que has de morir) nos invita a la
meditación de la vanidad de las cosas humanas.

"Es magnífico mirar sobre un desierto de agua sin límites desde la soledad infinita
de la orilla, bajo un cielo nublado. Para ello es necesario haber ido hasta allí, añorar
todo lo que se desea para vivir y, a pesar de ello, oír la voz de la vida... y así yo
mismo me convertí en el capuchino... Nada puede ser más triste y más insoportable
que esta posición ante el mundo: ser la única chispa de vida en el amplio reino de
la muerte, el solitario centro del círculo solitario. El cuadro con sus dos o tres
misteriosos objetos se presenta como el apocalipsis...« (Kleinst)
Monje a la orilla
del mar
1808-10
Staatliche Museen
de Berlín
110 x 171,5 cm.
Oleo sobre lienzo

• Composición de tres superficies de proporciones extremas y con ello la obra más
radical del romanticismo alemán: playa, mar, cielo.
• El cielo, un muro impenetrable que se desgarra hacia la altura, ocupa tres cuartas
partes del lienzo.
• La inmensidad azul reduce el mar, la tierra, el hombre y el animal a una existencia
diminuta.
• El océano, por el contrario, ocupa una zona delimitada.
• Todos los elementos de vida, las hierbas sobre las dunas, o las gaviotas que vuelan
hacia la lejanía, son elementos aislados, apenas perceptibles.

• En la estrecha franja de tierra vemos
un hombre solo: monje en hábito
marrón oscuro se confronta al
universo.
• Consciente de su inferioridad ante la
inmensidad, se enfrenta a los
elementos que le rodean y encarnan
la categoría de lo "sublime", según
Burke.
• Su espacio de meditación es el mar y
no el monasterio.
• El motivo nos lleva a pensar en un
anacoreta, una persona que se ha
retirado del mundo.
• Lo externo, el universo, refleja así lo
interno, el estado de ánimo.

Caspar David Friedrich
Rocas cretáceas en Rügen.
1818.
90x70 cm. Óleo sobre lienzo.
Fundación Oskar Reinhart .
Winterthur

“Debo rendirme a lo que me
rodea, unirme con las nubes
y con las piedras, para ser lo
que soy. Necesito la soledad
para entrar en
comunicación con la
naturaleza” (FRIEDRICH)
Caminante ante un mar
de nubes.
1818
74,8 x 94,8 cm
Óleo sobre lienzo
Kunsthalle de Hamburgo,

• Representa a un hombre de
espaldas (el propio Friedrich)
que ataviado con la ropa de
la época mira un imponente
paisaje montañoso de la
Suiza Sajona cubierto por
una inmensidad de nubes.
• El paisaje es el
protagonista de la obra, con
su inmensidad lo envuelve
todo.
• Contenido simbólico:
• Espiritualidad, pensamientos
en la idea de la muerte y la
vida posterior.
• Las rocas sobre las que se
apoya: referencia al mundo
terrenal
• Las nubes: la divinidad
• Las cadenas montañosas
lejanas: la vida después de la
muerte.

El mar de hielo
Naufragio en el mar de hielo

Altar de
Tetschen,
La cruz en la
montaña

Túmulo megalítico en la nieve

1. Pintor de éxito que en sus últimos años vive retirado del mundo
como un excéntrico.
2. Reflejó en su arte aquellos aspectos más sublimes y caóticos de la
naturaleza.
3. Un visionario que se adelantó a la pintura impresionista más de
treinta años.
4. Amante de la naturaleza
5. Trazaba bocetos y apuntes tomados in situ, que luego reproducía
minuciosamente en su estudio.
6. Interés por los efectos de la luz natural
7. Pintura cada vez más esquemática y libre,
8. Llegó a aplicar la pintura con las manos
WILLIAM TURNER LONDRES(1775-1851)
Lluvia, vapor y
velocidad

9. Interés por representar las fuerzas imponentes de la naturaleza:
• Cierta Terribilitá que nos recuerda la insignificancia humana ante
la majestad de la naturaleza .
• En sus obras los seres humanos son siempre minúsculos seres
sometidos a los embates de los elementos
Tempestad de
nieve

• Pertenece a su última época, en la que había centrado su interés en la
representación de la atmósfera y había abandonado la figuración objetiva.
• Representa un ferrocarril (protagonista de la coetánea Revolución Industrial)
envuelto en vapor, cruzando un puente moderno sobre el Támesis, a toda
velocidad
Lluvia,
vapor y
velocidad
1844
National Gallery
de Londres
122 x 91 cm
Óleo lienzo

• El tema le permite representar
movimiento, pero bajo una
óptica novedosa: el movimiento
lineal se mezcla y confunde con
los fenómenos naturales: niebla,
lluvia, el río y las nubes
• Atmósfera del cuadro plena de
vibraciones lumínicas,
desdibujando las formas y
envolviéndolas.
• Luz dorada en diagonal
• Los detalles se sacrifican en favor
de una unificación pictórica:
Detalles apenas discernibles:
chimenea, puente, colinas, orillas
del río.
Se funden el sol, la lluvia, el río,
el tren, el puente
“Parece que pinta con vapor de
colores, tan evanescente y tan
aéreo” ´Dijo Constable de turner

• La pequeña barca que flota sobre el agua con un
movimiento apenas perceptible, sirve de
contrapunto al movimiento impetuoso del tren.

• Deleite visual: disfrutar de los colores y la agitación de la luz, que fluye
con total espontaneidad y llega a envolvernos a nosotros mismos, que
estamos fuera del cuadro, pero que nos sentimos dentro de él.

El «Temerario» remolcado a su último atraque
para el desguace (1839)

13.2. REALISMO
• Segunda mitad siglo XIX.
• Rasgos:
1. Descripción fiel de la realidad, sin
idealizaciones, de un modo objetivo,
sin idealizarla.
2. Rechaza el sentimentalismo, la
temática histórica y orientalizante
propios del Romanticismo.
3. Preocupación por la realidad de su
época (explotación laboral, infantil,
miseria..)
4. Temas: problemas sociales (injusticia,
fatiga en trabajo..), escenas de la
vida cotidiana.
5. Perfeccionamiento en captación del
detalle (rostros, cuerpos)
6. Influencia de la fotografía, inventada
en 1839 por Daguerre
• Principales artistas:
• Pintores: Courbet, Daumier, Millet

GUSTAVE COURBET: El taller del
pintor
1854-55
Museo de Orsay
359 x 598 cm

• En el grupo del centro, él
mismo, pintando en la enorme
tela , un paisaje luminoso.
• Le mira pintar un niño,
representa la inocencia y la
franqueza .
• La mujer que aparece detrás
del pintor, representa a la
Verdad desnuda guiando el
pulso del artista (es la musa, la
inspiración sin ropajes que le
guía su trabajo).
• Por último, un perrillo debe ser
el símbolo de la fidelidad.
COURBET: El taller del pintor

• A la derecha : los amigos del
artista, que comulgan en sus ideas:
Baudelaire leyendo, o la poesía;
Champfleury (sentado en el centro), o la
prosa, Proudhon, o la filosofía social,
Promayet, o la música, Max Buchon, o la
poesía realista; Bruyas, o el Mecenazgo.
También aparece su amigo íntimo
Urbain Cuenot.
• La pareja que mira a Courbet por
encima del hombro, mientras se aleja,
son los aficionados mundanos;
• La pareja que se abraza tras ellos
representan el símbolo del amor libre.
Baudelaire

• A la izquierda: las
distintas clases sociales:
• Los perdedores y
explotados de la sociedad:
• Un cazador con sus perros,
tras él un mago hindú, al
lado una madre mendiga,
un veterano de la
Revolución francesa, un
obrero y una irlandesa
dándole el pecho a un
niño (símbolo de la gran
hambruna de 1845 en
Irlanda.
• Más lejos: los
explotadores del pueblo:
• El cura, el payaso, el
enterrador, la prostituta, el
comerciante.

• La figura que aparece en
primer término vestido
de cazador es Napoleón
III, golpista y dictador en
la práctica del Segundo
Imperio francés.
• Creó un régimen
represivo al que Courbet,
ferviente republicano, se
opuso activamente y que
acabó en sangrientos
levantamientos
populares.

Un cura, un obrero y un
veterano de la Revolución
francesa
Mago hindú
Un cazador con sus perros, Napoleón III
madre
mendiga
Mujer dándole el pecho a un niño , un payaso
saltimbanqui el enterrador, la prostituta, el
comerciante.

Courbet
La verdad (musa)
y
un niño
Los amigos del pintor:
Champfleury , Proudhon,
Promayet, Max Buchon,
Bruyas, Urbain Cuenot y
Baudelaire leyendo
El amor libre
Aficionados
mundanos
Baudelaire
Los grupos sociales:
Un cazador con sus perros
Mago hindú, madre
mendiga, un veterano de
la Revolución francesa, un
obrero y una irlandesa
dándole el pecho a un
niño , un cura, el payaso, el
enterrador, la prostituta, el
comerciante.
Napoleón III de cazador

Courbet: Entierro en
Ornans
Daumier: Vagón de
tercera
Millet: espigadoras

Millet: El ángelus
Courbet: cortesanas a orillas del
Sena
Courbet: la siesta

1. Últimas décadas siglo XIX: sienta las bases de la revolución artística
del siglo XX (exploraron el lenguaje pictórico: luz, color, forma,
pincelada..)
2. Movimiento esencialmente pictórico
3. Nueva relación con el espectador: la pintura como algo
inacabado que reconstruir mentalmente.
13.3 IMPRESIONISMO
4. Alejamiento del gusto oficial:
 Rechazo en los Salones.
 Artistas de Vanguardia: rompen las
reglas
 El nombre les viene dado de una
crítica de un periodista a la obra de
Monet “Impresión sol naciente”

6. Los impresionistas constituyen un grupo:
• Hombres y mujeres comparten un original y complejo modo de pintar en
París
• Exponen juntos (8 exposiciones)
• Ante el rechazo de la Academia ponen en marcha una exposición
alternativa
• Apoyados por el marchante de arte y galerista Durand Ruel
7. Corta existencia de 1874 a 1886
8. Principales artistas: Edouard Manet, Claude Monet, Pierre-
Auguste Renoir, Edgar Degas
• Otros: Camille Pisarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Seurat, Mary Cassat
9. Con ellos se inicia el arte moderno

Características de la pintura
impresionista
1. Pasión por la pintura al aire
libre “plein air”.
Constantes cambios de luz.
Modo de pintar nuevo: captar la
sensación de un instante fugaz,
sin realismo, con pinceladas
urgentes
Interés por la luz y sus efectos
cambiantes sobre los objetos
“Buscan lo eterno en la
fugacidad del instante”
(Baudelaire)
2. Nuevo colorido, gama
luminosa, tonos fríos para las
sombras, toques de colores
complementarios. No se usa el
negro.
Amapolas. 1873.
Claude Monet

3. Temática innovadora, todo lo que está delante del pintor y el caballete
• No existen temas insignificantes.
• Contemporaneidad: temas de su tiempo. Se abandonan los temas
de historia, religión, mitología
• La diversión y el ocio de la burguesía parisina (carreras de caballos,
el teatro, la danza, el café cantante o el cabaret)
• “Captar lo universal en lo cotidiano”
• 4 Funden forma, luz y atmósfera: esa falta de definición dota de
vida la pintura

Claude Monet pintando en su barco-taller en
Argenteuil, por Édouard Manet, 1874.
Marta López Rodríguez, Ave María Casa Madre 60
Renoir.
El descanso de los remeros

5. Nueva técnica, suelta y ligera con pinceladas vigorosas y cortas, con
abundante pasta pictórica a veces y diluida en otras hasta conseguir
cualidades próximas al acuarela.
6. El espacio en el cuadro se consigue con angulaciones y encuadres
muy atrevidos, figuras cortadas, tema principal desplazado del
centro.
7. Relación más estrecha entre la ciencia y el arte, investigaciones sobre
el color, influencia de la fotografía. El cuadro se concibe como
espacio de experimentación.
Monet
pintando
en el jardín
de
Argenteuil.
1873. Degas: En el teatro

Interés por la luz y sus efectos cambiantes sobre los objetos.
MONET La catedral de Rouen en tres momentos diferentes

• Se considera el precursor del Impresionismo
• Pincelada suelta, abocetamiento, provocación
Edouard Manet (1822-1883)
OBRAS: “El almuerzo en la hierba” , “Olimpia”, ambas de 1863 en el Salón de los
Rechazados.

La pintura expuesta en los salones oficiales de pintura solía estar por
lo general muy pulida, de pinceladas invisibles y formas suavemente
modeladas a través del claroscuro.
La Gran Odalisca .
Ingres
CONTRASTE: obra del gusto
academicista (Ingres) y obra rechazada
por la Academia (Manet)

Una mujer blanca desnuda recostada en una cama, mirando al espectador y una
mujer negra vestida que, mirando a Olympia, sostiene un ramo de flores; a los
pies de la cama un gato negro con el lomo arqueado
La apariencia de Olympia es de un esbozo, tosco, plano, con tonos de color
distintos y abruptos contrastes de tonalidad, como por ejemplo en los hombros,
pecho vientre y caderas
“Olimpia”

• Pretende conseguir la aprobación de la Academia por medio
de un desnudo que remita a la Antigüedad clásica.
• Controversia: no logra idealizar su desnudo, convierte la
belleza mítica de Venus en una prostituta moderna, de
descarado realismo.
• Fondo oscuro, escasos elementos decorativos (collar y
brazalete): realzan aun más su desnudez.
• Referencias sexuales: gato negro, zapatilla que falta (inocencia
perdida), orquídea pelo…alusiones al acto sexual

El almuerzo en la hierba, 1863
• Una mujer desnuda sentada en la hierba, junto a varios hombres bien vestidos que la miran.
• El tema remite a historias de la Biblia (Susana y los viejos) y de la mitología, pero generó un escándalo, por su
alusión a la prostitución.
• Rechazada por el Salón Oficial, expuesta en el Salón de los Rechazados.

Clara influencia de obras anteriores: Concierto
pastoral y la Tempestad de Giorgione

MANET:
Almuerzo campestre
Olimpia
El balcón
El bar de Folies
Bergere

• “El bebedor de absenta”
• Retrato de la vida
suburbana parisina:
borracho
• Tema “indigno” para los
academicistas. Fue
rechazado por el Salón.
• De cuerpo entero, con
sombrero y capa, botella
vacía a sus pies

Campo de amapolas
Paseo con sombrilla
MONET
(1840-1926)

• En su obra influyen:
• Los paisajistas de la escuela de Barbizon (Corot, Millet..)
• Manet, Constable, Turner
• Las coloridas xilografías japonesas llamadas Ukiyo-e (La gran ola de Kanagawa, de
Hokusai, 1830)
• Estancia en Londres: le interesa el smog
• La niebla invernal londinense que difunde la luz, se mezcla con el humo del carbón de las
chimeneas.
• Disuelve los edificios, el agua, el cielo e un único paisaje brumosos
• Pasaba horas estudiando el jardín acuático de su casa de Giverny: cautivado por los efectos de la
luz, cambiante, sobre la superficie del agua
• Pintó una y otra vez la orilla del Sena y los paisajes de Argenteuil, localizad vacacional, donde
reflejaba la luz, la atmósfera y los efectos cambiantes del agua.

Impresión, sol naciente

“La escena muestra un sol naciente, de un rojo
anaranjado, que se alza con fatiga sobre el mar y
asciende al cielo de la misma forma que un trabajador se
levanta de su cama un aciago lunes de invierno. La bola
de fuego no es lo suficientemente brillante como para
abrasar la niebla azul que envuelve los barcos y botes de
remeros, pero tiene la suficiente energía como para
provocar que sobre el mar púrpura del amanecer
aparezcan cálidos reflejos naranjas”
(Will Gompertz ¿Qué estás mirando?)

• Apenas hay detalles: prioriza efectos de luz frente a los
detalles
• Pincelada suelta y libre
• Temática moderna: un puerto activo

Nenúfares

• Monet pintó el enorme mural de los Nenúfares, de casi 13
metros de largo, cerca del final de su vida. Numerosa serie
de nenúfares
• Estudiaba el jardín acuático de su casa de Giverny.
• Cautivado por los efectos de la luz, cambiante, sobre la
superficie del agua

Claude Monet.
Puente de Argenteuil,
1876.
Claude Monet. El jardín del
artista en Giverny.

Claude Monet. El Parlamento
Inglés junto al Támesis.

Camille y su hijo en la casa del
pintor en Argenteuil
• Camille fue la modelo de Monet
y su pareja, rechazada por la
familia del pintor, se casaron
años después de nacer su
primer hijo.
• Camille morirá de cáncer de
útero tras el nacimiento de su
segundo hijo. Monet se casará
con Alice Hoschedé, (ya viuda)
esposa de su mecenas, quienes
se fueron a vivir con la familia
del pintor al caer en la ruina.
• Monet vivió sus inicios grandes
penurias hasta que el galerista
Durand Ruel lo lanzó a la fama y
pasó a vivir holgadamente hasta
el punto de poder tener una
casa vacacional en Argenteuil

RENOIR:
El baile de Moulin de la Galette
Los paraguas
En el banco
AUGUSTE RENOIR

• Renoir nació en Limoges, hijo de un sastre pobre que se trasladó
a París cuando Pierre tenía cuatro o cinco “años de edad.
• En su infancia fue enviado a trabajar a una fábrica en donde
ganó experiencia en pintura sobre porcelana y en otros artículos
tales como abanicos.
• A los veinte años ingresó al estudio de Gleyre, un académico,
donde conoció a Monet, los dos trabajaron muy unidos y llegaron
a ser los principales representantes del movimiento Impresionista
Paseo en bote en el Sena

• Inclinación por las
transparencias
• Predilección por la figura de
la mujer, la juventud, los
niños
• Las fiestas galantes al estilo
del siglo XVIII francés.
• La vida de París, dinámica,
gozosa y turbulenta,
• Pinturas al aire libre, a
orillas del Sena, o en
Normandía

El baile del molino de la Galette
1876
Óleo sobre lienzo
Musée d'Orsay
• Es la obra más
importante de Renoir
• Retrata a algunos de sus
amigos
• Interés por reflejar la
atmósfera alegre de este
establecimiento popular
de la Butte Montmartre.
• Estudio de la multitud
en movimiento bajo una
luz a la vez natural y
artificial
• Pinceladas vibrantes y
coloreadas.
• Las formas se diluyen

• Efecto de los rayos de luz filtrándose entre las hojas de los árboles
• Encuadre fotográfico, con varias figuras cortadas por la mitad.
• Grupo de personajes en primer término, sentados en los bancos y
las mesas
• El espectador tiene la sensación de estar allí.

Edgar Degas; París, 1834 - 1917
• Su desahogada condición social y el beneplácito de su padre ante lo artístico
le permitieron dedicarse bien pronto a la pintura.
• En 1853 ingresó en el taller del pintor Barriasy y en 1854 recibió las
enseñanzas de Louis Lamothe, seguidor de Ingres.
• A pesar de participar en las ocho exposiciones del grupo impresionista, se
negó sistemáticamente a practicar la pintura al aire libre y su obra posee
indudables resonancias realistas.
• Tímido, sensible, algo retraído
• Perdió a su madre cuando contaba apenas trece años. No se casó nunca y no
se le conoció ninguna relación amorosa

Características de su obra
1. Objetivo: comunicar la fugaz sensación que produce un instante, lo que se ve
en un instante fugaz y que el pintor ha congelado en el tiempo
2. Principal preocupación: crear la ilusión del movimiento, su belleza (bailarinas
agilidad, flexibilidad)
3. Preocupado por el dibujo:
• Excelente dibujante
• Influencia de Ingres: paradigma del clasicismo academicista y adversario
de Delacroix
• Junto a Picasso y Matisse: los maestros modernos que saben dibujar como
los antiguos
4. Conocedor de la fotografía: copió los fotogramas del movimiento de caballos y
de humanos del fotógrafo Muybridge (1830-1904)

5. Trabajaba en su estudio a partir de bocetos previos, interés
por la anatomía
6. Amplia paleta de color
7. Simplifica los detalles
8. Pincelada suelta
9. Utilizó la técnica del pastel
10. Se definía a sí mismo como Realista y rechazaba el calificativo
de impresionista aunque expuso con ellos en 8 ocasiones.

• Temas: modernos, urbanos, cotidianos y burgueses
• El mundo escénico de los teatros
• Bailarinas:
• Frecuentó el ballet de la Ópera de la calle Peletier
• Predilección por la figura femenina: mujeres bailando, bañándose o
secándose, captadas en ese instante preciso de la realidad
(“voyeurismo”)
• Temas sociales ; personajes marginales Las planchadoras , La
absenta
• Apenas practicó el paisaje

• La absenta (1876, Museo de Orsay, París), se
solidariza con personajes marginales, un mendigo
y una prostituta, cuyos atuendos crean una sutil
relación cromática y metonímica con sus
respectivas bebidas.

La clase de danza
• Pintada en el mismo año que
tuvo lugar la Primera Exposición
Impresionista (1874)
• Muestra una academia de danza
llena de bailarinas que prestan
muy poca atención al viejo
maestro de ballet, de pie,
apoyado en la vara que utiliza
para marcar el compás en el
suelo.
• Las jóvenes bailarinas: están de
pie, se doblan, se estiran, llevan
tutús blancos y fajas de colores

• A la izquierda, una de ellas da la espalda al
espectador y otra, más ausente se rasca la espalda,
ojos cerrados y boca abierta.
• Pintura acertada y evocadora del mundo entre
bambalinas: pereza, cansancio a la vez que el vigor
físico, sensualidad
• Composición original:
En diagonal
Punto de vista se alza sobre la
escena
Asimetría que obliga a escorzos
exagerados
Amontona los personajes en
los bordes exteriores del
cuadro (bailarina de la derecha
aparece cortada por la mitad)

La bebedora de
Ajenjo
La estrella
La clase de baile
Mujer en el aseo
DEGAS

Gustave Caillebotte.
Un día de lluvia.
OTROS IMPRESIONISTAS
El Puente de Europa.
1876. Gustave
Caillebotte

BERTHE MORISOT: la única mujer del grupo
impresionista
La cuna, Mujer arreglándose, El escondite

MARY CASSAT:
Desayuno en la
cama, Niña con gato
Caillebotte: Los
acuchilladores

PISARRO: Boulevard
SISLEY: Nieve en Louveciennes
BAZILLE: La reunión de familia

13.4.POSTIMPRESIONISMO
• Una serie de artistas se alejó
de los planteamientos
impresionistas y exploró
otros recursos (geometría,
color, línea y expresividad)
• Recuperan la importancia del
dibujo.
• Artistas:
• Toulouse-Lautrec
• Vincent van Gogh
• Paul Gauguin
• Paul Cézanne

Toulouse-Lautrec,
Henri de (1864-1901)
• Biografía trágica: una fractura
de niño le impide crecimiento
piernas.
• Se encierra en el alcohol y en
la bohemia parisina (cabarets
de Montmartre, Moulin
Rouge, Moulin de la Galette).
• En los cabarets toma apuntes
de las bailarinas y de
personajes singulares.
• Eleva el cartel a obra de arte
• Muere a los 37 años por
problemas de salud derivados
de su alcoholismo.
Fotografía en un
doble retrato como
pintor y modelo en
el conocido
fotomontaje de su
amigo Maurice
Guibert

Rasgos de su obra
1. Capta el mundo turbador de los
cabarets a través de su aguda
percepción del movimiento,
las expresiones y los efectos de
la luz
2. Perfecto dibujo con unas líneas
muy marcadas
3. Contornos de líneas vibrantes:
hace un uso expresivo y no sólo
descriptivo del dibujo.
4. Colorido vivo y alegre,
aplicado con rapidez
5. Los trazos rotos, nerviosos,
especie de abreviaciones
inestables de las formas
Woman Pulling up her Stocking
1894; óleo sobre carboncillo
58 x 48 cm

6. Apenas practicó el paisaje, se
decantó por la figura humana
en movimiento.
7. Eleva al cartel a la categoría de
obra de arte : fantástica serie
de carteles utilizando la
litografía en colores de las
grandes estrellas del cabaret y
del cancán (Jane Avril, Yvette
Guilbert y sobre todo Louise
Weber, llamada "La Goulue“)
8. En sus obras refleja el
ambiente de los salones
nocturnos: bailarinas,
cantantes y prostitutas son sus
modelos.
9. Tiene una gran capacidad para
captar la psicología de sus
personajes
La Goulue llegando al Moulin
Rouge con dos mujeres
1892;
óleo sobre carboncillo,
79.4 x 59 cm

En el Salon de Rue des Moulins
c. 1894; Oil on canvas, 111.5 x 132.5 cm
La toilette
1896; 67 x 54 cm
En el ambiente de un burdel, recrea posturas
indolentes y de descanso que contrastan con
la tiesa y hierática regente.
Es una composición de diagonales. A la
izquierda queda un vacío, mientras que las
figuras se acumulan al centro y a la derecha.

LE MOULIN ROUGE

Rosa La Rouge - À Montrouge
1886-87; Óleo sobre lienzo
72.3 x 49 cm
Justine Dieuhl
c. 1891; 74 x 58 cm

Desnudo recostado
1897; óleo sobre panel de madera, 12 x 15 ½
Las dos amigas

Moulin Rouge: La Goulue
1891; litografía en cuatro (póster),
191 x 117 cm
eleva al cartel a la categoría de obra de arte

Ambassadeurs: Aristide Bruant
1892; litografía en seis colores
(póster),
141 x 98 cm
Jane Avril

VINCENT VAN GOGH (1853-1890)
• Holandés, afincado en la Provenza
francesa, en Arlés, cuyo paisaje y luz serán
objeto de sus cuadros.
• Aprenderá la técnica impresionista en
París
• Hijo de un reverendo y sobrino de un
marchante de arte, Vincent se desvinculó
del negocio del arte y se dedicó a la vida
religiosa, trabajó como pastor y sobrevivió
con la ayuda de su hermano Theo
• Murió pobre, con 37 años, a causa de las
heridas por dispararse en el pecho. A los
pocos meses moriría su hermano Theo de
sífilis
Retrato de Theo van Gogh

• Planea vivir en Arlés con
otros pintores (Gauguin) y
pinta la serie de varios
cuadros «Los Girasoles»
para decorar la vivienda,
tras el abandono de
Gauguin de la casa, se
corta la oreja en un ataque
de locura. Se suicidará de
un disparo a los 37 años.
• Tenía una especial relación
con su hermano Theo a
quien escribía cartas en las
que expresaba su estado
de ánimo.
La habitación de Van Gogh en Arlés
Los girasoles
Autorretrato con oreja cortada

1. No pintaba lo que veía sino
cómo se sentía acerca de lo
que veía
2. Distorsiona las imágenes para
transmitir sus emociones
3. Paisajes y figuras de formas
serpenteantes, que
transmiten su «trastornado»
mundo interior (cipreses
llameantes, cielos estrellados,
suelos que parecen
estremecidos por terremotos,
edificios de líneas retorcidas).
4. Es un apasionado del color
como vehículo para expresar
las frecuentes depresiones y
angustias que padeció.
Rasgos de su obra
Camino con cipreses y estrellas
1890
Óleo sobre lienzo,
92 x 73 cm

5. Los colores son a veces agresivos
6. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa
7. Pinceladas pastosas, “impasto”, espesas, efecto tridimensional,
aplicadas no con pincel sino con espátula y los dedos, la pintura
deja de ser un medio para convertirse en parte sustancial de la
obra.
8. Óleo sobre lienzo
Campo de maíz en una noche estrellada
1890 – óleo sobre lienzo, 50.5 x 100.5 cm

Comedores de patatas (1885)
• Antes de viajar a París y
quedar deslumbrado por la
luminosidad cromática de
los impresionistas, pinta
escenas sombrías en las
que denuncia la miseria de
los trabajadores y de las
familias pobres.
• En esa época quería ser un
pintor de la vida
campesina y generar
documentos sociales.
• Representan la vida
humilde y precaria dieta
• Campesinos no idealizados

Los Girasoles
Museo Van Gogh
AmsterdamNational Gallery Londres

El dormitorio
El dormitorio
1888
óleo sobre lienzo
72x90cm

Noche estrellada sobre el Ródano

Los Lirios
71 cm x 93 cm
Museo J. Paul Getty
1889
Pintura al aceite

La iglesia de Auvers, 1890.
El café Le Notte

Terraza de café
de noche
Puente elevado con carruaje, 1888

Al atardecer: descanso después del trabajo
1889-90
Su última
obra: Raíces
del árbol

Autorretrato dedicado
a Paul Gauguin
1888, óleo sobre lienzo
60.5 x 49.4 cm
Autorretrato
1888
65 x 50.5 cm
Autorretratos
Autorretrato
1889
óleo sobre lienzo
65 x 54 cm

Autorretrato
1889
Óleo sobre lienzo,
65 x 54 cm

El Dr. Paul Gachet
Joseph-Etienne Roulin
1889
Óleo sobre lienzo
66.2 x 55 cm

Almendro en flor
• Regalo para su
hermano Theo con
motivo del
nacimiento de un
hijo al que
llamarían Vincent.
• Van Gogh salió del
hospital de San
Paul en Saint-Remy
(ingresado por una
profunda
depresión) para ver
a su familia y les
llevó el cuadro.
• El pintor se suicidó
tres meses después

Paul Gauguin
(1848-1903)
• Biografía: se inicia
en el Impresionismo,
abandona a su mujer
e hijos y vive en
París, en la Bretaña
francesa, en Arlés
(con Van Gogh) y
finalmente, en
Tahití, donde
pintará sus obras
maestras.
Ta matete, el
mercado.
Nacimiento de
Cristo

• Características:
• Protagonismo absoluto
del color: adquiere una
intensidad poética
excepcional
• Deja en segundo plano la
luz y abandona la
perspectiva, suprime el
modelado de las formas y
las sombras.
• Zonas anchas de colores y
figuras grandes,
contorneadas de manera
nítida.
• Temática: mujeres
tahitianas
Dos mujeres tahitianas, El Cristo amarillo,
Arearea (el perro rojo)

• Brillantes colores, planos,
falsifica colores naturales
(Cristo amarillo)
• Sus obras no son
representaciones
fidedignas, están cargadas
de significados ocultos y
símbolos
• Tahití:
• Arte sencillo, ingenuidad
nativos
• Luz , población y leyendas de
la Polinesia
• Voluptuosas mujeres
semidesnudas
• Cuadros eróticos y exóticos
• Pinturas estilizadas y
decorativas
El Cristo amarillo
1889
92.1 x 73.4 cm

M. Loulou
1890, 55 x 46.2 cm
La fascinación de sus cuadros radica
en la calma de las zonas anchas de
colores, como si realizara vidrieras, y
en sus figuras grandes, contorneadas
de manera nítida, cual tallas de
madera.
Al mismo tiempo renuncia a la
perspectiva, suprime el moldeado y
las sombras e identifica la sensación
de plano igual que en las pinturas
japonesas.
Así se unen lo que ve y lo que
imagina y adquiere el color una
intensidad poética excepcional.
OBRAS DE SU ETAPA EN LA BRETAÑA FRANCESA

Paisaje
bretón, 1894 Les Alyscamps, Arles
1888 –
óleo sobre lienzo
91 x 72 cm
El porquerizo, Bretaña
1888 – óleo sobre lienzo, 74 x 93 cm

Jacob luchando con el ángel (1888)
• Grupo de mujeres
del campo
bretonas
experimentaron
una visión sagrada
después de
escuchar un
sermón en la
iglesia: la lucha de
Jacob con el ángel
• Jacob representa a
Gauguin y el ángel
son los demonios
interiores

• Mujeres en primer plano, de espaldas al espectador,
miran como Jacob se pelea con el mensajero de Dios.
Vestidas con ropas tradicionales bretonas.
• Vaca desproporcionadamente pequeña
• Un único y sorprendente
color en torno a la lucha,
campos de color planos,
sin sombra
• Rama del árbol cruza el
cuadro en diagonal y lo
divide en dos partes, el
mundo real del
fantástico

• La Bella Angèle
•
1889
Óleo sobre lienzo
Alt. 92; Anch. 73 cm.
• Musée d'Orsay
• A Marie-Angélique Satre,
hostelera en Pont-Aven, no
le gustó nada el resultado
de la obra
• Gauguin, infringe los usos
tradicionales de la
perspectiva y de la unidad
espacial.
• Recorta el retrato de
Angélique mediante un
círculo, sobre un fondo
esencialmente decorativo, y
usa el tabicado de las
formas, subrayando la
silueta de las figuras con un
trazo más oscuro.
• Pose rígida, el traje de gala,
inscripción en mayúsculas
LA BELLE ANGELE, cerámica
antropomorfa, un ídolo

PINTURAS TAHITIANAS
• Tras pasar el verano de 1888 en la Bretaña francesa, regresó a París y dos años
más tarde (1891) emigró a Tahití, en busca de una civilización primitiva que no
estuviese contaminada por la cultura occidental.
• En la isla paradisíaca y primitiva, el artista desea "vivir aquí de éxtasis, de calma
y de arte“, “por fin libre”
• Los misioneros católicos ya habían llegado a las islas hacía tiempo y la
contaminación religiosa y occidental era evidente
Nave nave
moi
La orana
María

• Mujeres tahitianas:
• Tema constante en su obra
• Ocupadas en sencillas tareas cotidianas.
• Figuras sólidas y robustas
• Rostros impenetrables, algo melancólicos que encierran una
sabiduría primitiva que el espectador occidental no acierta a
comprender
• Líneas marcadas.
Fatata te Miti, cerca del mar
La reina

Tahitianas en la playa
• Dos mujeres
sentadas en la arena
• Figuras solidas y
robustas
• Rostros
impenetrables
• Mujeres son
contrapuestas:
1891, óleo sobre lienzo, 69 x 91 cm,
Museo d’Orsay, París

Tahitianas en la playa
La de la derecha: ropas occidentales, de
espaldas al mar, trenza hojas secas para
fabricar un cesto. Mira de reojo hacia la
derecha, a algo que queda fuera del cuadro,
como si estuviese alerta. Su cuerpo se cierra
sobre sí mismo formando un óvalo
impenetrable.
La joven de izquierda : indumentaria más
tradicional, un pareo y una camisa blanca, y se
sienta de cara a las olas, relajada y ociosa, con
su cuerpo extendido en un bonito escorzo

• Segunda versión
• Modificando la
figura de la chica de
rosa, ya no es una
tahitiana convertida
al cristianismo
como la de antes,
piadosa, casta y
trabajadora.
• Ahora va vestida
con un pareo, se
sienta más estirada
enseñándonos las
piernas y ya no
trabaja.
Parau Api, 1892

Arearea también llamado Jocosidades
• Dos jóvenes sentadas
bajo un árbol, una de
ellas tocando la flauta
• En primer plano
encontramos un perro
rojo
• Al fondo, tres
mujeres que adoran a
un ídolo maori que
Gauguin ha ampliado
a la dimensión de un
gran buda e imagina
un rito sagrado
(escena imaginaria)
1892
Óleo sobre lienzo
Alt.. 75; Anch. 94 cm. Musée d'Orsay

El primitivismo que tanto
interesaba al artista se
encuentra en las figuras
del fondo
La mujer es la protagonista de
la escena, junto al colorido
empleado, aplicados de
manera plana, sin dar
sensación de profundidad -
influencia de la estampa
japonesa -

• Visión de la Polinesia arcaica e idealizada, donde los
hombres viven bajo la protección de los dioses, en
medio de una frondosa naturaleza.
Cuando la obra fue
expuesta en París en el año
1893, el perro rojo causó
risas y escándalo, signo
inequívoco de la
incomprensión hacia la
pintura de Gauguin
sin embargo Gauguin lo
consideró uno de sus
mejores lienzos.

• Tema: el miedo de los tahitianos al espíritu de
los muertos
Manao Tupapau (El espíritu de la muerte sobrevuela )

• Joven desnuda, de espaldas sobre una cama mira al espectador con
ojos de sorpresa (retrato de Tahamana amante del pintor).
• Postura destaca por "las líneas y el movimiento... pintando el cuadro
de manera sencilla, para que resultase salvaje e infantil" (Gauguin)
• Al fondo el fantasma de una mujer

• Contrastes de color: cuerpo tostado de la joven-el
color amarillento de las sábanas y éstas, a su vez,
con el azul oscuro de la tela del colchón.
• Fue considerado indecente por la crítica cuando
se presentó en París

Influencia de
la Olimpia de Manet

Ta matete,
El mercado
1892
• Se inspira en un fresco egipcio.
• Tema: prostitutas que se ofrecían a los turistas occidentales en
el mercado de Papeete
• Significado: crítica a la situación que estaba provocando la
llegada de occidentales entre los indígenas.

Mujer tahitiana
con mangos

Nevermore, Nunca más, 1897
• El propio Gauguin dice que quiere sugerir lujuria con su
cuadro por el desnudo en sí,
• Joven tahitiana tumbada sobre una cama, encima de unas
sábanas con florecillas, posible alusión a la inocencia.
• Fondo: dos mujeres y un cuervo

• Colorido oscuro, "en tonos sombríos y melancólicos"
• La anatomía de la mujer está realizada de modo muy libre
las caderas muy marcadas, el brazo izquierdo muy largo.
• ¿Podría aludir el título a que nunca más abandonará su
paraíso de Tahití, en el que las jóvenes son su fuente de
inspiración?.

El caballo blanco
1898
Retrato del artista con el ídolo
1893
43.8 x 32.7 cm
Autorretrato
1893-94
46 x 38 cm

Autorretrato con Cristo Amarillo
Entre 1890 y 1891
Óleo sobre lienzo
Alt. 30; Anch. 46 cm.
Musée d'Orsay
• Retrato con triple rostro: revela diferentes facetas de su personalidad.
• La mirada fija que dirige al espectador, expresa el peso de las dificultades, pero
también toda su determinación para proseguir su combate artístico

• Representa en su espalda, dos otras obras suyas
• El Cristo amarillo:
• Imagen del sufrimiento sublimado, (rostro de
Gauguin )
• El brazo extendido por encima de la cabeza del
pintor en gesto protector.
• El amarillo color fetiche del artista, se opone al
rojo del jarrón de enfrente
• Jarrón autorretrato en forma de cabeza
grotesca:
• Jarrón antropomorfo que Gauguin describía
como una "cabeza de Gauguin el salvaje“
• Encarna los sufrimientos y el carácter salvaje
de la personalidad de Gauguin.

Cézanne, Paul
(1839 – 1906)
• Artista revolucionario, busca en la
naturaleza las formas esenciales, que
él concibe como formas geométricas
(prisma, esfera, pirámide).
• Subraya la forma mediante el color,
en vez de diluirla como hacían los
impresionistas.
Bodegón, Los jugadores de cartas

• Originario de Aix en Provenza donde pintó varios cuadros de la montaña de
Santa Victoria.
• Pintar la realidad objetiva
• Varias perspectivas en un mismo cuadro: desde ángulos diferentes (de
lado, de frente..)
• Busca en la naturaleza las formas esenciales, que representa como figuras
geométricas (el prisma, la esfera, la pirámide)
• Árboles como cilindros, casas de clara geometría arquitectónica
• Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en coloristas
como Matisse (Fauvismo)
• Picasso dijo de él “Cezanne es mi único maestro”

Estudio: paisaje de Auvers
c. 1873- 46.3 x 55.2 cm
El camino de Bibemus
c. 1895 - 65.1 x 81 cm

La montaña de Santa Victoria (1885-87)

La montaña de Santa Victoria
1885-87- óleo sobre lienzo, 26 x 35

1902-06 Mont Sainte-Victoire vista desde Les Lauves;
65 x 81 cm
“En la naturaleza veo cosas soberbias y tengo que hacerme a la
idea de trabajar exclusivamente al aire libre”
• Día tras día se
sentaba frente a
una montaña o mar
de Provenza y
pintaba lo que veía
• Pretendía “llegar al
corazón de lo que
está ante nosotros
y expresarlo con
toda lógica posible”

• Subraya la forma mediante el
color.
• Diferentes perspectivas en el
mismo cuadro:
• En la jarra dos perspectivas
diferentes:
Una de perfil, al nivel de los ojos
Otra desde arriba, mirando por
su cuello.
• La mesa, diferentes perspectiva
el frente y el fondo
Naturaleza muerta con cortina y
jarrón de flores
c. 1899; óleo sobre lienzo,
54.7 x 74 cm
Bodegones o Naturalezas muertas

Subraya la forma mediante el
color.
Diferentes perspectivas en el
mismo cuadro
Naturaleza muerta con cortina y
jarrón de flores
c. 1899; óleo sobre lienzo,
54.7 x 74 cm
Bodegones o Naturalezas muertas
Manzanas, melocotones,
peras y uvas
c. 1879-80 óleo sobre lienzo,
38.5 x 46.5 cm

Naturaleza muerta con cómoda
1883-87- óleo sobre lienzo, 73.3 x 92.2 cm
Un rincón de mesa
1895-1900, óleo sobre lienzo, 47 x 56 cm

Los jugadores de cartas
1890/1905. 45 x 57 cm.
Óleo sobre lienzo.
"pintar no significa copiar el objeto, sino realizar sensaciones
coloreadas".
Al igual que en la
naturaleza , en sus figuras
el color le permite
subrayar las formas.
Los jugadores de cartas

Retrato de Victor
Chocquet",
1875 ; óleo sobre lienzo
45.7 x 36.8 cm
Hortense Fiquet
1877-78 óleo sobre
lienzo
72.5 x 56 cm

Cisterna en el parque de Château
Noir
c. 1900
óleo sobre lienzo
74.3 x 61 cm
Bañistas
c. 1890-91 óleo sobre lienzo - 54.2 x 66.5 cm

Las grandes bañistas
1900-05 óleo sobre lienzo, 132.4 x 219.1 cm
Las grandes bañistas

Bañistas . 1899-1906 óleo sobre lienzo - 208 x 249 cm

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