INBOX IX (2020-I)

EDICIÓN CINE
INBOXINBOXINBOX
DÉJANOS EN VISTO
AñoV-N°9/Septiembre2020AñoV-N°9/Septiembre2020

La formación profesional tiene el propósito de
encaminar a un futuro comunicador a dominar íntegra-
mente sus áreas de trabajo, una de ellas, la de generar
contenidos de calidad.
El 2020 trajo consigo sucesos inesperados, uno de ellos
y el que cambió muchas actividades a las que estábamos
acostumbrados es el Estado de Emergencia decretado
tras la pandemia del COVID-19. Esta experiencia impuso
un gran reto, el de no detener la educación.
Como futuros profesionales, nos tocó asumir la
adaptación a nuevos medios y canales online con los que
hoy en día podemos cumplir con el infaltable proceso de
comunicación. El cambio inesperado nos ha dado una
lección, que a pesar de las adversidades, el mundo no se
detiene y un comunicador, tampoco.
La presente edición de Inbox corresponde a la temática
de cine y tiene la finalidad de recrear a nuestros lectores,
nutrirlos de cultura y someterlos a la ilusión de las
historias del séptimo arte.
Gabriela Villafranca Artica
HECHO EL DEPÓSITO LEGAL EN LA BIBLIOTECA NACIONAL DEL PERÚ Nro.
2017-00653
ISSN Nro. 2520-3568
© Todos los derechos reservados.Prohibida la reproducción total o parcial
por cualquier medio sin la autorización del Director o un miembro del
Consejo Editorial.
Impreso en ECOLADA - Imprenta Ecológica
RUC Nro. 20606012731
Dirección: Jr. Cusco 469.
Huancayo – Perú
INBOX IX es una publicación de los estudiantes del X semestre de la
asignatura de Taller de Prensa II de la facultad de Ciencias de la
Comunicación de la Universidad Nacional del Centro del Perú (UNCP). Es un
producto que forma parte de las actividades de Acreditación. Su contenido
refiere temas relacionados a los diferentes ámbitos de la comunicación
(cine, fotografía, literatura, arte, medios, consumo, publicidad, etc.), los
mismos que son redactados en un estilo personal enmarcado en los
géneros periodísticas propios de la formación profesional y que pueden ser
apreciadas por cualquier persona interesada en la temática abordada.
INBOXINBOXINBOX
Año V - N°9 / Septiembre
2020
DIRECTOR
Jhony Carhuallanqui Carhuamaca
jhony.by.cc@gmail.com
Ciudad Universitaria - UNCP Carretera
Central Km. 5 – El Tambo
EDITOR
Jorge Yoel Jaime Valdez
IMAGEN PORTADA Y
CONTRAPORTADA
Ian Allen
CONSEJO EDITORIAL
Bryan Leiva
Gabriela Villafranca
Max Rodriguez
Liz Chira
Andrea Falcón
David Palomino
EQUIPO INBOX
David Palomino - Kevin Martínez
Araceli Valdivia - Jenny Ordoñez
Liz Chira - Gabriela Villafranca
Thalía Castro - Edwars Aguilar
Juan Ñahuin - Jhon Porras
Max Rodríguez - Bryan Leiva
Andrea Falcón - Dánica García
Scarleth Paitán - Fiorella Ordoñez
Raquel Boza - Keysishey Salazar
Fiorella Artica - Alexandra Yauyo
Ana Calderón - Jeniffer Otivo
Sandro Mayhua - Wilman Bujaico
Martha Vargas
Robert Nieto - Abigaid Cotrina
EDITORIALEDITORIAL

CONOCE A
NUESTRO
INVITADO
Huancayo y el cine de sus jóvenes: Un FestivalHuancayo y el cine de sus jóvenes: Un Festival
necesarionecesario
Miradas introspectivas sobre la
vejez y la memoria de lo íntimo.
Retratos de personajes urbanos y
populares. Denuncia social. Apun-
tes incisivos sobre el terrorismo.
Machismo, corrupción y vicios co-
munes en la localidad. Algunos de
los temas y tópicos de los corto-
metrajes presentados al I Festival
de Cine “Desde Huancayo”, orga-
nizado por entidades públicas y
privadas, en colaboración con ci-
neastas comprometidos en pro-
mover el cine regional
Junto a la reflexión acuciosa de los
jurados, Diana Castro y Leandro
Pinto, dialogamos sobre los pro-
yectos cinematográficos que, de
no ser por este evento, jamás
hubiéramos visto o compartido.
Propuestas creativas, con intere-
sante uso del lenguaje cinemato-
gráfico y diversas narrativas. Pero
también una reiteración en temas
que deben irse combatiendo, co-
mo la óptica masculina que
muestra a una mujer sumisa y
sometida frente al hombre, en
tiempos donde la lucha por su
igualdad y empoderamiento es
cada vez más sólida. Barreras que
deben derrumbarse en futuras fil-
maciones. Quizá el debate y las
discusiones entre los cineastas,
junto a maestros universitarios en
las carreras de comunicación,
sobre la sociedad contemporánea
e incluso en los promotores y
gestores culturales de la localidad,
sea necesaria.
El cine permite contar (en narra-
ción tradicional), expresar y experi-
mentar (con sensaciones, emo-
ciones y sentimientos), dialogar (o
denunciar), confrontar (ideas y
puntos de vista) y registrar un
tiempo determinado. Estos jóve-
nes cineastas han demostrado que
tienen el temple para hacerlo y
seguir produciendo, afinando la
búsqueda de un estilo y encontrar
una manera particular de producir.
Hay un cine provocador que grita
la necesidad de actividades como
“Desde Huancayo”.
Sin embargo, es importante forta-
lecer esas áreas que construyen y
profesionalizan el oficio de hacer
cine. El Festival puede cimentar e
iniciar el dictado de talleres en
desarrollo de guiones, dirección
de fotografía y de sonido; así como
la dirección de arte, vestuario,
maquillaje y el trabajo con actores
(ese proceso metódico de saber
formar y dirigir a una “persona”
para que se convierta en
“personaje” –en la no ficción-; y
trabajar con aquellos que
interpretan un papel, en la ficción).
A pesar de esas necesidades, lo
que debe prevalecer es entender
que el cine es un medio para
exteriorizar ese “decir algo con
fuerza” de los realizadores
huancaínos. Esa identidad local.
Ese gusto a ciertas características,
costumbres y cultura de la región
que solo un cineasta residente en
su espacio puede entender y
mostrar de una manera única e
irrepetible.
Un llamado a las DDC y a los
municipios del país para replicar
esta experiencia, ya sea en la
virtualidad o en la presencialidad
de una sala alternativa. Siempre
en alianza con líderes locales con
visión, como el cineasta Hans
Matos; y con espacios digitales
como Cineaparte y Cinencuentro,
baluartes de la difusión del cine
nacional desde hace muchos años.
Algo más: este Festival demostró
que las reservas y el futuro del
cine peruano está en las regiones,
en aquellos jóvenes que no tienen
miedo a crear cine, desde las
entrañas y sin presupuesto.
Manuel EyzaguirreManuel EyzaguirreManuel Eyzaguirre
INVITADOINVITADOINVITADO
3
Making of "Peso Gallo"

PONLE MÚSICA A
TU LECTURA
cas las que lo hacen tan impor-
tante y digno de admirar. Existen
muy buenas películas que han
podido recrear y mostrar esa
esencia del antihéroe, películas
que merecen ser vistas y
analizadas con detenimiento y pa-
ra muestra, algunas escenas que
lo podrán sumergir en el mundo
del antihéroe en el cine:
En el metro del tren, tres jóvenes
molestan a una señorita. El Joker
vestido de payaso y desde su
impotencia solo observa, su ina-
daptada personalidad le impide
reaccionar, carga consigo una en-
fermedad que le hace estallar en
risas ante situaciones estresantes,
un ataque le sobreviene justo en
EL ANTIHÉROE QUE LLEVAMOS DENTROEL ANTIHÉROE QUE LLEVAMOS DENTRO
“Es tan inhumano ser totalmente
bueno como totalmente malvado”,
escribió Anthony Burges refirién-
dose a esa dualidad que po-
seemos los seres humanos, dua-
lidad que ha sido sobrexplotada
por el cine encasillando a sus
personajes de la misma forma en
dos vertientes sumamente gran-
des, los del tipo “héroes” que
representan las cualidades y vir-
tudes más resaltantes de toda
una época, hombres con valores
éticos y morales elevados, que
quieren salvar al mundo de todo
lo que le asecha, su historia es un
camino hacia la redención y la
gloria, y terminan convirtiéndose
finalmente en mitos, leyendas o en
casi dioses, personajes suma-
mente intocables e inalcanzables;
también los hay del tipo
“antihéroes”, personajes insignifi-
cantes sin cualidades excepcio-
nales, con vidas simples, seres
llenos de defectos y vicios,
imperfectos en toda su magnitud,
como lo menciona Capelo: “El
antihéroe, se basa en la con-
tradicción; es, por encima de todo,
un hombre, con sus defectos y sus
virtudes”, son estas características
que lo separan del arquetipo del
héroe, pero que lo acercan más a
la condición de un ser humano. Es
aquí donde quiero hacer un
énfasis, porque considero que el
antihéroe en el cine es un
personaje real y objetivo, más
cercano a la condición humana,
son sus cualidades nada heroi-
ese instante… los jóvenes furiosos
no comprenden lo que sucede y
arremeten contra él, lo tumban al
piso y lo comienzan a patear, el
guasón ni se defiende, no es la
primera vez que algo así le
sucede; sin embargo, en esta
ocasión explota y saca un revólver
que tiene escondido entre sus
prendas, regalo de uno de sus
compañeros de trabajo para que
pueda defenderse, y así lo hace
por primera vez, dispara una
ráfaga de balas y termina final-
mente matando a sus agresores.
El Joker recrea una historia simple,
un payaso nada heroico lleno de
problemas, que tendrá que afron-
tar la dura realidad que le ha
David Palomino y Kevin MartínezDavid Palomino y Kevin MartínezDavid Palomino y Kevin Martínez
David Palomino
OPINIÓNOPINIÓNOPINIÓN
-

tocado vivir y así lo hará, aunque
para ello tenga que realizar
atroces actos.
En el lugar más putrefacto y pes-
tilente de Francia, un mercado de
pescados, sobre un pequeño
puesto lleno de vísceras y sangre
nació Jean-Baptiste Grenouille el
17 de julio de 1738, sus otros
cuatro hermanos habían nacido
en el mismo lugar, muertos. Aquel
día al caer la noche sería arrojado
al río junto con las vísceras de
pescado; sin embargo, un peque-
ño alarido cambió radicalmente su
historia, Jean-Batiste lloró primero
suavemente y luego descon-
soladamente, la gente alrededor
del puesto de pescado se horro-
rizó al encontrar un bebe entre la
sangre y las vísceras, su madre
inmediatamente escapó, pero no
llegó muy lejos; aquel día fue con-
denada a muerte. De esta forma
tan sangrienta se abre paso Jean
Baptiste Grenouille, el personaje
principal de El Perfume, quien se
aferrará a la vida con todas sus
fuerzas, obstinado en la idea de
elaborar el mejor perfume de la
historia de la humanidad, sin im-
portar los medios para conse-
guirlo, convirtiéndose así en uno
de los antihéroes más famosos de
la historia del cine.
Un grupo de furibundos ancianos
golpean a un jovencito, aquel
mancebo en medio del piso,
pateado y escupido no puede
defenderse, ha perdido toda
capacidad de reacción violenta, ha
sido sometido al experimento de
Ludovico para borrar todo rastro
de maldad y violencia que lo
condujo hacia la cárcel; ahora in-
defenso, sin ninguna capacidad de
salir de esta situación se retuerce
en el piso y una sensación de
vómito (secuela del experimento)
se va apoderando de su cuerpo.
Alex Delarge de La Naranja
Mecánica es aquel jovencito que,
por su personalidad violenta y
errática, llega hasta la cárcel, sin
embargo le conceden su libertad
con la única condición de someter
a un monstruoso experimento, el
cual destierra todo rastro de
maldad y violencia en los seres
humanos, dejándolo sin otra
elección que ser completamente
“bueno” e inofensivo. Alex repre-
senta a un simple adolescente
lleno de contradicción y violencia
en su interior, que falla una y otra
vez antes de encontrar su propio
camino, un personaje brutal, pero
tan real, que se convertirá en uno
de los antihéroes más recor-
dados alrededor del mundo, moti-
vo por el cual desatará un fenó-
meno tan violento como su propia
historia, llegando a ser una pelícu-
la prohibida en Reino Unido,
Estados Unidos, Francia, Australia
y España.
Como ya se dijo, el antihéroe en el
cine está relacionado con la pro-
pia condición humana, con el esta-
do más puro, natural y salvaje de
los hombres, con la brutalidad de
la vida cotidiana que se despliega
todas las latitudes. Estas tres
escenas de películas memorables
son solo una muestra de ello, por-
que realmente el antihéroe po-
dríamos ser tú o yo, personas co-
munes y corrientes con vidas sim-
ples, llenos de contradicciones e
imperfecciones, pero tan reales en
toda magnitud y en ninguna otra
parte más que en el cine, po-
dríamos vernos reflejados y retra-
tados tan fielmente. Nuestra esen-
cia es la propia esencia del anti-
héroe, un personaje que a mi opi-
nión es mucho más real y objetivo.
David Palomino
5

PONLE MÚSICA A
TU LECTURA
El extraño mundo de Tim BurtonEl extraño mundo de Tim Burton
Araceli Valdivia y Jenny OrdoñezAraceli Valdivia y Jenny OrdoñezAraceli Valdivia y Jenny Ordoñez
sombras, esto lo impulsó a
reinventar las películas de terror
que admiraba, escribiendo his-
torias llenas de misterio y sus-
penso, un mundo oscuro que
empezó a crear inspirado por su
pasión a lo extraño, desalineado y
siniestro. Burton solo tenía 14
años cuando una compañía local
se interesó por sus primeros
dibujos, pues ganó una campaña
dirigida por ésta; años después, su
ímpetu por aprender y desarro-
llarse en el dibujo hizo que apro-
vechara una de las grandes opor-
tunidades que se le presentó,
pues ganó una beca para el Insti-
tuto de las Artes de California. Con
el pasar de los años esta com-
pañía lo contrató como dibujante,
sorprendentemente ni siquiera
existía un puesto que se ajustase
específicamente a lo que él podía
hacer, sin embargo, fue contra-
tado sobre el argumento de que
si ellos no lo hacían, alguien más
lo haría. Pero pronto se dio cuenta
de que las historias de amor y fi-
nales felices no formaban parte de
su grisáceo mundo, es por eso
que tras años de arduo trabajo
pudo al fin concretar su primer
cortometraje Vincent, donde lle-
vado por su gran visión y su pen-
samiento fuera de lo común,
adaptó un mundo enigmático, ca-
racterístico de su sello personal,
para dar vida a la historia de un
niño perturbado que sueña ser
Vincent Price.
En definitiva, esta obra es un claro
reflejo del propio Burton y de la
dura infancia que vivió al ser una
persona acomplejada que padecía
el síndrome de asperger; ese corto
hace homenaje a uno de sus ído-
los de la infancia, Vincent Price,
pues este actor de películas de
En un mundo donde reina la
oscuridad se levantan los sueños
más profundos de un niño
inadaptado, él está solo, nadie
sabe su nombre, nadie sabe cómo
se siente, nadie se preocupa por
él, la sociedad lo ha echado a un
lado y nunca nadie se habría
imaginado que años más tarde se
convertiría en un referente del
cine mundial. Su excentricidad y
su tacto para la creación de
universos espectaculares siguen
dejando a millones de personas a
la expectativa de un nuevo film a
cargo de este genio, bienvenidos
al mundo de Timothy William
Burton.
Nacido en la costa oeste de
Estados Unidos y muy cerca de la
meca del cine, Hollywood, era de
esperarse que Tim Burton tuviera
las aspiraciones de convertirse en
un gran cineasta y aunque gran
parte de su infancia vivió entre las
Araceli Valdivia
BIOGRAFÍABIOGRAFÍABIOGRAFÍA

terror de bajo presupuesto fue
una gran influencia para él. Esta
pieza fílmica de apenas 5 minutos
de duración, resume en esencia
todo lo que Burton busca en cada
una de sus obras, sin lugar a
dudas toda una joya creativa y
aunque no fue la más publicitada
por los estudios Disney, fue la más
inusual en su momento. Dos años
después, Burton sorprendió a sus
fans con Frankenweenie, donde nos
narra la historia de un niño que
comienza a hacer experimentos a
fin de devolverle la vida a su perro;
inspirada en Frankenstein, esta
película es de naturaleza casi
autobiográfica, pues Burton se
vuelve a inmiscuir dentro de la
historia para contar el trauma que
vivió al perder su mascota. Sin
embargo, ninguno de estos dos
proyectos recibió el apoyo sufi-
ciente que necesitaban, ya que no
iban acorde con el mundo acara-
melado de Disney. Definitivamente
estas películas plasmaron su pro-
pio estilo visual, transmitiendo un
concepto único y novedoso, el cual
fue poderosamente influenciado
por el expresionismo alemán y su
amor por lo gótico, lo que le llevó a
ser capaz de romper los están-
dares que dictaba la industria.
La peculiaridad de sus obras no
solo se centra en su toque esti-
lístico, sino también en el arte
narrativo de cada una de estas.
Una de sus películas más aplau-
didas por la crítica y más aclamada
por los fans es El joven manos de
tijeras (1990), la cual en muchos
sentidos es la obra maestra de
Burton, ya que mezcla géneros tan
opuestos como lo son la fantasía y
el terror, haciendo que encajen
perfectamente, sin embargo, este
es solo uno de los tantos films que
llevan consigo la marca de Tim
Burton.
Dentro del universo burtoniano,
donde la exageración y la exube-
rancia forman parte de la produc-
ción, los elemento audiovisuales
siempre ambicionaron ofrecer
una visión fuera de lo convencional
como Batman (1989), El extraño
mundo de Jack (1993), El cadáver de
la novia (2005), El jinete sin cabeza
(1999), entre otras, reflejan su
exquisito gusto para trabajar hasta
el mínimo detalle en escenografía,
vestuario y maquillaje. En definitiva
su cine está lleno de elementos
góticos cargados de una
atmosfera oscura, tanto estética-
mente como en contenido, el cual
se distingue desde su primera
película. El uso de ambientes
tétricos, la creación de personajes
con personalidad única y la
emotividad representada en cada
una de sus películas lo convierten
en un artista completo.
Adentrarse en el mundo de Tim
Burton es ingresar a una mente
donde hasta lo inimaginable pue-
de suceder, con giros radicales en
la trama de la historia, hace que lo
predecible se vuelva un misterio.
Pocos directores de cine han
reflejado en su trabajo parte de su
personalidad y esto es algo que
Burton hace en cada una de sus
producciones; mezclando parte de
su historia en la vida de sus perso-
najes, ha sabido complementar y
empatizar no solo con los pro-
tagonistas, sino también con los
antihéroes a los que explora y nos
da a conocer con más profun-
didad.
Gafas opacas, cabello alborotado y
sin la más mínima pasión por la
moda, forman parte del estilo de
este genio, a simple vista alguien
oscuro, macabro, excéntrico y re-
belde; sin embargo, muchas per-
sonas cercanas a él lo catalogan
como alguien reservado, tímido y
sensible, todo lo contrario a lo que
cualquiera pueda imaginar.
Jenny Ordoñez
7

PONLE MÚSICA A
TU LECTURA
Un viaje por The End Of The F***ing WorldUn viaje por The End Of The F***ing World
Violencia y amor, ¿cuál de las dos
emociones es la más importante?
Charles Forsman responde que
ambas. El creador del cómic The
end of the fucking world plasmó la
historia de dos adolescentes:
James, un joven solitario con
pensamientos psicópatas que
acaba cayendo en la autolesión
con tal de pasar desapercibido
cualquier sentimiento; y Alyssa,
una chica con una manera muy
particular de entender la vida y
con problemas para establecer
relaciones debido a su falta de
modales. Ambos se conocen y tras
abandonar sus casas, viven una
suerte de aventuras al estilo road-
movie en el que desbordantes
emociones cargadas de humor
negro hacen que el público dude
entre amar u odiar a los
personajes, tal y como lo quiere el
autor.
Channel 4 del Reino Unido, con el
guion de Charlie Covell y los direc-
tores Jonathan Entwistle y Lucy
Tcherniak llevaron la historia a la
pantalla con algunos ajustes, como
la censura a la palabra fucking en
el título, reemplazando caracteres
por asteriscos; asimismo, se reali-
zaron ajustes en ciertas escenas.
El autor manifiesta: "Es un poco
más dulce que mi cómic, pero es
alentador ver a tantas personas
conectadas con la historia". Mien-
tras que en la serie, James mete la
mano en una freidora solo para
ver si así sentía algo, el del cómic
es mucho más gore: acaba sin
dedos luego de introducirlos en
una trituradora.
La serie logró posicionarse dentro
del ranking top de la plataforma
Netflix al ser importada a su ca-
tálogo en el 2018. Cientos de
críticos en Filmaffinity de España
aseguran que se debe a su de-
rroche de encanto indie, la
composición fotográfica altamente
estética, la construcción de perso-
najes con rasgos psicológicos bien
marcados y la banda sonora que
acompaña a la perfección cada pa-
so de la serie.
Graham Coxon fue el encargado
del soundtrack, el cual hace gala de
su faceta multi instrumentalista
incluyendo temas variados de
artistas como Bernadette Carroll y
Shuggie Otis. Los discos de ambas
temporadas coinciden con el estilo
country-folk, a los que se añaden
elementos electrónicos, momen-
tos de persecución acelerados,
baladas lentas y franjas ambienta-
les que dan realce a las escenas.
Gabriela Villafranca y Liz ChiraGabriela Villafranca y Liz ChiraGabriela Villafranca y Liz Chira
Brooke Ivey Johnson
SERIESERIESERIE

En el segundo capítulo de la pri-
mera temporada, James y Alyssa,
el dúo interpretado por Alex
Lawther y Jessica Barden, deciden
irrumpir en una casa, en la que
bailan con los ojos cerrados al son
de Setting the woods on fire de
Hank Williams, creando una at-
mosfera dulce e inesperada de-
bido a los acostumbrados mo-
mentos maniacodepresivos vio-
lentos y emocionalmente trastor-
nados, logrando una escena bas-
tante alabada por los seriéfilos.
Escenas como ésta, han hecho
que The end of the f***ing
world deje de ser un título desco-
nocido y se abra paso a conver-
tirse en tendencia mainstream a
través de redes sociales, donde se
refleja este pasaje en videos
y memes. Pensando en los aman-
tes de la lectura, Roca Editorial se
sumó a esta acogida, publicando
la edición española de las aven-
turas creadas por Forsman en
cómics road trip, expandiendo el
boom de la serie.
Uno de los momentos de mayor
tensión en la serie es el asesinato
al Dr. Clive Koch, un escritor y
docente universitario que intenta
abusar de Alyssa. A raíz de este
acontecimiento los personajes
cambian de apariencia, se cortan y
tiñen el cabello. También roban un
auto, gasolina de un grifo y salen
en búsqueda del padre de ella.
Dejando todos estos rastros, la
policía al mando de dos detectives
cuyas personalidades se reflejan
en un yin yang de comprensión y
castigo, luego de una prolongada
persecución, logran capturarlos
cuando planeaban huir en un
bote.
Pese al final abierto que nos dejó
la primera temporada y que causó
dudas acerca de la sobrevivencia
de James, el dramamedia contó
con una segunda entrega que
consta de ocho capítulos, a la que
se añadieron personajes como
Bonnie, interpretada por Naomi
Ackie, quien emprende una per-
secución en busca de la pareja
adolescente que había estado
distanciada por dos años, solo
para vengarse de la muerte de su
falso amor, el Dr. Clive Koch.
Los recursos empleados en esta
temporada muestran a los perso-
najes más maduros e intentando
rehacer sus vidas. Él, intentando
pronunciar un “te amo” y ella, ca-
sándose con otro hombre. Pese a
que el guion ya no es una
adaptación del cómic original de
Forsman, puesto que no existe
una segunda edición escrita, cum-
ple cada uno de los rasgos de
personalidad ya conocidos en
James y Alyssa. El destino y el ries-
go de muerte los vuelve a juntar,
iniciando un nuevo road-movie,
pero esta vez acompañados de la
misteriosa y oculta Bonnie.
Con grandes planos fotográficos y
el acompañamiento musical: “Kiss
me each morning, for a million
years, hold me each evening by
your side, tell me you love me for a
million, a million years” de Bettye
Swan, se muestra el fin de la
segunda temporada, en la que
James y Alyssa confiesan su amor,
tras enfrentar puntos álgidos de
tensión y riesgo inminente de mu-
erte. Dejando a los seriéfilos, a
diferencia de la primera tem-
porada, en calma absoluta.
En una entrevista para Radio
Times, Charlie Covell manifestó:
"Creo que tratar de sacar más
provecho estaría mal, me gusta
dónde lo dejamos", afirmando de
este modo el fin de The end of the
f***ing world, que para muchos
fue la mejor serie en el 2019.
Sviatosl
9

PONLE MÚSICA A
TU LECTURA
LOS TRES AMIGOS DEL CINE MEXICANOLOS TRES AMIGOS DEL CINE MEXICANO
Conocidos en Hollywood como
“Los tres amigos”, han logrado
grandes hazañas trascendiendo
internacionalmente en los últimos
años, otorgando muchos premios
Óscar a su país. Los cineastas
mexicanos Guillermo del Toro,
Alejandro Gonzáles Iñárritu y
Alfonso Cuarón son las tres per-
sonalidades que se han con-
vertido en las voces más influyen-
tes del cine contemporáneo. Lle-
van años de amistad en un mundo
competitivo como es el cinema-
tográfico, una amistad consolidada
a pesar de que cada uno tiene su
propio estilo. Se apoyan, se pro-
mocionan entre sí, incluso parti-
cipan en las películas de uno y
otro con la intención de sumar y
no de obstaculizar.
Guillermo del Toro, de inagotable
imaginación y generosidad, ama a
las criaturas nacidas de la fantasía.
De niño fue marcado por una
experiencia extraordinaria: un
sueño premonitorio en el que
recuerda haber visto a un fauno
salir del armario de su abuelo,
personaje que lo llevó nominado
por primera vez a la alfombra roja
del Oscar en 2007 con El
laberinto del fauno, largometraje
de fantasía contextualizado en la
guerra civil española.
Sus películas inician siempre con
una voz en off, narrando episodios
del pasado, pues según Del Toro
la única manera de contar el pre-
sente requiere saber entender el
pasado. Esto, junto a la creación
de mundos abstractos y con ayu-
da de mitos y leyendas crea su
propio estilo: el cine fantástico.
Guillermo del Toro es uno de los
pocos realizadores en la historia
del cine que se desempeñó como
diseñador de maquillaje y efectos
especiales, gracias al conocimiento
que obtuvo de Dick Smit, en su
gran despliegue en films como: El
exorcista y El padrino. En el año
1985, junto a su amigo Rigoberto
Mora, fundó Necropia, compañía
dedicada a la caracterización de
personajes.
Del Toro es similar a Hitchcock,
porque hace detallados story-
boards que lo ayudan a percibir si
su forma de plantear la película
funcionará o no. Tiene una libreta
de notas visuales que siempre
lleva con él, dónde realiza minu-
ciosas anotaciones y bocetos de
criaturas que aparecerán en sus
films. A partir de esa libreta define
la paleta de colores, los efectos
especiales y el maquillaje. Si sus
storyboards no funcionan, Guiller-
mo detiene la producción para
volver hacer nuevos dibujos antes
de volver a grabar, ya que prefiere
tener todo maquetado antes de
arriesgarse a perder el tiempo
acumulando material que no sirve.
Thalía Castro y Edwards AguilarThalía Castro y Edwards AguilarThalía Castro y Edwards Aguilar
Thalia Castro
DIRECTORESDIRECTORESDIRECTORES

Guillermo fue recompensado por
su esfuerzo con el máximo reco-
nocimiento de la Academia de
Hollywood con dos estatuillas del
Óscar gracias a su película La
forma del agua, que cuenta la his-
toria de amor entre una mujer
muda y un humanoide anfibio du-
rante la Guerra Fría de los Estados
Unidos.
Del Toro conoció a Cuarón en la
realización del programa La hora
marcada en la década de los 80.
Cuarón es inspirado por el director
Felipe Cazals a través de su pe-
lícula Canoa (1975). Lo que replica
el cineasta de esta película es la
temática y la manera de abordar a
sus protagonistas, su gusto por
darle al contexto el mismo peso
visual y narrativo que tienen los
personajes, también utiliza los pla-
nos secuencia para seguir accio-
nes de los actores y que el espec-
tador tenga cercanía con ellos, uti-
liza principalmente una paleta de
color orientada a los diferentes
matices verdes.
Alfonso Cuarón dirigió grandes
proyectos cinematográficos, entre
ellos: Harry Potter y el prisionero de
Azkaban, Hijos del hombre y Gravity,
con ésta última ganó el Oscar a
mejor director y montaje. Roma,
recuerdos personales de la
infancia de Cuarón en blanco y
negro de la capital mexicana en los
movidos años setenta, le volvió a
dar el galardón y no solo a mejor
director, sino también a mejor pe-
lícula extranjera y mejor fotografía
en el 2019.
El cine de Cuarón se centra en pa-
sar con facilidad de la comedia a la
tragicomedia y a su vez, al melo-
drama; introduce al espectador en
el mundo de los personajes. Siem-
pre deja espacio a la improvisación
actoral y técnica, pues “los acci-
dentes milagrosos” como lo deno-
mina Cuarón, le han permitido en-
contrar muchas de sus escenas
más icónicas por la espontaneidad
y naturalidad de esos momentos.
Cuarón se inclina por historias
donde existen problemas sociales
que afecta psicológicamente a sus
personajes, sin duda impresiona a
grandes audiencias.
Alejandro Gonzales Iñárritu se unió
a este equipo gracias a su amigo
en común, el cinefotógrafo Emma-
nuel Lubezki. Iñárritu, no posee
ningún título universitario, pero
conquistó el Festival de Cannes y la
Academia de Hollywood, este úl-
timo como mejor director, película
y guión. Tal parece que se hizo
director autodidacta de puras ex-
periencias.
“El negro”, como lo llaman sus ami-
gos, implementa al cine una cáma-
ra omnipotente que registra la rea-
lidad con todas sus emociones y
una estructura de juegos cruza-
dos dando lugar a la fijación por lo
imprevisto, representa un eje dra-
mático y audiovisual en su pro-
ducción.
Iñárritu se instaló como leyenda
con su segundo Oscar después de
Birdman, a mejor director con El
Renacido, una cruda y brutal histo-
ria de supervivencia protagonizada
por Leonardo DiCaprio.
Este genial representante del cine
contemporáneo marca un nuevo
hito desde los orígenes del cine
mexicano, borra los episodios de
comedia para darle ritmo a sus
películas con enfoque naturalista y
vivencial, propios de su época
verde. Su máxima habilidad es
pasar horas, días y hasta meses
conociendo a sus personajes, ex-
quisito para escoger al equipo
técnico y paciente para perfec-
cionar una toma.
“Los tres amigos” del cine tienen el
talento de contar historias que
arrasan con carteleras alrededor
del mundo; no entienden de
premios y nominaciones, sino que
la magia por producir lo bello para
los ojos y que nunca antes fue
vista, reflejan la pasión y los años
en la búsqueda de la verdad y lo
fantástico.
Edwards Aguilar
11

PONLE MÚSICA A
TU LECTURA
Todo proyecto artístico es pen-
sado junto con el formato en el
que se plasmará, es así que el
autor sabe qué palabras usará
para describir con otros términos
un mundo fantástico y misterioso
como el de la Tierra Media (El
señor de los anillos), o los bocetos y
las formas que predominarán al
contar la historia de un grupo de
superhéroes (Los vengadores)
Así como saben qué recursos usar,
encuentran las limitaciones pro-
pias del soporte que eligieron y es
a partir de una obra escrita, que,
numerosos artistas se inspiran e
imaginan lo que posteriormente
son las películas en la pantalla
grande. Son pocos los que
realmente logran aprovechar de
forma oportuna los elementos que
brinda el formato cinematográfico.
En esta ocasión, revisaremos las
producciones fílmicas de obras
maestras en diferentes medios y
cómo éstas, a pesar del esfuerzo,
no pudieron dar justicia a la obra
original.
Watchmen (2009)
Watchmen no es cualquier cómic,
es considerada la mejor novela
gráfica en años y cambió la na-
rrativa de varios superhéroes po-
pulares.
En sus páginas no solo se cuenta
el arco principal, el asesinato del
Comediante, un antiguo super-
héroe retirado, pero conocido por
ser un sádico y sin piedad, sino
también, profundiza en todos los
protagonistas, los antiguos colegas
de Minutemen que tuvieron que
separarse por una ley contra los
enmascarados, llevando al lector
por un gran número de historias
que se entrelazan entre sí y que se
desencadenan en un desenlace
catastrófico.
Para el autor Alan Moore, debía
borrar la idea del ”superhéroe más
poderoso”, y mostrarlo de forma
realista como “un hombre demen-
te que usa disfraz”.
El director Zack Snyder, fue quien
asumió la tarea de adaptarlo, pues
el antecedente de dirigir 300 y
lograr un resultado favorable de la
crítica, le permitieron ocupar este
puesto. A diferencia de 300,
Watchmen no es una obra épica,
es más un thriller psicológico.
Adaptar o no adaptar, ese es el dilemaAdaptar o no adaptar, ese es el dilema
Bryan Leiva y Max RodríguezBryan Leiva y Max RodríguezBryan Leiva y Max Rodríguez
Bryan Leiva

Los Miserables (2012)
Los Miserables no es una adap-
tación de la obra original, es la
adaptación del musical de Broad-
way, que a su vez, es la adaptación
de la obra original de Víctor Hugo.
Sabiendo esto, se añadió el canto
en el lenguaje cinematográfico pa-
ra mayor fidelidad. Al ver a los ac-
tores no solo interpretar los he-
chos, sino expresar sus emociones
mediante el canto, ayuda al es-
pectador a seguir el ritmo de la
obra y entender la historia con
facilidad. Añadiendo también la cá-
mara en mano para darle dina-
mismo a las escenas.
Pese a estos recursos, muchos
acontecimientos de la obra ori-
ginal se omitieron, como la sepa-
ración de Jean Valjean con su
familia original o el contexto de los
acontecimientos en la realidad. La
película simplemente hace cortes
temporales con un gran título del
Pese a ello, la adaptación fue por
lo espectacular de las batallas y los
protagonistas se volvieron perso-
nas con habilidades especia-
les, dejando el realismo atrás.
El énfasis a la crudeza de las esce-
nas y no a un momento de refle-
xión fue un error muy superficial y
que puede desagradar a los cono-
cedores del cómic.
Pese a esto, la película logra cap-
tar el interés del público casual y
le invita a leer la obra original para
saber un poco más de estos per-
sonajes rotos, ya que Alan Moore
consigue diseñar personajes inte-
resantes.
año y el lugar, pero en su defecto,
no deja al espectador procesar
esto en su debido tiempo, con
cambios de escenarios tan rápi-
dos que no puedes apreciarlos
correctamente. El espectador de-
be estar muy atento y conocer de
antemano la obra original para no
perderse en la sobre exposición
de datos. Caso contrario con el
público que desconoce la obra, si
éste pierde el interés en alguna
parte, le será difícil retomar el
ritmo nuevamente
Es un trabajo excepcional, no ca-
be la menor duda, pero aún no es
la adaptación definitiva. Es nece-
sario conocer su material de ori-
gen para apreciarla y eso es algo
que una película no se puede
permitir.
Assassin’s Creed (2016)
Influenciado claramente en pro-
ducciones cinematográficas en el
género de epopeya, Assassin´s
Creed, siendo ya un pilar en los
videojuegos, contaba con muy
buenos elementos para llevarla al
cine.
Su historia narra como un ex-
convicto revive los recuerdos de
su antepasado, un guerrero del
clan de los asesinos que vivió
cerca de la era de las cruzadas. El
asesino con sus vivencias nos de-
muestra que podemos mejorar
con nuestras decisiones en el
tiempo, aprende este crecimiento
de su antepasado, llegando a
aceptar su linaje.
La película intenta dar este men-
saje, pero falla al narrarlo en
pasado, ya que solo pudo ser una
historia de búsqueda y acción
desenfrenada, haciendo que el
nuevo espectador quede con-
fundido con los conceptos que se
expone. No hay un debido tiempo
para explicar muchas de las si-
tuaciones y el porqué de éstas.
Para un jugador habituado, la
película es comprensible, pero
para el nuevo espectador, es todo
lo contrario.
El director Justin Kurzel, conocido
por Macbeth, no pudo desen-
volverse correctamente en el argu-
mento ya que, en su visión, el
protagonista aprendía que era un
asesino por su pasado, cuando en
realidad es adoptar un ideal re-
visando las memorias de sus ante-
pasados progenies.
Para culminar, solo queda expo-
ner los tres elementos que, desde
una perspectiva propia, mejo-
rarían las adaptaciones cinema-
tográficas si son tomadas en cuen-
ta: Considerar la amplitud de la
obra original, conocer el concepto
principal que la engloba y ser un
producto independiente. Son es-
tas características las que logran
enardecer a multitudes de espec-
tadores, que ignoran las libertades
creativas y generan un conflicto
entre lo conocido y lo novedoso
de una historia.
13

PONLE MÚSICA A
TU LECTURA
EL CAMINO DE EL JOKEREL CAMINO DE EL JOKER
Desde graduarse como bombero,
hasta cambiar drásticamente su
alimentación por una manzana al
día, son solo algunas de las cosas
que el actor de 43 años, Joaquín
Rafael Phoenix, está dispuesto a
hacer para poder dar vida a los
personajes que muy cuidadosa-
mente elije interpretar.
Galardonado anteriormente como
mejor actor, logró consolidarse en
Los Premios BAFTA, Globos de
Oro, Sindicato de Actores y Pre-
mios de la Crítica Cinematográfica,
también fue nominado tres veces
al Oscar como mejor actor y fi-
nalmente se ha llevado la
consagrada estatuilla en esta ca-
tegoría. Todo esto tras realizar una
de las mejores interpretaciones en
su carrera y en el mundo del cine.
Lo que para muchos es conside-
rado algo extremo, para Phoenix
es un reto que ha demostrado
cumplir con la pasión que lo
caracteriza, ya que en ocasiones
anteriores ha realizado ciertos
cambios en su estilo de vida y
apariencia para poder interpretar
de manera correcta a sus
personajes y El Joker no fue la
excepción.
La interpretación de El Joker no fue
precisamente lo que convenció al
actor de participar en la película,
fue más bien el transtorno del per-
sonaje de Arthur Fleck, un del-
gado hombre que sufre de
incontinencia afectiva o risa pato-
lógica. La risa de una persona con
este padecimiento es el resultado
de pasar por una situación de
estrés, además de tener trastor-
nos depresivos, razón por la cual
estos ataques de risa expresan
todo lo contrario a la felicidad, lo
que implicaba que el actor logre
una risa que transmita al público
tristeza y dolor, condición que
creyó imposible de logar. Para
esto observó gran cantidad de
videos de personas que realmente
sufren de este trastorno, practicó
intensamente y se la mostró
únicamente al director de la peli-
cula, Todd Phillips, quien aprobó la
interpretación y solo entonces se
hizo pública ante el resto del
equipo.
Dánica García y Andrea FalcónDánica García y Andrea FalcónDánica García y Andrea Falcón
Dánica García
PERSONAJEPERSONAJEPERSONAJE

Estas características psicológicas
debían tener un impacto a nivel
físico, Phoenix cambió su alimenta-
ción por una dieta extre-
ma, controlada y documentada,
que constaba de alimentarse sólo
con una manzana al día, dato que
reafirma su gran compromiso
actoral, teniendo en cuenta su
estricta dieta vegana. Como resul-
tado perdió 23 kilos en cuatro
meses. Esto no era en sí algo
nuevo, ya que, para el film de
María Magdalena, en su personaje
como Jesús, tuvo que someterse a
una dieta de 300 calorías por día.
Aunque posteriormente, durante
el festival de cine de Venecia, el
actor reconoció que limitar su
alimentación de tal modo para el
papel de el joker le hizo tener la
sensación de perder el control de
sus actos, se estaba viendo
afectado psicológicamente.
Uno de los momentos cumbre de
la película es cuando el personaje
desciende por las escaleras de El
Bronx, ubicadas en la ciudad de
Nueva York, mientras realiza un
característico baile. Se supo que
éste fue inspirado en Ray
Bolger en The old soft shoe (1957),
al que se refirió como extraña-
mente arrogante y que es una re-
presentación del placer del perso-
naje durante el descenso hacia la
locura.
Son muchos los factores los que
hacen que esta producción sea tan
bien ejecutada por Joaquín
Phoenix, quien ha mencionado en
reiteradas oportunidades preferir
el cine tradicional y conservador, al
cine que implica gran exposición
mediática como las películas
comunes de superhéroes y villa-
nos. También considerar el trabajo
de los guionistas y el director, que
nos muestran de forma fascinante
un enfoque real del príncipe
payaso, creado por una sociedad
tan parecida al mundo contem-
poráneo. Esto explica el hecho de
que en esta interpretación de El
Joker no se muestra a un villano
común al que todos saben que de-
ben temer u odiar, como el joker
de Heath Ledger, quién en vida fue
uno de los mejores amigos de
Phoenix; por el contrario, enfocar-
se en darle una visión realista al
personaje hace que el público lle-
gue en cierto punto a identificarse
con diversas situaciones, teniendo
así una libre interpretación para
cada espectador. Esta dosis de
realismo fue resultado de varios
libros de asesinos políticos, de
personalidades psicópatas que el
actor leyó para su interpretación,
además de que se propuso en un
inicio no encasillar al personaje
dentro de una personalidad
definida, de modo que ni un
psiquiatra que viera la película
pudiera identificar el tipo de
persona que es El Joker. Un trabajo
formidable sabiendo que Joaquín,
a pesar de su gran talento y
trayectoria, es uno de los actores
más tímidos y sencillos que debido
a los nervios, sigue padeciendo
ataques de ansiedad y nauseas
cada vez que entra al estudio de
grabación.
Dánica García
15

"NO ME SIENTO POR ENCIMA
DE NINGUNO DE MIS
COMPAÑEROS [DE
NOMINACIÓN], COMPARTIMOS
UNA MISMA RIQUEZA QUE ES
EL AMOR POR EL CINE. NO SÉ
DÓNDE ESTARÍA SIN EL CINE"
Joaquín Phoenix en su discurso de
premiación - Oscar 2020
Andrea Falcón

Gage Skidmore
"¡NO ME RENDÍ! Y COMO
PUEDEN VER, ¡NO ESTOY
MUERTO! EL DESAFÍO
CONTINÚA"
Chadwick Boseman en Black Panther
17

PONLE MÚSICA A
TU LECTURA
DOUG JONES, MAESTRO PERPETUO DELDOUG JONES, MAESTRO PERPETUO DEL
DISFRAZ PERFECTODISFRAZ PERFECTO
Las películas o films son un retrato
de las constantes imperfecciones
de la vida, son reflexiones que
transmitimos y que vuelven a
nosotros convertidas en
imágenes, más aún las de ficción,
que tienen un sentido subjetivo
más allá de la realidad, pero en el
fondo esconden nuestro mayor
anhelo o miedo, en ocasiones son
un cúmulo de sensaciones que
nos envuelven y a veces
perpetúan nuestras almas desde
el primer momento.
Vale la pena nuestra atención en
quienes están detrás de aquellos
trabajos espléndidos, de horas de
maquillaje, inserción de prótesis,
de ardua labor y paciencia incan-
sable. Doug Jones es uno de ellos,
mimo y contorsionista profesional,
gracias al avance de la tecnología y
el desarrollo audiovisual, encarnó
galardonados personajes que has-
ta hoy en día hacen volar nuestra
imaginación. Un hombre de carne
y hueso que personifica y se su-
merge en el rol de criaturas fan-
tásticas.
Un martes 24 de mayo, poco
después del terremoto que azotó
Chile en 1960, nació Doug Jones
en Indianápolis, capital del estado
estadounidense de Indiana. El
contexto mundial se estremecía
debido a la Guerra Fría y se
vivía situaciones de provocación
bélica entre las facciones com-
puestas por Estados Unidos y
la Unión de Repúblicas Socialistas
Soviéticas (URSS). A pesar de lo
caótico de aquellos tiempos y de
incertidumbre constante, Doug no
amilanó ante las circunstancias y
siguió a paso firme en su
desarrollo profesional.
Detrás de esos extravagantes y
estrambóticos disfraces, está él,
con su incomparable carisma y
simpatía, sus cabellos rubios, tez
blanca, trepidantes ojos azules y
un particular cuello alargado, que
lo hacen extrañamente único.
Luego de graduarse en teatro y
telecomunicaciones en la Univer-
sidad de Ball State en 1982 su vida
actoral comenzó en Mac Tonight,
una serie de peculiares comer-
ciales de Mc Donald’s. Su esbelta
estatura de 1.93 metros, movi-
mientos extraños e inimitable
performance fueron las causales
para que sea contratado en di-
ferentes series televisivas como
Buffy Cazavampiros o también sea
considerado en videos musicales
de artistas renombrados como
Marilyn Manson, Madona y Red
Hot Chilli Peppers, allá por los 90.
Aquel entonces no era famoso,
pero con Abraham Abe Sapien en
el estreno de Hellboy, su nombre
ganó reputación con la caracteri-
zación del hombre pez, un perso-
Jhon Porras y Juan ÑahuinJhon Porras y Juan ÑahuinJhon Porras y Juan Ñahuin
Jhon Porras
DIRECTORDIRECTORDIRECTOR

naje inteligente y de finas manías,
amigo del demonio rojo. Aquella
experiencia fue el comienzo de
una serie de logros importantes.
Cabe destacar que en el rodaje de
Hellboy, Doug conoció a su gran
amigo Guillermo Del Toro, con
quien grabaría exitosas películas y
entablaría una amistad muy dura-
dera.
El laberinto del Fauno se estrenó en
2006, siendo premiada con tres
estatuillas doradas de los Premios
Oscar, donde Jones interpretó
aquel ser mítico, un fauno de
orejas puntiagudas, inmensos
cuernos arqueados, pesuñas de
cabra y figura humanoide; además,
interpretó en la misma película al
escalofriante y repulsivo hombre
pálido que tenía los ojos en la
palma de las manos, sin duda un
hecho fascinante el que Doug y los
monstruos estén intimamente
relacionados en la vida actoral.
“Tienes que empezar tomando
cualquier papel que te ofrezcan. Si
es un hombre con Jeans y cami-
seta, genial. Si es un monstruo con
garras, con cuernos raros en su
cabeza y cola, entonces está bien.
En ambos casos, tienes que
acercarte al personaje y la
actuación del mismo modo”, resal-
taba Jones para recomendar el
estar preparado para desarrollar y
sumirse en el papel de cualquier
personaje.
“Lo que he aprendido como adulto
es que no estamos solos. Yo no
estaba solo, yo no soy el único
niño que una vez se sintió así,
todos tenemos inseguridades,
todos nos hemos sentido alguna
vez como ese monstruo que está
en la habitación y no encaja con
nadie. Ahora yo soy ese monstruo
en el cine, y quiero ser como él”,
dijo en una entrevista. Su vida
actoral prosiguió con su partici-
pación en películas como Los 4
fantásticos donde hace el papel del
hombre y villano metálico Silver
Surfer y en El Ejercito Dorado en la
segunda entrega de Hellboy.
El trabajo en el cual tuvo mayores
críticas y elogios fue La forma del
agua, estrenada en 2017, también
producida por Guillermo Del Toro,
esta vez, con su vasto conoci-
miento, Jones interpretó al hombre
pez, un ser mítico amazónico
cubierto de escamas que entabla
una singular relación utópica de
amor con Sally Hawkins, quien
hace el papel de Elisa, una
muchacha muda. Esta película
tuvo 13 nominaciones en los
premios Oscar en 2018, de las
cuales obtuvo cuatro estatuillas
doradas, además ganó dos Globo
de Oro y tres BAFTA.
El pasar de los años no le ha sido
ajeno y sus arrugas lo demuestran,
actualmente tiene 60 años de los
cuales, 30 ha dedicado al mundo
cinematográfico habiendo parti-
cipado en al menos 25 películas.
Además de ser cantautor aficio-
nado, es productor independiente.
Él y su esposa Laurie Jones pasan
el tiempo y viven en California, de
vez en cuando regresan a Indiana
para apoyar jóvenes a quienes les
guste el mundo del cine, los llama
“cachorros” de cariño, porque
Doug sabe lo difícil que es abrirse
camino en esta industria.
Juan Ñahuín
19

PONLE MÚSICA A
TU LECTURA
Durante este periodo los estudios
lanzan estrenos considerados
blockbuster, es decir películas que
tendrán gran acogida por el pú-
blico; para este año Disney y
Marvel tenían planeado mostrar a
Scarlett Johanson en la pantalla
grande como Black Widow y
recaudar con su película e inter-
pretación miles de millones de
dólares. La pandemia impidió el
estreno y lo vienen retrasando
conforme al avance del virus.
Los efectos de un verano sin salas
de cine abierto solo en Estados
Unidos son demoledores para
todo el sector, por eso ha surgido
un dilema para los estudios cine-
matográficos, ¿jugársela a un in-
cierto panorama en las salas de
cine o asumir las pérdidas de este
año y mirar con optimismo el
2021?
Las opiniones están divididas. Sony
ha sido una de las compañías que
decidió renunciar a las “ganancias”
de este verano, de manera que
películas como Ghostbusters: Afterlif
que tenía su estreno programado
para el 10 de julio y Morbius para
el 31 de julio, se retrasarán casi
por un año hasta marzo de 2021.
Contrariamente, Warner Bros se
ha mostrado optimista y ha dec-
idido apostar por Wonder Woman
1984, que se estrenaría el 5 de
junio del 2020, pero se ha re-
trasado para el 14 de agosto 2020.
Warner ha puesto en Gal Gadot, la
Mujer Maravilla, sus esperanzas de
cerrar el año con algo de ren-
tabilidad. Disney ha decido
acomodar todos sus estrenos a la
nueva realidad producto de la pan-
demia, así la tan esperada Black
Widow, que pretendía llegar a las
salas el 1 de mayo, no podrá ser
vista por sus fanáticos hasta el 6
de noviembre del 2020. Otra pe-
lícula que pudo ser candidata a
“taquillazo”, es Soul de Pixar, que
estaba programada para junio.
Scarleth Paitán y Fiorella OrdoñezScarleth Paitán y Fiorella OrdoñezScarleth Paitán y Fiorella Ordoñez
Un verano sin cineUn verano sin cine
El 22 de abril del año pasado se
estrenaba a nivel mundial Avengers:
Endgame, película que se convirtió
en la más taquillera de la historia,
logrando recaudar 2.798 millones
de dólares; entonces la industria
del cine no se imaginaba que un
año después los estudios tuvieran
que retrasar estrenos y parar
rodajes de cientos de películas
que aspiraban a ser éxitos renta-
bles. Ni el mejor ni más fuerte
superhéroe de Marvel pudo ganar-
le a la pandemia.
Un verano sin cine significa para la
industria cinematográfica de Holly-
wood perder la recaudación del
40% de la taquilla de todo el año.
Lunatinsta

Hollywood necesita salas abiertas
y llenas, sino las pérdidas serán
millonarias. Para las cadenas más
grandes en el Perú como Cine-
mark y Cineplanet, el regreso a las
salas de cine estará condicionado
al control y disminución de con-
tagios por el coronavirus. La
mayoría solo podrá funcionar con
un aforo menor al 50% y adap-
tándose a nuevos protocolos que
en definitiva cambiarían por com-
pleto la experiencia del séptimo
arte.
La apertura de las salas de cine
permanece aún lejana, ello ha de-
vastado a los fanáticos que acos-
tumbraban estar presentes en los
jueves de estreno, los que
esperaban hasta las doce de la
noche para ser los primeros en ver
sus cintas favoritas y evitar los
spoiler. Los devotos del cine, no
extrañan solo las películas, ex-
trañan la experiencia única que te
ofrece ver una cinta en una pan-
talla gigante.
Hollywood ha buscado otras
formas de salvar sus estrenos. El
coronavirus ha logrado que las
plataformas de contenidos audio-
visuales, que eran el enemigo de
la industria tradicional del cine,
sean ahora sus aliados para no
perder al 100% este año. Pero ¿El
streaming podrá reemplazar a las
salas de cine? Los grandes
estudios han empezado a moverse
para pasar directamente por
streaming algunos grandes es-
trenos previstos para los próximos
meses en las salas mundiales.
Como un claro ejemplo se en-
cuentra la película animada
Onward de Pixar y Disney, que se
estrenó en los cines de Estados
Unidos una semana antes de que
el covid-19 se apoderase de Italia,
España y llamara a las puertas de
América. Una semana después, la
recaudación del filme cayó en más
del 70% y se convirtió en la pe-
lícula menos vista de la historia de
Pixar, pese a tener una excelente
historia.
La solución inmediata que han
tomado la mayoría de las produc-
toras, es traspasar sus películas de
las salas vacías a formar parte del
catálogo de la plataforma de
streaming. Pero, los fanáticos de-
ben acostumbrase ahora a los si-
llones de sus casas y olvidarse de
las butacas.
Todo indica que uno de los efectos
secundarios del covid-19 va sig-
nificar un cambio sustancial en la
industria del cine. La transfor-
mación iniciada con la irrupción de
Netflix y las demás plataformas se
acelera y de pronto adquiere una
velocidad sorprendente
Pero estamos seguros que ningún
amante de las salidas al cine se
conformará con ver estrenos en
sus televisores o celulares, el
streaming es una salida para no
perder el trabajo de los estudios
cinematográficos por completo,
pero definitivamente no podrá
reemplazar la experiencia que te
ofrece una sala de cine. Para
algunos el remplazo más cercano
es volver a los autocinema, que ya
se vienen alistando en los grandes
mall de Lima, pero la idea no
alienta a los que no tienen un
vehículo propio.
Definitivamente el coronavirus no
solo cambiará por completo
nuestros hábitos de limpieza y
cuidado, sino también la forma de
entretenernos. Ahora parece muy
lejana la frase de “vamos al cine”.
Lunatinsta
21

PONLE MÚSICA A
TU LECTURA
Nadie le tenía confianza, a lo
mucho su film podía recibir el
premio a mejor película en lengua
extranjera. El año pasado, el nom-
bre de Bong Joon ho ocasionó una
revuelta entre la gente de Holly-
wood y todos los entendidos en
cine.
La primera vez que llegué a ver
una de las obras de Bong Joon ho
fue increíble. Ver la película y en-
tender la trama mientras leía los
subtítulos me resultó algo afano-
so, pero gratificante.
Parasite, el regalo por los cien años delParasite, el regalo por los cien años del
cine coreanocine coreano
Quizá no pude entender toda la
temática, pero lo que sí me quedó
claro es que Bong quería mostrar
qué pasaría si un día cualquiera,
en el lugar más concurrido de
donde vives, apareciera un
monstruo y acechara a todos tus
seres queridos, plasmando esta
interrogante en The Host, donde
vemos la irresponsabilidad de los
avances científicos, claro que, con
un poco de imaginación, pero no
fuera de la realidad.
Quizá sean sus estudios en
sociología y las referencias de di-
rectores como Henri Georges
Clouzot y David Fisher, que llevan
a Bong a demostrar con toda
franqueza la realidad de la socie-
dad coreana, con matices de sá-
tira, humor negro y drama social,
características que hacen más “di-
geribles” sus tramas y que el pú-
blico se identifique con los prota-
gonistas, pues Bong sabe cómo
exponer esos problemas sociales
como ninguno.
En su primer largometraje Barking
dogs never bite, el cineasta sur-
coreano narra la historia de una
sociedad donde los perros son
mejor atendidos que las personas,
iniciando así su debut como
director.
Memories of murder narra la
realidad del sistema policial
coreano de ese entonces, juz-
gando la modalidad con la que se
lograba adquirir información de
los sospechosos a través de una
comedia de humor negro muy
bien personificada por el actor
Song Kang ho, retratando la
inmoralidad e ineficiencia policial.
Raquel Boza y Keysishey SalazarRaquel Boza y Keysishey SalazarRaquel Boza y Keysishey Salazar
Keysishey Salazar
DIRECTORDIRECTORDIRECTOR

predecir qué pasará en la siguien-
te escena y con ello nos engancha
en el desarrollo de toda la trama.
Es así como en Parasite, un
largometraje que refleja claramen-
te las diferencias de clases sociales
que tiene muy marcada Corea, y
que para representarlo Bong usa
símbolos como el olor que la
familia Kim emite, el cual es repu-
diado por el señor y la señora
Park, quienes refieren al olor del
transporte del metro de Seúl, uno
de los aspectos que remarcan las
diferencias entre ricos y pobres
que se vive en todas las socieda-
des. Parasite no es la típica historia
de amo y esclavo, pues aquí los
personajes son más osados y tra-
tan de escalar engañando a un
amo dócil.
Okja es otra de sus obras por la
que Bong Joon ho destaca en
festivales de renombre como
Cannes. En esta nueva apuesta, el
director surcoreano habla del
problema de las grandes transna-
cionales y los alimentos transgé-
nicos, con una hora cincuenta y
cinco minutos Bong nos muestra
las dos caras del consumidor. Por
un lado, aquellos que rechazan
comer alimentos transgénicos y
por el otro, aquellos compradores
compulsivos del llamado producto
“orgánico", una mentira que las
transnacionales aceptan, pero tie-
nen que mentir porque el público
lo ama, además que decir la ver-
dad implica pérdidas económicas.
Okja nos cuenta la historia de una
cerdita (en realidad no se llega a
distinguir que animal es) que es
creada en los laboratorios de una
empresa de alimentos, que para
hacerla pasar como la mejor carne
del mundo se finge una compe-
tencia por cuidar al mejor cerdo.
Mi Ja, la niña que cuida de Okja,
hará lo posible para rescatarla con
ayuda de un grupo ecologista.
Okja hará que por un momento no
quieras comer carne. Así es el cine
de Bong Joon ho, rebosa de todo
tipo de convencionalismo, no es
una historia lineal, sabe cómo
exponer, expresa la realidad
político social que pueda vivir
cualquier colectivo y aunque tal
vez puede tratar temas demasiado
comunes, lo hace desde un punto
de vista diferente. Que Para-
site llegara a ganar el galardón a
mejor película y llevarse cuatro
estatuillas en la edición 92 de los
premios Oscar no es coincidencia
ni suerte, pues esto ya se veía
venir. Desde hace tiempo sus
obras causan buena crítica en el
amplio mundo de la cinemato-
grafía, con el paso del tiempo se
ganó un lugar en la crítica especia-
lizada en festivales y circuitos ciné-
filos.
Bong Joon ho sedujo la crítica
exigente y con Parasite logró que el
mundo se fije en el cine que ofrece
Corea del Sur, un cine de calidad,
nivel y de taquilla; dejando en un
segundo plano la barrera del
idioma y dando pase al disfrute de
un largometraje subtitulado. Para-
site, un gran regalo por los cien
años del cine coreano.
Memories of murder es un thriller
que logró gran aceptación, abrió
paso a su director en el mundo de
la cinematografía y con ello contri-
buyó al desarrollo del cine coreano
que por aquel entonces empezó a
apostar más por la producción
nacional, dejando en segundo
plano al cine americano o holly-
woodense. A la par que sus largo-
metrajes lograban el reconci-
miento de su nombre en grandes
festivales europeos y asiáticos,
también recibió premios en cate-
gorías destacadas como el mejor
guion en Asian Film Awardscon el
largometraje Mother, una historia
donde Bong juega con el color de
la sangre y la música para
impactar al público. Al igual que en
The Host, la historia de ficción toma
como punto de referencia uno de
los lugares más emblemáticos de
Corea, el río Han y con ello
catapultándose como unos de los
mejores directores de cine junto a
los grandes como Lee Chan dong,
Park Chan wook y Kim Ki deok,
quienes también exponen la
realidad coreana en cada uno de
sus largometrajes. Pero, Bong Joon
ho se diferencia de ellos por cómo
desarrolla la narrativa de las
historias de cada uno de sus films,
la creatividad, el suspenso y el
constante cambio que se va
creando en sus historias, hace que
uno como espectador no pueda
Keysishey Salazar
23

Hablar de racismo sería utópico si
nos basáramos en que las razas
humanas no existen y que solo
hay una que está representada
por el hombre; sin embargo, es la
ideología que por años existe. El
racismo es despreciar a una
persona por su color de piel, sus
rasgos faciales, sus costumbres o
tradiciones por considerarlas
inferiores. ¿Acaso el cine es una
excepción? Claro que no, porque
el cine aún sigue siendo blanco
cuando recurre a actores
caucásicos para interpretar a
personajes árabes, japoneses o
afroamericanos; también hay ra-
PONLE MÚSICA A
TU LECTURA
EL CINE SIGUE SIENDO BLANCOEL CINE SIGUE SIENDO BLANCO
cismo al otorgarles actuaciones
cortas e insignificantes o con este-
reotipos.
En el cine, el realizador de casi
todas las historias que amamos,
muestra personajes en los que
soñamos convertirnos con este-
reotipos de belleza a los que
estamos acostumbrados y los que
sentimos irónicamente familiares,
aunque sean tan distintos a la
realidad que conocemos; sin
embargo hay arte en la diversidad
de colores y rasgos, pero la
industria cinematográfica, ni noso-
tros sabemos reconocerlo. Duran-
te muchos años, la belleza del
séptimo arte no se ha podido ver a
plenitud, actos de racismo contra
actores y actrices han manchado
de blanco la gran pantalla.
Recordemos El nacimiento de una
nación (1915), película en la que
David W. Griffith, uno de los
pioneros de Hollywood, recurrió a
actores blancos para interpretar a
los esclavos negros; ellos fueron
representados como seres ociosos
e ignorantes, delincuentes y su-
cios.
Para esa época, esto no era un
hecho extraño en el espectáculo,
puesto que en el mundo musical
los cantantes blancos se recubrían
el rostro con betún para simular
ser negros, a éstos se les deno-
minaba Minstrel Shows, que era
una parodia de los estereotipos
raciales, donde músicos blancos,
con sus rostros pintados de negro,
representaban cómicamente el
canto y baile de los esclavos. Así,
en las primeras películas se
adoptó el maquillaje teatral cono-
cido como blackface que parodia-
ba a los afroamericanos. Otra pelí-
cula que fue considerada como
una de las cintas más racistas de la
historia debido a que enaltece a
los miembros del Ku Klux Klan es El
cantante de jazz (1927), donde se
Fiorella Artica y Alexandra YauyoFiorella Artica y Alexandra YauyoFiorella Artica y Alexandra Yauyo
Alexandra Yauyo

prefirieron caracterizar a blancos
antes que incluir a afroame-
ricanos en su elenco.
Aún en el siglo XXI, el racismo
sigue existiendo en la producción
cinematográfica, pocas películas
son protagonizadas por personas
negras y si logran obtener un
papel suelen ser: esclavos, crimi-
nales, pandilleros, prostitutas,
drogadictos, personas violentas,
pobres, sirvientes, policías corrup-
tos o mayormente interpretando
papeles secundarios de corta
duración.
Cuando se dejó de usar el black-
face, y se incluyó en las películas a
actores negros, se creyó que el
racismo iba a desaparecer por lo
menos en el cine, pero no, ya que
los papeles que se les daba se
reducían a ser criados y pobres,
interpretados como insulsos,
torpes y sumisos. Tampoco se les
permitía acudir al estreno de la
película donde participaban, es el
caso de Hattie McDaniel, una
actriz negra y lesbiana que ganó el
Oscar a Mejor Actriz de Reparto
por su papel de la sirvienta
Mammy en Lo que el viento se
llevó (1939), tampoco se le
permitió sentarse en la misma
mesa que sus compañeros de
reparto al momento de recibir el
galardón.
En el cine, los negros no son los
únicos en sufrir racismo, los
asiáticos y los árabes son otros
grupos raciales más en la lista. En
la película Desayuno con diaman-
tes (1961), el actor Mickey Rooney
nos muestra una interpretación
del japonés Mr. Yunioshi como
irrespetuoso, torpe y fastidioso,
convirtiendo su actuación en un
estereotipo cómico de los
orientales. En el caso de los
árabes, desde antes han sido
retratados como terroristas o
fanáticos religiosos, así se ve en la
película Navy Seals, comando
especial (1990).
Diversos factores alimentan el
racismo en la industria del cine.
Uno de ellos y tal vez el más vi-
gente es el dinero, que mueve al
mundo y nos hace menospreciar e
incluso rechazar lo correcto.
Grandes films con legítimos prota-
gonistas negros, árabes, asiáticos,
judíos, entre otros, se han visto con
la necesidad de poner en pantalla
caras conocidas para represen-
tarlos, todo por vender más.
Algunos ejemplos son: Aloha, que
tiene como personaje a Allison, una
joven de origen hawaiano y chino,
personificada por la ganadora del
Oscar, Emma Stone, actriz con
raíces europeas, razón por la cual
se presume que se adaptó el guion
cambiando los rasgos del perso-
naje original y basándose en los de
la actriz, como era de esperarse
por la fama de Stone, la cinta fue
un éxito; The prince of Persia, con el
personaje del príncipe “persa”
Dastan de Alamut, interpretado por
Jake Gyllenhaal, actor que tiene
raíces rusas, inglesas, suecas y
letonas; tal vez un ejemplo más fa-
miliar para todos nosotros es el
de Batman, film en el cuál el talen-
toso Liam Neeson nos da otra
actuación genial interpretando a
Ra’s Al Ghul, líder de la Liga de las
sombras y mentor de Bruce Wayne,
figura que en los cómics es nativo
de algún lugar de Arabia, en
contraste a la naturaleza del per-
sonaje, el actor es nacido en
Irlanda pero nacionalizado inglés.
Como estos casos hay un gran
número de cintas, cuyos directores
optaron por actores famosos sin
importar la esencia de sus películas
y personajes.
Si bien, en la actualidad el tema del
racismo es mucho más cues-
tionado y son más las personas
que están en contra de él, sobre
todo en la industria del cine que es
tan pública; aún tenemos el legado
de películas de épocas pasadas
donde se aprecia, sin duda, la
genialidad de la pantalla grande,
pero también actos de racismo y
discriminación mostrando una de
sus peores caras.
Fiorella Artica
25

“No puedo decir que mi niñez fue
perfecta, si hacía algo mal, me
golpeaban, sino, también”, dijo en
una entrevista el reconocido actor
Johnny Depp, nacido en un hogar
lleno de vicios, tensión y ofensas.
Con el poco dinero que había su
progenitor se embriagaba, debido
a esto y al divorcio de sus padres,
llegó a ser un mal estudiante en
sus años de instituto, del cual fue
expulsado, pues era bastante
rebelde; a los 12 años empezó a
fumar y a sus 14 ya había
consumido toda clase de sustan-
cias estupefacientes.
A pesar de esa difícil etapa, su
madre se dio cuenta de que a él le
apasionaba mucho la música,
motivo por el cual le regaló su
primera guitarra a los 16 años y
fue así como poco a poco quiso
convertirse en una estrella de rock.
The Flame, su primera banda de
garaje de punk rock, lo ayudó a
encontrar el amor a los 20 años en
Lori Anne Allison, la hermana del
bajista y cantante de su banda;
una maquilladora de Hollywood
con quien se casó en 1983, sin
imaginar que llegaría a ser uno de
los actores más icónicos de
Hollywood gracias a ella, que lo
ayudó a dar paso a su carrera en
el cine, presentándole al ya
conocido actor Nicolas Cage, quien
lo convenció para que asistiera a
PONLE MÚSICA A
TU LECTURA
EL CAMALEÓNICO JOHNNY DEEPEL CAMALEÓNICO JOHNNY DEEP
un casting con el papel de Glen
Lantz en la película Pesadilla en Elm
Street con la cual debutó en la
pantalla grande en 1984.
Johnny se había enamorado de la
actuación y empezó a buscar
personajes interesantes para él,
encontrando la oportunidad en la
película El joven manos de tijeras,
dirigida por Tim Burton en 1990, la
cual le dio su primer protagónico.
El carismático actor es conocido
por la diversidad de sus
personajes como en: Charlie y la
fábrica de chocolates, como Willy
Wonka; Piratas del Caribe, como
Jack Sparrow; Alicia en el país de las
maravillas, como el sombrerero;
Érase una vez en México, como
Sheldon Jeffrey Sands un agente de
la CIA; Animales fantásticos: los
crímenes de Grindelwald, como
Gellert Grindelwald. También de-
Jeniffer Otivo y Ana CalderónJeniffer Otivo y Ana CalderónJeniffer Otivo y Ana Calderón
Jeniffer Otivo
PERSONAJEPERSONAJEPERSONAJE

mostró su camaleónica perso-
nalidad al participar en cintas de
animación como La novia cadáver,
donde dio la voz a Víctor Van Dort,
el protagonista de la cinta; Sherlock
Gnomes, dando vida al detective
Sherlock y al conseguir el papel
protagónico en Rango, donde
prestó su voz para el icónico
camaleón.
Aunque el excéntrico intérprete
realizó numerosas y reconocidas
películas, nunca ganó un Oscar a
pesar de estar nominado tres
veces, hecho que es sorprendente
ya que al ser un actor muy
destacado y demostrar su talento
en cada película, donde muestra
algo diferente en cada una de
ellas, nunca logró alzar la tan
ansiada estatuilla. Muchos críticos
piensan que Deep es el mejor
actor de Hollywood, por eso, saber
que nunca ganó un premio de la
academia es decepcionante para
miles de sus fanáticos. A pesar de
ello, el actor manifestó que no le
gustaría ganar una de esas cosas
nunca ya que no quiere tener que
hablar en colosal evento. "La idea
de ganar significa que estás compi-
tiendo con alguien, y yo no
compito con nadie. Yo sólo me
centro en mi trabajo y hago lo que
tengo que hacer. A veces a la
gente no le gusta, pero no pasa
nada", añadió el actor en una
declaración a la British Broad-
casting Corporation (BBC). Con
estas afirmaciones, Johnny nos
demuestra que más que recibir
algún reconocimiento, lo que real-
mente le interesa es su trabajo y
poner el empeño de siempre en
cada película en la que participe.
Todos sabemos que Johnny Deep
ha representado a sus personajes
de una manera muy particular, a
cada uno de ellos le pone la misma
perseverancia y le da un toque
especial, no es el típico actor que
suele encajar en un mismo rol.
"Cuando uno representa un papel
aporta algo de sí mismo al per-
sonaje. Si no es así no está
actuando, está mintiendo", es una
de las tantas frases que el actor
menciona acerca de su carrera.
A Johnny Deep no solo se le reco-
noce por ser un actor muy desta-
cado, sino también porque refleja
la bondad que posee en labores
sociales en las que él mismo
participa. La recuperación de Lily
Deep, hija que tuvo con la can-
tante y actriz francesa Vanessa
Paradis, tras ser hospitalizada por
una grave enfermedad renal, instó
al actor a donar dos millones de
dólares al hospital como agra-
decimiento. Desde ese momento
el actor empezó a ir a hospitales
infantiles caracterizado de su más
reconocido personaje, Jack
Sparrow, llevando alegría y entu-
siasmo.
La manera que nos hace vibrar
con cada uno de sus personajes,
la forma en la que los interpreta, la
enorme bondad que posee, la
personalidad innata y la humildad
que demuestra, hacen que Deep
sea considerado uno de nuestros
actores favoritos. La capacidad de
representar cada papel y que lo
haga con la misma energía de
siempre, hace que los espec-
tadores sientan entusiasmo al
saber que cada vez nos impre-
sionará con un nuevo personaje.
BC Children's Hospital
27

PONLE MÚSICA A
TU LECTURA
¡ASU MARE!¡ASU MARE!
UNA PELÍCULA APTA PARA TODOSUNA PELÍCULA APTA PARA TODOS
En abril de 2013 se estrenaba en
todas las salas de cine del Perú la
película nacional que tenía como
protagonista al actor Carlos
Alcántara, más conocido como
“Cachín”. ¡Asu mare! fue vista y
disfrutada por más de tres
millones de espectadores, rom-
piendo todas las expectativas, has-
ta las de los más optimistas. Con
esas cifras se convertía en la pri-
mera producción cinematográfica
nacional en “romper” la taquilla,
superando a grandes produc-
ciones de Hollywood como La
Era de Hielo 4, Crepúsculo y
Transformers.
¿Cómo lo hicieron? ¿Cuál fue el
motivo de su éxito? Todo comenzó
cinco años atrás cuando ¡Asu
mare! era presentado como un
unipersonal en distintas ciudades
del país, fue desde entonces que
el público empezó a tenerle cariño
a lo que posteriormente sería su
proyección en el cine. A esto, se
suman los seguidores que el actor
fue incrementando a lo largo de su
trayectoria, participando en pro-
gramas y series de televisión de
gran aceptación por la tele-
audiencia como Pataclaun y La
gran sangre.
“¡Asu mare! Es una película con
humor tan peruano que es difícil
que un público extranjero lo
entienda”. A pesar de no tener
buenos comentarios de los críticos
y de los “exquisitos” fans del cine
culto, quienes la calificaron como
mediocre y hasta nociva, no pue-
den negar que en el país fue tan o
más exitosa que el estreno de
Rápidos y furiosos o Avengers, que
“rompieron” el mercado cinema-
tográfico mundial.
Gustavo Faverón, escritor y crítico
literario, en una de sus críticas
titulada Y a ti quién te consume,
segunda parte, afirma que ¡Asu
mare! es una producción “popu-
lachera y malhecha”, creada a
partir de focus group y estudios de
mercado, dándole a los peruanos,
una vez más, lo que les gusta.
Pero, ¿por qué estos calificativos
tan vehementes? Quizá sea por el
dicho: “Perú y un desprecio por lo
que es”, lo que se traduce en el
descrédito de algo por el simple
hecho de ser peruano. No pode-
Sandro Mayhua y Wilman BujaicoSandro Mayhua y Wilman BujaicoSandro Mayhua y Wilman Bujaico
Sandro Mayhua
NACIONALNACIONALNACIONAL

mos decir que la película del
director Ricardo Maldonado es
una obra de arte, pero tampoco
podemos decir que es una
“mierda”, puesto que eso es algo
subjetivo.
Muchas veces he escuchado
hablar a algunos profesores sobre
el espacio escénico, la música, la
fotografía, la arquitectura del
escenario y todo el trabajo
artístico que conlleva la pro-
ducción de películas como las
dirigidas por Alfred Hitchcock,
Martin Scorsese, Christopher
Nolan, etc; pero esta valoración la
pueden hacer solo aquellas per-
sonas que han “entrenado” sus
ojos para este arte y quienes no
conocen estos términos saben
que no es una condición que los
excluya de una sala de cine, para
estas personas ver la película ¡Asu
mare! puede significar una expe-
riencia tan cotidiana como un
momento agradable después de
un día estresante.
Esto demuestra que el mercado
peruano se está expandiendo, de
a pocos, pero lo está haciendo. No
se puede hacer uso del herme-
tismo e imponer la idea de realizar
cine solo para los “cultos”, para
aquellos que entienden y reco-
nocen el trabajo esforzado de una
producción cinematográfica y que,
quienes no lo entiendan, “que se
jodan”. Esta forma de ver y en-
tender lo artístico, negando las
diversas formas de pensar y sentir
va quedando relegado, esta pelí-
cula lo ha demostrado.
El cine peruano también es “más
de lo mismo” con sus temas
populares, problemáticas sociales
y costumbrismo que con el tiempo
se han vuelto muy convencionales,
por lo que no se puede tildar de
error o pecado el gusto colectivo
del público peruano. Muchos
críticos hacen comparaciones ab-
surdas con el cine estadounidense
y emiten opiniones sobre cómo
debería ser el cine peruano, pero
no lo hacen considerando la línea
que diferencia un producto artisti-
co, que busca una finalidad esté-
tica y apasionamiento de un
producto comercial con un único
interés: llenarse los bolsillos con
dinero.
¡Asu mare! no cumple con los
matices artísticos que muchos
reclaman y muy pocos entienden y
disfrutan. Sin embargo, como
producto comercial es inevitable
no reconocer su éxito que, ade-
más, lo llevó a la realización de
una segunda y tercera entrega con
excelentes resultados. No pode-
mos menospreciar una produc-
ción solo por considerarla “po-
pular”, quienes apoyan esta pos-
tura son aquellos que están
acostumbrados a las obras de arte
de corrientes europeas, por ejem-
plo, el Expresionismo Alemán,
Neorrealismo Italiano, cine moder-
no, etc. Pero, ¿qué hay del
peruano de a pie que solo quiere
entretenerse?
Ciertamente, ¡Asu mare! es una
película hecha para facturar y que
no tiene pretensiones artísticas.
Pero recordemos que tanto el cine
argentino como el mexicano se
forjaron de la misma manera con
Las gatitas de porcel y Cantinflas,
respectivamente. Ambos países
lograron construir el gusto de la
población por el cine nacional, en
su lenguaje. Por el momento ten-
go la idea de que ¡Asu mare! ha
expandido el mercado de la pro-
ducción nacional.
Quizá, finalmente, la verdadera
razón del éxito sea la historia de
superación que narra: el prota-
gonista luego de haber pasado
muchas peripecias y avasallado
diferentes obstáculos, logra alcan-
zar el éxito. Tal vez sea la historia
que quisiéramos tener todos y,
por ende, es con lo que la mayoría
nos identificamos.
¡Asu mare! Causa ya pe´ no haga-
mos rapiña.
Sandro Mayhua
29

PONLE MÚSICA A
TU LECTURA
CLAUDIA LLOSA, “MENTE PRODIGIOSA”CLAUDIA LLOSA, “MENTE PRODIGIOSA”
La más notable peruana en el
mundo del cine, aquella de los
cabellos largos con risos desor-
denados, de ojos celestes con
profunda mirada, posee una
mente prodigiosa que ha llevado
con sus producciones a la
mención de nuestro país en varios
certámenes. La creadora de
Madeinusa y La teta asustada es
limeña y sobrina del nobel Mario
Vargas Llosa y es que los inte-
grantes de ésta reconocida familia
no tienen acción sin premiación.
Claudia Llosa Bueno, nace el
quinto día del onceavo mes de
1976, hija de la artista plástica,
Patricia Bueno y del ingeniero
Alejandro Llosa.
Estudió en la Universidad de Lima,
es licenciada en dirección de cine,
continuó sus estudios en España.
La risueña Claudia empezó escri-
biendo guiones, esto la ayudó a
forjase en su profesión. Aunque
no le fue fácil, porque muchos de
sus maestros rechazaban sus
guiones, haciéndole sentir que no
era buena, pero a pesar de eso,
fue constante. Su madre, apo-
yando su vocación, incluyó uno de
sus guiones al Festival de la
Habana, donde ganó el primer
lugar con un oscilante premio de
quince mil dólares, con los que
financió su primera producción:
Madeinusa.
La película se rodó el 2006 en
Canrey Chico de Recuay en el
departamento de Ancash, donde
narra las tradiciones de Semana
Santa de este pueblo religioso.
Para la realización Llosa buscó el
apoyo de varios productores, pero
al no ser famosa, no le prestaron
atención y tras mencionar que di-
cho proyecto se realizaría en Perú
tampoco les interesaba; así llegó
hasta el cineasta y productor José
María Morales, quien finalmente
aceptó asumir la producción ge-
neral.
Madeinusa, tuvo como prota-
gonista a Magaly Solier, una joven
natural de Ayacucho, que sor-
prendió a Llosa por sus rasgos
externos, fuerza interna y su
fragilidad, conquistándola con su
talento. La productora la conoció
cuando buscaba en las iglesias a
un Cristo articulado, cuando de
pronto se quedó viendo en las
afueras de la iglesia a una joven
que vendía puchero, que calzaba
con los rasgos del personaje que
ella estaba necesitando.
Otro éxito de Llosa fue el largo-
metraje de género dramático La
teta asustada, la cual fue realizada
el 2009 y aborda el problema de
Martha VargasMartha VargasMartha Vargas
José Haro
DIRECTORADIRECTORADIRECTORA

los abusos hacia la mujer en la
época de violencia política. Esta
obra cinematográfica narra la
historia de Fausta, una mujer que
padece de la teta asustada, un
extraño síndrome que transmite el
miedo de mujeres que fueron
violentadas durante el embarazo a
sus hijos a través de la leche
materna. Por ello, esta película es
catalogada como realista mágica,
porque coge una historia y la
transforma en un relato que
permite al espectador determinar
su propia verdad.
Esta forma de hacer cine la
convirtió en ganadora del premio a
mejor película en el festival de cine
de Berlín en Alemania y le permitió
la nominación a mejor película en
idioma extranjero en los premios
Oscar del año 2010 en Estados
Unidos, logrando así ser la primera
película peruana en ser nominada
a un premio de la academia
Esta forma de hacer cine
demuestra su capacidad creativa
para jugar con elementos y com-
poner los encuadres en su mente,
imaginando cómo se verán a
través de la pantalla. El migrar
hacia el extranjero por razones de
estudio no le hizo dejar de lado el
mundo que conocía poco y de allí
surgieron más ideas en mostrar
todo un universo oculto y su amor
a los Andes peruanos. Desarrolló
un lenguaje audiovisual cargado de
misticismo que cautivó a muchos
espectadores que pertenecen al
público “hambriento” más de lo
extranjero que lo nacional. Como
ella misma lo dice: "Mi Perú es
muy complejo”. Esta curiosidad le
permitió conocer, tener cercanía y
observar como era el Perú
profundo. Claudia Llosa se había
tomado bastante tiempo en de-
sarrollar la sensibilidad que quiere
mostrar de la cultura andina.
Sus historias nacen con ideas de
juntar la herida y la fantasía; como
nadie se atrevió a mostrar relatos
con misticismo causó un estallido,
para muchos a manera de
sorpresa, pues apostó por cosas
nuevas, resultando premiada y
admirada por usar su talento.
En 2014, su película No llores, vuela,
narra una historia conmovedora
entre una madre y su hijo cuando
viajan a buscar respuestas, como
siempre apelando al sentimiento.
Llosa busca realmente que el
espectador quede conectado por
los misterios mostrados en el
transcurso del relato; en esta obra
cinematográfica se juega con la
música y los montajes que son el
otro cincuenta por ciento de la
realización de una película. U-
sando recursos psicológicos fami-
liares y apelando a situaciones
cotidianas que muestra en su pro-
ducción, Llosa se propone alcan-
zar que el espectador se sienta
identificado con los actores, y lo
logra con mucha habilidad. Una
vez más, la mente prodigiosa fusiló
la cobardía de muchos que olvidan
apostar a los grandes retos.
Asimismo, realizó cortometrajes
importantes como El niño pepita,
que narra una historia de contexto
mediático y Loxoro que muestra
límites entre los géneros existen-
tes.
Llosa tiene ojos curiosos, dispues-
tos a husmear por donde vaya
para observar aquello a lo que
todos le perdieron el interés. Si
bien, para los ojos de las personas
lo nuevo ya no existe porque todo
se conoce, para ella lo nuevo sí
existe, porque siempre hay algo
que muestra las aristas que le
permiten tener originalidad, por
ello propone cosas nuevas entre
fantasías y realidades que nos
envuelven en un universo ajeno y
nuevo a la vez. Así pues, trabaja su
mente prodigiosa.
Martha Vargas
31

PONLE MÚSICA A
TU LECTURA
NO HAY TERCERA SIN SEGUNDANO HAY TERCERA SIN SEGUNDA
Las trilogías, aquellas magnificas
películas que vienen en grupo de
tres y que terminan cautivando y
atrapando a miles de espec-
tadores. ¿Quién no quedó marca-
do con alguna de ellas? Pues el
ingenio de los directores y
productores para saber cuándo
finalizar una historia, la maestría
de la música que acompaña a
cada escena o quizás su visión
acerca de un futuro con todos sus
inventos, hacen que estas vivan a
pesar de los años.
Por los 70 y 80, los cines se
consumieron por la fiebre futurista
que dejó divertidas y muy variadas
escenas, llenándonos de incerti-
dumbre. “Un momento, Doc. ¿Qué
ocurre en el futuro? ¿Nos volve-
mos idiotas o algo así?", fue la
famosa frase de Marty Mcfly, que
inició una de las más recordadas
trilogías de todos los tiempos:
Volver al futuro.
Esta serie de películas, sin du-
da, nos lleva a una interrogante,
¿cómo podemos estar presentes
en tres momentos totalmente
diferentes de la historia? El direc-
tor Robert Zemeckis, nos muestra
esta idea descabellada con Marty
Mcfly y Doc Brown, quienes viven
varias aventuras por los años
1885, 1960 y 1980 en Estados
Unidos, pero lo que llama la
atención es la perspectiva que los
protagonistas tienen por el año
2015.
Es así como nuestros personajes
principales se suben en el fantás-
tico DeLorean y llegan al 21 de
octubre del 2015, donde el
tránsito ya no es un problema
gracias a los autos voladores,
además los niños de movilizan en
patinetas flotantes llamadas ho-
verboards, la ropa se ajusta sola y
se seca automáticamente, realidad
que, para ese entonces, los sitúa
en un lejano 2015 y que aún en el
2020 no vemos; pero los tele-
visores con video llamada repre-
sentados en esas escenas futu-
ristas, hoy se pueden hacer a
través de las computadoras; la
televisión holográfica con la fa-
mosa escena del tiburón se
asemeja la televisión en 3D de
estos tiempos. Ciertamente, la
ciencia ficción ha dado frutos de
ser una inspiración para el
desarrollo tecnológico, pero lo que
no veremos en un largo tiempo, es
un DeLorean que nos permita
viajar al futuro.
Cuando uno termina de ver El
Señor de los Anillos descubre un
vacío interior, pues la historia que
se cuenta, llena de conflictos,
aventuras, batallas y los asom-
brosos recursos visuales, hacen de
ésta la mejor trilogía de todos los
tiempos. Un aspecto central que
quizá no es evidente es la música:
banda sonora, repleta de motivos
y melodías que se incrustan en
nuestra mente, que para nuestra
cultura musical son exóticos y
extraños. La banda sonora
compuesta por Howard Shore
expande el arco emocional de
cada escena. Los más de 90 temas
y diferentes motivos compuestos
por el saxofonista marcaron la
Robert Nieto y Abigaid CotrinaRobert Nieto y Abigaid CotrinaRobert Nieto y Abigaid Cotrina
Robert Nieto
TRILOGÍASTRILOGÍASTRILOGÍAS

esencia de cada raza, personaje,
lugar y acción. Shore trabajó el
más mínimo detalle en cada tema,
por ejemplo, en La comunidad del
anillo, cada nota musical repre-
senta a un miembro del grupo, la
tierna melodía de los hobbits se
convierte en algo lúgubre al
enfocar a Gollum. Pero no solo hay
transformación de temas, sino que
también existe unión entre éstos,
un ejemplo es la escena de Aragón
al momento de luchar contra Uruk
Hai, una especie de orco, prote-
giendo a Frodo y a los suyos, es ahí
donde se unen de forma magistral
los temas musicales presentes en
la escena. Todo esto fue reco-
nocido al ganar tres premios
Oscar, dos a mejor banda sonora
(canción original con In The West).
Aunque el aro fue destruido,
siempre recordaremos a La
comunidad del anillo, lucharemos
por destruir Las dos torres y agra-
deceremos El retorno del rey.
“Batman no
tiene
limitaciones”,
una frase
que Bruce
Wayne
siempre
resaltó en
la trilogía
y los
cineastas
la marca-
ron como
la mejor
expresión
de todas
las versio-
nes que exis-
tió del héroe.
Después de que
los críticos calificaron a
Batman y Robin como la peor
película, la vuelta al escenario
cinematográfico del personaje era
lejano, aun así, Warner Bross se
arriesgó y convocó al joven direc-
tor Christopher Nolan, quien llegó
a abarrotar los cines con la nueva
versión de El caballero oscuro.
Muchos recordamos escenas
estupendas de las películas, pero
pocos conmemoran las frases de
nuestros actores que nos marcan
y llenan de vigor; es así como la
trilogía de El caballero oscuro,
Batman está cargado de frases
que tienen un sentir particular
para el protagonista, que enmar-
can su vida: “Si consigues ser algo
más que un hombre, si te entregas
a un ideal, si nadie puede detener-
te… Te conviertes en algo muy
diferente. En una leyenda, señor
Wayne”, le dice Ducard en Batman
begins.
Le preguntan “¿Por qué un
murciélago, señor Wayne?” y
responde, “Porque me dan mie-
do... Mis enemigos, compartirán
mi miedo”, Bruce nos exhibe sus
emociones, sus fracasos, sus
logros y nos demuestra que un
héroe también tiene debilidades.
“Porque tenemos que perseguirlo,
porque él puede resistirlo, porque
él no es un héroe… Es un guardián
silencioso, un protector vigilante,
un caballero oscuro”, mencionó
Abigaid Cotrina
33
Jim Gordon, el policía que fue pieza
clave para apoyar al hombre quien
más tarde se entregaría como
culpable de toda una misión que
se fue al fracaso; esta frase es
recordada por todos los cineastas
como la más convincente que
pudo pronunciar el detective
después de una escena penosa.
Sin duda las trilogías marcaron a
muchos fanáticos a lo largo del
tiempo. Gracias por sumergirte en
este viaje al futuro, acompañados
del poder del anillo para salvar
Ciudad Gótica.

(No) Tengo una historia para contar(No) Tengo una historia para contar
Después de haber terminado mi
primera película y exhibirla, me
encontré sin poder dormir. Me
preguntaba si la historia en la que
tanto tiempo había trabajado era
lo único que tenía para contar y no
podría encontrar un tema, imagen
o personaje que me moviera de
igual manera. Dando vueltas en
ideas que se desvanecían, me di
cuenta que no podía imaginar otra
historia y eso era lo único en que
pensaba.
Quise volver tras mis pasos hasta
el inicio del camino de la primera
película, pero en mi mente reso-
naba la crítica que había tenido
después del estreno, no había sido
como la esperaba y al ser una
experiencia en la que yo mismo
podía verme reflejado en las
palabras o acciones de los
personajes, me sentía bastante
expuesto frente a la mirada de los
espectadores, sentí de manera
intensa que veían mi ser a través
de la película.
Intenté pensar en lo que sentía,
pero analizar lo que estaba pasan-
do era una manera de admitir una
derrota, sólo quería encontrar algo
que describiera lo que sentía para
superarlo. Tenía dolor muscular,
jaqueca, cansancio y la sensación
de haber perdido una oportuni-
dad. Sin forzarla, una metáfora se
formó claramente en mi mente,
me imaginé como un boxeador
golpeado que había perdido su
primera pelea. Un segundo des-
pués dije para mí: “voy a contar la
historia de un boxeador”, ya podía
dormir.
Para empezar definí que quería
contar la historia sobre un
boxeador joven, saliendo de la
adolescencia para tener como
base los recuerdos de esa etapa
en mi vida. Me dije que no es
cuestión de ver un par de películas
sobre box para escribir un guion
lleno de lugares comunes, intenta-
ría ser sincero con las emociones
del personaje, pero cubriéndome
para no ser reconocido.
Entonces, con esta idea la historia
comenzó a formarse en mi mente
por algunos meses, imaginaba al
protagonista y los personajes con
los que él se desarrollaba,
comencé a escribir siguiendo el
instinto primordial de la historia,
empecé a buscarle un sentido a
mis recuerdos para plasmarlos de
manera interesante. Sentí algo
muy especial mientras escribía,
una ilusión que me permitía
afrontar nuevamente una expe-
riencia tan fuerte como lo es hacer
una película, pero pronto todo se
vino abajo.
Un amigo del colegio, con el que
pasé muchos de los recuerdos de
los que aprovechaba para escribir
esta historia, me contactó para
conversar sobre la primera
película. Me interesaba escuchar
su opinión, sea esta favorable o
no. Después de unas cervezas la
conversación iba por buen rumbo,
cuando ya casi por concluir, me
preguntó si había decidido por
hacer otra película, mi respuesta
fue afirmativa y en medio del
recelo tuve la suficiente confianza
para revelarle que quería contar la
historia de un boxeador.
Hans MatosHans MatosHans Matos
Manking of "Peso Gallo"
INVITADOINVITADOINVITADO

CONOCE EL
TRABAJO DE
NUESTRO
INVITADO
Mi amigo se emocionó por mi
respuesta, me contó que de niño
veía un programa donde
transmitían peleas de box, en el
mismo horario que yo veía
películas, hasta ese momento la
conversación no podía mejorar,
pero él siendo muy honesto me
contó que tenía una idea para una
historia de box: trataba sobre un
joven boxeador que vivía con su
abuela enferma y tenía que pelear
en un campeonato clandestino
para pagar su tratamiento.
Mi mente entumecida por la
cerveza se despertó, lo vi sorpren-
dido porque no podía creer que
nuestras historias eran similares.
No pude pronunciar una palabra
después de eso y nos despe-
dimos. Caminé por la calle para
saber si había perdido mi tiempo,
pensé que valía la pena contar una
historia sobre box, pero
necesitaba cambiar el proceso de
escritura entre las dos películas si
quería obtener un resultado dife-
rente, me analicé y acepté que no
sabía nada de box.
Aceptar eso fue el primer paso del
camino, me motivaba aprender
sobre el box, era un mundo que
tenía motivos y códigos que yo
había aprendido mal. Me acerqué
a un entrenador del IPD que tiene
verdadera vocación por el boxeo
para que me cuente su historia y
lo hizo confiando en mí, luego de
un período de incredulidad al
mencionar que quería hacer una
película. Con él pude entender
que la historia que quería contar
estaba clara en mí, pero
necesitaba un esfuerzo más de
sinceridad como nunca había
hecho.
Ya sabía que el público iba a poder
verme a través de la película,
entonces no tenía por qué huir de
eso, el personaje iba a ser un
reflejo de la incertidumbre que
sentí en la edad de mi vida cuando
todo era borroso, no tenía un futu-
Making of "Peso Gallo"
35
ro claro y cada oportunidad que
aparecía me cerraba otros ca-
minos, decidí ser sincero con lo
que yo había sentido.
Escribí de manera dolorosamente
honesta una historia en la que se
podía identificar mi vida como
adolescente junto con la del
entrenador como boxeador, titu-
lada “Peso Gallo”.

FACULTAD DE CIENCIAS
DE LA COMUNICACIÓN

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