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PUNTO VISUAL 1
FONDO VISUALRevista de Artes Visuales
Viernes 4 de julio del 2014 • ‌Año 1 • N°1
Renace el arte realista contemporáneo | Conociendo la historia del Arte Gráfico | La PUCP y el
Arte del Grabado | Técnicas del Grabado : Litografía, Xilografía, Serigrafía y Grabado Aditivo. | Artistas
visuales del mes | Obras visuales destacadas del mes

2 PUNTO VISUAL PUNTO VISUAL 3
INDICE
5-7
8-9
10-12
14-17
18-19
20-22
Renace el arte realista contemporáneo
Conociendo la historia del Arte Gráfico
La PUCP y el Arte del Grabado
Técnicas del Grabado : Litografía, Xilografía,
Serigrafía y Grabado Aditivo.
Artistas visuales del mes
Obras visuales destacadas del mes
editorial
La gran particularidad
del arte, es su REINVENCI
ON, y es que se reinventa
con el pasar del tiempo. Hoy
somos testigos de las mara-
villas que se logran fusionan-
do nuevos estilos con estilos
tradicionales, incorporando
corrientes alternas de otro
tipo de arte a las tradiciona-
les y poco a poco vemos
cómo es que se crean nue-
vas tendencias.
Esta revista busca no solo
ser una fuente de conoci-
miento, sino también ser
una plataforma de expresión
para aquellas nuevas formas
de artes visuales que se van
entretejiendo y que pasan
desapercibidos. En este núme-
ro, nuestra primera edición,
buscamos dar a conocer un
arte que se ha dejado de
lado hace algún tiempo, El
Grabado.
En las siguientes páginas se
desarrolla de qué se trata
este arte y qué se escon-
de dentro de éste. Además,
los lugares en los que se
puede aprender profesional-
mente este arte en Lima,
Perú. Nuestra meta es que
al finalizar la lectura de este
número nuestro lector sienta
que aprendió sobre el gra-
dado pero sobre todo que
pueda reconocer el arte del
grabado y así contribuir, de
alguna forma, a la revalo-
rización de un arte que se
considera casi perdido.
Foto: R.Romero
Foto: R.Romero
Foto: R.Romero

Renace el
arte realista
contemporáneo1
Nuevo movimiento de artistas asocia lo “contemporáneo” con
técnicas tradicionales de antiguos maestros.
El término “arte contemporáneo” fue, por mucho
tiempo, asociado con movimientos modernistas
y posmodernistas porque cuando esas tendencias
emergen, las palabras “arte contemporáneo” o “arte
moderno” también son el arte actual. Sin embargo, es-
tos movimientos comenzaron décadas atrás y hoy los
términos están desviados.
Un nuevo movimiento de artistas está devolviendo el
término “contemporáneo” y lo están asociando con
las técnicas tradicionales de los antiguos maestros,
aplicado a la experiencia humana, así como a temas
importantes de la época.
El público en general se está cansando del arte que
necesita largas explicaciones y justificaciones. Más
y más personas quieren reconocer lo que están bus-
cando y responder a esto, preferiblemente, a un nivel
humanista y no solo a algo conceptual. El movimiento
realista contemporáneo comenzó primero como una
reacción a los modernistas y posmodernistas, quienes
todavía dominan el mercado del arte en el presente.
Cuando uno puede tomar un objeto encontrado,
ponerlo en un museo y llamarlo arte, el sentimiento
general entre este movimiento creciente es que la de-
finición de arte se ha vuelto tan amplia que la palabra
“arte”, como se define en el arte corriente, ha dejado en
tener un significado.
El movimiento modernista originado a principios de
1900 y una crítica de ese tiempo señalaron que “El
propósito reconocido del arte ha sido manipulado al
introducir los elementos componentes de palabras fal-
tantes… muchos amigos del arte esperan que llegue a
su destino, pero unos pocos campeones ven una revo-
lución en progreso”. Yockney, Alfred.
Los oprimidos modernistas, prontamente, se apodera-
ron del mundo del arte, dominándolo completamente
a fines de 1940. Después de la tragedia de dos gue-
rras mundiales y la gran depresión, la humanidad fue
abandonada con un corazón de cinismo y una mente
llena de pensamientos existencialistas, dos cualidades
que el arte moderno y posmoderno llevaron hasta el
fondo.
En reacción a esta visión negativa de la humanidad
y sus logros, los realistas contemporáneos sintieron
que a la humanidad se la sirve mejor al representar, a
través del arte, las cualidades en la vida que nos unen
“La mujer”. Pintura al óleo.
Ángel Peychinov

surge y resurge
arte
nuevo y olvidado
La historia nos ha llevado, una vez
más, a un círculo completo con los
realistas contemporáneos ya que
los oprimidos tratan de levantarse
y luchar en contra del arte moder-
no establecido, el cual ha tratado
de suprimir el realismo por 100 años
a través de su devaluación, ambos
como expresión del espíritu humano
y como una legítima forma de arte
contemporáneo.
El realismo es todavía una parte
pequeña del trabajo que se hace
en el mundo del arte pero ha en-
contrado raíces sólidas que conti-
núan creciendo y floreciendo en un
mundo desesperado por arte que
se pueda observar, reconocer y re-
lacionar sin requerir de largas expli-
caciones o justificaciones.
Al usar métodos tradicionales de
métodos narrativos para contar
historias, proezas técnicas, repre-
sentaciones exactas de la realidad,
belleza, composiciones balancea-
das, iluminación sensacional y, lo
más importante, temas relacionados
a lo humano expresando la natura-
leza humana que compartimos, el
movimiento realista contemporáneo
se ha convertido en un representa-
tivo cambio global de rápido cre-
cimiento en el mundo del arte en la
actualidad.
como personas, en lugar de la degradación de la civi-
lización.
Nada dice más de una cultura que el arte que idola-
tra. El arte representa lo que una cultura valora, lo que
piensa su gente y, esencialmente, lo que considera que
vale la pena recordar. El arte representa a su gente, en-
capsulando su esencia en cada nivel.
Los realistas contemporáneos buscan, en el arte que
estuvo antes de esas catástrofes globales, a los viejos
maestros y especialmente, a los artistas clásicos del
siglo XIX, cuyos trabajos llegaron
a lo más alto antes de la arreme-
tida del modernismo. Ellos son
ahora los progenitores de un re-
nacimiento con nuevos temas que
abarcan libertad de expresión a
través de la narración de cuentos
visuales.
Internet se ha vuelto la herra-
mienta más importante para el
movimiento realista. Le permite
al movimiento ganar fuerza desde
hace 10 años al unir las mentes con
gustos similares, capacitándolas al
encontrarse entre ellos mismos
y promover sus pensamientos a
otros.
A través de grupos tales como
GoodArt, el Art Renewal Center
-ARC- (centro para la renovación
del arte) fue fundado como un
centro para el realismo. Se convir-
tió en el museo más grande en In-
ternet y el único, en ese momento,
dedicado al arte tradicional.
El ARC buscó las pocas escuelas
de estudio que todavía utilizaban
métodos de entrenamiento pro-
venientes de los viejos maestros y
encontró solo a 14 funcionando en
ese momento, con menos de 200
estudiantes, ARC lo dio a conocer
al público.
Desde ese momento, las escuelas
de estudio han crecido drástica-
mente, con más y más creadas cada año. En la web
que habla sobre la renovación del arte, 72 escuelas de
estudios y talleres están registradas ahora, con mu-
chos estudiantes y hay muchas fuera que no se han
registrado.
Otras alianzas también se han formado, tales como la
Sociedad Americana de Realismo Clásico, el Gremio
Internacional de Realismo, Sociedad Americana de
Retrato Artístico, Pinturas al Óleo de América, Pintu-
ra de Dibujo Chino Internacional y el Club de Arte en
California, entre muchos otros.
Ahora hay revistas que se dedican al realismo, tales
como Fine Art Connoisseur, Plein Air, Artist Advoca-
te, American Arts Quarterly, Art of the West, y otros.
El instructor principal de la Ani Art Academy Wai-
chulis, Anthony Waichulis, comenta: “En pocos años
atrás, he encontrado que las solicitudes y preguntas se
han incrementado diez veces. Parece que este constan-
te resurgimiento del realismo está alentando a nuevos
artistas aspirantes a perseguir con entusiasmo estas
habilidades en una escala que no se había visto antes.
Las escuelas de estudios son la base del movimiento.
James Oliver escribió: “Soy un artista que se ha des-
encantado del mundo del arte a tal grado que, en vez
del arte, he perseguido una educación científica. Creo
que este sitio es la primera indicación real de que la
locura está comenzando a despejarse en tanto la hu-
manidad redescubre la belleza”.
Las escuelas de estudio, organizaciones, revistas y si-
tios de Internet no solamente muestran señales del
resurgimiento del arte tradicional. Los precios en su-
bastas para pinturas y esculturas realistas se han in-
crementado drásticamente en los últimos 35 años, es-
pecialmente las del siglo XIX, con pinturas de artistas
tales como William Bouguereau subiendo, en algunos
casos, 1.000 veces o 100.000 por ciento.
No parece posible que los precios elevados en las su-
bastas de pinturas del siglo XIX y la contínua expan-
sión del movimiento realista contemporáneo estén sin
relación, o aislados, en la tendencia del movimiento
global hacia el realismo.
Galerias, incluso algunas importantes como Hirschl
y Adler, en Nueva York, están vendiendo y haciendo
shows para artistas realistas de nuevo. Los museos es-
tán aceptando las obras realistas en sus colecciones,
incluidas las obras de artistas que todavía estan vivos.
John Angel tuvo, recientemente, su retrato titulado
“Annigoni 1954”, incluido en el museo Villa Peyron
en Florencia, Italia. La pintura es de Pietro Annigoni,
un raro realista de mediados del siglo XX, quien es
citado diciendo, “Solamente el impulso no hace una
obra de arte”.
El maestro viviente y escultor Richard MacDonald
trabaja, generalmente, en instalación masiva de obras
múltiples para el Royal Ballet de Inglaterra.
En reacción a que más y más personas están volvien-
do a apreciar el arte tradicional, las personas no tie-
nen miedo de decir que no les gusta el modernismo.
El presidente de ARC, Fred Ross, declaró en su discur-
so en 2001, dirigiéndose a una multitud de 700 artis-
tas de retratos, propietarios de galerías y miembros de
la prensa en el museo Metropolitano de Nueva York:
“La mayoría de personas no son devotas o educadas
en las bellas artes, estas han intimidado exitosamen-
te al grueso de la humanidad a encogerse en silencio,
sintiéndose tontos por su inhabilidad para entender”.
Pintura figurativa al óleo.
German Tessarolo

2 conociendo la historia
del Arte Gráfico
A pesar de ser una de las artes más antiguas no ha quedado en el
olvido. En nuestro país, dos casas de estudio enseñan esta carrera.
El término de artes gráficas se refiere, básicamente, a
la elaboración de todo tipo de elementos visuales rea-
lizados a partir de un conjunto de técnicas de dibujo
y grabado. Es decir, es un proceso artístico de la crea-
ción y elaboración de un concepto/ diseño, utilizando
un soporte y para realizar una transferencia de dicha
imagen a un sustrato, creando así una expresión ar-
tística.
Las artes gráficas toman mayor importancia a raíz de
uno de los acontecimientos más importantes de la his-
toria de la humanidad, la invención de la imprenta de
tipos móviles por parte del orfebre de origen alemán
Johannes Gutenberg, el cual realizó la impresión de
la Biblia.
Es en este momento cuando se comienza a agrupar a
estos oficios, aquellos relacionados con la impresión
y el arte gráfico como la acomodación de los tipos mó-
viles, la encuadernación, la impresión, los acabados,
etc.
Tiempo después, hacia finales del siglo XVIII, aparece
un nuevo procedimiento: La Litografía, desarrollado
por Aloys Senefelder. . La Litografía consiste en una
novedosa técnica de impresión, donde a partir de la
repulsión natural entre el agua y el aceite se utilizó una
piedra caliza y una barra de cera realizar impresiones
Tiempo después llegaría la prepensa o fotomecánica,
esta técnica obtiene transparencias negativas, o posi-
tivas, de imágenes, dibujos, documentos, etc, las que
podían usarse para realizar copias fieles en un plancha
cuando entran en contacto con la misma. Se usaban
PUCP
La Pontificia Universidad Católica
del Perú desarrolla la carrera de
Grabado dentro de la Facultad de
Arte. La carrera tiene una duración
de 5 años académicos, con lo cual
el alumno temrina con el título de
Bachiller en Arte con mención en
Grabado. Además, la formación
artística que brinda la universidad
permite al alumno desarrollarse
tanto independientemente, en
la docencia, como director de
proyectos de investigación y/o en
la edición de grabados o libros
artísticos.
http://facultad.pucp.edu.pe/arte/
ESCUELA NACIONAL
AUTÓNOMA DE BELLAS
ARTES DEL PERÚ
La formación en el Departamento
Académico de Grabado busca
brindar el adecuado manejo de
materiales, dominio de técnicas y
tecnologías para la construcción
y desarrollo de proyectos
plásticos complejos, que incluyen:
la investigación, el desarrollo de
un pensamiento comunicativo, la
experimentación y la generación de
una propuesta personal o colectiva
autentica, representativa y valiosa
para el arte y la sociedad.
grandes máquinas, así como cámaras especiales que
dividían el color de las imágenes
Ya hacia finales del siglo XIX se produce una mejora
sustantiva en cuanto a la impresión, se creó el Sistema
Offset. Este sistema mejoraba drásticamente la cali-
dad de la impresión empleando un sistema indirecto
de tres cilindros.
Luego aparecieron también otros sistemas de impre-
sión, como la flexografía, la serigrafía, o el huecogra-
bado, entre otros.
Actualmente, las nuevas tecnologías y su constante
desarrollo han colocado en la delantera a la impre-
sión digital. Este arte gráfico se utiliza, en su mayoría,
como un medio de promoción publicitaria aplicándo-
se diversas técnicas en rótulos y carteles, páginas web,
envases y cajas, recipientes y botellas, y etiquetas.
En nuestro país, existen diversas casa de estudio que
ifrecen la posibilidad de poder estudiar y volverse un
profesional de arte visual digital. Sin embargo, si lo
que buscamos es aprender y desarrollarnos en aque-
llas técnicas tradicionales de impresión, como el gra-
bado, la litografía, serigrafía, etc. Pues el grueso de las
casas de estudio se reduce drásticamente a solo dos:
La Pontificia Universidad Católica del Perú PUCP, y la
Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes.
del Perú.
Son estas dos instituciones las que cuentan con la
carrera de Arte. En ambas instituciones se tiene que
postular para poder pasar por un proceso de admi-
sión y saber si es aceptado por la respectiva casa de
estudio a la que se postule. Las dos escuelas dan el
título de Bachiller en Arte al culminar los 10 semes-
tres académicos que confôrman la carrera, y ambas
también dan la certificación de Licenciados en Artes
Plásticas y Visuales con mención en Grabado, en el
caso de la Escuela Nacional Autónoma de Bellas Artes
y Licenciado en Arte con mención en Grabado, en el
caso de la PUCP.
Si bien es cierto que estas instituciones difieren en el
carácter de enseñanza, tanto particular como nacio-
nal, cabe resaltar que la calidad de la enseñanza en
ambas es de completa excelencia y que ambas mantie-
nen estandares educativos muy altos dignos de cual-
quier intitucion educativa artística.
Técnica del grabado aditivo.
Foto: R.Romero

La PUCP y el Arte del
Grabado
La actual Facultad de Arte comienza sus actividades
en el mes de agosto del 1939, cuando iniciara sus
clases la Academia de Arte Católico, cuyo fundador y
director fuera el Profesor Adolfo Winternitz.
Con el transcurrir del tiempo su denominación
cambió hasta llegar a ser finalmente la Facultad de
Arte. Asimismo, a los cursos primigenios de Dibujo
y Pintura fueron incorporándose nuevas disciplinas,
como las más recientes de Diseño Industrial y de
Educación Artística.
El año 1979, la UNESCO reconoce el método creado
por el maestro Winternitz como ejemplo para las
escuelas de Arte de América Latina y El Caribe. Como
consecuencia de ello, la entonces
Escuela de Artes Plásticas fue
invitada a realizar, en París, una
exposición demostrativa de su
sistema pedagógico.
La Facultad de Arte de la PUCP
está en constante adecuación
a la realidad cambiante del
mundo artístico. Sin embargo,
dentro de ese continuo devenir
se respetan sus lineamientos
básicos, que proporcionan a sus
estudiantes los fundamentos de un
lenguaje plástico. Estos, unidos
con los propios de la formación
universitaria, facilitan el ejercicio
de su vocación y suministran a los
estudiantes una visión amplia y
clara del contexto en el cual se desenvuelven, tanto en
el aspecto individual como en el ámbito colectivo.
Es de especial interés para esta unidad que sus
egresados, además de poder desplegar sus habilidades
artísticas, tengan plena conciencia de que en un
mundo cada vez más interrelacionado se pueden tener
comopuntosdereferenciaunaseriedeplanteamientos
de diversa índole, pero que lo importante es saber
utilizarlos para concretar una propuesta original que
no sea mera repetición de paradigmas predominantes
en otras realidades.
La Facultad de Arte ofrece actualmente seis
especialidades: Pintura, Escultura, Grabado, Diseño
Gráfico, Diseño Industrial y Educación Artística. El
plan de estudios contempla que el alumno que opte por
alguna especialidad debe haber aprobado previamente
los cuatro semestres de Estudios Generales que se
imparten en nuestra unidad académica.
La Facultad de Arte proporciona a sus estudiantes
los elementos fundamentales para que su formación
tanto artística como intelectual tenga la alta calidad
que una institución como la nuestra hace posible.
Independientementedelaformaciónqueactualmente
se imparte a nuestros alumnos, consideramos que
se requiere incidir de manera fundamental en la
transmisión de los elementos cognitivos, de manera
que los doten de una base sólida que les permita
sustentar teóricamente sus planteamientos en lo que
respecta a sus obras personales, y realizar una tarea
de investigación vinculada con los procesos de otras
disciplinas artísticas.
Los Estudios de Formación General comprenden
un período de 4 semestres, los cuales contienen una
serie de asignaturas obligatorias de carácter artístico y
teórico para los alumnos de todas las especialidades,
junto con las respectivas introducciones obligatorias
según la especialidad.
Las asignaturas de Dibujo Técnico y Dibujo
Geométrico 2 son alterno-obligatorias; es decir, el
alumno puede llevar una de las dos, aunque Dibujo
Técnico es obligatoria para Diseño Industrial.
Algunas asignaturas se extienden algunos semestres
más. Se trata de las asignaturas de Historia del Arte
(hasta el semestre 6) y Dibujo del Natural (hasta el
semestre 8);estas últimas son obligatorias solo para
las especialidades artísticas. Las asignaturas teóricas
de Estudios de Formación General se extienden hasta
el semestre 10 o 12, de acuerdo a la especialidad.
Las asignaturas obligatorias para las especialidades de
Grabado, Escultura y Pintura desarrollan y fortalecen
las habilidades necesarias para escribir el trabajo final
(Memoria o Investigación temática).
La misión de la facultad es desarrollar, a nivel
profesional, el talento de los futuros artistas plásticos
y diseñadores del Perú, asumiendo el compromiso
de generar cultura a través de proyectos artísticos e
investigaciones, y poniendo especial énfasis en el
acento humanista y de compromiso social de nuestra
Universidad.
Asimismo, la visión es ser una de las Facultades
de mayor compromiso con el desarrollo del país,
fomentando la creación y adecuación de carreras
profesionales que respondan a necesidades concretas
de nuestra sociedad, tanto en el ámbito del diseño
como de las artes plásticas.
La Facultad de Arte PUCP , una de las primeras casas de estudio
en profesionalizar el arte en Latinoamérica.
HISTORIA DEL ARTE EN LA PUCP
ESTRUCTURA DE LOS ESTUDIOS
ARTÍSTICOS
MISIÓN Y VISIÓN DEL ARTISTA
PUCP
Dibujo y modelado. 74 Expo 2012.
3

En el grabado se conjugan aspectos conceptuales, es-
téticos y técnicos, en los cuales la investigación, la ex-
perimentación y el estudio de las diversas técnicas de
impresión llevan a la producción de una obra gráfica.
La cualidad del grabado es la reproducción, por eso
desarrolla a través del proceso creativo y reflexivo, una
serie de propuestas artísticas (grabar, repetir, incidir,
arañar, entintar, imprimir o estampar) que tienen
como base la matriz donde se aplican diversas técni-
cas de dibujo, componiendo y creando de esta forma
la imagen gráfica.
Los métodos de impresión empleados en el grabado
van desde los utilizados en los inicios de la imprenta
(intaglio, litografía y xilografía) hasta los sistemas di-
gitales de reproducción.
La vocación es importante cuando el alumno quiere
dedicar su vida al arte, pero debe tener en cuenta que
debe estar acompañada de disciplina y constancia. La
sensibilidad, el talento y el conocimiento se desarro-
llan a lo largo del tiempo, en un proceso de búsqueda
interior que lo enfrenta con sus propias limitaciones e
inquietudes. Debe ser capaz de alternar el estudio y la
práctica, cuidando de seguir el proceso de aprendizaje
que requiere un verdadero artista. El alumno podrá
realizar su propia obra, desarrollándose como artista
profesional, utilizando talleres de edición e impresión.
Asimismo, realizará ediciones de grabado y libros ar-
tísticos. Su formación lo capacitará para desempeñar-
se en la docencia, dirigiendo talleres en universidades,
institutos y escuelas de arte. Además, podrá liderar
proyectos de investigación y programas de entidades
culturales y sociales.
Foto: R.Romero
Foto: R.Romero
EL GRABADO EN LA PUCP

4 Técnicas del grabado
Técnica empleada para conseguir la reproducción de
una imagen cuya matriz es una piedra caliza pulida.
En esta técnica no se graba la piedra, sino que se em-
plea la característica que tiene cierta variedad de caliza
para reaccionar químicamente ante la presencia de las
grasas.
La imagen se realiza sobre la piedra dibujando con un
lápiz graso que recibe el nombre de “lápiz litográfico”
o con tintas especiales para litografía. Una vez reali-
zado el dibujo se procesa la piedra con una solución
de ácido y goma arábiga, consiguiendo que el dibujo
quede fijado a la piedra y estable.
Se humedece la piedra y la tinta se aplica con rodillo,
el rechazo que ejerce la zona dibujada (grasa) sobre
el agua, y el rechazo del agua sobre la tinta aplicada
(también grasa) hace que la tinta solo se deposite so-
bre el dibujo. Para obtener las copias se utiliza una
prensa litográfica.
LITOGRAFIA
La serigrafía consiste en transferir una tinta a través de
una malla tensada en un marco. El paso de la tinta se
bloquea en las áreas donde no habrá imagen mediante
una emulsión o barniz, quedando libre la zona donde
pasará la tinta.
Se sitúa la malla, unida a un marco para mantenerla
siempre tensa, sobre el soporte a imprimir y se hace
pasar la tinta a través de la malla, aplicándole una pre-
sión moderada con un rasero, generalmente de cau-
cho.
La impresión se realiza a través de una tela de trama
abierta, enmarcada en un marco, que se emulsiona
con una materia fotosensible. Por contacto, el original
se expone a la luz para endurecer las partes libres de
imagen. Por el lavado con agua se diluye la parte no
expuesta, dejando esas partes libres en la tela.
El soporte a imprimir se coloca debajo del marco,
dentro del cual se coloca la tinta, que se extiende sobre
toda la tela por medio de una regla de goma. La tinta
pasa a través de la malla en la parte de la imagen y se
deposita en el papel o tela.
Actualmente la serigrafía en seda es la técnica más
conocida de las serigrafías. Esta técnica se emplea en
numerosos objetos cotidianos como posters, camise-
tas, tejidos estampados... el uso más famoso de esta
técnica se puede ver en las obras de Andy Warhol.
SERIGRAFÍA
Foto: R.Romero
Foto: R.Romero
Foto: R.Romero
Foto: R.Romero

Técnica serigráfica. Fuente: Decorpeint
XILOGRAFÍA
Es la técnica de grabado más antigua, considerada
dentro del rubro de Grabado de Relieve, en la que
se emplea como matriz una superficie de madera,
generalmente maderas duras como el boj, el peral o
el cerezo.
El dibujo sobre la plancha puede hacerse de dos
maneras; haciendo los trazos en el sentido de la veta,
siguiendo la dirección de las "fibras" que conforman
el tallo del árbol, o bien transversalmente, haciendo
cortes perpendiculares a la dirección de las fibras que
conforman el tallo del árbol.
Sobre la matriz de madera se construye la imagen
tallándola mediante herramientas con las que se
rebaja la superficie de la matriz, obteniéndose huecos
que corresponden al color blanco o a la ausencia de
color.
Suelen utilizarse cuchillos y gubias para el grabado a
fibra, mientras que para el grabado a contrafibra se
emplea el buril, que permite trabajar sobre superficies
más duras y obtener surcos más delgados y precisos.
Cuando se ha terminado de tallar la imagen, se
entinta la matriz con un rodillo, que deposita la tinta
en toda la superficie de la matriz, salvo en los huecos
tallados con las gubias (los blancos). Finalmente, la
imagen se pasa al papel utilizando una prensa vertical
o un tórculo.
GRABADO ADITIVO
Los procesos aditivos pertenecen a los Sistemas de
Estampación, y dentro de éstos, se sitúan en el grupo
de técnicas de grabado aditivas, ya que para crear la
matriz se añade materia sobre el soporte. Ésta será de
diferente naturaleza dependiendo de la técnica con-
creta, y deberá reunir una serie de requisitos para su
uso en los procesos de grabado y estampación, como
por ejemplo:
- Presentar una consistencia que nos permita trabajar
y obtener los resultados que se pretendan, salvo en los
casos en los que se trabaje con materiales u objetos,
que no necesiten modificación.
- Ser capaz de retener y permitirnos regular la canti-
dad de tinta que se desee.
- Adquirir una consistencia dura que permita resistir
las operaciones de entintado, limpieza y presión en
la estampación. Estos procedimientos surgen con la
aparición de nuevos materiales, y aportan un enrique-
cimiento considerable a los procesos tradicionales de
grabado, ampliando su vocabulario en sintonía con las
claves estéticas más actuales. En este tema, se aborda-
rán las siguientes técnicas aditivas:
“Grabado al carborundo”, “Collagraph” y “Grabado
con masilla de poliéster”.
Foto: R.Romero
Foto: R.Romero
Grabado aditivo por
Maria Julia Gallego

5 ARTISTAS VISUALES
del MES
THEO JANSEN
JOSÉ SABOGAL
Theo Jansen es un artista y escultor cinético holandés
que construye grandes figuras imitando esqueletos de
animales que son capaces de caminar usando la fuerza
del viento de las playas holandesas.
Sus trabajos son una fusión de arte e ingeniería gracias
al uso de algoritmos genéticos, programas que poseen
una evolución dentro de su código y que se pueden
modificar para solucionar variedades de problemas
incluyendo diseños de circuitos, y en el caso de las
creaciones de Theo Jansen, sistemas muy complejos.
Desde su laboratorio de Ypenburg, Jansen estudia
la historia de la evolución biológica para dotar a sus
nuevas generaciones de criaturas de capacidades cada
vez mayores.
En el futuro, el artista holandés prevee que sus
creaciones se volverán cada vez más sofisticadas
anatómicamente: desarrollarán músculos, un sistema
nervioso,yalgúntipodecerebroquelespermitatomar
decisiones complejas. Y un día, anhela, las criaturas de
la playa no le necesitarán para seguir evolucionando.
Manadas completas en las playas competirán por ser
las más veloces y estables, y transmitirán de manera
autónoma su ADN a las siguientes generaciones,
integradas ya por completo en su ecosistema.
Pintura de José Sabogal
José Sabogal es un pintor peruano quien dedicó
muchos años de su vida a promover la cultura y
esteticas precolombinas a través de su arte mostrando
interes en representar a la ciudad y sus habitantes en
sus pinturas.
Nació en Cajabamba, Cajamarca, el 19 de marzo de
1888 y murió Lima el 15 de diciembre de 1956. Hoy,
su obra es reconocida nacional e internacionalmente
por haber dedicado su vida a promover el movimiento
indigenista del Perú.
Sabogal promovió el rescate de temas de costumbres
y el paisaje peruano retratándolos con colores vivos y
aplicando una pincelada fluida con una composición
vigorosa.
Sin embargo, hubo gente que lo catalogaba como "el
pintor de lo feo" al tener una técnica cruda que llegaba
a veces a la caricatura con estilizaciones figurativas.
Tras cursar estudios en Argentina y un breve paso
por el Cuzco, Sabogal llega a Lima en 1919 y expone
una serie de obras bajo el título "Impresiones del
Ccoscco". La cual le trajo muchas críticas por mostrar
un especial interés por los temas andinos, lo cual en
esos tiempos no era muy bien acogido.
Para José Carlos Mariátegui, Sabogal es, ante todo, el
primer pintor peruano. La temática y estilo de Sabogal
tiene un proceso biológico, espontáneo y ordenado",
dijo el bate peruano en 1927.
Theo Jansen junto a una de sus
esculturas cinéticas
José Sabogal

6 OBRAS visuales
DESTACADAS DEL MES
“Tu eres eso”, nombre de la exposición, es la célebre
frase Vedanta “Tat tvam asi”, que nos recuerda que
todo lo que tenemos a nuestro alrededor está hecho
del mismo material que nosotros, fugaz en apariencia
e inmortal en esencia.
La muestra constará de 22 fotografías, en su mayoría
en blanco y negro, que nos envuelven en una mirada
involucrada. Un libro de viaje que revela, a través
del paisaje, un espíritu conmovido que narra los
encuentros con el asombro. La naturaleza y el espacio
interior en espejo y en diálogo.
El artista Pedro Aznar conocido por su obra musical
y poética. Con esta exposición se conocerá una nueva
puerta de su mundo creativo, la fotografía.
“Tú eres eso”
Pedro Aznar
“La obra de Rómulo Macciò difunde con inusitada
calidad y precisión la vigencia de la pintura
como reveladora de las problemáticas urbanas
contemporáneas. Rige, con particular estilo, el
paradigma pictórico argentino; conservando en
su trayecto el denodado esfuerzo para sostener su
libertad con histórica pose” sostiene Renato Rita,
curador de esta muestra donde expondrán obras
inéditas del reconocido pintor argentino.
Macciò nace en Buenos Aires en 1931. A los catorce
años empieza a trabajar en una agencia publicitaria.
Se especializa en Artes Gráficas y realiza decoraciones
y escenografías teatrales. Comienza a dedicarse
asiduamente a la pintura a partir de 1956 cuando
realiza la primera exposición en Buenos Aires. Viaja a
Nueva York y a varias ciudades europeas exponiendo
en casi todos los países que visita. En 1961 se une con
Ernesto Deira, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega para
organizar la muestra “Otra Figuración”, con quienes
realizará luego varias exposiciones.
Su pintura es más abstracta que figurativa, la figura
humana, generalmente fraccionada en líneas y planos
y otras soluciones comparativas sirve a Macció para
crear un espacio “sui generis” que no remiten a
ninguna imagen.
“Bis”
Rómulo Macció
Pedro Aznar con una serie de
fotos. Foto por: Nestor Sieira.
Muestras de la exposición “Tú eres eso”
Muestra de la
Exposición “Bis”

La artista, curadora y crítica de arte Gabriela Giurlani
nosinvitaestavezavivirunaexperienciadigitalapartir
de su Serie de la Luz. Versión de instantes grabados,
esenciales, eternos y mudables. Que dimensionan
imágenes subyacentes, proyectadas, de humanas
búsquedas epistemológicas. Renovadamente. Una
redefinición artística contemporánea de la alegoría/
mito platónico de la caverna (neocaverna), y su
dialéctica del conocimiento.
Los artistas comparten la pasión por el lugar donde
nacieron, la costa marítima de Necochea, que los
modela y el mar donde nace la vida a cada instante.
El constante movimiento del mar está en sus obras
con la abrumadora y magnética presencia del cambio
permanente.Sin embargo sus visiones son distintas,
revelándonos cada uno una versión que pareciera ser
el reverso de la otra
“Serie de luz”
Gabriela Giurliani
“Horizontes develados”
Carlos Segovia y Jerónimo Veroa
Muestra de la exposición “Serie de Luz”
Muestra de la exposición “Horizontes develados”

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