Tema 21.El arte contemporáneo en España.

 Josep Lluis Sert (trabaja en el
estudio de Le Corbusier en París)y
Fernando García Mercadal,
fundan en 1930 el GATEPAC
(Grupo de Artistas y Técnicos
Españoles para el Progreso de la
Arquitectura Contemporánea).
 La proclamación de la Segunda
República y el Congreso celebrado
en Barcelona en 1932, al que
acuden W. Gropius, Le Corbusier,
S. Giedion, J.L. Sert y García
Mercadal, crearon un ambiente
favorable a la innovación
arquitectónica.

J.M. Aizpurúa y J.
Labayen edifican el
Club Náutico de San
Sebastián.
 J. L. Sert y J. Torres-
Clavé: Dispensario
Central Antituberculoso
de Barcelona.
 E. Torroja levanta la
tribuna del Hipódromo
de la Zarzuela en 1935
en Madrid.

Club Naútico de San Sebastián. J.M. Aizpurúa y J. Labayen, 1929-1930
 Reforma y ampliación del antiguo Real Club Náutico.
 Siguen el estilo barco de Le Corbusier.
 Distribuyen racionalmente las diferentes dependencias (cuartos
de bañistas, vestíbulo, restaurante, terraza, biblioteca) sobre pilotis,
organizando el espacio libremente abriendo amplias ventanas
continuas por donde se divisa el mar.

Club Naútico de San Sebastián. J.M. Aizpurúa y J. Labayen, 1929-1930

J. L. Sert y J. Torres-Clavé
Dispensario Central Antituberculoso de Barcelona. (1934-1938)
 Es un encargo en 1934, dentro de un programa de socialización hospitalaria y
de lucha contra la tuberculosis.
En la obra colaboran Sert, Subirana y Torres Clavé.
 Aplican un modelo de arquitectura higiénica y soleada, racional y funcional.
 Son tres bloques en un solo cuerpo de cuatro plantas, cada una con una
función: portería, dispensario, administración y sala de conferencias.
 Las habitaciones ventiladas, se articulan en un corredor en L, también ventilado
e iluminado.

J. L. Sert y J. Torres-Clavé
Dispensario Central Antituberculoso de Barcelona. (1934-1938)

E. Torroja
Tribuna del Hipódromo de la Zarzuela . Madrid, 1935.
 La tribuna sobresale por su sistema de cubierta, de hormigón armado,
con bóveda en voladizo sujeta a anclajes situados detrás de los montantes.

E. Torroja
Tribuna del Hipódromo de la Zarzuela . Madrid, 1935.

Tras la Guerra Civil, la arquitectura española queda
condicionada por la política franquista y la escasez de medios.
 Sus referentes formales y estéticos son los de la época del
Imperio de los Austrias, siendo el ejemplo más representativo el
Ministerio del Aire en Madrid.
 Ministerio del Aire (1942-1957), Luis Gutiérrez de Soto, que
recuerda a El Escorial.

Universidad Laboral de Gijón (1946-1950) de Luis de Moya,
Ramiro de Moya y Pedro Rodríguez, que destaca por su
monumentalidad y eclecticismo.
 Valle de los Caídos en Madrid, de P. Muguruza y D. Mendez,
mantiene este mismo estilo oficialista.

Ministerio del Aire (1942-1957) , Luis Gutiérrez de Soto.

Universidad Laboral de Gijón (1946-1950) de Luis de Moya, Ramiro de Moya y
Pedro Rodríguez

Valle de los Caídos, Madrid de P. Muguruza y D. Mendez.

La firma de los Pactos con EEUU en 1953 y el ingreso de España
en la ONU favorecen los viajes al exterior y el conocimiento de la
obra de los grandes arquitectos: la Corbusier, Wright, A. Aalto,
Mies van der Rohe, etc.
 Ahora destaca Miguel Fisac, que trata de conciliar en sus
obras las características de la arquitectura orgánica con lo
vernáculo. Sobresale en su producción la iglesia de los Dominicos
de Valladolid (1954) y la del Teologado de San Pedro Mártir de
Alcobendas.

Iglesia del Colegio Apostólico de los Dominicos de Valladolid (1954 ) Miguel
Fisac.

Teologado de San Pedro Mártir de Alcobendas. (1955). Miguel Fisac.

En 1985, los habitantes de la pequeña localidad zamorana de
Pumarejo de Tera sedujeron a Miguel Fisac, para realizar de modo
altruista un proyecto en el que participan todos los vecinos.
 El trabajo se realiza por el método de la facendera, ejemplo de
la organización de un pueblo para la consecución de un objetivo
común.
 En tan sólo 73 días levantaron el templo.

Miguel Fisac, rompe los cánones racionalistas y se sumerge en el
tiempo respetando el concepto de espacio natural.
 Con la construcción de esta pequeña iglesia rural, alcanzó como
en ninguna otra de sus obras religiosas, lo que él denominaba
«humanización de la arquitectura».
 El templo se asienta sobre la traza de la antigua iglesia,
integrándose en la arquitectura local..

Facendera, (1984) (imágenes)

La Pagoda. Laboratorios JORBA. (1965-70). Miguel Fisac.
 Fue construido para albergar la
producción, el almacenaje y las
dependencias administrativas de los
Laboratorios Farmacéuticos Jorba.
 La estructura de las cubiertas de esta
parte del edificio consistía en el uso de
un modelo de viga patentado por el
mismo Miguel Fisac. El sistema consistía
en piezas de hormigón prefabricadas
que se montaban en obra y se tensaban
después. La apariencia resultante es la
de una losa nervada, «vigas hueso».
 La falta de interés y la negligencia por
parte de las administraciones públicas
locales hicieron posible que en 1999 una
operación inmobiliaria provocara su
derribo.

MOVIMIENTO POSTMODERNOMOVIMIENTO POSTMODERNO
• Al final de los años 60 del siglo XX se recrudecen los ataques al Movimiento Moderno; al
“menos es más” de Mies se opone “menos es aburrido” ; a su vez por aquellos años surge
el Pop art, paradigma de la cultura de masas.
• El término Postmoderno fue utilizado por primera vez en 1975, para proclamar la muerte
de la Modernidad.
• El Postmodernismo se basa en un acercamiento a los hábitos arquitectónicos históricos.
Reflexiona sobre otras arquitecturas, que reinterpreta gracias a las últimas tecnologías.
• Usa las formas arquitectónicas históricas reelaboradas y planteadas de forma
sorprendente.
• Devuelve el protagonismo a las fachadas y la convierte en una especie de cartel
publicitario.
• Potencia el ornamento, que recupera su función expresiva y simbólica. La decoración
toma, de forma indiscriminada y aleatoria, todo tipo de elementos.
• Concibe el espacio de fuera adentro.

MOVIMIENTO POSTMODERNO. R. Bofill: Espaces d’Abraxes. 1980-84.
Ricardo Bofill en Marne-la-Vallée, intentó recrear un
“nuevo Versalles” en los Espaces (Theâtre, Palacio y Arc))
que forman un teatro con geometría griega, un palacio
con planta en forma de C y un arco compuesto a partir
de las piezas de los otros dos edificios.
Son un “monumento habitado”, formado por 591
viviendas y varios espacio públicos.
La zona central, recubierta de césped, recuerda un
teatro al aire libre.

Las fachadas de las viviendas emulan columnas monumentales de más de 10
plantas, que se dividen en basa, fuste acanalado y capitel.
Bofill recupera el repertorio formal del clasicismo y lo utiliza de forma
ecléctica, aplicado a las estructuras de hormigón y a los prefabricados, y
organizando sistemas compositivos monumentales.

MOVIMIENTO POSTMODERNO. Sáenz de Oiza.
Torres Blancas, Madrid 1965.

MOVIMIENTO POSTMODERNO. R. Moneo. Museo de Mérida
• Rafael Moneo firma esta obra entre 1980 y
1986. En el año 1996 obtiene el Premio
Pritzker.
• Se decantó por el Clasicismo en las
referencias históricas , y por la
Modernidad en su materialización.
• El edificio, planteado como una gran nave
basilical con bóveda de cañón, exhibe un
ambiente romanizado. El ladrillo de la obra
armoniza con la sobriedad de las piezas
expuestas.
• Las “naves laterales” se dividen en
secciones transversales, coronadas por
altos lucernarios; sus muros llevan
colosales arcos de medio punto,
atravesados por una doble galería de
pasarelas que cruzan arcos escarzanos.

MOVIMIENTO POSTMODERNO. R. Moneo. Museo de Mérida

MOVIMENTO POSTMODERNO. Santiago Calatrava.
• PUENTE DEL ALAMILLO, SEVILLA

Museo de las Ciencias y Planetario de la Ciudad de las Artes y lasMuseo de las Ciencias y Planetario de la Ciudad de las Artes y las
Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.
Planetario
 Calatrava diseña estructuras de plasticidad escultórica que entroncan con
Gaudí, Nervi y Utzon
 Trabaja con la geometría y la experimentación tecnológica.
 Se sirve del movimiento, la ligereza, el uso poco ortodoxo de los materiales
constructivos y de las formas orgánicas, especialmente zoomórficas, para
potenciar la expresividad de las formas.
Museo de las Ciencias Príncipe Felipe.

MOVIMENTO POSTMODERNO. Santiago Calatrava.
Palacio de las Artes Reina Sofia, 2007.

Museo de las Ciencias de la Ciudad de las Artes yMuseo de las Ciencias de la Ciudad de las Artes y
las Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.las Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.
 El Museo, de planta rectangular, se construye a partir de la repetición de un módulo
estructural.
 En el interior, cinco grandes árboles de hormigón se ramifican para sustentar la
exuberante cubierta tubular. También contribuye a sostenerla la fachada sur, opaca,
formada por una celosía de hormigón armado que parece recrear pináculos, agujas y

Museo de las Ciencias de la Ciudad de las Artes yMuseo de las Ciencias de la Ciudad de las Artes y
las Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.las Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.
Planetario
La fachada norte, es una impactante cortina acristalada y transparente que, al igual que
la opaca meridional, fue diseñada en función de las actividades que se desarrollan.
 El espacio interior se organiza a partir de una singular estructura de plataformas
suspendidas.
 El color blanco del hormigón armado y el “trencadís” gaudiano crean contrastes con el
azul del cielo y del agua.

MOVIMENTO POSTMODERNO. Santiago Calatrava. Valencia.MOVIMENTO POSTMODERNO. Santiago Calatrava. Valencia.
Museo de la Ciudad de las Artes y las Ciencias.Museo de las Ciencias Príncipe Felipe.

El Planetario adquiere la forma de un ojo al reflejarse en el agua.
 La pupila es la cúpula hemisférica de hormigón; los párpados, los arcos
sustentantes; y las pestañas, las rejas móviles acristaladas.

Museo de las Ciencias y Planetario de la Ciudad de las Artes y lasMuseo de las Ciencias y Planetario de la Ciudad de las Artes y las
Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.Ciencias. Santiago Calatrava. Valencia.
Planetario

MOVIMENTO POSTMODERNO. Santiago Calatrava. Valencia.MOVIMENTO POSTMODERNO. Santiago Calatrava. Valencia.
Auditorio de la Ciudad de las Artes y las Ciencias.

Panorámica de la Ciudad de las Artes y las Ciencias. Valencia.

Picasso
•Etapa de aprendizaje 1896-1901

Época AZUL.
Valor simbólico del AZUL.
En 1888, Rubén Darío publica Azul.
Denuncia de la miseria humana.
Representa mendigos, mujeres mayores,
ciegos, . . .
Importancia del dibujo, es una pintura en
huesos.
Alargamiento de las figuras por influencia de
El Greco.

 La Celestina.
 mira con su terrorífico ojo ciego.

 El guitarrista ciego.
Con un dibujo nervioso,
es una figura grequina
dominada por el
hambre.
 Melancólico dominado
por el azul.

En El viejo judío, Mendigos a orillas del mar
y La vida, el pintor nos muestra la
pobreza.

La época Rosa (1904-07)
 El color rosa se combina el azul.
Las formas son más graciosas y llenas.
Los rostros son más sosegados.
En un principio insiste en el tema de los
arlequines.

 La planchadora.
 Familia de arlequín.

 Arlequín.
 La Maternidad.

 Paulo.
 Familia de acróbatas.

La época cubista.
 En 1906 conoce a Matisse y su obra.
 Influencia del arte ibérico y de la escultura
negra.
 Influencia de la pintura románica catalana.
 Impacto de la obra de Cézanne.

Las señoritas de la calle Avinyó.

Las señoritas de la calle Avinyó, 1907.
Este cuadro, oleo sobre lienzo de 1907,
marca el comienzo del nuevo lenguaje
cubista, que desarrollaron después Picasso y
Braque en un proceso continuo de
comunicación.
La escena representada se desarrolla en un
prostíbulo de la calle barcelonesa de Avinyó.
Los cuerpos de las mujeres tienen unas
carnaciones de un tono rosado casi uniforme,
como el de las obras que estaba realizando
entonces (etapa rosa).
Pero Picasso no pretende mostrar en esta
obra la apariencia real, sino la verdad
intelectual (lo que pensamos sobre algo, no
cómo lo vemos). Y aprovecha para rendir
homenaje al arte que más le interesa en este
momento:
La escultura ibérica, cuya influencia se
aprecia en las tres figuras de la izquierda.
El año anterior se habían expuesto en el
Louvre las esculturas ibéricas de Osuna y
la Dama de Elche, descubierta ocho años
antes.

La escultura africana, que deja la
impronta en las dos figuras de la derecha,
cuyos rostros nos recuerdan las máscaras
de ese arte primitivo que tanta admiración
estaba despertando en las nuevas
generaciones futuras.
La pintura románica catalana,
apreciable en el hieratismo, el tratamiento
de los ojos y las tintas planas.
Los cuadros de El Greco, con su canon
alargado de cuerpos y rostros.
La pintura de Cezanne, por la
geometrización de las formas.
La obra es, por tanto, una reflexión
intelectual sobre el arte, que prescinde por
completo de los incuestionables preceptos
renacentistas: perspectiva para representar la
profundidad espacial, luz y color como
instrumentos de creación de volumen,
imitación fidedigna de la apariencia real. Por el
contrario, las figuras se descomponen y
fragmentan en multitud de planos, que
corresponden a puntos de vista diversos, es
especial las dos mujeres de la derecha.

Dibujos preparatorios de las Señoritas de la calle Avinyó.

Las Señoritas de la calle Avinyó.

Desnudo con una toalla,
representa la fase de
transformación impulsada
por el arte negro.

El cubismo había sentado el principio de que la visión
del ojo es incompleta y, por tanto, era necesario
perfeccionarla con lo que conocemos sobre el objeto
representado.
Esto obligaba a hacer un “análisis” (separación) de los
diferentes elementos que constituyen el motivo y,
mediante un ejercicio de abstracción, reconstruirlo
mentalmente. Por eso a esta primera fase se denomina
cubismo analítico:
Uno de los mejores ejemplos es el retrato del
marchante de arte Ambroise Vollard, pintado en 1911:
En motivo se somete a una fragmentación en
una infinitud de planos, que corresponden a
puntos de vista y momentos diferentes, hasta el
punto de que a veces resulta difícil reconocerlo.
Como lo que interesa es la estructura formal, el
predominio de la línea es absoluto.
El color, en cambio, pierde importancia y se
reduce a una gama limitada, con ligeras
variaciones tonales.
La perspectiva y la profundidad desaparecen
por completo.
Retrato deAmbroise Vollard, 1911.

Autorretrato. Retrato de Daniel-Henry. La disección de las
formas dejan percibir las formas de los retratados.

La Fábrica de Horta . Se inspira en los paisajes de
Cézanne. Chimenea, casas y palmeras.

La metamorfosis (fase surrealista)
• Mujer sentada al borde
del mar.
• Marca su camino hacia los
presupuestos del
expresionismo. Hasta
1929 se basa en curvas y
elipses. A partir de
entonces la figura humana
es de trazos angulosos,
reflejando un espíritu
atormentado.

La metamorfosis. La Guerra Civil aumenta la tensión
dolorosa de su pintura.
El Guernica
• Dibujos preparatorios.

El Guernica: proceso de creación.

 Moralmente, la importancia del Guernica reside en que la voluntad popular lo hizo suyo de
inmediato y le confirió el carácter universal.
 Para Picasso fue una muestra de su implicación política y de su creencia en el compromiso de la
pintura con el devenir histórico.
 Se trata de un manifiesto artístico de las vanguardias, planteado con la máxima depuración: pocos
elementos, escasos colores y una fortísima carga expresiva.
 Cuenta Henry Moore de una visita al taller de Picasso mientras pintaba esta obra: “Recuerda a la
mujer que llega corriendo desde la cabina de la derecha con una mano levantada delante de ella? Bien,
Picasso nos dijo que allí faltaba algo, se marchó, cogió un rollo de papel y lo pego en la mano de la
mujer, como para decir que había sido sorprendida en el cuarto de baño cuando cayeron las bombas”.
Guernica. Pablo Ruiz Picasso.
1937. Cubismo, Surrealismo, Expresionismo. Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía.

Guernica. Pablo Ruiz Picasso
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La composición es innovadora porque plantea una pintura de batalla a partir de tan sólo nueve
personajes, con una estructura de pirámide luminosa central, compensada por dos ejes verticales a
ambos lados del lienzo.
 La pirámide refleja las conquistas espaciales del cubismo. Tiene su vértice en el centro de la
composición, en el (1) de la mujer que se asoma a la ventana, cuya luz irreal “ilumina” el caballo
agonizante (2) con la lanza clavada en el costado, el guerrero descuartizado (3) a sus pies, y la figura
femenina (4), semidesnuda, que avanza desde la izquierda. En la semipenumbra queda un pájaro (5),
herido, atrapado entre la mesa y el techo. El eje izquierdo integra el toro (6) y la maternidad (7); y el
derecho, la mujer atrapada en el incendio (8). La escenografía se reduce a las edificaciones, un suelo
de baldosas, una mesa . . . El conjunto genera un espacio angustioso, acentuado por el tamaño de los
personajes en relación con la arquitectura.

Guernica. Pablo Ruiz Picasso
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El Guernica no puede ser adscrito a un estilo, sino que se erige como un compendio de la vanguardia
artística de la primera mitad del siglo XX.
 Picasso utilizó el Cubismo al servicio de los desdoblamientos y distorsiones espacio-temporales del
onirismo Surrealista, y de la fuerza dramática del Expresionismo.
Algunos personajes tienen un marcado carácter enigmático: el caballo agonizante (2), que lanza un
grito al cielo y tiene una gran herida vertical (¿el pueblo?); el guerrero muerto (3), con una lanza en la
mano (que en la última versión sumó una flor, ¿la esperanza nunca perdida?); el toro (6), de aspecto
orgulloso y desafiante, el único que no expresa dolor por la tragedia (representa ¿el poder fascista? O
¿la esencia invencible del pueblo?; la mujer que “ilumina” (9) desde la ventana (¿irradia esperanza?).
Picasso nunca dio, de palabra, una interpretación definitiva.
 El cuadro tuvo un gran impacto como denuncia de los horrores de la guerra. Su atemporalidad le dio
universalidad, y la historia lo ha convertido en una dolorosa alegoría, premonición de la Segunda
Guerra Mundial.

Contenido
El 26 de abril de 1937, los aviones alemanes bombardearon la ciudad de
Guernica, habitada casi exclusivamente por mujeres, niños y ancianos (los
hombres estaban en el frente), protagonizando la primera gran masacre de civiles
de la época contemporánea.
Aunque el lienzo le fue encargado en enero, no tuvo claro el tema hasta que, en
abril, quedó impresionado por la brutalidad del bombardeo y creyó que aquella
terrible ruptura de las leyes de la guerra requería una llamada desesperada a la
acción internacional.
En menos de dos meses terminó la obra tras haber realizado siete versiones del
cuadro y un centenar de estudios.
Emplazado en el pabellón de la República Española en la Exposición Universal de
París, convirtiéndose en un auténtico “grito “proferido desde la pared.

Mujer que llora. Rostros desgarradores.

Cráneo de Buey, 1942.
El símbolo de la MUERTE.

La segunda postguerra hace que Picasso llene sus telas de
palomas, temas pastoriles, mar, . . .

En los años 50 la guerra de Corea inicia una nueva fase
expresionista.
Siguiendo a Goya en El fusilamiento del 3 de mayo,

A Manet, en el Fusilamiento de Maximiliano.

Picasso ejecuta La matanza de Corea.

Le seguirá la serie sobre Las Meninas del Museo
Picasso de Barcelona.

La alegría de la VIDA Y LA PAZ.

Salvador Dalí, (1904-1989)
 Inconformista y provocador.
 Se alista en la tendencia surrealista en París en 1929.
 Utiliza un lenguaje oral-poético y narrativo-cinematográfico.
 Pintura de excepcionales calidades plásticas.
 Dibujo influenciado por el Renacimiento y el Barroco.
 Luz limpia y transparente, que según J. Pla es la del Alto Ampurdán.

La persistencia de la memoria, 1931.
Las formas se alargan, resultando de apariencia equívoca.

 Trabajo de juventud,
donde la corrección del
dibujo, la composición y
del color dan muestra
de una obra maestra.
Muchacha en la ventana, 1925.

La persistencia de la memoria. Dalí.
Es la obra conocida como La persistencia de la memoria o Los relojes blandos,
pintada por Dalí en 1931. Salvador Dalí (1904-1989), es uno de los pintores más
conocidos del movimiento surrealista.
Tiene unas dimensiones reducidas, 24 x 33 cms.
Se trata de un óleo sobre lienzo que se custodia en The Museum of Modern Art
(MOMA) de Nueva York.
Es una pintura perteneciente al Surrealismo figurativo, que utiliza una técnica casi
fotográfica para imitar la realidad.

 Dalí representa un escenario onírico compuesto de elementos reales y extraños:
un paisaje costero y rocoso, una figura amorfa tumbada en la playa, una mesa o
pedestal, un pequeño árbol seco, un reloj cubierto de hormigas, otros tres de formas
extravagantes por su naturaleza blanda (como el queso camembert según palabras
de Dalí) y una mosca posada sobre uno de ellos.

La composición está muy estudiada. Domina la línea horizontal del mar al
fondo encuadrado por la luz, que divide el cuadro en dos tramos desiguales pero
armoniosos. Se complementa con la horizontal de la rama seca del árbol, que con
su tronco marca a la izquierda una vertical que equilibra la composición. Emplea
Dalí dos diagonales (mesa, cabeza) y las curvas (relojes, cabeza). Los tonos cálidos
nos acercan las formas, mientras los fríos las alejan. Utiliza una perspectiva
tradicional, pero el espacio conseguido parece extraño. El punto de vista del
espectador es alto, aunque no en todos los objetos.

 La luz juega un gran
papel. El cuadro se divide
en dos partes no simétricas:
una tenebrista, en primer
término, con un foco de luz
a la derecha que ilumina
suavemente los objetos,
proyectando sus sombras
que se recortan en el
espacio; y la otra, muy
iluminada, al fondo, con
una luz blanca, que parece
irreal.
Los objetos están
representados con gran
exactitud y detallismo, sin
embargo sus dimensiones
no son reales. Es de líneas
puras y muy académico.
Dalí manejó la línea de
manera magistral.

 El volumen y las sombras se consiguen a base
de pinceladas pequeñas y muy finas. Consigue
un efecto de profundidad gracias a la diagonal
de las mesas.
Obra perteneciente al surrealismo, en su
método paranoico-crítico. Esta vanguardia
aparece en 1924 tras el Primer Manifiesto
Surrealista de André Breton. Inicialmente fue
literaria, pero que con el devenir afectó a todas
las artes.
 Representa un paisaje onírico, pero reproduciendo el paisaje de la bahía rocosa
de Port Lligart, estableciendo un vínculo entre el autor y el entorno. En la playa, al
anochecer, se representan una serie de elementos que provocan asombro en el
espectador. En el centro destaca una extraña figura que parece una cabeza con una
enorme nariz y larga lengua que parece surgir de una cabeza sin boca. Su cuello se
pierde en la arena. Parece dormir plácidamente, pues vemos cerrado su único ojo
con grandes pestañas. La cabeza es, sin duda, un autorretrato del pintor,
muy similar al que podemos ver en “El gran masturbador”, obra de 1929.

Tema 21.El arte contemporáneo en España.

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