Este documento describe las características de la pintura barroca en Italia y los Países Bajos. Se analizan los estilos y obras maestras de Caravaggio, Rubens y Rembrandt, así como otros pintores como Van Dyck y Frans Hals. También se mencionan las diferencias entre la pintura barroca de Bélgica, dominada por temas religiosos, y la de Holanda, más realista y centrada en géneros como el paisaje y el retrato.

1. Tema 13.- La pintura barroca. Italia
(Caravaggio). Los Países Bajos (Rubens y
Rembrandt)

2. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA DEL BARROCO
Gran interés por los efectos lumínicos y escenográficos.
Predominio del color sobre el dibujo.
Preferencia por las composiciones complejas y por la
representación del movimiento.
Hegemonía de la luz, jugando las sombras un papel hasta
entonces desconocido (tenebrismo).
Utilización de la tela y del muro como principales soportes.
Naturalismo.
Composición asimétrica y atectónica.
Auge de la decoración ilusionista, que consiste en pintar
paredes y cúpulas con la intención de desmaterializarlas.
Trampantojos.
Difusión del género bodegón (pintura de objetos cotidianos),
que se suma a los géneros pictóricos tradicionales .

3. ITALIA. CARAVAGGIO
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Michelangelo Merise, es conocido como Caravaggio, en alusión a su
ciudad natal.
Formado como pintor en Roma, su intensa actividad pictórica se alternó
con una vida intensa y turbulenta.
Legó a las generaciones futuras el uso de la técnica del claroscuro. Plasma
pictóricamente la luz y en correlación la sombra juega un papel hasta
entonces desconocido, surgiendo así el tenebrismo.
Representa las cosas como son, exploradas en su encuadre espacial y
luminoso.
La observación de la realidad le proporciona los objetos y la circunstancia.
Pintaba con luz de sótano, es decir, con un foco de luz elevada y único,
que generalmente cruza en diagonal la escena pintada y resalta ciertos
aspectos mientras arrumba otros detalles.
Sus atmósferas de luz y tiniebla suelen enmarcar temas concebidos con un
fuerte naturalismo, que prefiere bucear en los aspectos desagradables de
la realidad.
Utiliza escorzos violentos.

4. 
La carrera de Caravaggio se puede desglosar en tres etapas:
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La fase inicial (años romanos) 1590-1599.Pinta cuadros pequeños en los
que da vida al mundo callejero de la picaresca: jugadores de cartas,
hampones y gitanos. Pinta, La cena de Emaús, Baco, El tañedor de laúd,
etc.

5. 
La carrera de Caravaggio se puede desglosar en tres etapas:
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Estilo maduro, a partir de 1600, en el que funde el naturalismo con su
visión revolucionaria de la luz, creando el tenebrismo caravaggiesco.
Ahora pinta los grandes encargos para las iglesias romanas. Ahora
pinta, La vocación de San Mateo, La conversión de San Pablo, La
crucifixión de San Pedro, La virgen de Loreto, La muerte de la Virgen ,
entre otras.

6. 
La carrera de Caravaggio se puede desglosar en tres etapas:

La etapa final coincide con su exilio, pintando cuadros religiosos para
las iglesias del sur de Italia y Malta, mientras huía de la justicia. De
esta etapa son, Las siete obras de misericordia, La decapitación del
Bautista y La resurrección de Lázaro.

7. CARAVAGGIO.
Baco
En su primera etapa representa
a jóvenes andróginos, lánguidos,
afeminados y ambiguos, bajo la
apariencia mitológica de Baco.

8. CARAVAGGIO.
El tañedor de laúd (Ermitage)
Otras veces disfrazados de músicos travestidos como
El tañedor de laúd (Ermitage).

9. CARAVAGGIO.

10. CARAVAGGIO: La cena de Emaús.

11. Vocación de San Mateo. Caravaggio. 2ª Etapa.
Vocación de San Mateo. San Luís de los Franceses, Roma.
Vocación de San Mateo. Cristo y San Pedro entran en la oficina de recaudación de impuestos.
Con ellos entra un rayo de luz oblicua que corta la oscuridad, simulando la voz de Jesús
convocando al apóstol, que se interroga con el dedo en el pecho ante la inesperada llamada.
La mesa con monedas contribuye a la creación de espacio y empuja la composición hacia el
fondo.

12. Vocación de San Mateo. San Luís de los Franceses, Roma.
La figura principal, Cristo se desplaza hacia un lado, pero su elevada efigie y el solemne gesto
de la mano, inspirado en la creación de la Sixtina de Miguel Ángel, destacan su protagonismo.
El cuadro es novedoso por la distribución de los personajes en la mitad inferior del lienzo,
dejando vacía la parte superior, el rayo de luz que ilumina en violenta diagonal los rostros y que
centra la atención del observador y por la escenificación libre del texto bíblico.

15. CARAVAGGIO
La Conversión de San Pablo.
Santa María del Pópolo, Roma.
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16. CARAVAGGIO
Martirio de San Pedro.
Santa María del Pópolo, Roma.
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17. David y Goliat. Caravaggio.

18. David y Goliat. Caravaggio.

19. Judith y Holofernes.

20. CARAVAGGIO
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MUERTE DE LA VIRGEN.
Fue retirada de la iglesia de la Scala
“porque imitaba con demasiada
exactitud el cadáver hinchado de una
prostituta ahogada en el Tiber”.
Claro exponente del tenebrismo. Es
uno de sus últimos cuadros de su
etapa romana.
El contraste de luces y sombras que
ilumina bruscamente lo que el artista
desea y sume en la oscuridad lo que
considera menos importante.
El rayo de luz, símbolo de la gracia
divina se convierte en el verdadero
estructurador del cuadro, cruza la
escena e ilumina de forma simbólica
las cabezas inclinadas por el dolor,
mientras mantiene los mundanos
cuerpos en la penumbra.

21. CARAVAGGIO
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El cuadro se estructura a partir del
rayo de luz que sale del ángulo.
izquierdo.
Éste atraviesa en diagonal toda tela e
ilumina las cabezas de los apóstoles
hasta llegar al cuerpo tendido de la
Virgen.
El haz de luz nos revela la existencia
de una cortina de color rojo intenso
que domina la escena, el único
elemento decorativo que puede
apreciarse.
Esta cortina ilustra la voluntad del
pintor de huir de lo superfluo para dar
a cada uno de los componentes del
cuadro una connotación simbólica; la
cortina recuerda el telón de un teatro
y confiere a la escena un sentido
dramático.

22. 
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La Virgen acaba de morir. Magdalena solloza junto a ella y los apóstoles inclinan sus
cabezas mostrando su dolor y respeto.
Se inspiró el pintor en una mujer ahogada en el río Tíber, cuyo cuerpo, plasmado con el
máximo realismo, muestra la rigidez de la muerte, el vientre hinchado y los pies
amoratados.
En su momento no se captó el profundo sentido religioso del cuadro, desnudo de todo
convencionalismo, que, junto a la mujer que yacía en el banco de madera, desprendían
aquellos hombres. Hombres vulgares, despeinados y con los píes sucios, pero
desbordados por el dolor que siente cualquier ser humano por la muerte de un ser querido.

23. La muerte de la Virgen. Caravaggio.

24. Caravaggio. La Virgen de Loreto
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Baglione escribe de esta obra: “Hay dos
peregrinos, un hombre con los píes
enlodados y una mujer con una cofia
desgarrada y sucia. El populacho armó
gran alboroto por el tratamiento
irreverente de ciertos elementos que
deberían haber sido tratados con más
respeto en obra tan importante”.

25. La etapa final.
La decapitación del Bautista.

26. La resurrección de Lázaro. Caravaggio. M.N de Mesina

27. FRANCIA.GEORGES LA TOUR

28. FRANCIA.GEORGES LA TOUR

29. FRANCIA .CORRIENTE CLASICISTA. POUSSIN

LOS PASTORES DE LA ARCADIA

30. FRANCIA .CORRIENTE CLASICISTA. POUSSIN

TRIUNFO DE FLORA

31. FRANCIA .CORRIENTE CLASICISTA. POUSSIN

RAPTO DE LAS SABINAS

32. FRANCIA .CORRIENTE CLASICISTA. POUSSIN

VENUS Y CUPIDO

33. CLAUDIO DE LORENA
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PAISAJE CON EL EMBARCO
DE SANTA PAULA.

34. CLAUDIO DE LORENA
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PUERTO CON EL EMBARQUE DE LA REINA DE SABA.

35. PINTURA DEL SIGLO XVII EN FLANDES
Y HOLANDA.
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Influencia de los factores políticos sociales y religiosos sobre
el arte.
Bélgica es zona católica, aristocrática y monárquica, bajo
dominio español.
Holanda es protestante, democrática y burguesa.
Distintos temas pictóricos, distinto tratamiento de los temas,
y dimensiones de los cuadros.

36. PINTURA DEL SIGLO XVII EN FLANDES Y
HOLANDA

Bélgica:
- Se multiplican los asuntos religiosos.
- Grandes lienzos de altar.
-Se insiste mucho en la vida de los santos y
representación de los sacramentos.
- Los temas mitológicos también de grandes
dimensiones para los palacios reales y la nobleza
- Retrato de aparato y solemne.

37. PINTURA DEL SIGLO XVII EN FLANDES Y
HOLANDA
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Holanda:
- Desaparece la pintura religiosa de altar al desaparecer las
imágenes.
- Se cultiva la pintura de asuntos bíblicos del antiguo
testamento en cuadros para meditar en la intimidad de la
habitación de la burguesía.
- No se tratan apenas los temas mitológicos.
- El retrato se vuelve sobrio e intimista, realista y aparece el
retrato corporativo, en el que se retratan conjuntamente los
miembros de una comunidad.
- Genero realista: bodegones, cuadros de paisajes y animales
para decorar las casas de la burguesía.

39. Autorretrato, 1613/17, Uffizi, Florencia.

40. RUBENS
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Retrato del Duque de Lerma.
El estilo de Rubens puede resumirse
en color, movimiento y fuerza
gruesa.
Esta obra la pinta en 1603, en un
viaje diplomático que realiza a
Valladolid.
Aquí destaca la tremenda vitalidad
del caballo, con su cola y crines al
viento, y la sarmentosa ascensión
del tronco.
Sitúa al duque de Lerma sobre un
fondo de batalla y destacando las
siluetas ante un cielo eléctrico de
tormenta.

41. RUBENS:
La erección de la Cruz.
Destinado a la iglesia de Santa
Walpurgis, por encargo del rico e
influyente comerciante Cornelis
van der Geest.

42. RUBENS. El juicio de Paris.

43. RUBENS
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Las tres Gracias.
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El color de las carnes blandas es
fruto de la combinación de los
tres colores primarios: rojo,
amarillo y azul.
Con el fin
de acentuar la
sensualidad, Rubens hizo que en
sus siluetas predominaran las
líneas sinuosas.
Las Gracias aparecen o bien
desnudas o bien cubren sus
cuerpos con gasas.
Se aprecia una gran delicadeza
en los gestos, que parecen
empezar una danza.
En el fondo se observa un
paisaje idílico, con animales que
pacen.
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45. RUBENS
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Las tres Gracias.
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La inspiración le viene a Rubens
de la mitología griega.
La gracia de la derecha es la
primera mujer del artista,
Isabella Brandt.
La situada a la izquierda es
Hélène Fourment, la segunda
esposa.
El artista conservó esta obra
hasta su muerte. Su segunda
mujer estuvo a punto de quemar
el cuadro.
Por último, Felipe IV lo adquirió
en la subasta de bienes que se
llevó a cabo a la muerte del
pintor.
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46. Diana y sus ninfas sorprendidas por sátiros
En los temas mitológicos, Rubens se recrea en composiciones llenas de fantasía y
dinamismo.
Describe una danza en la que las figuras forman grupos que se encadenan
constituyendo un todo armónico, desde la ninfa que huye a la derecha hasta la que
con la lanza se resiste a los agresores.
El dinamismo de estos personajes contrasta con el estatismo de las figuras en
primer término.

47. Retrato de María de Médicis.

48. Llegada de María de Médicis.

49. Adoración de los Reyes. Museo del Prado

50. Triunfo de la Eucaristía sobre la idolatría

51. Van Dyck:El artista y su protector Sir Porter.

52. Van Dyck: Carlos I de Inglaterra.

53. Van Dyck: Retrato de Lord y Lady Hamilton.

54. FRANS HALS: Las regentes del asilo de Haarlem

55. FRANS HALS: Banquete de los arcabuceros de S. Jorge de Haarlem

56. FRANS HALS: La gitana.

57. Ruysdael. El molino.
El paisaje es el género cultivado
de forma preferente por Ruysdael.
Los paisajes holandeses son
inconfundibles:;
a
línea
de
horizonte es muy baja, con lo cual
un cielo de nubes eléctricas ocupa
la mayor parte de la tela; las luces
que se filtran a través de ellas y se
reflejan en las aguas son el
elemento fundamental.
Aquí Ruysdael prefiere las luces
de tormenta, con un cielo plomizo,
las luces fugitivas sobre los tejados
y las aguas, y en contraposición la
mole quieta, desafiante del molino.

59. Ruysdael. River Landscape.

60. Hobbema. Avenida de Middelharnis.
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Hobbema se inclina por los paisajes
estáticos, por los árboles erguidos y los
caminos que se alejan hacia el
horizonte.
La convergencia de las hileras de
árboles y los efectos de luz
contribuyen a subrayar la sensación
de lejanía.
Esta obra constituye uno de los más
claros ejemplos de la profundidad
continua del Barroco.

62. Vermeer de Delft
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En sus composiciones la luz
alcanza una sutileza suprema.
Muestra una gran sensibilidad
para los espacios interiores.
La lechera.
Magistral estudio de luz.
Es una naturaleza muerta de
intensa poesía sobre la mesa y un
acorde de amarillos y azules
típicamente vermeeriano.
En la subasta de Amsterdam de
1696 se consignó:
“Extraordinariamente bueno”.

63. Vermeer de Delft. El pintor en su taller o El taller del artista. (1665-6)
Prodigioso estudio de la luz, que
penetra por el ángulo superior
izquierdo e ilumina la cortina por
delante.
Por una ventana invisible la luz
inunda la habitación con diferentes
intensidades en cada zona.
Vermeer utilizó la cámara oscura.
Se trata de un instrumento conocido
desde la antigüedad que reproduce
sobre un plano cualquier imagen
tridimensional que se sitúe en ella.
Consiste en una caja cerrada (el
tamaño es variable) con un orificio en
uno de sus lados, que permite el paso
de la luz reflejada por los objetos
hasta reproducirse la imagen
invertida en el fondo de la misma.

64. Vermeer de Delft. El pintor en su taller o El taller del artista. (1665-6)

65. Vermeer de Delft
El geógrafo. (1668-9)

66. VERMEER DE DELF
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LECCIÓN DE MÚSICA

67. VERMEER DE DELFT
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La carta.

68. Vermeer de Delft
La muchacha de la perla.

69. Vermeer de Delft
Vista de Delft.

70. Vista de Delft.

71. REMBRANDT: Lección de anatomía del doctor Tulp, 1632.
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Es la pintura sobre medicina más famosa del mundo.
En la pintura no prevalece la jerarquía de los retratados, como era habitual,
sino que otorga primacía a la acción.
La luz, irreal y artificiosa, procede de arriba y acentúa el contraste entre la
frialdad que desprende el cuerpo desnudo y sin vida del cadáver y la calidez
de los rostros de los asistentes a la clase de anatomía.

72. 
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El claroscuro y la calidad atmosférica dan intensidad y emoción a la escena,
y relieve escultórico a las figuras.
La rojez del brazo diseccionado del difunto resalta en este conjunto
dominado por el claroscuro y por los colores negro y blanco de las ropas.
Se trata de un retrato colectivo, en el que aporta innovaciones importantes.
Aquí Rembrandt subordina el rango individual de los personajes a la acción
narrada
Respeta la tradición que otorgaba a todos los personajes las mismas
dimensiones, por lo que el artista optó por situarlos de forma piramidal.

74. Los siete personajes, situados alrededor de la cabeza del cadáver, asisten a la
clase que imparte el doctor Tulp.

75. Uno de los asistentes sostiene un folio con el nombre de los siete asistentes, que
pagaron para asistir a la lección del doctor Tulp.

76. Cerca de los pies del cadáver se observa un libro abierto, probablemente un
manual de Andreas Vesalius.

77. Un fondo arquitectónico enmarca la escena. En el cartel colgado en la pared
trasera, constan el nombre del artista y la fecha de ejecución, 1632.

78. 
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Rembrandt: La ronda de noche, 1642.
Pintada para los arcabuceros de la Guardia Cívica.
La obra se llama indebidamente Ronda de noche, por la aparente atmósfera
nocturna que invade el cuadro, fruto de la suciedad acumulada.

79. 
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Rembrandt. La ronda de noche, 1642.
La limpieza a la que fue sometida el cuadro en 1946 demostró que el capitán
Banning Cocq, vestido de negro con una banda roja terciada sobre el pecho, su
lugarteniente y la compañía militar salen con estandarte y música de tambor por la
puerta de la ciudad a plena luz del sol.

81. 
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La ronda de noche, 1642.
Probablemente plasma un desfile de milicias cívicas con motivo de la visita
de María de Médicis a Amsterdam en 1638.
Es un retrato colectivo que rompió con la tradición retratista de su época.
Rembrandt transformó el género al convertir la escena en un conjunto de
múltiples figuras realizando acciones dispares, y al emplear el claroscuro
como método de escenificación dramática.

82. 
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La ronda de noche, 1642.
Tres figuras destacan en la composición: el capitán Cocq y su teniente Van
Ruitenburch, que encabezan el grupo y son iluminados con especial
intensidad, y la muchacha de resplandeciente vestido dorado en segundo
término.

83. Copia de La ronda de noche anterior a la mutilación del lienzo en 1715, donde
se puede observar sus dimensiones originales.

85. Rembrandt. Los síndicos de los pañeros.
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En 1662, el gremio de fabricantes de tejidos le solicita el retrato de los
miembros que ocupan la mesa de gobierno para conmemorar el final de
su mandato.
Son sorprendidos por el pintor en una junta económica de balance
positivo.

86. Rembrandt. Los síndicos de los pañeros.

87. Rembrandt. Los síndicos de los pañeros.

88. Rembrandt. Retrato de Saskia

89. Rembrandt. Retrato de Saskia

90. REMBRANDT. Hendrickje en el lecho.

91. REMBRANDT. Autorretratos.

92. REMBRANDT.
Autorretratos.

93. REMBRANDT.
Autorretratos.

94. REMBRANDT.
Autorretratos.

95. Rembrandt. Paisajes.

96. Rembrandt. Paisajes.

97. Rembrandt. Paisajes.