Método práctico y moderno para el aprendizaje del Contrapunto, para la iniciación en la composición a dos voces. El documento completo se encuentra en www.memvus.com
El documento proporciona una introducción al pentagrama musical, incluyendo sus líneas y espacios, y la clave de sol. Explica las notas musicales como sol, do, re, mi, fa, la y si y cómo se representan en el pentagrama. Brevemente menciona las líneas adicionales, el silencio de negra y las partes de una nota musical.
El Método Martenot se centra en la educación activa del solfeo a través de cuatro elementos principales: sentido rítmico, relajación, audición y entonación. El método utiliza juegos, ejercicios psicofísicos y la alternancia entre actividad y relajación para desarrollar la musicalidad de forma progresiva desde una edad temprana. Aunque no se difundió ampliamente, el método es valorado en Francia por su énfasis en la relajación y desarrollo holístico de la personalidad del alumno.
Este documento describe las cinco especies del contrapunto propuestas por el compositor austriaco Johann Joseph Fux en su tratado Gradus ad Parnassum de 1725. Las especies son una propuesta pedagógica para enseñar el contrapunto de manera progresiva, comenzando con la primera especie de nota contra nota hasta la quinta especie de contrapunto florido. Cada especie tiene objetivos específicos relacionados con el uso de disonancias, ornamentos y otros recursos musicales.
Este documento presenta 4 módulos para la asignatura de Artes Musicales de 1o medio. Cada módulo contiene una unidad de aprendizaje con contenidos, aprendizajes esperados, actividades y formas de evaluación. Los módulos cubren temas como sonido y entorno, canto y movimiento, instrumentos musicales, y la realización de un proyecto musical integrador.
Este documento describe las características de los instrumentos de cuerda y de madera de la orquesta. Explica que los instrumentos de cuerda, como el violín y el cello, han tenido tradicionalmente un papel principal debido a su versatilidad técnica y amplio rango dinámico. También describe las partes de los instrumentos de cuerda y diferentes técnicas como el legato, staccato y pizzicato. Por otro lado, detalla las cuatro familias de instrumentos de madera, sus mecanismos de producción de sonido, y
Este documento resume conceptos fundamentales de la teoría musical como el pentagrama, las claves, las figuras de nota, los compases, los intervalos, las escalas, los acordes, los géneros musicales, los movimientos, la dinámica, los instrumentos musicales agrupados en familias como cuerda, viento, percusión y electrónicos, y conceptos como la melodía, la textura, la forma y las técnicas de composición como la variación que dan lugar a distintas formas musicales.
Este documento presenta información sobre el contrapunto a 4 voces, incluyendo ejemplos de intervalos correctos como quintas justas y octavas justas alcanzadas por movimiento oblicuo o directo. También explica conceptos como la resolución de disonancias como séptimas menores y tritonos, las funciones tónica, subdominante y dominante, y técnicas contrapuntísticas como bordaduras, escapadas, cambiatas, suspensiones y apoyaturas.
Este documento presenta observaciones sobre el contrapunto y el cantus firmus. Resume los principios fundamentales del contrapunto de especies, incluyendo las reglas para el tratamiento de las consonancias, disonancias, movimientos de voz y organización rítmica en la primera, segunda y tercera especie para dos y tres voces. Además, explica los aspectos fundamentales del cantus firmus como su estructura, saltos permitidos y tratamiento armónico.
El documento proporciona una introducción al pentagrama musical, incluyendo sus líneas y espacios, y la clave de sol. Explica las notas musicales como sol, do, re, mi, fa, la y si y cómo se representan en el pentagrama. Brevemente menciona las líneas adicionales, el silencio de negra y las partes de una nota musical.
El Método Martenot se centra en la educación activa del solfeo a través de cuatro elementos principales: sentido rítmico, relajación, audición y entonación. El método utiliza juegos, ejercicios psicofísicos y la alternancia entre actividad y relajación para desarrollar la musicalidad de forma progresiva desde una edad temprana. Aunque no se difundió ampliamente, el método es valorado en Francia por su énfasis en la relajación y desarrollo holístico de la personalidad del alumno.
Este documento describe las cinco especies del contrapunto propuestas por el compositor austriaco Johann Joseph Fux en su tratado Gradus ad Parnassum de 1725. Las especies son una propuesta pedagógica para enseñar el contrapunto de manera progresiva, comenzando con la primera especie de nota contra nota hasta la quinta especie de contrapunto florido. Cada especie tiene objetivos específicos relacionados con el uso de disonancias, ornamentos y otros recursos musicales.
Este documento presenta 4 módulos para la asignatura de Artes Musicales de 1o medio. Cada módulo contiene una unidad de aprendizaje con contenidos, aprendizajes esperados, actividades y formas de evaluación. Los módulos cubren temas como sonido y entorno, canto y movimiento, instrumentos musicales, y la realización de un proyecto musical integrador.
Este documento describe las características de los instrumentos de cuerda y de madera de la orquesta. Explica que los instrumentos de cuerda, como el violín y el cello, han tenido tradicionalmente un papel principal debido a su versatilidad técnica y amplio rango dinámico. También describe las partes de los instrumentos de cuerda y diferentes técnicas como el legato, staccato y pizzicato. Por otro lado, detalla las cuatro familias de instrumentos de madera, sus mecanismos de producción de sonido, y
Este documento resume conceptos fundamentales de la teoría musical como el pentagrama, las claves, las figuras de nota, los compases, los intervalos, las escalas, los acordes, los géneros musicales, los movimientos, la dinámica, los instrumentos musicales agrupados en familias como cuerda, viento, percusión y electrónicos, y conceptos como la melodía, la textura, la forma y las técnicas de composición como la variación que dan lugar a distintas formas musicales.
Este documento presenta información sobre el contrapunto a 4 voces, incluyendo ejemplos de intervalos correctos como quintas justas y octavas justas alcanzadas por movimiento oblicuo o directo. También explica conceptos como la resolución de disonancias como séptimas menores y tritonos, las funciones tónica, subdominante y dominante, y técnicas contrapuntísticas como bordaduras, escapadas, cambiatas, suspensiones y apoyaturas.
Este documento presenta observaciones sobre el contrapunto y el cantus firmus. Resume los principios fundamentales del contrapunto de especies, incluyendo las reglas para el tratamiento de las consonancias, disonancias, movimientos de voz y organización rítmica en la primera, segunda y tercera especie para dos y tres voces. Además, explica los aspectos fundamentales del cantus firmus como su estructura, saltos permitidos y tratamiento armónico.
El método Dalcroze se centra en el uso del movimiento para desarrollar la música y la coordinación mente-cuerpo. Émile Jacques-Dalcroze fundó el Instituto Jaques-Dalcroze en Ginebra a principios del siglo XX para enseñar su método, que incluye euritmia (usar el cuerpo como instrumento musical), solfeo (desarrollar el oído interno) e improvisación. El objetivo es que los estudiantes usen su cuerpo para sentir y expresar la música, mejorando así su coordinación, expresión y capac
Este documento presenta una unidad didáctica de 5 sesiones sobre figuras y notas musicales dirigida a alumnos de segundo curso de primaria. La unidad tiene como objetivos que los alumnos conozcan las figuras musicales, desarrollen la creatividad y el oído musical, y aprendan a leer notas musicales. Cada sesión trabajará contenidos como una canción popular, juegos rítmicos, y el uso de instrumentos musicales. La evaluación se basará en la capacidad de los alumnos para expresarse musicalmente y
Este documento resume conceptos clave de la armonía musical como las cadencias, dominantes secundarias y modulación. Introduce las cadencias auténtica, plagal, semicadencia e interrumpida y explica cómo establecen puntos de llegada en la música. También explica cómo las dominantes secundarias enriquecen la armonía y ayudan a dar dinamismo a las frases musicales. Por último, define la modulación como el cambio del centro tonal y describe las tres etapas del proceso modulante.
Maurice Martenot fue un ingeniero y compositor francés que desarrolló un método pedagógico musical. Inventó el instrumento Ondas Martenot y otro llamado clave-harpe. Fue director de la Escuela de Música de París donde aplicó su método con niños, jóvenes y profesionales. Su método se centra en el desarrollo del sentido rítmico, la relajación, la atención auditiva y la entonación a través de juegos, canciones y ejercicios psicofísicos.
This document provides an overview of Wolfgang Amadeus Mozart's life and works. It discusses that Mozart was a child prodigy born in Salzburg, Austria in 1756 who composed his first symphony at age 8 and first opera at 12. Although he struggled to find steady employment, he wrote in every major genre including operas, symphonies, concertos, and masses. The document also summarizes several of Mozart's most famous works such as his Requiem, Eine kleine Nachtmusik, and Piano Concerto No. 21. It concludes with sections on classical forms such as the sonata form and the development of themes.
El documento presenta las reglas para la segunda especie de contrapunto, en la que a cada nota del cantus firmus le corresponden dos notas en el contrapunto. La primera nota es consonante, mientras que la segunda puede ser disonante y sirve como "nota de paso" entre consonancias. Se explican conceptos como la nota de paso, los procedimientos para esta especie, y las consideraciones sobre los saltos en la línea melódica.
Este documento proporciona una introducción al lenguaje musical, incluyendo los elementos básicos como el pentagrama, las notas, las figuras y los compases. Explica que el pentagrama contiene cinco líneas y cuatro espacios donde se colocan las notas, y que la clave indica los nombres de las notas. También describe las diferentes figuras musicales que representan la duración de los sonidos, y los diferentes tipos de compases que dividen la música en partes iguales.
Este documento proporciona una introducción a la lectura musical, incluyendo una descripción del pentagrama, las claves, las notas musicales, las figuras rítmicas y el compás. Explica los conceptos básicos necesarios para entender y leer notación musical.
Zoltán Kodály fue un músico y pedagogo húngaro que desarrolló el Método Kodály para la enseñanza de la música. El método se basa en el uso de canciones populares para desarrollar el oído musical de los estudiantes y enseñar conceptos como el ritmo y la melodía. Kodály consideraba que la música tradicional debía ser la base de la educación musical y que esta debía ser tan importante en las escuelas como lo fue en la antigua Grecia. El método ha tenido una
This document discusses the Baroque concerto and Antonio Vivaldi's The Four Seasons. It provides background on the Baroque orchestra, which was typically small with 10-30 players. The concerto was a major instrumental genre that featured a contrast between soloist and full orchestra. Vivaldi was a famous Baroque composer known for his hundreds of concertos, including The Four Seasons which depicts each season through music. The Four Seasons features a solo violin accompanied by an orchestra, with the first movement of "Spring" described as evoking animals and nature through its musical imagery.
El documento discute diferentes enfoques a la educación musical. Propone que la música sea accesible para todos y se centre en el proceso de aprendizaje a través de la experimentación, exploración y juego. También resalta la importancia de valorizar el sonido y el silencio, y de desarrollar nuevas formas de escritura musical y tecnologías.
Este documento explica el lenguaje musical y sus formas. El lenguaje musical se organiza de manera similar al lenguaje hablado, con notas, motivos, frases y secciones. Las formas musicales se basan en la repetición y simetría, y pueden ser vocales, instrumentales, libres o estructuradas. Algunas formas estructuradas comunes son la forma binaria, forma ternaria, rondó y canción.
Este documento describe las escalas musicales, incluyendo las 7 notas musicales, los intervalos, tonos y semitonos, y las alteraciones. Explica los tipos principales de escalas como las diatónicas mayores y menores, las pentatónicas y cromáticas. Detalla las características de las escalas mayores, menores naturales, armónicas y melódicas. En resumen, provee una introducción completa a los fundamentos teóricos de las escalas musicales.
This document provides information about songwriting, including identifying common major and minor key diatonic chords, making the most of 4 and 5 chord progressions, and identifying chord progressions common to 3 main genres. It discusses diatonic major and minor key chords, 4 chord progressions like I-V-VImin-IV and Imin-BVII-BVI-BVII, and tips for using chord progressions to write full songs, including using melodic variation and avoiding too much resolution. Genres are also influenced by distinctive chord progressions.
The document provides an overview of music and culture during the Romantic era in the 19th century. Some key aspects covered include the rise of individual expression and emotion in music, the growth of concert halls and audiences, larger orchestras, and the influence of nationalism as composers incorporated folk music styles into their works. Composers gained more independence and prestige during this time as classical forms and genres continued alongside new styles of piano music and orchestral works.
El método de educación musical de Edgar Willems se basa en tres pilares: la experiencia musical, la psicología y las tendencias sociales. Enfatiza el desarrollo auditivo a través de canciones y ejercicios rítmicos. Propone cuatro etapas que van desde la familia hasta la introducción al solfeo, siempre partiendo de lo concreto a lo abstracto y favoreciendo el desarrollo natural del niño.
El documento describe cómo los estudiantes aprenden música utilizando tecnologías de la información y la comunicación en lugar de libros de texto, cuadernos físicos u otros materiales tradicionales. Los estudiantes usan blogs, redes sociales y otros recursos en línea para acceder a materiales musicales, compartir trabajos y aprender de forma colaborativa. El enfoque permite una educación musical más creativa, autónoma y accesible para todos los estudiantes del siglo XXI.
Este documento presenta el plan de una lección de música para estudiantes de 3er año básico. La lección tiene como objetivo que los estudiantes escuchen las cualidades del sonido y elementos del lenguaje musical como pulsaciones, acentos y patrones, y que puedan representarlos de diferentes formas. La lección incluye actividades iniciales para discutir música preferida por los estudiantes, y actividades prácticas como seguir el pulso de marchas y valses, y hacer sonar las palmas siguiendo diferentes pulsaciones en grupos. El docente evalúa
Este documento describe el proceso de crear una composición a dos voces basada en una melodía popular inglesa llamada "Barbara Allen". Explica dividir la melodía en secciones y crear una segunda voz que armonice con la melodía de acuerdo con los principios de la forma, armonía y contrapunto. Luego analiza la relación entre las voces y la progresión tonal lograda. Finalmente, presenta una grabación de la composición resultante.
Este documento presenta un taller de contrapunto dividido en 13 semanas. Comienza explicando la diferencia entre contrapunto y armonía, así como las sonoridades verticales según la época. Luego detalla los contenidos que se abordarán semana a semana, incluyendo el cantus firmus, las cinco especies de contrapunto y ejercicios prácticos de escritura. El taller culmina con la composición de una pieza completa en la quinta especie, aplicando los conceptos aprendidos a lo largo de las sesiones.
El método Dalcroze se centra en el uso del movimiento para desarrollar la música y la coordinación mente-cuerpo. Émile Jacques-Dalcroze fundó el Instituto Jaques-Dalcroze en Ginebra a principios del siglo XX para enseñar su método, que incluye euritmia (usar el cuerpo como instrumento musical), solfeo (desarrollar el oído interno) e improvisación. El objetivo es que los estudiantes usen su cuerpo para sentir y expresar la música, mejorando así su coordinación, expresión y capac
Este documento presenta una unidad didáctica de 5 sesiones sobre figuras y notas musicales dirigida a alumnos de segundo curso de primaria. La unidad tiene como objetivos que los alumnos conozcan las figuras musicales, desarrollen la creatividad y el oído musical, y aprendan a leer notas musicales. Cada sesión trabajará contenidos como una canción popular, juegos rítmicos, y el uso de instrumentos musicales. La evaluación se basará en la capacidad de los alumnos para expresarse musicalmente y
Este documento resume conceptos clave de la armonía musical como las cadencias, dominantes secundarias y modulación. Introduce las cadencias auténtica, plagal, semicadencia e interrumpida y explica cómo establecen puntos de llegada en la música. También explica cómo las dominantes secundarias enriquecen la armonía y ayudan a dar dinamismo a las frases musicales. Por último, define la modulación como el cambio del centro tonal y describe las tres etapas del proceso modulante.
Maurice Martenot fue un ingeniero y compositor francés que desarrolló un método pedagógico musical. Inventó el instrumento Ondas Martenot y otro llamado clave-harpe. Fue director de la Escuela de Música de París donde aplicó su método con niños, jóvenes y profesionales. Su método se centra en el desarrollo del sentido rítmico, la relajación, la atención auditiva y la entonación a través de juegos, canciones y ejercicios psicofísicos.
This document provides an overview of Wolfgang Amadeus Mozart's life and works. It discusses that Mozart was a child prodigy born in Salzburg, Austria in 1756 who composed his first symphony at age 8 and first opera at 12. Although he struggled to find steady employment, he wrote in every major genre including operas, symphonies, concertos, and masses. The document also summarizes several of Mozart's most famous works such as his Requiem, Eine kleine Nachtmusik, and Piano Concerto No. 21. It concludes with sections on classical forms such as the sonata form and the development of themes.
El documento presenta las reglas para la segunda especie de contrapunto, en la que a cada nota del cantus firmus le corresponden dos notas en el contrapunto. La primera nota es consonante, mientras que la segunda puede ser disonante y sirve como "nota de paso" entre consonancias. Se explican conceptos como la nota de paso, los procedimientos para esta especie, y las consideraciones sobre los saltos en la línea melódica.
Este documento proporciona una introducción al lenguaje musical, incluyendo los elementos básicos como el pentagrama, las notas, las figuras y los compases. Explica que el pentagrama contiene cinco líneas y cuatro espacios donde se colocan las notas, y que la clave indica los nombres de las notas. También describe las diferentes figuras musicales que representan la duración de los sonidos, y los diferentes tipos de compases que dividen la música en partes iguales.
Este documento proporciona una introducción a la lectura musical, incluyendo una descripción del pentagrama, las claves, las notas musicales, las figuras rítmicas y el compás. Explica los conceptos básicos necesarios para entender y leer notación musical.
Zoltán Kodály fue un músico y pedagogo húngaro que desarrolló el Método Kodály para la enseñanza de la música. El método se basa en el uso de canciones populares para desarrollar el oído musical de los estudiantes y enseñar conceptos como el ritmo y la melodía. Kodály consideraba que la música tradicional debía ser la base de la educación musical y que esta debía ser tan importante en las escuelas como lo fue en la antigua Grecia. El método ha tenido una
This document discusses the Baroque concerto and Antonio Vivaldi's The Four Seasons. It provides background on the Baroque orchestra, which was typically small with 10-30 players. The concerto was a major instrumental genre that featured a contrast between soloist and full orchestra. Vivaldi was a famous Baroque composer known for his hundreds of concertos, including The Four Seasons which depicts each season through music. The Four Seasons features a solo violin accompanied by an orchestra, with the first movement of "Spring" described as evoking animals and nature through its musical imagery.
El documento discute diferentes enfoques a la educación musical. Propone que la música sea accesible para todos y se centre en el proceso de aprendizaje a través de la experimentación, exploración y juego. También resalta la importancia de valorizar el sonido y el silencio, y de desarrollar nuevas formas de escritura musical y tecnologías.
Este documento explica el lenguaje musical y sus formas. El lenguaje musical se organiza de manera similar al lenguaje hablado, con notas, motivos, frases y secciones. Las formas musicales se basan en la repetición y simetría, y pueden ser vocales, instrumentales, libres o estructuradas. Algunas formas estructuradas comunes son la forma binaria, forma ternaria, rondó y canción.
Este documento describe las escalas musicales, incluyendo las 7 notas musicales, los intervalos, tonos y semitonos, y las alteraciones. Explica los tipos principales de escalas como las diatónicas mayores y menores, las pentatónicas y cromáticas. Detalla las características de las escalas mayores, menores naturales, armónicas y melódicas. En resumen, provee una introducción completa a los fundamentos teóricos de las escalas musicales.
This document provides information about songwriting, including identifying common major and minor key diatonic chords, making the most of 4 and 5 chord progressions, and identifying chord progressions common to 3 main genres. It discusses diatonic major and minor key chords, 4 chord progressions like I-V-VImin-IV and Imin-BVII-BVI-BVII, and tips for using chord progressions to write full songs, including using melodic variation and avoiding too much resolution. Genres are also influenced by distinctive chord progressions.
The document provides an overview of music and culture during the Romantic era in the 19th century. Some key aspects covered include the rise of individual expression and emotion in music, the growth of concert halls and audiences, larger orchestras, and the influence of nationalism as composers incorporated folk music styles into their works. Composers gained more independence and prestige during this time as classical forms and genres continued alongside new styles of piano music and orchestral works.
El método de educación musical de Edgar Willems se basa en tres pilares: la experiencia musical, la psicología y las tendencias sociales. Enfatiza el desarrollo auditivo a través de canciones y ejercicios rítmicos. Propone cuatro etapas que van desde la familia hasta la introducción al solfeo, siempre partiendo de lo concreto a lo abstracto y favoreciendo el desarrollo natural del niño.
El documento describe cómo los estudiantes aprenden música utilizando tecnologías de la información y la comunicación en lugar de libros de texto, cuadernos físicos u otros materiales tradicionales. Los estudiantes usan blogs, redes sociales y otros recursos en línea para acceder a materiales musicales, compartir trabajos y aprender de forma colaborativa. El enfoque permite una educación musical más creativa, autónoma y accesible para todos los estudiantes del siglo XXI.
Este documento presenta el plan de una lección de música para estudiantes de 3er año básico. La lección tiene como objetivo que los estudiantes escuchen las cualidades del sonido y elementos del lenguaje musical como pulsaciones, acentos y patrones, y que puedan representarlos de diferentes formas. La lección incluye actividades iniciales para discutir música preferida por los estudiantes, y actividades prácticas como seguir el pulso de marchas y valses, y hacer sonar las palmas siguiendo diferentes pulsaciones en grupos. El docente evalúa
Este documento describe el proceso de crear una composición a dos voces basada en una melodía popular inglesa llamada "Barbara Allen". Explica dividir la melodía en secciones y crear una segunda voz que armonice con la melodía de acuerdo con los principios de la forma, armonía y contrapunto. Luego analiza la relación entre las voces y la progresión tonal lograda. Finalmente, presenta una grabación de la composición resultante.
Este documento presenta un taller de contrapunto dividido en 13 semanas. Comienza explicando la diferencia entre contrapunto y armonía, así como las sonoridades verticales según la época. Luego detalla los contenidos que se abordarán semana a semana, incluyendo el cantus firmus, las cinco especies de contrapunto y ejercicios prácticos de escritura. El taller culmina con la composición de una pieza completa en la quinta especie, aplicando los conceptos aprendidos a lo largo de las sesiones.
Este documento proporciona instrucciones sobre la composición de contrapunto a tres voces. Explica conceptos como el uso de acordes, resolución de disonancias como el tritono, cromatismo y movimiento oblicuo. También discute el tratamiento armónico de acordes como dominante y la distinción entre armonía y acorde en el contexto del crecimiento tonal. Por último, analiza ejemplos como intercambio de tonos, resolución de séptimas menores y el uso de la novena menor como escapada.
Este documento presenta las reglas básicas para la composición de contrapunto en dos voces siguiendo las especies de Fux. Explica conceptos como el cantus firmus, el clímax y anticlímax, y las reglas melódicas y armónicas referentes a los intervalos, movimientos, tesituras y progresiones. El objetivo es lograr melodías independientes que sigan principios contrapuntísticos para la educación musical.
Trabajo sobre dos aspectos de la teoría elemental de la música, tomando como punto de partida la crítica del concepto que relaciona Armadura con Tonalidad.
Este documento presenta un análisis de un contrapunto a 4 voces, señalando diferentes técnicas contrapuntísticas como cuartas justas, séptimas menores, tritonos, funciones tónicas, tonos de paso, bordaduras, apoyaturas, suspensiones y movimientos paralelos y oblicuos entre las voces. Explica cómo estas técnicas son usadas para lograr una elaboración correcta del contrapunto y establecer firmemente la tonalidad de la música.
Este documento describe el análisis numérico y experimental del comportamiento dinámico de un violín. Se utilizó el método de Chladni para medir las frecuencias resonantes de una tapa mediante la visualización de líneas nodales. Adicionalmente, se desarrolló un modelo numérico de elementos finitos de una tapa de abeto para estudiar cómo variaciones en el espesor, curvatura y agujeros afectan las frecuencias de los modos. Las conclusiones indican que el método de Chladni y el modelo numérico permit
Este documento presenta un resumen del contenido del primer tomo de la colección "Viva la música", la cual incluye 121 canciones infantiles de diferentes países para niños de 3 a 15 años. El resumen incluye una breve introducción de la autora y un índice con las canciones ordenadas por dificultad y alfabéticamente.
Al igual que en muchas otras facetas de la vida, la buena imagen de una partitura
nos agrada y además, en este caso, nos ayuda a una mejor interpretación. De ahí que
muchos músicos se esfuercen en tener unas buenas partituras, utilizando en la
mayoría de los casos aplicaciones comerciales. Pero existen otras alternativas
mediante software libre1 (Lilypond, MuseScore y Frescobaldi) que nos pueden
ayudar a lograr este objetivo.
As in many other facets of life, the good image of a score we like and also in this
case helps us to better interpretation. That is why many musicians strive to have
good scores, using in most cases commercial applications. But there are other
alternatives by free software (Lilypond, MuseScore and Frescobaldi) that can help
us achieve this goal.
Las matemáticas son fundamentales en la música ya que están presentes en diversas áreas como la afinación, disposición de notas, acordes, ritmo y tiempo. Pitágoras descubrió que las cuerdas producían combinaciones de sonidos basadas en relaciones numéricas y construyó una escala musical a partir de ello. Los acordes siguen un modelo matemático donde las notas pertenecientes a un acorde mayor corresponden a armónicos específicos. La armonía también se basa en relaciones matemáticas entre las frecuencias
La viola y el violín son instrumentos de cuerda frotada similares en su construcción con madera y en su sonido general, pero difieren en su tamaño, tesitura, cuerdas y timbre. La viola es más grande que el violín, tiene cuerdas más graves, y produce un sonido más profundo y redondeado.
El motete evolucionó desde su origen en el siglo XIII como forma musical religiosa y profana para experimentar con nuevas técnicas. En el siglo XIV, la técnica isorrítmica dominó el motete durante un siglo y medio. En el Renacimiento, el motete continuó cultivándose y se aumentó el número de voces, con textos religiosos y la técnica de la disminución. La imitación se convirtió en un recurso emblemático de la polifonía renacentista en el motete.
El documento explora las conexiones entre las matemáticas y la música. Explica que músicos expertos y matemáticos expertos usan los mismos circuitos cerebrales. También describe cómo figuras matemáticas como la sucesión de Fibonacci y fractales han influido en la composición musical a lo largo de la historia.
El contrapunto tuvo sus orígenes en el siglo IX en el organum de la Escuela de Notre-Dame. El compositor inglés J. Dunstable dio un paso importante en mezclar polifonías primitivas y originar tanto el contrapunto florido como el imitativo, sentando las bases de las escuelas Franco-Flamencas.
El documento describe la historia de las Misiones Jesuitas en Sudamérica, incluyendo la música producida allí. Los jesuitas establecieron misiones en el siglo XVI para evangelizar a los pueblos indígenas. En las misiones, los indígenas aprendieron música, artesanías y otras habilidades. En 1972, se descubrieron más de 5,500 páginas de partituras musicales escritas en las misiones. Esto reveló la rica cultura musical desarrollada por los jesuitas y
1) El documento describe los fundamentos de la teoría musical, incluyendo tonalidades, escalas, modos, intervalos y acordes. 2) Explica conceptos como tónica, grados melódicos, modos mayor y menor, y clasifica intervalos y acordes. 3) También analiza los acordes que se forman sobre cada grado de las escalas mayor y menor, así como en las diferentes formas del modo menor.
La orquesta sinfónica es un conjunto musical grande compuesto por instrumentos de cuerda, viento, percusión. Incluye violines, violas, chelos, contrabajos, flautas, oboes, fagotes, clarinetes, trompetas, trompas, trombones, tuba y percusión como timbales, bombo, caja, platillos. Cada sección aporta un color y función diferente a la orquesta.
El documento describe el origen y desarrollo de la música y su relación con las matemáticas. Explica que los griegos, en especial Pitágoras, establecieron que los intervalos musicales guardan relaciones numéricas y definieron la escala musical. También muestra cómo la frecuencia de las notas musicales está determinada por números enteros y la relación entre ellas da lugar a octavas, cuartas y quintas.
Este documento presenta una introducción al concepto de armonía musical y al sistema tonal. Explica que la armonía estudia la formación de acordes y las relaciones entre ellos. Describe el sistema tonal, incluyendo la tonalidad, los tipos de escalas mayor y menor, y los grados tonales. También define los acordes, sus tipos, y las funciones tonal de los acordes. Finalmente, introduce conceptos como las inversiones de acordes y la escritura de acordes a cuatro partes.
Este es el primer trabajo que se presenta como una crítica radical a buena parte de la llamada música contemporánea, la cual se mueve en el puro desorden tonal y en la carencia de forma. Los músicos de esta supuesta vanguardia desconocen las leyes más elementales del sonido musical y, por carecer de sólidos conceptos de la Teoría Musical Elemental y Superior, en sus creaciones mandan el capricho, la busca de la originalidad y la arbitrariedad. Su arte es un arte de la decadencia.
Este documento explica el proceso de armonizar una melodía. La armonización implica elegir un bajo armónico y cifrarlo de acuerdo a las leyes de la tonalidad. Esto requiere analizar la tonalidad de la melodía, los grupos tonales de los acordes, y elegir acordes apropiados considerando su función, resoluciones y progresiones habituales. El objetivo es crear una armonización equilibrada y natural que realce la melodía original.
Este documento presenta algunos ejercicios para mejorar la improvisación en la guitarra. Comienza explicando que ofrecerá herramientas prácticas para la improvisación acompañadas de videos. Luego, propone tres ejercicios para incluir notas no armónicas en la improvisación, improvisar teniendo en cuenta el compás, e improvisar con tonos de acorde. El objetivo es ayudar a los guitarristas a explorar nuevos estilos y salir de su zona de confort a la hora de improvisar.
El documento explica el acorde disminuido de séptima. Indica que este acorde no tiene inversión porque su tónica es indeterminada, a diferencia de otros acordes como la triada mayor. También señala que aunque este acorde puede nombrarse de cuatro formas diferentes, en realidad representa un único acorde compuesto por terceras menores superpuestas. Por último, explica cómo este acorde se usa comúnmente como acorde de sensible o de suspensión en la práctica musical.
1) El documento explica conceptos fundamentales sobre el sonido, incluyendo que es producido por la vibración de un cuerpo sonoro y que tiene propiedades como la altura, duración, intensidad y timbre. 2) Describe los tres elementos de la música - ritmo, melodía y armonía - y cómo se crean a partir de la combinación de sonidos. 3) Explica conceptos rítmicos como los valores de las figuras musicales, los tipos de acentos, y signos como la barra de repetición y la ligadura.
El documento discute la diferencia entre normas y leyes en la música. Algunos músicos se jactan de transgredir las normas de la composición musical, pero en realidad desconocen las leyes fundamentales que rigen la forma y organización tonal. Si bien se pueden saltar las normas, las leyes musicales no pueden ser ignoradas. Estos llamados músicos transgresores carecen de control sobre lo que producen y son en realidad músicos alienados.
Este documento presenta un curso de armonía que enseña los principios básicos de la escritura musical clásica. Explica que la armonía debe enseñarse como una herramienta para manipular los sonidos y crear equilibrio, no solo como un análisis intelectual. También destaca la importancia de desarrollar la audición para reconocer acordes antes de estudiar armonía formalmente. Finalmente, discute las ventajas e inconvenientes de usar diferentes claves para la escritura vocal.
Este documento describe un proceso de crecimiento tonal a través de la adición de voces y la prolongación de acordes. Comienza con tres tonos (Do, Fa, La) y luego añade un bajo para formar consonancias. Luego introduce voces interiores para determinar los grados armónicos con más precisión a través de técnicas como la prolongación, tonicalización y suspensión. El documento explica cómo el contrapunto y la armonía interactúan en el crecimiento tonal.
Trabajo Práctico Foba 3. Los instrumentos transpositores 1aa p
Los instrumentos transpositores escriben las notas según un patrón de digitación y no según cómo suenan realmente para facilitar la lectura. La mayoría son instrumentos de viento donde una posición de dedos corresponde a una nota escrita aunque suene diferente, permitiendo pasar fácilmente entre instrumentos de la misma familia.
Este documento proporciona nociones básicas sobre elementos del lenguaje musical como el ritmo, pulso, acento, compás, figuras musicales y notas musicales. Explica conceptos como pulso, ritmo, compás binario, ternario y cuaternario. También describe las diferentes figuras musicales como la redonda, blanca, negra, corchea y sus valores relativos. Además, incluye enlaces a juegos y actividades interactivas sobre estos temas.
Este documento presenta un manual sobre piano y armonía básica. Explica conceptos como intervalos, tipos de acordes mayores y menores, y cómo identificarlos y formarlos. También incluye tablas de acordes, secuencias de práctica y discute la estructura de los acordes en el teclado. El objetivo es enseñar los fundamentos armónicos para tocar el piano de una manera simple y efectiva.
Este documento presenta un manual sobre piano y armonía básica. Explica los conceptos básicos de intervalos y acordes mayores y menores, incluyendo cómo formarlos y sus estructuras. También cubre temas como escalas, notas agregadas, secuencias de acordes y más. El objetivo es enseñar los fundamentos armónicos para tocar cualquier estilo musical de forma rápida y efectiva usando el método de acordes.
Este documento presenta un manual sobre piano y armonía básica. Explica los conceptos básicos de intervalos y acordes mayores y menores, incluyendo cómo formarlos y sus estructuras. También cubre temas como escalas, notas agregadas, secuencias de acordes y más. El objetivo es enseñar los fundamentos armónicos para tocar cualquier estilo musical de forma rápida y efectiva usando el método de acordes.
Este documento presenta un manual sobre piano y armonía básica. Explica conceptos como intervalos, tipos de acordes mayores y menores, y cómo formarlos. Incluye tablas para identificar los acordes y ejemplos de secuencias. También describe la estructura de los acordes mayores y menores en el teclado, agrupándolos según la posición de las manos. El objetivo es enseñar los fundamentos armónicos para tocar el piano de manera efectiva.
Carrera ignacio manual de piano y armonia basicazero0174
Este documento presenta un manual sobre piano y armonía básica. Explica conceptos como intervalos, tipos de acordes mayores y menores, y cómo formarlos. Incluye tablas para identificar los acordes y ejemplos de secuencias. También describe la estructura de los acordes mayores y menores en el teclado, agrupándolos según la posición de las manos. El objetivo es enseñar los fundamentos armónicos para tocar el piano de manera efectiva.
Este documento presenta un manual sobre piano y armonía básica. Explica conceptos como intervalos, tipos de acordes mayores y menores, y cómo formarlos. Incluye tablas para identificar los acordes y ejemplos de secuencias. También describe la estructura de los acordes mayores y menores en el teclado, agrupándolos según su forma de digitación. El objetivo es enseñar los fundamentos armónicos para tocar el piano de manera efectiva.
Este documento resume las siguientes ideas en tres oraciones:
1) Explica las funciones tonales de los acordes principales en una escala mayor, incluyendo los acordes de tónica, subdominante y dominante. 2) Describe las reglas básicas para la conducción de voces al enlazar acordes, como mover las voces la distancia más corta posible y hacer que la sensible ascienda a la tónica. 3) Señala que las progresiones de acordes I-IV-V-I y I-IV-ii-V-I son efect
Similar a Iniciación al Contrapunto (Composición a dos voces) (20)
Este documento presenta ocho ritmos sobre ternario 2 para ser tocados en el djembé calabaza. Cada ritmo consiste en una serie de pulsos numerados que indican cuándo golpear y cuándo dejar pasar un pulso. También incluye una notación musical para cada ritmo. El documento proporciona instrucciones para ejecutar diferentes ritmos ternarios en el instrumento de percusión djembé calabaza.
Práctica de ritmos en relación a un pulso ternario. El audio del acompañamiento se encuentra aquí: http://www.memvus.com/2015/04/ritmos-sobre-ternario.html
Este documento presenta una serie de ejercicios rítmicos para tocar y cantar en relación a un pulso binario. Incluye un acompañamiento musical disponible en línea y varias secuencias rítmicas representadas en casillas para practicar en compases de 3/4 y 4/4, alternando entre toque, palmas y canto. El autor es Vicente Umpiérrez Sánchez y el documento forma parte de su libro "La Práctica del Ritmo 1".
Este documento presenta una serie de ritmos binarios para tocar en relación a un pulso binario. Cada casilla representa un pulso binario y los grupos de tres casillas forman un compás. Se provee un acompañamiento musical de tres compases en la página web indicada. Los siguientes ocho ejemplos muestran diferentes patrones rítmicos para practicar en grupos de tres compases cada uno.
Este documento presenta una serie de lecciones sobre la práctica del ritmo. Incluye instrucciones para cantar y tocar ejercicios rítmicos utilizando diferentes acompañamientos disponibles en un sitio web. Explica diferentes formas de marcar el pulso al cantar, como hacerlo en cada parte o agrupando las pulsaciones de dos en dos. También presenta una serie de ejercicios rítmicos con indicaciones sobre el acompañamiento y la métrica a utilizar.
Este documento presenta las primeras 6 lecciones de un método para practicar el ritmo. Incluye instrucciones para cantar y tocar ejercicios rítmicos utilizando diferentes acompañamientos musicales disponibles en línea. Explica cómo marcar el pulso de manera unitaria o binaria y provee 6 ejercicios rítmicos con indicaciones para la mesa, palmas y voces.
El documento discute cómo la teoría musical convencional confunde la representación de un ritmo con el ritmo mismo. Explica que un ritmo puede tener múltiples representaciones y que la mejor es la que hace más sencilla su lectura. Como ejemplo, analiza la representación de un ritmo en la obra de Aaron Copland y muestra cómo puede representarse de una forma más clara y regular usando la Escritura Musical Intuitiva.
La regularidad se refiere a la igualdad en lo exterior y la repetición igual de una figura determinada que provee la unidad para la forma de los objetos.
Esencial para la creación artística es el dominio de la Forma. Principios de la Forma son: la regularidad, la simetría y la unidad diversa.
La ilustración que vamos a usar para esta reflexión sobre la Forma trata con la distribución de diversos objetos en un determinado espacio.
Este documento describe la resolución del acorde disminuido séptima, incluyendo que: 1) Puede nombrarse de cuatro maneras diferentes dependiendo de la tonalidad; 2) Contiene dos tritonos, resolviéndose el que incluye la sensible ascendentemente y el otro descendentemente; 3) Puede funcionar como acorde de sensible en cuatro tonalidades mayores y menores.
Este documento describe las tres escalas principales del modo menor: la escala menor natural o eolia, la escala menor armónica y la escala menor melódica. La escala menor natural forma la base tonal del modo menor. La escala menor armónica surge de transformar el quinto grado de la escala menor natural en un acorde mayor para crear un acorde de dominante. La escala menor melódica surge de elevar el sexto grado de la escala menor armónica un semitono para evitar una segunda aumentada difícil de entonar.
El documento resume las características de las escalas modales. Explica que las escalas modales se derivan de la escala mayor ordenando sus grados. Cada modo resulta de la suma de dos tetracordos específicos y produce un acorde particular sobre su primer grado: mayor para los modos jónico, lidio y mixolidio, menor para los modos dórico, frigio y eólico, y disminuido para el modo locrio. Además, cada escala modal tiene una escala mayor relativa con la que comparte armadura.
El documento discute la naturaleza de las demostraciones matemáticas según Hegel. Explica que la demostración es la esencia de un teorema, no solo la proposición. Además, la demostración no es un mero paso hacia el resultado, sino que se abandona y desaparece en él. También señala que el proceso de demostración no forma parte del objeto matemático en sí, sino que es una operación externa del conocimiento.
El documento presenta el Teorema de Euclides, que establece que en un triángulo rectángulo, el cuadrado de la altura sobre la hipotenusa es igual al producto de las proyecciones de los catetos sobre la hipotenusa. Luego demuestra este teorema aplicando el Teorema de Pitágoras a dos triángulos más pequeños en los que se descompone el triángulo original. Finalmente, cita a Hegel para señalar que el conocimiento matemático es verdadero cuando se conoce la demostración del
Este documento describe la práctica del ritmo del "tresillo" y cómo se representa en la escritura musical convencional. Explica que el tresillo es un signo que representa un ritmo específico de 2 2 2 3 3 y que este mismo ritmo puede representarse de diferentes maneras. Propone un método alternativo para enseñar la práctica de ritmos que se enfoca en deducir el ritmo subyacente en lugar de los signos individuales.
Elites municipales y propiedades rurales: algunos ejemplos en territorio vascónJavier Andreu
Material de apoyo a la conferencia pórtico de la XIX Semana Romana de Cascante celebrada en Cascante (Navarra), el 24 de junio de 2024 en el marco del ciclo de conferencias "De re rustica. El campo y la agricultura en época romana: poblamiento, producción, consumo"
Durante el período citado se sucedieron tres presidencias radicales a cargo de Hipólito Yrigoyen (1916-1922),
Marcelo T. de Alvear (1922-1928) y la segunda presidencia de Yrigoyen, a partir de 1928 la cual fue
interrumpida por el golpe de estado de 1930. Entre 1916 y 1922, el primer gobierno radical enfrentó el
desafío que significaba gobernar respetando las reglas del juego democrático e impulsando, al mismo
tiempo, las medidas que aseguraran la concreción de los intereses de los diferentes grupos sociales que
habían apoyado al radicalismo.
Ponencia en I SEMINARIO SOBRE LA APLICABILIDAD DE LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL EN LA EDUCACIÓN SUPERIOR UNIVERSITARIA. 3 de junio de 2024. Facultad de Estudios Sociales y Trabajo, Universidad de Málaga.
Aprender-IA: Recursos online gratuitos para estar al tanto y familiarizarse c...
Iniciación al Contrapunto (Composición a dos voces)
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Iniciación al Contrapunto
Vicente Umpiérrez Sánchez
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Iniciación al Contrapunto Método de Educación Musical
Vicente Umpiérrez Sánchez 1
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Iniciación al Contrapunto
1
!En las obras de los maestros clásicos de la Música, el Contrapunto ( elaborado de ma-
nera pensada) está siempre presente; ya sean estas obras Homofónicas o Polifónicas.
Por lo general, se tiene la falsa idea de que el Contrapunto es algo propio de la Polifonía y
no de la Homofonía; de hecho a la Música Polifónica se le suele llamar Música Contra-
puntística. Siempre que suenen conjuntamente dos voces, o más, el Contrapunto se hace
presente; y el sonido conjunto de dos voces, o más, puede darse tanto en la Música Poli-
fónica como en la Música Homofónica.
El Contrapunto es la organización tonal de la sucesión en el tiempo de los Intervalos, Así,
por ejemplo, el Contrapunto nos enseña que, de manera consecutiva, no pueden suce-
derse dos intervalos de quinta justa, pero si entre esas dos quintas justas se sitúa un in-
tervalo de sexta (mayor o menor) la sucesión de esas dos quintas justas se hace contra-
puntísticamente posible.
En la mayor parte de la música ligera que escuchamos, incluida la música para cine, el
Contrapunto es algo que queda fuera del control de los compositores de esa música. Se
crea una melodía y se acompaña con acordes tocados por una guitarra, un piano o un
conjunto instrumental, pero se desconoce por completo que el armazón de esa música es
una escritura a dos partes (voces) que está formado por dicha melodía (el Discanto) y el
bajo de los acordes que suenan en el acompañamiento; esa escritura a dos partes, ese
armazón, ha de ser ordenada tonalmente mediante el Contrapunto, cosa que no sucede
en la práctica.
El dominio del Ritmo y del Contrapunto es crucialmente necesario para todo aquel que
quiera ser un verdadero Músico Pensante.
2
!Dado que nuestro objetivo de aprendizaje es iniciarnos en el Contrapunto debemos aco-
tar claramente los límites del conocimiento teórico y práctico que de momento podemos
aprender. A continuación exponemos el contenido de los referidos límites:
• Nos moveremos sólo en el Modo Mayor.
• Los acordes que proporcionarán el Fondo Armónico serán los acordes propios de la Es-
cala Mayor, esto es, los Acordes Diatónicos.
• No se emplearán Tonos Cromáticos.
• Los acordes que proporcionarán el Fondo Armónico serán acordes triadas; aunque el
acorde del Vº pude ser también un acorde cuatriada.
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• El Fondo Armónico será propio de la Música Tonal y no de la Música Modal. La Música
Tonal se caracteriza porque los acordes están sometidos a una jerarquía, dado que
cumplen unas funciones tonales claras. En la Música Tonal , por lo general, un acorde
puede cumplir una de las siguientes tres funciones: Tónica, Dominante y Subdominante.
En la Música Modal, por lo general, los acordes no están sometidos a una clara jerar-
quía y éstos se relacionan entre sí por el mero hecho de pertenecer a una misma esca-
la.
• Todos los ejercicios serán a dos voces. Precisamente, el dominio del Contrapunto con-
siste en el dominio de la escritura a dos voces.
3
!Nos ocupamos primeramente de la clasificación cualitativa de los intervalos. Los interva-
los pueden ser consonantes y disonantes. El intervalo consonante proporciona el estado
de reposo, el intervalo disonante proporciona el estado de movimiento. No todos los inter-
valos consonantes son igual de consonantes, ni todos los intervalos disonantes son igual
de disonantes.
• Consonancias perfectas : Octava, Unísono y Quinta Justa.
• Consonancias Imperfectas: Tercera Mayor, Tercera Menor, Sexta Mayor y Sexta Menor.
• Disonancias: Segunda Menor y Séptima Mayor.
• Semidisonancias: Cuarta Justa, Cuarta Aumentada (Quinta disminuida), Segunda Mayor
y Sétima Menor.
4
!Tratamos ahora con el modo de movimiento de las voces. El movimiento de las voces se
clasifica de la manera siguiente:
• Movimiento Directo: Si una voz asciende la otra asciende, y si una voz desciende la otra
desciende.
• Movimiento Paralelo: Es igual que el Movimiento Directo pero conservando el mismo
intervalo.
• Movimiento Contrario: Si una voz asciende la otra desciende, y si una voz desciende la
otra asciende.
• Movimiento Oblicuo: Una voz no se mueve mientras la otra asciende o desciende.
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TIPOS DE MOVIMIENTO DE LAS VOCES
- ,
& -
directo contrario oblicuo
- - -
- -
- -
- ,
- -
directo paralelo contrario
5
!En el Contrapunto tenemos que distinguir entre los tonos pertenecientes al acorde y los
no pertenecientes. Los tonos no pertenecientes al acorde son los siguientes:
• Tono de Paso: un tono que se sitúa entre dos tonos pertenecientes al acorde que están
a distancia de tercera.
• Tono Auxiliar: un tono que se sitúa a distancia de segunda mayor o menor, por encima o
por debajo, de un tono perteneciente al acorde.
• Bordadura: al movimiento desde un tono perteneciente al acorde a uno de sus tonos au-
xiliares y regreso al mismo tono perteneciente al acorde se llama Bordadura.
• Doble Bordadura: al movimiento desde un tono perteneciente al acorde a un tono auxi-
liar superior, luego a un tono auxiliar inferior y regreso al mismo tono perteneciente al
acorde se llama Doble Bordadura. Si el mismo movimiento comienza desde el tono auxi-
liar inferior el resultado es también una Doble Bordadura.
• Escapada: al movimiento desde uno de los tonos auxiliares de un tono perteneciente al
acorde a otro tono perteneciente al acorde distinto de aquel se le llama Escapada (Es-
capada tomada por paso y dejada por salto). Al movimiento desde un tono perteneciente
al acorde a uno de los tonos auxiliares de un tono perteneciente al acorde distinto de
aquel se le llama también Escapada (Escapada tomada por salto y dejada por paso).
• Retardo: Un tono perteneciente al acorde se mantiene al cambiar la armonía, donde de-
ja de ser tono perteneciente al acorde, para luego resolver por paso (generalmente en
movimiento descendente) a un tono perteneciente al acorde. El Retardo también recibe
el nombre de Suspensión. En el Retardo se distinguen tres momentos:
Preparación: el momento en el que el tono es perteneciente al acorde.
Suspensión: el momento en el que el tono deja de ser perteneciente al acorde.
Resolución: el momento en el que se desciende por paso a un tono perteneciente al
acorde.
• Apoyatura: es un Retardo que carece del momento de preparación.
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TONOS NO PERTENECIENTES AL ACORDE
Ejemplo 1 C F G7 C G7 Amin
. . . 3. - - - - . . . - - . 7 -
& - .
6
- ,
4
. . - 2 - - - , -# .
1
5
F G7 C
& . . . . . -
12
-
8
. . .
10
.# -# . . . .
, . . . . - -
9 11 13
1. Tono de Paso
2. Tono de Paso
3. Escapada tomada por salto y dejada por paso
4. Suspensión (Retardo)
5. Escapada tomada por paso y dejada por salto
6. Apoyatura
7. Bordadura
8. Doble Bordadura
9. Tono de Paso
10. Suspensión (Retardo)
11. Bordadura
12. Escapada tomada por salto y dejada por paso
13. Tono de Paso
9
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6
!Componemos ahora un ejercicio con blancas redondas, usando solamente tonos perte-
necientes al acorde.
1. Terceras en movimiento paralelo. Correcto.
2. Quinta justa alcanzada en movimiento oblicuo. Correcto.
3. Salto en la voz inferior, en el momento del cambio de armonía. Cuando una voz realiza
un movimiento superior a un intervalo de segunda, se dice que está procediendo por
salto.
4. Compensación del salto, se ha regresado al tono desde el que se produjo el salto. Co-
rrecto. El intervalo de cuarta justa (disonancia) ha sido alcanzado en movimiento obli-
cuo. Correcto.
5. Resolución de la disonancia (cuarta justa) en consonancia (tercera mayor). Correcto.
6. Quinta justa alcanzada en movimiento oblicuo. Correcto.
• Las consonancias imperfectas (terceras y sextas, mayores y menores) pue-
den sucederse en movimiento paralelo. Las consonancias perfectas (uníso-
no, octava y quinta justa) no pueden sucederse en movimiento paralelo.
• Las consonancias perfectas (unísono, octava y quinta justa) pueden ser al-
canzadas en movimiento oblicuo, y en movimiento directo si una de las
voces procede por paso
• Las disonancias pueden se alcanzadas en movimiento oblicuo y en movi-
miento contrario, y en movimiento directo siempre que una de las voces
proceda por paso.
• En el cambio de armonía la disonancia ha de resolver en consonancia.
• En el cambio de armonía las voces han de proceder por paso (intervalo
de segunda). Si se produce un salto (intervalo superior a un intervalo de
segunda), el salto ha de ser compensado: a) regresando al tono desde el
que se produjo el salto, b) yendo al tono que está a distancia de segunda
del tono desde donde se produjo el salto, en la dirección en la que se
produjo el salto.
• Dentro de un misma armonía las voces pueden saltar libremente.
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!Vamos hacer una elaboración del ejemplo 2 mediante la introducción de tonos de paso.
Por lo general los tonos no pertenecientes al acorde crean disonancia. En este ejemplo
cuando acontece el tono de paso 3 se produce consonancia. Hemos de observar que
aquí todos los tonos de paso entran en movimiento oblicuo.
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Creamos ahora una elaboración del Ejemplo 3 mediante la introducción de bordaduras.
En 2 se da simultáneamente dos tonos no pertenecientes al acorde, uno es bordadura y
otro es tono de paso. En 4 también se da simultáneamente dos tonos no pertenecientes al
acorde, ambos son tonos de bordadura. Ambos casos son correctos, ya que en el mo-
mento de la simultaneidad se produce consonancia.
Dos tonos no pertenecientes al acorde pueden darse simultáneamente
siempre que formen consonancia, y si forman disonancia ha de ser por mo-
vimiento contrario de las voces.
El documento completo puede verse y descargarse en
http://www.memvus.com/2012/04/iniciacion-al-contrapunto.html
Iniciación al Contrapunto Método de Educación Musical
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