Arte Gótico: Escultura y Pintura

ARTE GÓTICO
ESCULTURA Y PINTURA

1. Características generales
+ Creciente naturalismo de las figuras, que se llenan de
vida, pareciendo más humanas, con actitudes y gestos
cada vez más realistas y expresivos, dejando traslucir
sus emociones. Al final las figuras aparecen con rasgos
individualizados.
+ En las composiciones con varias figuras éstas se
comunican entre sí.
+ Ahora es un arte narrativo, no simbolista.
+ La temática sigue siendo fundamentalmente
religiosa.
+ La arquitectura no condiciona el valor plástico de la
escultura.

2. Evolución estilística
En el Gótico la escultura será un arte muy fecundo y en constante
evolución desde el punto de vista estilístico:
+ A finales del siglo XII hay una fase de transición durante la que se aleja
del hieratismo y la frontalidad del Románico.
+En el siglo XIII se pone de moda un tipo alargado, de pliegues y
ornamentos muy sencillos, rostro triangular, sonrisa estereotipada y de
cierto amaneramiento.
+ En la segunda mitad del XIV las figuras se alargan (canon esbelto), y se
curvan finamente (ligera sinuosidad en el sentido flamígero comentado
en la arquitectura) y ropajes se pliegan en innumerables pliegues: es el
denominado “estilo internacional”.
+ Por último, en el siglo XV, se experimenta una reacción frente a este
arte amanerado y triunfan tipos macizos y pesados, de un mayor
realismo.

3. La escultura exenta: temática y características
a) Cristo Crucificado
• No impasible como los románicos, los góticos se muestran
atormentados por el dolor y el sufrimiento de la Pasión. El
artista gótico hace de la Crucifixión un instante patético,
que pretende emocionar.
• Otra diferencia con los románicos es que ahora aparecen
con los pies superpuestos y atravesados por un único clavo,
lo que provoca en la composición un ligero movimiento de
la cadera que atraviesa todo el cuerpo.

b) La Virgen con el Niño
• La Virgen no aparece impasible, inmóvil y frontal, como
Trono de Dios; ni el Niño también frontal, inexpresivo y
autoritario, como en el Románico.
• Ahora esta composición se humaniza extraordinariamente,
la Virgen se siente maternal, se gira, sonríe, juega o habla
con el Niño, como cualquier madre.
c) La Piedad
• También empieza a ser frecuente la representación de la
Virgen con el Hijo Muerto entre sus brazos, composición
iconográfica que se conoce por “Piedad” y que tendrá un
gran porvenir durante el Renacimiento.
d) Otros conjuntos exentos
• Igualmente son representados otros conjuntos exentos, de
variada temática, desde escenas de la vida de Cristo o la
Virgen, como El Calvario, El Descendimiento o La
Coronación, hasta imágenes de Santos y Mártires.

Virgen Blanca de Toledo Piedad

4. Los relieves de las portadas de los templos
En el relieve gótico también podemos apreciar las características
generales de la escultura gótica y su evolución, destacando en este caso
su carácter narrativo.
• El tímpano aparece dividido en franjas o frisos horizontales con
decoración narrativa; además, se distingue de los románicos, por ser
apuntado. Sigue albergando el tema principal: Cristo, la Virgen, el Juicio
Final, la Crucifixión u otras escenas evangélicas o de las Sagradas
Escrituras.
• Las arquivoltas también son ahora apuntadas; asimismo se distinguen
de las del Románico en que la decoración escultórica que las adorna se
sitúa ahora longitudinalmente a ellas, en lugar de hacerlo
verticalmente, de forma radial al semicírculo del tímpano.
• Las jambas también tienen adosadas esculturas-columna de profetas,
santos o apóstoles, pero ahora sobre repisas y bajo unos doseletes
decorados con tracería gótica.
• El parteluz o mainel, con esculturas de la Virgen, Cristo o el Santo
titular, también bajo dosel de tracería gótica.

5. Nuevos géneros escultóricos
a) Los retablos
• La obra más original de la escultura gótica europea son los
retablos, que primero son muy pequeños, para ir creciendo
a medida que avanza la Baja Edad Media.
• El retablo es un armazón de madera o alabastro que se
divide en franjas verticales o “calles” y franjas horizontales
o “cuerpos”, formando recuadros donde se alojan estatuas
exentas, relieves o pinturas con escenas referentes al santo
titular del templo, la Virgen, Cristo o los Evangelios. La
parte inferior o pedestal se denomina “banco”.
• Los retablos son interesantes por ser una nueva forma de
narrar propia del Gótico, que representa plásticamente
cada una de las escenas que componen el hecho narrado y
las va hilvanando una tras otra hasta formar un relato, a
diferencia del artista románico, que aislaba algunos
elementos y los componía en una única escena simbólica.

b) Las sillerías de los coros
• Otro espacio típico de la Baja Edad Media, donde el artista gótico
concentra su esfuerzo escultórico, es la sillería, en cuyos respaldos
se realizan algunas de las más bellas obras góticas, tanto de
temática religiosa como profana.
c) Los sepulcros
• Los sepulcros en esta época cobran gran importancia como reflejo
de un hombre que evoluciona hacia el individualismo y se preocupa
cada vez más por perpetuar su nombre sobre su lecho mortuorio.
• De tipología muy variada, destacan:
+ Exentos, con la figura yacente.
+ Adosados a un muro, bajo arco y con la figura yacente,
orante, etc.

Sepulcro de Carlos III el Noble de Navarra y su esposa doña
Leonor de Castilla en la Catedral de Pamplona

Sillería de la Catedral de Burgos

La escultura gótica en Francia
Francia, como cuna de este estilo, será la que
marque las pautas a seguir también en
escultura. Luego cada país le irá infundiendo
su propia personalidad.
1) Las portadas del siglo XIII
La escultura francesa durante el siglo XIII se
centrará en las grandes portadas de las
catedrales:

• La Portada de la Catedral de Chartres
En el Pórtico Real de la fachada occidental
encontramos la transición entre el Románico y el
Gótico, por la mezcla de las características de ambos
estilos. En una de las portadas del crucero se
representa el Juicio Final, con las jambas decoradas
con altorrelieves de santos y apóstoles, de gran
belleza.
• Las Portadas de la Catedral de Notre-Dame de París
La temática se repite en la portada principal,
mediante escenas en franjas paralelas superpuestas
de carácter narrativo: el Juicio Final en la central y en
las laterales escenas de la vida de la Virgen y Santa
Ana, con una imagen de María en el parteluz.

Pórtico Real de la Catedral de Chartres

Portada de la Catedral de Notre-Dame de París

• Las Portadas de la Catedral de Amiens
La fachada principal de la Catedral de Amiens es de
extraordinaria belleza gracias a sus tres grandes
portadas de arquivoltas abocinadas, en la central se
representa el Juicio Final, y en la que destaca el
llamado “Beau Dieu” o Bello Dios del parteluz. La
Puerta Dorada del transepto sur es algo posterior, de
finales de siglo o principios del XIV, es una de las más
típicas portadas góticas francesas, con una estilizada
y naturalista estatua de la Virgen con el Niño en el
parteluz.
•

Portadas Catedral de Amiens
“Beau Dieu” “Virgen Dorada”

• Portada de la Catedral de Reims
La fachada occidental de la catedral de Reims fue
construida entre 1210 y 1290 con triple portada, como
es habitual en el gótico clásico. Destaca por la
profusión de esculturas que invaden todos los espacios
disponibles (arquivoltas, columnas, contrafuertes,
gabletes etc.). Sin embargo, los tímpanos han sido
sustituidos por rosetones con vidrieras, por lo que los
temas principales se colocan en las columnas y
gabletes.
En su decoración escultórica intervienen varios talleres
con estilos muy diferentes aunque sus obras aparecen
frecuentemente mezcladas, incluso en un mismo
portal. De entre ella hay que destacar las esculturas de
las jambas del portal central.

Portada de la Catedral de Reims

Portada de la Catedral de
Reims
Anunciación y Visitación
La imagen nos muestra cuatro esculturas adheridas a las jambas derechas de la portada
oeste de la catedral de Reims. A pesar de las diferencias existentes entre las cuatro
esculturas, obra de tres autores diferentes, muestran en conjunto las características del estilo
gótico: el avance hacia el naturalismo, la expresividad, la comunicación entre las esculturas y
la independencia del marco arquitectónico.

Grupo de La Anunciación
•Maestro de la Virgen de la
Anunciación.
La Virgen muestra rasgos típicos del
gótico inicial: inexpresividad en el
rostro, porte severo y ropaje de
pliegues escasos y verticales.
•Maestro de la sonrisa, autor del ángel
de la Anunciación.
El arcángel Gabriel es una figura grácil,
con un rostro muy fino que queda
enmarcado por los rizos del cabello, y
que se muestra sonriente, con una
sonrisa estereotipada. El estilo de esta
escultura avanza las características del
siglo XIV: amaneramiento de las figura,
con el predominio de los trazos
curvilíneos y el alargamiento de los
cuerpos y ropajes con plegados
sinuosos que aportan movimiento.

Grupo de la Visitación
•Maestro de las figuras
antiguas
En la Visitación se da el
encuentro de María e Isabel,
ambas embarazadas. Ambas
comparten la postura del
contrapposto; sus cabezas se
inclinan y sus manos gesticulan;
los rostros son serenos y
diferenciados (naturalismo en la
edad que reflejan los rostros) ;
los ropajes, modelados y de
pliegues profundos, finos y
delicados, envuelven los
cuerpos (técnica de los paños
mojados). Todo nos hace indicar
que este escultor conoce el arte
clásico griego.

2) La escultura del siglo XIV
Se repiten las fórmulas usadas, acentuando el decorativismo, el
refinamiento y la exquisitez de los modelos estilizados del
“estilo internacional”.
3) La escultura del gótico final francés, entre finales del siglo XIV
y siglo XV, se desarrolló en Borgoña, en la corte de Felipe el
Atrevido en Dijon, donde destacó la figura de Claus Sluter, que
introdujo el fuerte naturalismo característico de los Países
Bajos en Francia.
• En los dolientes que acompañan el Sepulcro de Felipe el
Atrevido, Sluter ofrece un amplio repertorio de expresiones
que contribuyen a enfatizar la evocación de tristeza y dolor.
• En las estatuas de los profetas del Pozo de Moisés de la Cartuja
de Champmol transformó a los personajes del Antiguo
Testamento en patriarcas flamencos, cuya representación
naturalista se funde con un sentimiento de grandeza
espiritual.

Claus Sluter
Sepulcro de Felipe el Atrevido
Pozo de Moisés de la Cartuja
de Champmol

La escultura gótica en España
Aunque la escultura románica de la segunda mitad del siglo
XII y comienzos del XIII muestra un creciente naturalismo, no
se pude hablar todavía de escultura gótica propiamente
dicha. Sólo el Maestro Mateo, en el Pórtico de la Gloria,
muestra apuntes de un mayor goticismo en sus apóstoles
levemente sonrientes y "conversadores”.La introducción del
gótico puro francés en España es un hecho ligado a la llegada
de de maestros franceses contratados por la monarquía para
acometer tres grandes catedrales.
1) Las portadas del siglo XIII
La mejor escultura gótica en la España del siglo XIII hay que
buscarla especialmente en los programas iconográficos de las
fachadas y portadas de:
– Las catedrales de Burgos y León durante el siglo XIII.
– Las de Toledo desde finales de dicho siglo y durante el XIV.

A) Las Portadas del Crucero de la Catedral de Burgos
• La Puerta del Sarmental o del Obispo, en el brazo
derecho o sur del transepto, es una portada típica
gótica, aunque no termina de desprenderse
completamente del hieratismo románico. En el
tímpano se esculpe a Cristo-Doctor dictando su palabra
a los cuatro Evangelistas, acompañados por el
Tetramorfos simbólico, más naturalista. En el dintel
aparece el Apostolado y en las arquivoltas ángeles y
ancianos músicos. En el parteluz, aparece el Obispo
Don Mauricio.
Puede tratarse de la primera portada gótica en España,
por ello encontramos aún cierta severidad pero unida a
un naturalismo idealizado. Las figuras se humanizan, se
relacionan entre sí y son prácticamente exentas; estas
características son plenamente góticas.

Puerta Sarmental de la Catedral de
Burgos

• La Puerta de la Coronería o de los Apóstoles, al
lado norte del transepto, muestra en sus jambas
a los Apóstoles, muy naturalistas, ángeles en las
arquivoltas y en el tímpano el Juicio Final. En la
parte superior del tímpano figuran las insignias
de la Pasión sostenidas por ángeles y Cristo Juez,
acompañado de la Virgen y San Juan.

B) La Portada Principal de la Catedral de León
• La Puerta del Juicio Final o de la Virgen Blanca es la
central de la fachada occidental: en la parte superior
del tímpano aparece Cristo mostrando las llagas y un
ángel portando los instrumentos de la pasión; y en el
dintel, la parte más hermosa, figura la separación de
los bienaventurados y los condenados después que
San Miguel pese las almas. Nuestra Señora la Blanca,
del mainel central de la fachada occidental, es una
típica Virgen gótica plena de belleza, alegría,
armonía, humanización y naturalismo.

La Puerta del Juicio Final o de la Virgen
Blanca del la Catedral de León

2) La escultura del siglo XIV
La escultura del siglo XIV ofrece, como en Francia,
síntomas de decadencia, degenerando en
amaneramiento y cierta monotonía. De esta
etapa destaca la mayor parte de la decoración
escultórica de las Portadas de la Catedral de
Toledo:
• La Puerta del Perdón o de los Reyes, la central de la
fachada principal, tiene como tema principal del
tímpano la Imposición de la Casulla a San Ildefonso
y muestra influencias de Reims en la expresión
sonriente de los rostros.

Puerta del Perdón o de los Reyes de la
Catedral de Toledo

La Virgen Blanca de
Toledo, en alabastro
policromado, es una de las
más perfectas
representaciones marianas
de nuestro arte medieval
debido a su prodigiosa
esbeltez y simplicidad,
sobre todo por el carácter
familiar y naturalista del
detalle del Niño
acariciando la barbilla de
María.

3) La escultura del siglo XV
El siglo XV es uno de los más gloriosos para la escultura española,
tanto en calidad como en abundancia de obras. Las influencias ahora
son de Borgoña, primero, y Flandes después, en concreto de Claus
Sluter, con sus paños ondulados y fuertemente agitados y el
penetrante realismo de sus rostros. Toda la elegancia y claridad de la
escultura gótica anterior se cambian ahora en opulencia decorativa.
Se tiende a ocultar las líneas arquitectónicas y a borrar, incluso, las
formas humanas entre complicados ropajes. Es una época de
auténtico barroquismo, de recargamiento decorativo.
A) Pere Johan
Pere Johan fue el principal escultor catalán de la primera mitad del
siglo XV.
• En el San Jorge de la Generalitat de Barcelona la búsqueda de lo
dinámico y la representación de lo suntuoso y espectacular son las
notas dominantes de su estilo.

San Jorge de la Generalitat de Barcelona

B) Gil de Siloé
• El escultor más grande de finales del siglo XV es Gil de Siloé, una de las
máximas figuras de la escultura hispánica y europea, siendo el principal
representante del estilo Gótico Isabelino. Desarrolló su actividad en
Castilla, en Burgos y sus alrededores, entre los años 1486 y 1501.
• El Conjunto Escultórico de la Cartuja de Miraflores de Burgos:
– El Sepulcro de Juan II y su Esposa Isabel de Portugal, de planta estrellada,
decorado con finos y calados elementos arquitectónicos y las figuras
yacentes tratadas con gran virtuosismo técnico y calidades de insuperable
belleza.
– El Sepulcro del Infante Don Alfonso, en la modalidad de arcosolio, con la
figura orante embutida en el muro bajo arco de estilo flamígero,
destacando la gran minuciosidad con que está tratado el vestido.
– El Retablo Mayor de la Cartuja de Miraflores, obra en la que los efectos de
riqueza y barroquismo alcanzan límites insospechados y en la que Gil de
Siloé sustituye el típico retablo dividido en cuerpos y calles por una original
organización a base de círculos presidida por el Calvario y cuatro escenas
de la Pasión de Cristo.

Sepulcro de Juan II y su Esposa Isabel de
Portugal

Sepulcro del Infante
Don Alfonso

Retablo Mayor de la Cartuja de Miraflores
Gil de Siloé

La escultura gótica en Italia
• En Italia podemos casi hablar de
una completa carencia de
ejemplares escultóricos plenamente
góticos, ya que desde el principio
aparecen las formas clásicas que
nos permiten hablar de un
protorrenacimiento desde el siglo
XIII.
• Como ejemplos de esto destacar,
sobre todo, a Nicola Pisano, con el
Púlpito del Baptisterio de la Catedral
de Pisa y el Púlpito de la Catedral de
Siena, realizado éste junto a su hijo
Giovanni.
• Ya del siglo XIV señalar a Andrea
Pisano con las Primeras Puertas del
Baptisterio de Florencia (las otras
dos pertenecen ya al Renacimiento
y son obra de Ghiberti).

Puertas del Baptisterio de Florencia de
Andrea Pisano

Puertas del Baptisterio de Florencia de
Ghiberti (Renacimiento)

Características de la pintura gótica
Precedentes
• Los precedentes de la pintura gótica hay que buscarlos en la pintura románica
occidental, frescos, frontales de altar e iluminación de libros sobre todo, y
principalmente en la pintura y mosaicos bizantinos, muy especialmente sus iconos.
Soportes y técnicas
• La pintura gótica implica grandes cambios respecto a la pintura románica debido a
la sustitución de los muros por vidrieras, lo que supone la búsqueda de otros
soportes y técnicas. La pintura mural al fresco decae, excepto en Italia.
• Al principio el protagonismo será casi exclusivamente de las vidrieras y de la
iluminación de libros con miniaturas.
• Se desarrolla en una fase más avanzada la pintura sobre tabla y el retablo.
• Las técnicas empleadas en pintura son variadas, según los soportes:
– El temple en pintura sobre tabla, con aglutinante de huevo o colas, permite su
aplicación con finos pinceles, lográndose un gran detallismo y colores más
intensos y brillantes.
– El fresco en las pinturas murales allí donde siguen siendo importantes.
– A partir del siglo XV, también el óleo, con aceites como aglutinante del color,
lo que permite el repinte.

Elementos plásticos
• El dibujo tiene una gran importancia: delimita formas, marca modelados,
crea ritmos compositivos.
• Importancia del modelado, pasando con el tiempo desde los tonos planos
al juego de contraluces.
• La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real
y puede tener contenido simbólico.
• El color es un elemento clave, pero con frecuencia es un colorido irreal
lleno de contenido simbólico.
• El interés por la perspectiva también evoluciona, apareciendo la
preocupación por el espacio pictórico a partir del siglo XIV, con los pintores
italianos y el gótico internacional, pero serán sus primeros grandes
maestros, en el XV, los primitivos flamencos.
• Pero siguen siendo muy abundantes los típicos fondos neutros dorados a
base de pan de oro.
• La composición se basa en el eje de simetría.
• Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un
naturalismo idealizado, individual y expresivo, individualizándose los
rostros.

Temática e iconografía
• La temática es fundamentalmente religiosa. Los temas se inspiran
en la vida de Jesús, de la Virgen y de los Santos destacando entre
estos los apóstoles y los santos titulares.
• En menor escala también encontramos ejemplos de pintura
profana, desarrollándose ahora el retrato.
• La pintura gótica tiene un carácter narrativo y una finalidad
didáctica y devocional.
Evolución estilística: las principales escuelas de la pintura gótica
En la evolución de la pintura gótica se distinguen cuatro estilos, cuya
cronología es difícil de concretar por la simultaneidad de algunos de
ellos:
• Estilo gótico lineal o franco-gótico (s. XIII)
• Estilo italo-gótico o trecentista (s. XIV)
• Estilo internacional (s. XIV)
• Estilo flamenco (s. XV)

1) Estilo Franco-Gótico o Gótico Lineal
• En el siglo XIII comienza este primer estilo gótico. Se inspira
en la vidriera y tiene su origen en París. Es una pintura que
ilustra libros, principalmente, y tiene como características
la importancia de la línea, el sentido narrativo, el uso del
pan de oro para representar la luz, el protagonismo de la
figura humana, su expresionismo, el canon estilizado y el
colorido plano, sin volumen. La composición se divide en
campos geométricos (medallones, arquerías, rectángulos).
Pertenecen a este estilo las vidrieras de las catedrales de
Chartres. En España destacan las miniaturas de las Cantigas
de Alfonso X el Sabio.

+Miniaturas de las Cantigas de Alfonso X

2) El estilo italo-gótico: Los Primitivos Italianos
Dos escuelas de pintores italianos marcarán las pautas a seguir por la
pintura gótica desde finales del siglo XIII hasta mediados del XIV, la
Escuela de Florencia y la Escuela de Siena.
Características generales del estilo:
+ En Italia se mantiene el protagonismo de las pinturas murales al
fresco.
+ Riqueza cromática, azules intensos, rojos profundos, amarillos, rosas
que no son naturales y se adaptan a la psicología de los personajes.
Modera el uso de los tonos dorados características del Gótico.
+ El desarrollo de un marco real con paisajes urbanos o rurales donde
superponen las figuras.
+ Naturalismo en la expresión del sentimiento, de los estados anímicos
por medio del gesto.
+ Esta preocupación por el hombre y su entorno está relacionada con la
religiosidad franciscana que abría el cristianismo a la naturaleza.
+ La monumentalidad de las figuras será característica principal de la
Escuela de Florencia. La característica principal de la Escuela de Siena es
su dulzura y elegancia y la búsqueda de la belleza pura concentrada.

A) Escuela de Florencia
• Cimabue
Cimabue suele ser considerado como uno de los fundadores del
arte moderno y se cree que fue maestro de Giotto. Se le considera
el iniciador del movimiento que partiendo de la “maniera greca”
(bizantina) tendría que llevar al naturalismo que culminaría en el
Renacimiento. Obras:
+ Maestá o Virgen de los Ángeles: obra básica para comprender el
cambio estilístico que se produjo en la pintura florentina de finales
del siglo XIII, conserva los elementos compositivos simétricos y la
iconografía de los modelos bizantinos, pero busca a la vez una
tercera dimensión, que obtiene con la perspectiva que da al trono y
el contrate de luces y sombras que dan volumen a las figuras;
también intenta romper con el hieratismo dando un carácter más
humano a las figuras, que se manifiesta en la expresividad de los
rostros.
+ Crucifixión: en la que destaca la expresión dramática, de dolor, del
Crucificado.

• Giotto
Su obra supuso su nueva concepción artística, que rompe con la tradición
bizantina y se orienta hacia el dominio de la luz, la tridimensionalidad y la
perspectiva (primeros pasos). Da prioridad a la figura humana,
individualizada, expresiva, y presenta el espacio arquitectónico y
paisajístico, aunque aún ingenuamente. Obras:
+ La huida a Egipto: Esta realizada en torno al año 1305. La escena recoge
el pasaje del evangelio de Mateo en el que la sagrada familia, después de
la visita de los Magos llegados de Oriente, tienen que marchar a Egipto
ante el temor de que Herodes mate al niño. No aparece el fondo dorado,
sino un paisaje montañoso y agreste, más realista. La gama cromática se
enriquece. Las figuras ya no son hieráticas, sino que adquieren mayor
viveza y expresividad; la comunicación entre ellas es evidente. La
perspectiva oblicua empieza a hacerse notar, y desaparecen las líneas
horizontales o verticales. El naturalismo del gótico se aprecia en los
vestidos, ligeros, naturales, en los que desaparecen las líneas doradas. La
sensación de movimiento está conseguida gracias a pequeños detalles.

+Frescos sobre la vida de San Francisco

+ Virgen en el Trono:
la composición y el fondo
dorado hacen pensar en
una concepción gótica de
origen bizantino, pero el
naturalismo y la
monumentalidad de la
Virgen nos muestran el
personalísimo sello de
Giotto.

+ Frescos de la Capilla
de los Scrovegni de
Padua: dedicados a
Jesucristo, la Virgen y San
Joaquín y Santa Ana; son
considerados como el
máximo exponente de la
madurez artística de
Giotto, que ya ha
encontrado su auténtico
estilo.

+ Frescos de la Basílica
de Santa Croce de
Florencia: representan el
estadio más avanzado de
su estilo, en el que las
figuras humanas aparecen
agrupadas en posturas
dinámicas, que reflejan
movimiento.

B) Escuela de Siena
Ofrece un compromiso entre la tradición bizantina y la
gótica. Es una pintura muy decorativa, con belleza
idealizada, formas estilizadas, artificiosas y amaneradas,
con profusión de rostros ovalados y ojos rasgados. Destacan
Duccio y Simone Martini.
• Duccio
Duccio fue el fundador de la escuela pictórica de Siena. Sus
trabajos, de carácter religioso, se caracterizan por la
sensibilidad del dibujo, la habilidad de la composición, la
calidad decorativa y una intensidad emocional mayor que la
del modelo bizantino que seguía.
+ Gran Maestà: gran retablo pintado por ambas caras, la
parte frontal muestra a la Virgen entronizada y rodeada de
un gran número de ángeles, santos y apóstoles, levemente
naturalistas.

+Madonna Rucellai
Se trata de un retablo
que muestra a la
Virgen sentada en el
trono con el Niño
Jesús, con un fondo de
oro de tradición
bizantina y flanqueada
por ángeles de
rodillas.

• Simone Martini
Simone Martini fue el otro gran maestro de la escuela
sienesa. Debió de formarse en el círculo de Duccio, pero
desarrolló de manera muy personal el estilo de su maestro
y le añadió un gran interés por los efectos de perspectiva.
Fue un creador genial de composiciones delicadas,
elegantes y amables, llenas de armonía y refinamiento.
+ Condotiero Guidoriccio de Fogliano del Palacio Comunal
de Siena: extraordinario retrato ecuestre en el que destaca
la figura grandiosa y solitaria del condotiero sobre un fondo
de paisaje.
+ La Anunciación: considerada como una de las mejores
realizaciones de la escuela de Siena, esta obra es un
testimonio de la persistencia entre los pintores de Siena de
una tendencia hacia el color brillante, los fondos dorados y
el valor de la línea, que, a pesar de que está muy lejos de la
fórmula bizantina, participa del espíritu medieval de
idealización de las formas y poetización del tema sagrado.

+Condotiero Guidoriccio de Fogliano

C) La Pintura del siglo XIV en España
Características: sigue la elegante línea marcada por Siena.
• Ferrer Bassa
+ Murales del Monasterio de Pedralbes: Ferrer Bassa viaja
por Italia y conoce a florentinos y sieneses, siendo el
introductor del estilo de estos últimos en España, claro al
observar el alargamiento y la delicadeza de sus figuras.
• Hermanos Serra
+ Retablo de la Virgen de Sijena: de Jaume Serra, presidido
por una Virgen con el Niño de gran delicadeza.
+ Retablo del Santo Espíritu de la Catedral de Manresa: de
Pere Serra, también presidido por la Virgen, pero en este
caso junto al encanto decorativo sienes podemos apreciar
también la monumentalidad florentina, aunque está mucho
más cerca de la obra de Simone Martini que de la de
Giotto.

3) Estilo Gótico Internacional
En la segunda mitad del siglo XIV la influencia de la manera italiana
condujo a la creación del denominado “estilo internacional” que va a
desarrollarse por toda Europa con unas características muy semejantes.
• Características:
+ Riqueza cromática con colores brillantes a veces irreales.
+ Las figuras, de una elegancia amanerada, se hacen alargadas y
espirituales.
+ Predominio de la línea curva que se manifiesta en el movimiento y en los
ropajes que dibujan plegados abundantes y sinuosos.
+ Paisaje convencional en el fondo de las representaciones.
+ La técnica minuciosa y el detalle realista junto con el estudio de la
perspectiva son notas que distinguen también este estilo.
+ Se acentúa el carácter narrativo, apareciendo incluso elementos
pintorescos sacados de la vida diaria.
+ El retrato se desarrolla en las pequeñas figuras de los donantes.
Destacan las miniaturas de Borgoña: El libro de las muy ricas horas del
Duque de Berry , obra de los hermanos Limbourg.

+El libro de las muy ricas horas del Duque de Berry

4) Escuela de los Primitivos Flamencos
En la segunda mitad del siglo XV se produce un prodigioso florecimiento
artístico en las ciudades de Flandes. Se debe a la prosperidad económica
de la floreciente burguesía que permite la demanda de un nuevo tipo de
obras, de pequeño formato y sobre tabla: el retrato.
• Características:
+ Introducción del óleo y de la técnica de las “veladuras” .
+ Gran realismo y detallismo: es una pintura para ser vista de cerca, el
artista se recrea lo mismo en las personas que en los objetos. Las telas se
reproducen también minuciosamente, pero las dota de unos pliegues
duros.
+ El paisaje: los pintores flamencos fueron los creadores de amplios y
luminosos paisajes, así como los primeros en representar interiores llenos
de intimidad.
+ Introducción del retrato a través de la imagen del donante (junto a las
figuras de Cristo, la Virgen o los santos), hasta que acabó por tener una
autonomía en sí mismo.

Hermanos Van Eyck
Los hermanos Van Eyck,
Hubert y Jan, iniciadores de la
escuela flamenca, son
conocidos en particular por el
uso extenso que hacen del
óleo.
En la obra de Jan van Eyck, el
más destacado de los dos
hermanos, confluyen
elementos de una tradición
en muchos aspectos aún
medieval junto a arriesgadas
novedades formales e
iconográficas de una
sorprendente modernidad,
que introduce
paulatinamente en su obra.

+ Políptico de la Adoración del Cordero Místico: obra de Jan y Hubert
Van Eyck
Consta de 12 tablas en su posición abierta y ocho en el reverso. La
tabla central representa la adoración del cordero místico, cordero
que simboliza a Dios y que es adorado encima de un altar, que
simboliza la Eucaristía; dos semicírculos de personajes rodean la
fuente, arrodillados en actitud de adoración, los profetas, junto con
los patriarcas a la izquierda, los apóstoles a la derecha junto con
Papas y obispos. Destacables también son las tablas extremas de la
parte superior, que presentan a Adán y Eva, desnudos pero
tapándose sus intimidades tras el pecado original; son dos bellos y
exquisitamente proporcionados desnudos, iluminados en contraste
con un fondo oscuro. Todas las escenas tienen como fondo un
bellísimo y delicado paisaje con árboles de variadas especies, flores,
prados y ciudades, todo ello extremadamente pormenorizado. Por
último mencionar las tablas intermedias, que contienen los ángeles
cantores y los ángeles músicos, en los que resulta impresionante el
tratamiento de los detalles en los ropajes, cabellos y rostros.

+Políptico de la Adoración del Cordero Místico

+ La Virgen del Canciller
Rollín. Jan van Eyck introduce
una nueva iconografía: la
Virgen en lugar de estar
entronizada en el centro
aparece en una posición
lateral, compartiendo a partes
iguales con el donante la
totalidad del campo
compositivo del cuadro. Toda
la composición, desde la
distribución y el realismo de
las figuras y los objetos
cotidianos que las rodean, la
aparición del paisaje de la
ciudad en el fondo, la igualdad
en el tratamiento de la figura
del donante y de la Virgen
muestra una gran originalidad.

+ El Matrimonio Arnolfini.
Van Eyck retrata a un
acomodado matrimonio burgués
del Flandes de la época. La
escena aparentemente simple
esconde algunas claves
necesitadas de interpretación
puesto que objetos vulgares son
alegorías de virtudes: el perrito
significa la fidelidad, estar
descalzos la intimidad, la cama la
vida conyugal, los frutos en la
ventana los alimentos
compartidos.
la luz entra por la ventana de la
izquierda e ilumina a los dos
esposos, la lámpara es
extraordinaria y el espejo, en el
que aparecen los testigos del
enlace, nos da la visión completa
de la estancia.

+ El Hombre del
Turbante. Se considera
un autorretrato del artista,
de impresionante verismo.

Roger Van der Weyden
Como buen pintor flamenco va a dedicar especial atención a los
detalles, el vivo colorido y el realismo de las figuras, pero a esto se
debe añadir el dramatismo que caracteriza sus escenas, como
elemento esencial de su pintura.
+ La Piedad o el Descendimiento: llama la atención el cuidadoso
estudio de la composición de un numeroso grupo de figuras
alojadas en un reducido y corto espacio; el conjunto parece cerrada
por dos paréntesis, a la izquierda San Juan y a la derecha María
Magdalena, sirviendo de eje la cruz y de centro de la composición
las dos figuras paralelas, dispuestas en diagonal, de Cristo y María;
el sentimiento de drama, y de contenida tristeza en el rostro de los
personajes consagra a Weyden como uno de los pintores más
trágicos de la escuela flamenca.

El Bosco
• Como características técnicas, subrayamos la
minuciosidad en el detalle, el gusto por la variedad y
riqueza del color además del cuidado por la
perspectiva.
• Pero en su obra destaca sobre todo la originalidad en el
tratamiento del tema, al dar a los objetos de uso
cotidiano un sentido diferente y convertir las escenas
en momentos delirantes, llenos de simbolismos, con
imágenes inquietantes, absurdas y fantásticas; todos
sus cuadros están impregnados de un humor burlesco.

+ El Jardín de las
Delicias: esta es la
pintura más famosa, la
más estudiada, y también
la más enigmática y difícil
de interpretar de las que
pintó El Bosco; en la tabla
de la izquierda se presenta
la creación del hombre; en
la central los placeres y
pecados del mundo; y el
castigo infernal a todos
esos pecados en la de la
derecha; se considera una
sátira moralizante sobre el
destino de la naturaleza
humana.

Arte Gótico: Escultura y Pintura

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